Vanguardias Musicales del Siglo XX
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Breve síntesis sobre las corrientes y movimientos vanguardistas musicales, sus autores y obras representativas.
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Vanguardias Musicales del Siglo XX
- 1. VANGUARDIAS Entre fines del siglo XIX y principios del XX, los países europeos más desarrollados vivieron una época nueva y diferente que puso de manifiesto un deseo de romper con los estilos artísticos del pasado. En este momento agitado y complejo, la búsqueda de lo nuevo convivía con la permanencia del pasado y al mismo tiempo aparecían nuevas tecnologías que anticipaban el futuro. En el ámbito social el anarquismo desafiaba los valores burgueses y en el terreno artístico surgían las llamadas vanguardias, que alteraron ciertos valores establecidos desde hacía siglos. El término “vanguardia” es de origen medieval y francés (avant gardee: guardia adelantada), supone la idea de lucha y combate de pequeños grupos que se destacan del resto, van al frente y avanzan. Las vanguardias artísticas se manifestaron en grupos reducidos que se oponían a situaciones aceptadas por la mayoría, esas tendencias se enfrentaron al orden establecido y a los criterios de las clases altas, en círculos intelectuales que proponían una ruptura. Los artistas inmersos en estos cambios, se paran en una nueva dimensión innovando en todos los campos del arte, provocando la aparición de corrientes superpuestas, algunas de efímera duración. El término vanguardia se utiliza entonces para definir el desarrollo del arte en el siglo XX: arquitectura de vanguardia, cine de vanguardia, música de vanguardia, etc.
- 2. La música del siglo XX comenzó como continuación de los movimientos de fines del siglo anterior (romántico tardío, impresionismo, nacionalismo), pero hacia 1920 adoptó un enfoque más moderno que desafía la tonalidad, cambia las escalas, recurre a lo aleatorio y apela al exotismo. Comienza un período de búsqueda constante de la originalidad y de permanente ruptura con las premisas de las tradiciones musicales. Las vanguardias niegan el concepto de obra de arte acabada y autosuficiente para sustituirlo por el concepto de “obra abierta” como investigación experimental que nos invita a ser parte integrante de la composición. La música no ha de ser necesariamente bella sino auténtica y su finalidad no es gustar sino conmover. Lo nuevo es lo válido, la música de vanguardia no se ata a ninguna regla y refleja la actualidad. La vanguardia musical enfrenta la rigidez y propone atrevidas innovaciones. Surgen así una gran diversidad de géneros y movimientos que van a desembocar en la llamada “música académica contemporánea” hacia finales del siglo XX.
- 3. EXPRESIONISMO Arnold Schonberg (1874-1951) afirmaba que el arte era un “grito de socorro de quienes experimentan en sí mismos el destino de la humanidad”. Según él, los artistas “contienen el movimiento del mundo y abren paso a su eco, que es la obra de arte”. El Expresionismo asume la postura radical que contrasta con la sociedad burguesa superficial, enferma de doble moral aunque de apariencia agradable. A partir de los años 20 rompe con la jerarquía tonal y desarrolla su innovación: el dodecafonismo. Estaba prohibido usar una nota más que otra y se establecía una relación serial de los 12 sonidos existentes. Schonberg, Pieza para piano, 1923 - https://youtu.be/2lFZf69B2gQ SERIALISMO Del dodecafonismo surge el serialismo, aplicando una “anarquía organizada” a otros elementos como el ritmo, la dinámica y el timbre. Una vez establecida la serie original, se aplican retrogradaciones e inversiones de intervalos. El compositor puede trasponer estas series en cada uno de los 12 sonidos, abriendo una gran posibilidad de combinaciones. Ejercicio serialista - https://youtu.be/TNbkRoCnmxc
- 4. ATONALISMO Schonberg rompió con las referencias jerárquicas tonales y aunque no se consideraba un vanguardista, afirmaba haber arribado a ese atonalismo como consecuencia inevitable del desarrollo histórico de la música. El estadounidense Charles Ivés (1874-1954) fue un pianista y compositor que no tuvo demasiado éxito en vida, aunque hoy se le reconoce internacionalmente. Luego de pasar por varios estilos, compuso Unanswered question, una obra que le llevó décadas y que plantea misteriosamente lo que él describió como “la eterna pregunta de la existencia”. Ivés, Pregunta sin respuesta, 1940 - https://youtu.be/ZcWHl4i6Jm4 MÚSICA EXPERIMENTAL Esta tendencia pretendía revisar todos los postulados musicales conocidos, experimentando con sonidos de la naturaleza y también por las nuevas máquinas eléctricas. Charles Ivés, fascinado por la música al aire libre, imaginó una marcha en la que dos bandas tocaban músicas distintas y se juntaban en el centro de un pueblo, desde diferentes lugares. Las ideas de multiplicidad, simultaneidad, ruidos, silencios y creación de atmósferas, alimentaron a otro norteamericano llamado John Cage (1912-1992), quien basó luego su “piano preparado” y la música aleatoria, así como con la acción musical conocida como happenings. Cage interpreta en TV su obra Water walk en 1960 - https://youtu.be/gXOIkT1-QWY
- 5. FUTURISMO Los italianos Francesco Balilla Pratella (1880-1955) y Luigi Russolo (1885-1947) experimentan con sonidos y ruidos de máquinas industriales y en 1911 proclaman el atonalismo, la enarmonía, la polifonía absoluta y el ritmo libre en su manifiesto futurista. El suizo Arthur Honegger (1892-1955) compuso en 1923 la obra “Pacific 231” recreando orquestalmente el sonido de una locomotora en movimiento. En 1926 el norteamericano George Antheil (1900-1959) compuso su “Ballet Mecánico” a partir de una orquesta con ocho pianos, ocho xilófonos, una pianola, dos timbres eléctricos y una hélice de avión. Russolo, Risveglio di una Città, 1913 - https://youtu.be/IC3KMbSkYNI
- 6. PRIMITIVISMO Recurriendo al folclore arcaico que se había preservado de la influencia occidental, el húngaro Bela Bartok (1881-1945) se dedica al rescate del patrimonio tradicional de la Europa Oriental y sienta las bases de la etnomusicología enfatizando la dimensión social y cultural de la música. Combina esas danzas y canciones populares con la música culta occidental con un estilo propio, virtuoso y poderoso. Las novedades más importantes se verifican en el uso de la bitonalidad superpuesta, nuevas disonancias y una gran complejidad rítmica. Bartok, Sonata para 2 pianos y percusión, 1937 (fragmento) - https://youtu.be/9MyCOF1IvxQ Igor Stravinsky (1882-1971) tomó el folclore ruso y creó obras provocadoras y atrevidas que reinventaron el ballet. Su obra abarca toda la variedad estilística de su época: óperas, sinfonías, ballet, pequeñas piezas para piano e incluso se acercó al jazz. Fue uno de los compositores más importantes e influyentes del siglo XX. Stravinsky, Pájaro de fuego, 1910 (dirigida por el autor en 1965) - https://youtu.be/-nqOlIvTAbI
- 7. MÚSICA ELECTRÓNICA Luego de la segunda guerra mundial se desarrolla y populariza la tecnología electrónica. A partir de la manipulación distorsionada de sonidos electrónicos, el uso de grabadores, micrófonos y mezclas, el francés Edgar Varese (1883-1965) desarrolla un catálogo de música nueva que utiliza sonidos electrónicos. Varese decía que todo aquello que resultaba nuevo en la música era denominado ruido, planteando la pregunta: ¿qué es la música sino una sucesión de ruidos organizados? Su obra Ecuatorial combina novedosamente un coro de bajos, trompetas, trombones, piano, órgano, theremines y percusión. Varese, Ecuatorial, 1934 - https://youtu.be/qM4ALq9-Y1g MÚSICA CONCRETA El también francés Pierre Schaeffer (1910-1995) es considerado el creador de la música concreta, que utiliza principalmente grabaciones en cintas. La creación de una obra nueva supone manipular, cortar, pegar, superponer y combinar esas grabaciones. Schaeffer enfatizaba la importancia del juego en la creación musical, así como en inglés “play”, en francés “jouer”, puede tener el sentido de jugar como de tocar un instrumento musical. Esta noción es básica para la comprensión de la música concreta. En 1948 compone Cinq études de bruits, su segunda parte está compuesta por grabaciones de sonidos de trenes. Sxhaeffer, 1948, Étude aux chemins de fer - https://youtu.be/N9pOq8u6-bA
- 8. MÚSICA ALEATORIA John Cage es considerado entre los compositores más influyentes del siglo XX, fundamentalmente por su espíritu experimentador. Su obra pasa por la electrónica, el uso de instrumentos musicales no convencionales o su uso en formas poco ortodoxas y es pionero en la música aleatoria, en la cual la improvisación adquiere un carácter fundamental. El grado de aleatoriedad pasa a ser una variable más de la música, permitiendo una manipulación del azar como elemento compositivo. El llamado “work in progress” constituye el máximo grado de azar en la ejecución de las piezas y en ellas aparecen instrumentos clásicos como el piano, junto a otros objetos, medios electrónicos como sintetizadores, distorsionadores y cintas grabadas. Se llama “piano preparado” a un piano cuyo sonido se altera colocando objetos entre sus cuerdas. La idea es alterar el timbre del instrumento y fue Cage quien acuñó el término, siendo el compositor que hizo esta técnica famosa. Piano preparado - https://youtu.be/2CDKwtnsLGU Cage, Sonata V, 1946 - https://youtu.be/jRHoKZRYBlY Roberto García, 2021