Die Rebellion geht weiter: Urban Art als Form des Protests

Begleiten Sie uns auf einer spannenden Reise in die lebendige Welt der Urban Art als kraftvolles Protestmittel, das sich nicht zum Schweigen bringen lässt, und erkunden Sie die verschiedenen Ausdrucksformen der urbanen Kunst, die weiterhin den Status quo herausfordern und gesellschaftliche Veränderungen anstoßen möchte.

Von atemberaubenden Wandgemälden bis hin zu zum Nachdenken anregenden Graffiti – erleben Sie die visuelle Revolution und entdecken Sie die transformative Kraft der urbanen Kunst in unserer Gesellschaft.

Die Macht urbaner Kunst als Form des Protests

Urban Art, wozu insbesondere Street Art oder Graffiti zählen, hat sich zu einem lebendigen und dynamischen Medium entwickelt, um vom Mainstream abweichende Botschaften auszudrücken und sich für Veränderungen einzusetzen. Ihre Fähigkeit, ein breites Publikum zu erreichen und den öffentlichen Raum auf kreative Weise zu stören, macht es zu einem wirksamen Protestinstrument in der modernen Gesellschaftsarchitektur.

Im Laufe der jüngeren Geschichte haben wir zahlreiche Beispiele dafür gesehen, wie urbane Kunst genutzt wurde, um gesellschaftliche Veränderungen anzustoßen. Von den ikonischen Guerilla-Kunstwerken von Banksy bis zu den kraftvollen Wandgemälden von Keith Haring haben sich urbane Künstler etablierten Systemen widersetzt und Gespräche über drängende Probleme angeregt.

Indem sie städtische Landschaften infiltrieren und mit Gemeinschaften (Communities) interagieren, verfügen diese Künstler über die einzigartige Fähigkeit, Barrieren abzubauen und marginalisierte Stimmen zu verstärken.

Wir möchten mit diesem Beitrag gehen tiefer und erforschen die Feinheiten hinter Straßengraffiti und ihre Auswirkungen auf politische Bewegungen und das gesellschaftliche Selbstverständnis. Wir untersuchen die Subkulturen und Codes, die in der Welt der Straßenkunst entstehen, und beleuchten die subversive Natur dieser Kunstform.

Indem wir ihre Ursprünge und Beweggründe verstehen, gewinnen wir Einblick in die wahre Kraft hinter der Spraydose.

Dabei werden wir auch die kulturelle Resonanz von Straßenkunst und ihre Rolle bei der Gestaltung von Gemeinschaften untersuchen. Urbane Kunst hat die Fähigkeit, vernachlässigte Stadtteile in lebendige Zentren der Kreativität zu verwandeln und bei den Bewohnern ein Gefühl von Stolz und Identität zu fördern (siehe „Huzur Projekt“ mit dem Urban Nation Museum und der Berliner Tape Art selfmadecrew).

Durch die Rückeroberung des öffentlichen Raums und die Infragestellung gesellschaftlicher Normen bewirken Straßenkünstler positive soziale Veränderungen, die weit über ihre Kunstwerke hinausreichen.

In unserer modernen Gesellschaft ist die Relevanz zeitgenössischer Straßenkunst nicht zu übersehen. Ihre Fähigkeit, den Zeitgeist unserer Zeit einzufangen und drängende gesellschaftliche Probleme und soziale Ungerechtigkeit anzusprechen, macht es zu einem relevanten und wirkungsvollen Protestmedium. Mit dem Aufkommen der sozialen Medien hat urbane Kunst mittlerweile eine globale Reichweite, die es Künstlern ermöglicht, ihre Botschaften zu teilen und über Grenzen hinweg mit Gleichgesinnten in Kontakt zu treten.

In einer Welt, in der Medienkonzerne und deren Machtstrukturen marginalisierte Gemeinschaften oft außer Acht lassen, dient urbane Kunst als Hoffnungsträger und Katalysator für Veränderungen eben jener Gruppen.

Begleiten Sie uns auf dieser aufregenden Reise, während wir tief in die rebellische Welt der urbanen Kunst eintauchen und die transformative Kraft entdecken, die sie in unserer Gesellschaft hat.

Was ist Urban Art? Eine kurze Definition

Urbane Kunst umfasst eine Reihe kreativer Praktiken, darunter unter anderem Wandgemälde (sog. Murals), Schablonen (Stencils), Aufkleber / Sticker, Klebeband und Installationen. Urbane Kunst basiert auf Marginalisierung und Basisaktivismus, stellt traditionelle Vorstellungen von Kunst in Frage und demokratisiert öffentliche Räume.

Urban Art, auch Street Art genannt, ist eine künstlerische Ausdrucksform, die in städtischen Umgebungen stattfindet. Urbane Kunst ist tief im kulturellen und sozialen Gefüge einer Stadt verwurzelt und dient oft als Plattform für marginalisierte Stimmen.

Was Urban Art auszeichnet, ist ihre Fähigkeit, über traditionelle Kunsträume hinauszugehen und ein breiteres Publikum anzusprechen. Es kann an den Seiten von Gebäuden, unter Brücken und auf verlassenen Grundstücken gefunden werden und verwandelt triste Stadtlandschaften in lebendige und zum Nachdenken anregende Kunstwerke.

Durch ihre kühnen Bilder, kraftvollen Botschaften und manchmal kontroversen Themen stellt Urban Art den Status quo in Frage und bietet eine alternative Erzählung zu den vorherrschenden Ideologien.

Es fördert den Dialog, regt Gespräche an und löst gesellschaftlichen Wandel aus.

Im Kontext des Protests hat urbane Kunst eine entscheidende Rolle dabei gespielt, Basisbewegungen zu verstärken, denjenigen eine Stimme zu geben, die sich ungehört fühlen, und systemische Ungerechtigkeiten hervorzuheben. Es repräsentiert den rebellischen Geist und die Kraft der Kreativität angesichts von Widrigkeiten. Urban Art ist daher nicht nur eine Form des künstlerischen Ausdrucks; Es ist ein wirksames Instrument, um die etablierte Ordnung in Frage zu stellen und eine gerechtere Gesellschaft zu fordern.

Bedeutende Beispiele urbaner Kunst

The Flower Thrower – Banksy (Westjordanland)

Der Versuch, zwischen allen Banksy-Stücken für diese Liste auszuwählen, ist nahezu unmöglich, so groß ist seine Bandbreite und sein Einfluss. Während seine „Girl with Balloon“-Serie in London oft als sein kultigstes Werk angesehen wird, ist „The Flower Thrower“ aufgrund seines symbolischen Standorts und seiner Einzigartigkeit aus unserer Sicht bedeutsamer.

Wenn Sie in Ihrem Leben nur die Pilgerreise unternehmen, um ein Stück von Banksy zu sehen, dann sollte es dieses sein.

Nelson Mandela Mural – Shepard Fairey (Johannesburg, Südafrika)

Shepard Faireys lange und glanzvolle Karriere baute auf seiner berühmten Obey-Kampagne auf, aber sein Profil schoss in die Stratosphäre, nachdem er die berühmten „Hope“-Plakate von Barack Obama entworfen hatte. Im Jahr 2014 schuf er dieses unglaubliche Wandgemälde in der größten Stadt Südafrikas als Hommage an ihren berühmtesten Anführer.

Es hat vielleicht nicht die subversive Attitüde seiner Obey-Werke, aber es besteht kein Zweifel, dass es genauso inspirierend ist wie alles andere auf dieser Liste.

We the Youth – Keith Haring (Philadelphia)

Keith Harings berühmte Pop-Art sorgte in den frühen 1980er Jahren mit seinen gewagten Kommentaren und seiner klaren Inspiration aus der New Yorker Graffiti-Kultur für Aufsehen, aber sein bekanntestes Werk befindet sich tatsächlich im Stadtteil Point Breeze in Philadelphia.

Keith Haring begann seine Karriere an der Seite von Jean Michel Basquiat. 1988 wurde bei ihm HIV-positiv diagnostiziert und er beschloss, seinen Kampf durch Kunst zu führen. In seiner Arbeit kämpft er gegen Drogen, AIDS und viele andere Widrigkeiten.

Er malte 1987 in Philadelphia dieses Wandgemälde, das eines der ersten Wall Murals seiner Art war. Nachdem er mehrere Monate lang nach dem perfekten Ort gesucht hatte, bewerkstelligte er es gemeinsam mit 14 Oberstufenschülern. Die Arbeit war in einem benachteiligten Stadtgebiet Philadelphias angesiedelt und sollte dessen Entwicklung fördern.

Dies war ursprünglich ein Platzhalterort für „We the People“, aber das Stück ist jetzt Teil seiner Landschaft und zieht Touristen aus der ganzen Welt an.

The Little Girl with the Balloon – Banksy (London)

Er ist unbestritten der berühmteste Straßenkünstler der Welt. Der anonyme Banksy schafft seit mehr als 23 Jahren Kunstwerke auf der ganzen Welt.

Im Jahr 2002 schuf er in London ein weiteres seiner bekanntesten Werke, „Das kleine Mädchen mit einem Ballon“. Dieses kleine Mädchen in einem schwarzen Kleid lässt ihren Ballon davonfliegen, und Banksy schreibt neben das Schlagwort „Es gibt immer Hoffnung“. Es ist seine Art zu sagen, dass wir niemals aufgeben sollten, auch wenn alles am schlimmsten zu sein scheint.

Im Jahr 2018, während einer Auktion für die Siebdruckversion, zerstörte sich das Werk wenige Sekunden nach dem Hammerschlag des Auktionators selbst. Dies ist einer der größten Kunstskandale und lässt bis heute viele Fragen unbeantwortet.

My God, Help Me to Survive This Deadly Love – Dmitri Vrubel (Berliner Mauer)

Auch in Deutschland wird man auf der Suche nach bedeutungsvollen Murals fündig. Vrubels Wandgemälde ist eine Interpretation eines Fotos, das 1979 zum 30. Jahrestag der Gründung der Deutschen Demokratischen Republik (DDR) aufgenommen wurde.

Der Kuss selbst war nicht romantisch gemeint, sondern ein „Bruderkuss“, ein damals beliebter sozialistischer Gruß. Die Männer auf dem Foto sind Leonid Breschnew, der Generalsekretär der Sowjetunion, und Erich Honecker, der Generalsekretär der Sozialistischen Einheitspartei der DDR.

Bei der „tödlichen Liebe“, auf die sich Vrubel bezieht, könnte es sich um das von den beiden Staaten geschlossene zehnjährige Militärabkommen handeln, das die Lieferung chemischer Waffen an die Sowjetunion vorsah. Dieses Wandgemälde ist heute nicht nur ein Symbol für die Berliner Mauer, sondern auch für die Stadt selbst.

Hush! – Jef Aérosol (Paris)

Jef Aérosol – mit bürgerlichem Namen Jean-François Perroy – ist einer der Pioniere der französischen Street Art. Seine Arbeiten sind weltweit bekannt, darunter auch diese riesige Schablone mit dem Titel „Hush!“, die 2011 entstand.

Dieses ikonische Stück Street Art befindet sich in Paris in der Nähe des Centre Pompidou, nicht weit von der Kirche Saint-Merri entfernt. In diesem Selbstporträt bittet Sie der Künstler, sich einen Moment der Stille zu gönnen, um trotz der geschäftigen Stadt, die Sie umgibt, zur Ruhe zu kommen und durchzuatmen.

Aérosol verwendet in seinen Street-Art-Werken fast immer einen roten Pfeil. Er verwendet sie als zweite Signatur, hat ihre Bedeutung jedoch nie erklärt. Eigentlich sollte dieses Mural Anfang 2014 zerstört werden, aber es wurde letztendlich doch intakt gehalten und ist heute ein ikonisches Stück Pariser Straßenkunst.

Faith in Women – Lady Pink (Minneapolis, USA)

Die in Ecuador geborene und in Queens aufgewachsene Lady Pink ist eine der wenigen Künstlerinnen, die die andozentrische Form der Straßenkunst durchbricht und in ihren Wandgemälden konsequent die weibliche Figur zelebriert.

Pinks folkloristische Göttinnen dienen nicht nur dazu, ihre südamerikanischen Wurzeln und ihre lebhafte Fantasie zu verkörpern, sondern vermitteln auch eine tiefgreifende politische Absicht. Faith in Women erforscht eine etwas feminisierte Version des Krieges; wo ein babyrosa Tankwagen lässig ein ahnungsloses Kaninchen überfährt und sich Dutzende argloser Schädel unter einem leuchtenden Regenbogen aus Farben versammeln.

Chaotisch, anarchisch, turbulent und doch unheimlich kindlich: Pinks Version des Krieges ist eine Kritik an der gedankenlosen Zerstörung, die Nationen (meistens) durch Menschenhand zugefügt wird.

Inside out /Time is now, Yalla! – JR (Israel / Palästina)

JR ist einer der führenden zeitgenössischen französischen Straßenkünstler. Seine Arbeiten sind im öffentlichen Raum in Städten auf der ganzen Welt zu sehen. Seine Arbeit dreht sich um mehrere zentrale Themen, darunter Engagement, Freiheit und Identität.

Das Werk Inside out/Time is now, Yalla! entstand im Jahr 2011. Für dieses umfangreiche, interaktive Stück wurden Palästinenser und Israelis zu einer Porträtaufnahme eingeladen und erhielten ein großformatiges Schwarz-Weiß-Porträt, das sie an beliebiger Stelle anbringen konnten. Diese öffentliche Installation fordert soziale Gerechtigkeit und zeigt eine Lösung auf, die Frieden und Wohlstand bringen wird.

Nobody likes me – iHeart (Vancouver, Kanada)

iHeart ist ein kanadischer Straßenkünstler, dessen Werk genauso rätselhaft ist wie das von Banksy. iHeart nutzt Graffiti, um seine Meinung zu sozialen Themen mit einfachen, aber ergreifenden Bildern auszudrücken. Er beschreibt sich selbst als „einfach ein Junge mit Ideen, Meinungen und jeder Menge Aerosol.“

Seine Arbeiten sind in Großstädten Kanadas wie Vancouver und Calgary sowie in anderen Großstädten auf der ganzen Welt zu finden. Dieses Werk mit dem Titel Nobody Likes Me unterstreicht den negativen Einfluss, den soziale Medien auf die heranwachsende Jugend haben. Es zeigt ein weinendes Kind, weil es auf Instagram keine Likes, Erwähnungen und keine Follower hat. Ironischerweise ging dieser Artikel in den sozialen Medien viral und wurde sogar von Banksy geteilt.

Etnias – Eduardo Kobra (Rio de Janeiro)

Kobra ist einer der berühmtesten Wandmaler der Welt. Der ursprünglich aus Sao Paulo stammende Künstler schafft Street-Art-Gemälde an Wänden in Spanien, Frankreich, Indien und vielen anderen Ländern.

Im Jahr 2016, anlässlich der Olympischen Spiele in Rio, brach Kobra mit dem Gemälde „Etnias“ den Rekord für das größte Wandgemälde der Welt. Es ist 190 Meter lang und 15 Meter hoch, was bedeutet, dass insgesamt 3.000 Quadratmeter gestrichen werden müssen, wofür 1.000 Töpfe weiße Farbe, 1.500 Liter Farbfarbe, 3.500 Dosen Aerosolspray und 40 Tage Arbeit erforderlich waren.

Das Gemälde zeigt fünf Gesichter unterschiedlicher Herkunft, die die fünf Olympischen Ringe und die fünf Kontinente darstellen. Mit seiner Arbeit wollte Kobra die folgende Botschaft vermitteln: „Wir sind alle eins: die Menschheit.“

Marianne (Pleure) – Shepard Fairey (Paris)

„Marianne“ wurde 2016 von Shepard Fairey alias Obey gemalt und war ursprünglich eine Hommage an die Opfer der Terroranschläge im Jahr 2015 in Paris. Liberté, Egalité, Fraternité – der Künstler wollte auf diese drei Werte des französischen Volkes verweisen, die er für eine notwendige Grundlage jeder demokratischen Gesellschaft hält.

Die Frau in der Mitte des Gemäldes ist Marianne – die Allegorie der Republik. Interessanterweise wurde das Bild selbst von einem beliebten Ornament inspiriert, das während der Belle Époque in der Druckerei verwendet wurde.

In der Nacht des 13. Dezember veränderte eine Gruppe Vandalen das Wandgemälde. Die drei Worte des Mottos wurden mit großen weißen Farbspritzern durchgestrichen und die roten Bluttränen erschienen überall auf Mariannes Gesicht. Der Hashtag #MariannePleure (Marianne weint) wurde zusammen mit einem Verweis auf die Zeitschrift HIYA hinzugefügt, die die verschlüsselte Nachricht von den Autoren kurz nach dem Ereignis erhielt.

Die Mystery-Crew teilte Fotos, die ihre Intervention dokumentieren, zusammen mit dem Manifest und später einem kurzen Videoclip, den Sie hier finden können.

Dieser von der Bürgerbewegung Concorde vorgeschlagene und von HIYA geförderte Hashtag ist ein Aufruf an Künstler, denen es am Herzen liegt, Werke zu schaffen und zu teilen, die auf die Art und Weise reagieren, wie sich die Werte der Republik (Freiheit, Gleichheit, Brüderlichkeit, aber auch Säkularismus, das Recht auf Boden, das Recht auf Asyl, Frauenrechte, um nur einige zu nennen) in Frankreich von Tag zu Tag verschlechtern. Die Aktion hat in Graffiti- und anderen Künstlerkreisen bereits große Resonanz gefunden.

Der Schöpfer des Wandgemäldes reagierte schnell und drückte den Demonstranten seine volle Unterstützung aus:

„Ich stehe auf der Seite der Menschen, die gegen Ungerechtigkeit protestieren. Wenn die Aussage also so gemeint ist, verstehe ich das. Ich denke, dass der französische Slogan Liberté, égalité, fraternité wirklich schön ist, wenn er sich auf die positive Art und Weise manifestiert, die ich gerne sehen würde.“

„Freiheit, Gleichheit und Brüderlichkeit sind Prinzipien, für die ich mich mit meiner Kunst und meinem Aktivismus einsetze und die meiner Meinung nach für jeden offensichtlich sein sollten, der sich meine Geschichte mit Botschaften des Friedens und der Harmonie, des Respekts für den Planeten und des Respekts für Menschen aller Rassen und Hintergründe ansieht.“

„Diese Ideen sind es, die ich in meiner Kunst vorantreibe und die ich gerne in Frankreich, den USA und auf der ganzen Welt sehen würde. Wenn einige Leute das Gefühl haben, dass das Kunstwerk Liberté, Egalité, Fraternité von Leuten gekapert wurde, mit denen sie nicht einverstanden sind, dann lautet meine Antwort: Ich bin nicht bereit, es ihnen zu geben.“

– Shepard Fairey –

Danach wurde das Wandgemälde erneuert. Die drei Werte blieben bestehen, ein kleines Detail wurde jedoch geändert.

„Ich habe Marianne eine Träne ins Gesicht geschrieben. Und produzierte einen neuen Siebdruck in limitierter Auflage, dessen gesamter Gewinn den ärmsten Menschen zugute kommt. Taten sind wichtiger als Worte“,

äußerte Obey in einer offiziellen Erklärung.

Sein Atelier produzierte 650 Drucke. Der Gewinn aus dem Verkauf ging an den Verein Les Restos du Cœur.

Love Won’t Tear Us Apart – D*Face (Paris, 2017)

Dean Stockton, auch bekannt als D*Face, ist ein englischer Pop-Art-Künstler, der Anfang der 1980er Jahre geboren wurde. Um der Langeweile entgegenzuwirken, zeichnete er zunächst Figuren auf Papier. Mit der Zeit wurden seine kleinen Zeichnungen zu seiner Leidenschaft.

Anschließend begann er, auf verschiedenen Medien zu zeichnen und Aufkleber zu erstellen. Später wurden daraus Plakate, die dann noch größer wurden und schließlich an den Wänden von Paris hingen.

Im Jahr 2017 schuf er im 13. Arrondissement von Paris ein Street-Art-Fresko, das er „Love won’t Tear Us Apart“ nannte. D*Face malt ein Paar, um Liebe zu symbolisieren. Der Mann mit dem Totenkopfgesicht verkörpert dabei die alten Beziehungen, die nicht mehr in unserem Leben, aber immer noch sehr präsent in unseren Gedanken sind.

Der Mann und das Boot – Vhils (Lissabon)

Die Stadtlandschaft ist wirklich die Leinwand von Alexandre Farto (Vhils), doch statt einer Spraydose sind ein Schutzhelm und eine Atemschutzmaske die bevorzugten Werkzeuge von Vhils.

Während er Ziegel, Gips und Stein herausschneidet, gelingt es dem portugiesischen Künstler, sehr detaillierte und wunderschöne Basreliefs freizulegen, als wären sie aufwendig in Bronze oder Elfenbein geätzt. Vhils untersucht häufig die schädlichen Folgen der Industrialisierung und Entwicklung in Städten auf der ganzen Welt und stellt die unbesungenen Helden des modernen, maschinenmanischen Klimas dar.

Pac Man – Invader (Bilbao)

In den späten 1990er-Jahren begann der anonyme französische Künstler Invader, seine Keramikmosaike „Space Invaders“ – pixelige Charaktere aus dem gleichnamigen Videospiel von 1978 – auf den Straßen von Paris zu zementieren und zu kleben. Er erweiterte seine Liste um Pac-Man-Geister und andere beliebte 8-Bit-Charaktere, und seine Werke schmücken mittlerweile Städte auf der ganzen Welt, von Los Angeles bis Kathmandu.

Invader sieht sich selbst als „Hacker“ des öffentlichen Raums, der einen mosaikartigen „Virus“ verbreitet. Er glaubt, dass Museen und Galerien nicht für jedermann zugänglich sind, und installiert seine Arbeiten daher auf den öffentlichen Straßen, damit alle Menschen sie täglich genießen können.

Die Orte für seine Mosaike werden oft aufgrund ihrer Sichtbarkeit, ihres lokalen Interesses und ihrer Symbolhaftigkeit ausgewählt. Keine zwei Stücke sind gleich.

Neben diesen heimlichen Straßenkunstwerken hat Invader Mosaike auf Plexiglasplatten, Sperrholz und Bucheinbänden hergestellt. Er hat auch Gemälde, Zeichnungen und Siebdrucke in seinem charakteristischen pixeligen Stil geschaffen. Auf dem Sekundärmarkt werden diese Werke regelmäßig für sechsstellige Beträge verkauft.

Im Jahr 2019 brachte die Astronautin Samantha Cristoforetti eines von Invaders Werken zur Internationalen Raumstation, etwa 248 Meilen über der Erde.

Invader hat mittlerweile international ausgestellt, unter anderem in Los Angeles, Paris, Brüssel und Hongkong.

700 Wall – MadC (Berlin)

Die deutsche Künstlerin Claudia Walde (MadC) kombiniert ihre formale künstlerische Ausbildung mit Street Art und schreibt zeitgenössische urbane Kunst neu.

Der schlichte Titel „700 Wall“ bezieht sich auf die 700 Quadratmeter, die ihr Meisterwerk einnimmt, und ist auf der Bahnstrecke zwischen Berlin und Halle zu sehen.

Wellenförmige Farben und grafische Szenen ziehen sich über die Oberfläche von MadCs Wandgemälde und sind ein Sinnbild für die Fähigkeit des Künstlers, einen gewissenhaften, akademischen Ansatz mit einer uneingeschränkten visuellen Lyrik zu verbinden.

Ihre Stylemachine-Idee basiert auf dem Leben eines leidenschaftlichen Graffiti-Sprayers. Es ist eine Wand für all jene Street Art Künstler, die seit über 10 Jahren malen und all ihre Energie und ihr Herzblut in ihre Arbeit stecken.

Coexist – Combo (Paris)

Combo wurde als Sohn eines libanesischen christlichen Vaters und einer marokkanischen muslimischen Mutter geboren und begann seine Karriere als Künstler mit 16 Jahren.

Die Aufmerksamkeit der Medien erregte er erstmals im Jahr 2012, als er in der Sperrzone von Tschernobyl Werbung für die Atomindustrie anbrachte. In China malte er Google-Seiten, die von der Kommunistischen Partei des Landes zensiert wurden: den Platz des Himmlischen Friedens, die Verhaftung von Ai Weiwei usw.

Er arbeitete auch mit der feministischen Gruppe Femen zusammen. Am Tag der Bastille im Jahr 2013 malte er eine gewaltige Neuinterpretation von Delacroix‘ Gemälde „Die Freiheit führt das Volk“ und fügte anstelle der Jakobinerinnen Frauen ein, die in Richtung Freiheit marschierten.

Er machte auch Straßenkunst in Beirut und nannte sie Jih-Art, wo es in einem seiner Werke heißt: „Weniger Hamas, mehr Hummus.“

Im Jahr 2015 ließ er sich von einem polnischen Logo des Designers Piotr Mlodozeniec inspirieren: COEXIST.

Coexist wird durch verschiedene religiöse Symbole veranschaulicht: den Halbmond, den Davidstern und das christliche Kreuz. Diese Straßenkunst fordert Toleranz und Respekt gegenüber allen Glaubensrichtungen. Seit den Anschlägen gegen Charlie Hebdo stellt Combo seine Kunst in den Straßen von Paris aus. Leider wurde er beim Schaffen seiner Kunst bereits tätlich angegriffen.

Make Art Not War – Shepard Fairey (Berlin)

Shepard Fairey ist zweifellos einer der einflussreichsten Straßenkünstler, aber auch Illustrator, Grafikdesigner und politischer Aktivist. Faireys Kunst ist eine Waffe gegen Ungerechtigkeit, Unterdrückung und Gewalt; Dies ermöglichte ihm, mit seinen großformatigen Wandgemälden gesellschaftspolitische Ungleichheiten in Frage zu stellen.

„Make Art Not War“ thematisiert nicht nur das Blutbad des Krieges, sondern das Wortspiel enthüllt auch das einzige Gefühl, das stark genug ist, um das Feuer einzustellen; Liebe.

Ice-Cream Dream / Sueño de un Carrito de Paletas – Héctor Duarte (Chicago, 2004)

Ein bemerkenswertes Beispiel ist das ikonische Wandgemälde im Chicagoer Stadtteil Pilsen, das vom Künstler Héctor Duarte geschaffen wurde. Dieses Wandgemälde stellt die Kämpfe und die Widerstandsfähigkeit der mexikanischen Gemeinschaft dar und erinnert eindringlich an die Notwendigkeit sozialer Gerechtigkeit und Gleichheit.

Héctor Duarte wurde 1952 in Caurio de Guadalupe, Michoacán, Mexiko, geboren und zeigte schon als Kind künstlerische Fähigkeiten. Während er in seinem Biologieunterricht an der High School Zeichnungen von Organismen und Tieren anfertigte, entdeckte er sein Talent und begann über eine Karriere als Künstler nachzudenken.

Als größtenteils autodidaktischer Künstler besuchte er 1977 den Siqueiros Mural Workshop in Cuernavaca unter der Leitung von Luis Arenal und Roberto Díaz.

Bei einem kurzen Besuch in Chicago im Jahr 1978, um an der internationalen Konferenz über kommunale Wandmalereien teilzunehmen, war Duarte beeindruckt von der Vitalität einer Wandmalerei-Aktivität und einer Gemeinschaftsbewegung, die das mexikanische Viertel Pilsen veränderte. Dort traf er die Chicano-Künstler Ray Vasquez, Luis Aguirre, Marcos Raya, Aurelio Diaz, Oscar Moya, José Guerrero, José González, Alejandro Romero, Carlos Moth, Salvador Vega und andere, die mit Casa Aztlán zu tun hatten.

1985 ließ sich Duarte dauerhaft im Chicagoer Stadtteil Pilsen nieder, um hauptberuflich Mural Artist zu werden. Mit einer produktiven künstlerischen Karriere war er Teil der bedeutenden öffentlichen Kunstszene der Stadt; Duarte hat über fünfzig Wandgemälde in öffentlichen und privaten Räumen ausgeführt, darunter auch in Bahnhöfen.

Er beschäftigte sich intensiv mit mehrwinkeligen Perspektiven in der Bildebene der Wandgemälde und erlangte ein Geschick in der Gestaltung von Kompositionen, die aus verschiedenen Blickwinkeln betrachtet werden können. Ein weiteres eindrucksvolles Wandgemälde im Freien ist die Fassade seines Wohnhauses und Ateliers, wo Duarte Gulliver im Wunderland darstellte.

In einer zweiten Wiederholung zum gleichen Thema (das erste Wandgemälde wurde zerstört) erwacht ein riesiger Migrant und kämpft darum, seinen Körper von den Stacheldrähten zu befreien, die ihn festhalten. Darin thematisiert der Künstler die nahezu unmöglichen Reisen und Leben zeitgenössischer Einwanderer.

Der Idee verpflichtet, dass Kunst allen Spaß machen muss, nutzt Duarte die Wandmalerei als seine visuelle Sprache, um Fragen des Kampfes und Überlebens sowie einen transnationalen Zustand des globalen Augenblicks zu untersuchen. Duarte hat den Monarchfalter als Symbol der Migration übernommen und einen Korridor zwischen Chicago und seiner Heimatstadt in Mexiko geschaffen und damit einen der beeindruckendsten transnationalen Kunstkorridore geschaffen.

Er bemalte die Wände von Gebäuden rund um die Plaza de Caurio und lud Künstler aus den USA, Mexiko und Europa ein, Schmetterlinge einzureichen, die einst an den Wänden befestigt waren und als wahre Protagonisten eines Prozesses der zirkulären Migration dienten.

Don’t Shoot – Bambi (Rivington Street, London)

Dieses letzte Werk wurde von einer Frau geschaffen, der berühmten britischen Künstlerin mit dem Spitznamen Bambi. Sie wurde in den 80er Jahren geboren und begann, Graffiti in den Straßen Londons zu malen. Insgeheim nennt man sie „die weibliche Banksy“.

Ebenso provokativ kreiert sie Schablonen, die verschiedene Formen der Ungerechtigkeit anprangern. In ihren Werken stellt sie zeitgenössische Persönlichkeiten wie Donald Trump oder Amy Winehouse vor.

Ihr berühmtestes Werk ist das von fünf Jungen, die identisch nebeneinander abgebildet sind und die Hand heben. Anstelle der Luftballons, die unter ihren Füßen sein sollten, sind dort Totenköpfe. Bambi beschloss, in roten Buchstaben „Don’t Shoot“ zu schreiben. Bezeichnenderweise tragen die Jungs T-Shirts mit dem Nike-Logo „Don’t Do It“. Diese Arbeit, die der Marke Nike missfiel, sollte gegen Polizeigewalt stehen.

Die Komplexität hinter Straßengraffiti und ihre Auswirkungen auf politische Bewegungen

Die Rücksichtnahme und Kreativität hinter diesen urbanen Kunstprojekten geht über die bloße Ästhetik hinaus; Sie zielen darauf ab, Selbstbeobachtung zu provozieren, marginalisierte Narrative hervorzuheben und Solidarität zu fördern.

Durch die Interaktion mit der Öffentlichkeit in unkonventionellen Räumen erregt urbane Kunst erfolgreich Aufmerksamkeit und fördert Empathie und Verständnis zwischen den Gemeinschaften. Diese Beispiele veranschaulichen die Kraft der urbanen Kunst, Aktivismus und Protest gegen Ungerechtigkeiten anzuregen und sie zu einem wichtigen Instrument im immerwährenden Kampf für eine gerechtere Gesellschaft zu machen.

Das Verständnis der Feinheiten hinter Straßengraffiti ist entscheidend, um ihre Auswirkungen auf politische Bewegungen zu verstehen.

Durch leuchtende Farben, mutige Botschaften und zum Nachdenken anregende Bilder erregen Straßengraffiti die Aufmerksamkeit von Passanten, regen Gespräche an und stellen den Status quo in Frage.

Was Straßengraffiti auszeichnet, ist ihre Zugänglichkeit und ihre Fähigkeit, ein vielfältiges Publikum zu erreichen. Durch die Präsentation politischer Botschaften im öffentlichen Raum können Graffiti-Künstler traditionelle Kommunikationskanäle umgehen und direkt mit der Öffentlichkeit in Kontakt treten. Dies kann tiefgreifende Auswirkungen auf politische Bewegungen haben, da es Einzelpersonen ermöglicht, sich mit sozialen und politischen Themen auseinanderzusetzen, die andernfalls möglicherweise ignoriert oder zum Schweigen gebracht würden.

Darüber hinaus haben Straßengraffiti die Macht, den Mächtigen die Wahrheit zu sagen. Es dient als visuelle Form des Protests und ermöglicht es Einzelpersonen, öffentliche Räume zurückzuerobern und vorherrschende Narrative in Frage zu stellen. Indem sie sich der Autorität widersetzen und marginalisierte Stimmen hervorheben, können Graffiti-Künstler eine Plattform für gemeinschaftlichen Ausdruck und Widerstand schaffen.

Straßengraffiti hat nicht nur das Potenzial, politische Bewegungen zu beeinflussen, sondern auch die kulturelle Landschaft von Gemeinden zu prägen. Es hat die Fähigkeit, ein Gefühl der Zugehörigkeit und des Stolzes zu fördern und zu kollektivem Handeln anzuregen. Durch die Verschönerung vernachlässigter Gebiete und die Darstellung der lokalen Geschichte verwandeln Straßengraffiti Räume in dynamische Leinwände, die die Identität und Wünsche der Gemeinschaft widerspiegeln.

Kulturelle Resonanz von Street Art und ihre Rolle bei der Gestaltung von Gemeinschaften

Straßenkunst, insbesondere in Form von Graffiti, ist seit langem eine starke Kraft bei der Gestaltung von Gemeinschaften und der Förderung kultureller Resonanz. Seine Präsenz in städtischen Umgebungen dient oft als visuelle Darstellung der lokalen Identität und Ausdruck des kollektiven Geistes seiner Bewohner.

Street Art überschreitet die Grenzen traditioneller Kunstinstitutionen und stellt eine direkte Verbindung mit der Gemeinschaft her und bindet Personen ein, die sich normalerweise nicht mit traditionelleren Kunstformen beschäftigen. Durch lebendige Wandgemälde, zum Nachdenken anregende Schablonen und fachmännisch ausgeführte Werke hat Street Art die Fähigkeit, die Aufmerksamkeit der Passanten auf sich zu ziehen und Gespräche anzuregen.

Darüber hinaus hat Straßenkunst das Potenzial, auf die spezifischen Bedürfnisse und Anliegen einer Gemeinschaft einzugehen und als Katalysator für sozialen Wandel und Protest zu wirken. Durch die Auseinandersetzung mit Themen wie sozialer Ungleichheit, Rassenungerechtigkeit und Umweltzerstörung schaffen Straßenkünstler eine Plattform für offenen Dialog und Reflexion.

Die Zugänglichkeit von Straßenkunst ermutigt Menschen mit unterschiedlichem Hintergrund, sich mit diesen Themen auseinanderzusetzen, und fördert das Gefühl der gemeinsamen Verantwortung für die Schaffung einer gerechteren Gesellschaft.

Darüber hinaus kann Straßenkunst als wirksames Instrument zur Rückeroberung öffentlicher Räume und zur Infragestellung vorherrschender kultureller Narrative dienen. Indem Straßenkünstler verfallene Mauern, karge Gassen und vernachlässigte Räume in lebendige Leinwände verwandeln, hauchen sie Gemeinden neues Leben ein und vermitteln ein Gefühl von Stolz, Eigenverantwortung und kultureller Identität.

Mit ihren Kreationen stellen sie den Status quo in Frage, durchbrechen konventionelle Ästhetiken und verstärken marginalisierte Stimmen.

Joachim Rodriguez y Romero

Inhaber und Geschäftsführer von Kunstplaza. Publizist, Redakteur und passionierter Blogger im Bereich Kunst, Design und Kreativität seit 2011. Erfolgreicher Abschluss in Webdesign im Rahmen eines Hochschulstudiums (2008). Weiterentwicklung von Kreativitätstechniken durch Kurse in Freiem Zeichnen, Ausdrucksmalen und Theatre/Acting. Profunde Kenntnisse des Kunstmarktes durch langjährige journalistische Recherchen und zahlreichen Kooperationen mit Akteuren/Institutionen aus Kunst und Kultur.

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