Siglo XX - Vanguardias Musicales
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Breve síntesis sobre las vanguardias musicales de la música culta europea del siglo XX, sus vertientes más notorias y los compositores más destacados
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Siglo XX - Vanguardias Musicales
- 2. En el arte, suele llamarse “vanguardia” a aquella tendencia o movimiento artístico que busca incorporar elementos nuevos de manera experimental. Una de las características principales de las vanguardias es su oposición (a veces radical) a las formas vigentes.
- 3. La música “clásica” del Siglo XX (culta, académica, erudita) presenta una gran diversidad y continúa el proceso marcado por los movimientos de fines del Siglo XIX (impresionismo, romántico tardío, nacionalismos). Se lleva así al ámbito sonoro y musical, las teorías utópicas y revolucionarias que trataron de interpretar un mundo en ebullición. Nunca se había visto semejante eclecticismo, confusión y proliferación de escuelas. Las corrientes artísticas del Siglo XX se opusieron y superpusieron, originando una gran creatividad.
- 4. •Rechazo a la tonalidad •Gran variedad de estilos musicales •Ruptura con la tradición histórica •Posibilidad de conservar el patrimonio musical •Gran repercusión del disco, similar a la de la imprenta •Desarrollo de los medios de transporte y comunicación •Mayor acceso a la música de otras culturas •Pérdida de armonía entre el hombre y la naturaleza •Nada es inviolable, todo puede ser cambiado
- 5. Las innovaciones intentaron atraer a la audiencia hacia la nueva música. El espíritu vanguardista se convirtió en propulsor del público, generando detractores que reivindicaron épocas anteriores. Surge un cuestionamiento del espíritu creador, se argumenta sobre su rebeldía o sometimiento ante las demandas del público.
- 6. •Nueva estética, la música no ha de ser necesariamente bella y armoniosa, sino auténtica. La finalidad no es el placer sino la conmoción •Ruptura: tiene que ser nuevo para ser válido, la música no se ata a reglas objetivas e intemporales, sino que refleja la actualidad •La vanguardia es un movimiento progresivo que se enfrenta a la rigidez, abriéndose a atrevidas innovaciones •A diferencia de épocas anteriores, las tendencias y modelos cambian en forma vertiginosa, progresiva e incesante
- 7. El filósofo y melómano alemán Theodor Adorno distinguió diversas maneras de escuchar música: •Escuchar como expertos •Prestar atención •Escuchar para cultivarse •Escucha emocional •Escuchar por tradición •Escuchar para divertirse •Escucha indiferente http://lamariposayelcolibri.blogspot.com/2013/05/theodor-w-adorno-tipos-de.html
- 8. Adorno afirma que la industria cultural lleva a todas partes los elementos de la sociedad de consumo, limitando y poniendo en riesgo a las culturas autóctonas. Advierte el inminente desmoronamiento de los criterios sobre la buena y la mala música, pasando a valorarse en términos de “lo entiendo o no lo entiendo”. De este modo, el arte se concibe solamente como exponente de la sociedad y no como punto de cambio de ésta, convirtiéndose así en simple artículo de consumo
- 9. Arnold Schonberg (1874-1951) escribe en 1910 que “el arte es el grito de socorro de quienes experimentan en sí mismos el destino de la humanidad, en ellos se contiene el movimiento del mundo y hacia afuera se abre paso el eco: la obra de arte”. Nace así el Expresionismo, con una postura radical de contrastes y pasiones que rayan la locura. La estética se vuelve contra la sociedad burguesa y superficial, enferma de doble moral pero de apariencia agradable. A partir de 1921 desarrolla una técnica dodecafónica que canalizó el deseo de organización, rompiendo con la jerarquía tonal. Se prohibía usar una nota más que otra y se establecía una relación serial de los 12 sonidos existentes.
- 10. De esta escuela surge el Serialismo, que aplica esta “anarquía organizada” también a otros elementos como el ritmo, la dinámica y el timbre. Así, una vez establecida la serie original, se aplican retrogradaciones e inversiones de intervalos, ampliando las posibilidades del compositor de trasponer estas series en cada uno de los 12 sonidos. Schoenberg rompió por completo con toda referencia jerárquica a la tonalidad con el llamado Atonalismo. Pese a la innovación, Schoenberg no se consideraba un vanguardista, sino que afirmaba haber arribado al atonalismo como una consecuencia inevitable del desarrollo histórico de la música.
- 11. La música del siglo XX se caracterizó por una tendencia Experimentalista, que pretendía rever de cero sus postulados. Se experimentó con sonidos producidos por la naturaleza y por las nuevas fuerzas de la electricidad. El norteamericano Charles Ivés (1874-1954) fascinado por la música al aire libre, imaginó una marcha en la que dos bandas tocaban músicas distintas y se juntaban en el centro de un pueblo, desde diferentes lugares. Estas ideas de multiplicidad, simultaneidad, ruido, silencio y creación de atmósferas, fueron los elementos sobre los que John Cage (1912-1992) basó luego su piano preparado o la música aleatoria, así como con la acción musical (happenings).
- 12. El Futurismo propone la incorporación de ruidos y máquinas industriales en la música. Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo experimentan con estos sonidos y en 1911 proclaman en su manifiesto “el atonalismo, la enarmonía, la polifonía en sentido absoluto y el ritmo libre”. El suizo Arthur Honegger (1892-1955) compuso en 1923 la obra “Pacific 231” recreando orquestalmente una locomotora en movimiento. En 1926 el norteamericano George Antheil (1900-1959) compuso su “Ballet Mecánico”, que contaba con una orquesta de ocho pianos, ocho xilófonos, una pianola, dos timbres eléctricos y una hélice de avión. Manifiesto Futurista: http://es.wikipedia.org/wiki/Manifiesto_Futurista
- 13. El húngaro Bela Bartok (1881-1945) se dedica al rescate del patrimonio tradicional de la Europa Oriental, el cual había sobrevivido a la influencia occidental. Sentó así las bases de la etnomusicología. A partir de estas danzas y canciones populares, combina esta experiencia con la música culta occidental (fue alumno de Liszt) resultando un estilo propio, virtuoso y poderoso. Su obra incluye música orquestal, coral y de cámara, piezas para piano y ballet. Las novedades se verifican en el uso de la bitonalidad superpuesta, nuevas disonancias y una gran complejidad rítmica.
- 14. Igor Stravinsky (1882-1971) tomó el folclore y el ballet ruso, creando obras provocadoras y atrevidas que reinventaron el género. Es reconocido como un músico cosmopolita, pues su obra abarca toda la variedad estilística de su época: desde óperas y formas clásicas, hasta pequeñas piezas para piano y jazz. Fue uno de los compositores más importantes de la música del siglo XX y considerado como una de las personalidades más influyentes del siglo.
- 15. Roberto García, Uruguay, 2014