The Metal Circus' Metal Hammer España #392 by metalhammeresp

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Putting the back in

El nuevo รกlbum de la mejor banda de rock del planeta. DESDE 7 DE AGOSTO

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STAFF DIRECTOR Sergi Ramos EDITOR-IN-CHIEF Dani Bueno DISEÑO Y MAQUETACIÓN Dani Bueno FOTO DE PORTADA Ben Wolf (Deep Purple) Johan Carlén (Avatar) COLABORADORES Javier Bragado, Paco García, Víctor Gallego, Olga Vidal, Toni Villén, Satur Romero, Jesús Martínez, Javi Félez, Mikel Yarza, Marina Salcedo, Toni de Lola, Alberto Zambrano, José Antonio Fernández, Txema Garay, Sergio de la Torre, Marc Fernández, José Luis Abrego, Franz S. Heiligen, Tim Drake y Óscar Gil.

EDITORIAL

ace apenas cuatro meses todos estábamos incrédulos ante las cancelaciones en masa en giras y festivales debido a la emergencia sanitaria. Parecía que octubre iba a ser el momento en que se restableciese la actividad, pero la realidad se ha ido imponiendo y ahora ya comenzamos a asumir que quizá lo que hay programado en 2021 comienza a peligrar. Seguramente no peligrará por el virus en sí mismo, sino por toda la histeria gubernativa que lleva aparejada y por la dificultad de que todo un planeta levante restricciones de entrada a los países de manera equitativa. Algo complejo cuando cada país ha tomado su propia estrategia frente a la emergencia sanitaria y que complica cuestiones burocráticas como las fronteras, los visados y otras de vital importancia para el normal desarrollo de las giras de nuestros artistas favoritos. Se dice que hay una vacuna que podía estar lista para septiembre. Se implantan nuevas restricciones arbitrarias según situaciones epidemiológicas que manipulan a su gusto los gobernantes de cada lugar. Una de cal y una de arena. Lo cierto es que el gran obstáculo a sortear ya no va a ser el obstáculo médico sino el talante reactivo de quienes mandan y quienes deciden qué podremos hacer y qué no. Con un poco de suerte, el año que viene por estas fechas estaremos reseñando los grandes festivales que vuelven a asolar todo el mundo con tremendos carteles como los que van anunciando ya por estas fechas. Mientras tanto, el mundo del rock sigue vivo, sigue moviéndose e intenta seguir en pie pese a la falta de actividad en directo. Bandas como Avatar y Deep Purple, que representan el presente y el pasado y dos maneras de entender el metal, protagonizan la doble portada de este mes y nos ofrecen dos discos que son firmes candidatos al Top 10 de un año raro -pero prolífico-.

Sergi Ramos

secciones

EDITA

TIENDA ONLINE www.tienda.themetalcircus.com

4 PHOTOPASS RESURRECTION FEST

62 DEE SNIDER METALHEAD A LOS 65

6 TOUR LIFE BUTCHER BABIES

66 BLUES PILLS RECUPERAR LA INDEPENDENCIA

10 DISCOS FAVORITOS DE… WINSTON MCCALL (PARKWAY DRIVE)

70 SEETHER PREPARADOS PARA LA GUERRA

12 NEW BLOOD ANONYMUS

72 NIGHT STUDIO REPORT

14 GEAR TALK JAY WEINBERG (SLIPKNOT)

73 THE HAWKINS STUDIO REPORT

16 DEEP PURPLE DIGNIDAD INTACTA

74 HINAYANA SONIDOS EXTREMOS ATMOSFÉRICOS

Impreso en España (Made in Spain) Precio para Canarias: 4,65 € Depósito Legal B-15442-2020 08/21

24 AVATAR COLOSOS

75 THE WISE MAN’S FEAR DESPRENDIENDO FANTASÍA

32 MEGADETH 25º ANIVERSARIO DE ‘YOUTHANASIA’

Reservados todos los derechos, se prohibe la reproducción total o parcial por ningún medio, electrónico o mecánico, incluyendo fotocopias, grabados o cualquier otro sistema, de los artículos aparecidos en este número sin la autorización expresa por escrito del titular del copyright La revista de rock y metal más leída de Europa The Metal Circus’ Metal Hammer España no se hace responsable de la opinión de sus colaboradores ni se identifica necesariamente con lo publicado.

38 LIVE & LOUD JAVIER BRAGADO

76 DISCOS IN FLAMES, BURY TOMORROW, STATIC-X, POWERWOLF, RISE OF THE NORTHSTAR, THUNDERMOTHER, KAMELOT, ANVIL, CANDLEMASS, DEE SNIDER, AVATAR....

56 WITHIN TEMPTATION GOLPE DE TIMÓN

82 CONCIERTOS LEO JIMÉNEZ Y SÔBER

SUSCRIPCIONES 659 38 97 08 mkt@themetalcircus.com DISTRIBUYE SGEL Avda. Valdelaparra, 29. Pol. Ind. - 28108 Alcobendas (Madrid) Tel. 91 657 69 00 IMPRIME Monterreina 916213060

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Para cualquiera que lleve un tiempo viviendo en el “mundillo del metal”, hablar de verano en Galicia es hablar del Resurrection Fest; un festival que desde sus inicios en 2006 ha ido creciendo hasta convertirse en el referente que conocemos hoy en día. Su caso se estudiará en un futuro en las escuelas de Administración de Empresas como uno de los grandes casos de éxito en el mundo de la promoción de eventos musicales.

FEST RESURRECTION

ARTISTA:

FECHA/LUGAR:

FOTÓGRAFO:

20)

s 1 DE JULIO DE 20

VIVEIRO (miércole

PACO GARCÍA

PHAOSTOS P

Lamentablemente, 2020 ha venido marcado por la catástrofe: una pandemia como no conocía la humanidad desde 1918. Más de 100 años después, una enfermedad nos golpeaba al término del primer trimestre del año y todo se paró. La música se ha visto terriblemente afectada, reducciones de aforo, pérdidas de contratos... y la posposición del festival a 2021 no se ha podido evitar por cuestiones obvias. Yo, que soy una persona de ideas claras y que me gusta tener el trabajo planificado y cerrado con bastante antelación, tenía la reserva de hotel realizada desde octubre de 2019 y tenía clarísimo que si las autoridades me dejaban viajar hasta Galicia, el miércoles 1 de julio cogería el petate y haría el recorrido que, cuando escribo estas líneas, he realizado ya durante 7 años. Sin Resu, la cosa se planteaba de forma distinta. La visita al recinto era obligada y no quería dejar de ver cómo estaría mi festival “sin festival”. Por supuesto, aproveché el viaje para disfrutar de otra forma de Viveiro y sus

alrededores y así visité zonas que sólo había visto en Google Maps, comí en lugares distintos a mi amado Circle Meal (y su jamón asado) e investigué los otros enclaves del festival como El Casino (dónde se suele ubicar el Glamping), el parque José Antonio Pernas Peón (conocido como el Camping A) o la zona del Mirador de San Roque (denominado Camping B) con su ermita y su cueva del Santo. Sitios idílicos para acampar y disfrutar de los otros placeres que ofrece el Resurrection Fest. El viaje me sirvió también para visitar las decenas de calas, acantilados, fondeaderos, puertos, playas, monumentos y demás que puede ofrecer la costa oriental gallega. Desde A Coruña hasta Ribadeo pasando por los obligados acantilados de Loiba (con su célebre banco), conociendo El Castillo de Santa Cruz o la monumental Praia das Catedrais y reservando mesa para comer y cenar en algunos de los cientos de restaurantes especializados en producto fresco, ya sea recién sacado del mar o de la tierra. Toda esta experiencia se tornó en prisas y miedo. El sábado 4 de julio la amenaza de la enfermedad se volvió a cernir sobre la costa gallega y se preveía el cierre de la comarca en la que nos encontrábamos para el lunes siguiente, lo cual nos obligó en parte a cancelar los planes del último día (las reservas en restaurantes y visitas y la pertinente recogida apresurada de nuestras cosas para poner rumbo a casa en medio de esta extraña “nueva normalidad”). Esperemos que el año que viene sea más, mejor y con Resurrection Fest.

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TOUR LIFE

BUTCHER BABIES CARLA HARVEY Y HEIDI SHEPHERD TEXTO: DANI BUENO FOTOS: VÍCTOR GALLEGO

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Butcher Babies están preparando su nuevo trabajo de estudio, y después de compartir en nuestras redes sociales un rato con Heidi y Carla en directo durante la cuarentena, ambas desvelan sus rutinas de gira en esta charla: ¿De quién es la persona que os despedís con más dificultad cuando os vais a tocar? Carla: Mi perra. Heidi: A mí me pasa lo mismo también. Cuando giramos en Estados Unidos soy afortunada porque viene conmigo, pero en Europa es imposible. Carla: Mi perra en ese sentido es muy grande y está más cómodo en casa. ¿Cuál es la mayor cantidad de gente ante la que habéis tocado y dónde? Heidi: Creo que fue en el escenario principal del Hellfest y había decenas de miles de personas, donde tocan los todos los grandes artistas como ZZ Top, y lo único que veíamos eran cuerpos de gente por todas partes en el horizonte. Nos cogió por sorpresa ver a tantas personas ahí juntas, pero fue genial. ¿Cuál es la cantidad más pequeña de gente ante la que habéis tocado y dónde? Heidi: Cuando empezamos hubo un par de conciertos a los que vinieron 30 personas. Carla: Afortunadamente, no nos hemos visto en la situación de tocar solo para 5 fans o así. Heidi: Antes de empezar con Butcher Babies estuvimos en otro grupo juntas, y antes aún en grupos de instituto y demás sí que hubo alguna situación en la que había cinco personas o así en alguna cafetería (risas). ¿Tenéis roadies o toca cargarlo todo con vuestras propias manos y pies? Carla: Depende la gira. No nos importa hacerlo, nos encanta. En Europa es difícil llevar más gente contigo porque es caro, pero, de todos modos, siempre hay una crew en cada lugar que ayuda a todo esto. Heidi: Cuando se junta una gira como la última que hemos llevado a cabo en Europa con tantas bandas hay muchas manos y todo el mundo se ayuda entre sí. Está fantástico, no obstante, también lo es llevar tu propia crew ya que para guitarra, bajo y, sobre todo, batería, es a veces peligroso cargar las cosas porque te puedes lesionar y tienes que tocar igualmente. Por este motivo, tener un equipo contigo es muy importante. ¿Cuál es la mayor cantidad de dinero que habéis cobrado por un bolo? Puede ser positiva o negativa. La cuestión es que haya muchas cifras. Carla: No podemos decir eso… No me siento cómoda hablando de ese tema… Heidi: Hay diferentes momentos en las carreras de los artistas y las cantidades por concierto fluctúan, y según vas creciendo como artista y progresando en el mundillo esa cantidad incrementa. Carla: Hay una historia curiosa ahí. La vez que más cobramos por tocar fue en un festival donde tocábamos con Insane Clown Posse y además nos pagaron en efectivo, fue la hostia (risas). Heidi: Los festivales son siempre los que pagan más. ¿Cuál es el equipo técnico con el que soléis tocar? Heidi: Viajamos con nuestros micros y los in ears. Los chicos tienen sus amplis, guitarras, bajos, batería… Siempre tienen que cargar muchas cosas, y en ese sentido para nosotras es fácil (risas). ¿Tenéis patrocinio de alguna marca o sale todo del sudor de tu frente? Heidi: Tenemos endorsements, ya que además si te compras tú mismo el material es muy caro… El micrófono puede rondar los 1.000$, los in ears personalizados moldeados para tu oreja también cuestan una cantidad similar… Tenemos la suerte de contar con endorsements tanto nosotras con Sennheiser como los chicos, que tienen más como Schecter entre muchos otros. metal hammer | 7

¿Os avenís a tocar con material de otras bandas o alquilado si la situación lo demanda o siempre tenéis que llevar vuestro? Carla: Frecuentemente, cuando ya hay un equipo que lleve las especificaciones que necesitamos y requerimos está bien. No le puedes poner un set de batería de jazz a alguien que toca metal, por ejemplo. No obstante, lo ideal siempre es tocar con tus propios instrumentos. Heidi: Los chicos siempre llevan su propia guitarra y bajo, pero en el caso de la batería, Chase por ejemplo en la última gira europea se llevó sus platos y el resto de bandas compartía el kit. Eso lo proporciona la propia gira, lo que está bien, pero no es algo que nos haga incomodar, ni mucho menos, lo llevamos haciendo mucho tiempo. Sería peor, por ejemplo, si Henry no tuviera su guitarra, ya que es de ocho cuerdas y nuestra música lo requiere para sonar como está compuesta. ¿Cuál es vuestra rutina de calentamiento antes de salir a tocar? Heidi: Suelo hacer sonidos como si hubiera demonios dentro de mí (y lo interpreta) durante un rato para calentar la garganta, también hago “his” (y aquí empieza a repetirlo en varias ocasiones en distintos tonos para mostrar cómo funciona) para continuar calentando, y esto lo hacemos las dos. Carla: Intentamos cuidarnos la voz. Para eso es importante beber agua y aparte de los ejercicios que ha comentado yo hago otros como “mmmm” (aquí hace el clásico sonido de meditación tarareado para calentar la boca y muchos más). Cuando pasas días tan largos como los de gira, es importante hacerlos, y, por supuesto, antes de empezar los conciertos. Tomo té caliente antes de los shows, y, que no falte el Jagermeister, por favor (risas). Es lo más importante. Mi madre canta y hace uno que es “rrrrr”, ¿ese lo hacéis? Heidi: Yo hay ejercicios que no puedo hacer, por ejemplo el de “rrrrr” que mencionas no me sale (NdR: el hecho de no tener la pronunciación fuerte de la letra R dificulta esto a los estadounidenses respecto a los españoles, por ejemplo). Por más que lo intento, nada de nada (aquí empieza a intentarlo para probarlo y las risas de todos se 8 | metal hammer

escapan porque es una situación curiosa cuanto menos: tres personas en un bus haciendo ruidos extraños). Carla: ¡Había olvidado ese ejercicio! A mí si me sale, así que a lo mejor lo vuelvo a hacer esta noche antes de tocar (risas). ¿Qué es lo primero que hacéis al bajar del escenario? Carla: Tomarnos un chupito de jager (otra vez). Heidi: Nos relajamos un poco, bebemos algo de agua, nos cambiamos si podemos de ropa y cuando estamos en Estados Unidos de gira me voy al bus con el perro (risas). Carla: En muchas ocasiones tenemos los meet & greet después de los conciertos, así que es lo que toca varias veces. En Europa no lo hacemos, pero en Estados Unidos sí. Heidi: En Europa lo que hicimos en la última gira fue nada más acabar bajar al puesto de merchandising. En Estados Unidos hacemos una fiesta post concierto en el bus. Hay unos pases concretos para eso dentro de las entradas VIP. Mucha gente te cuenta historias interesantes y les gusta escuchar las tuyas. Carla: Y es una experiencia para muchas personas que nunca han estado dentro de un “tour bus”. Heidi: ¡También hacemos una “pizzafiesta” antes! ¿Cómo reaccionáis cuando alguien se sube al escenario? Heidi: Es divertido, no importa. Cuando empezamos hacíamos un rollo punk metal y no solo era punk la música, sino el ambiente. La gente subía al escenario, se tiraba… Carla: Mientras que no estés sosteniendo el micrófono y alguien te dé y te rompa un diente o así… Heidi: Cuando alguien sube, luego tiene que bajarse, no nos metemos en eso ni les tocamos ni nada por el estilo, son cosas del directo.

¿Preferís una gira como Dios manda estando un mes fuera de casa o ser “weekend warriors” que solo hacen conciertos solo los fines de semana? Carla: No lo hemos hecho lo de tocar en conciertos muy puntuales. Si eres una banda muy grande y ganas el suficiente dinero como para poder pagarlo sin problemas, tiene que ser genial, pero no es el caso y los costes de volar para tocar y demás son elevados. Si quieres hacer dinero, tienes que estar fuera, por lo menos, un mes. Aun así es caro, porque tienes que mantener los gastos de la crew, del bus de la gira… Heidi: Está guay además romper de esa manera la rutina cuando sales un mes o un mes y medio. 2 meses ya satura un poco. Todos los días son frenéticos y vas de un lado para otro sin parar. Cuando empezamos teníamos otros trabajos y girábamos por la zona del sur de California, pero nada más porque las distancias son muy largas y no podíamos permitirnos más, solo los fines de semana, pero ahora la cosa ha cambiado. ¿Habéis tocado alguna vez estando enfermas? ¿Cómo superasteis aquel concierto? Heidi: Siempre vas con el chip de que “el show debe continuar”. Hay muchas consecuencias si cancelas un concierto… todo el mundo pierde su dinero. Es muy duro, y todos y cada uno de los miembros de Butcher Babies hemos tocado con algún problema, sea mayor o menor, de salud. Da igual si es en invierno o en verano, siempre acaba pasando algo. En la gira de Europa, al ser en otoño, el tiempo era agradable, y más cuando hemos estado en otras ocasiones en las que hacía mucho frío. Hemos perdido la voz alguna vez, y cuando hemos salido al escenario siempre ha habido gratitud por no echarnos atrás y sacar adelanto el directo, si han tenido que ayudarnos desde el público a cantar lo han hecho, y eso es increíble. No es divertido, pero todos hemos estado malos en directo, y al fin y al cabo estamos contratados para eso, no hay días libres (risas). ¿Cuál ha sido vuestra situación más vergonzante sobre el escenario? Carla: Nunca me he sentido realmente avergonzada. Cuando suceden cosas más ridículas sobre el escenario son divertidas. La peor

parte ha sido alguna vez en la que Heidi le dio una patada sin querer al micrófono, éste salió volando y tuve que ir a por él. Heidi: Me sentí fatal por eso. Es cierto lo que dice Carla, no ha habido algo realmente vergonzoso a la hora de tocar, nos avergonzamos entre nosotros mismos y está guay (risas). Hay alguna vez en la que se ha enredado el pelo con alguno de los elementos del escenario como las guitarras o demás y es difícil e incómodo cantar. ¡Córtalo, córtalo! Heidi: (Risas) sí, hubiera estado bien. Ha sucedido un par de veces, y es lo común en grupos que tienen chicas ya que llevar extensiones es muy común y estas cosas pasan. Creo que eso sería lo más vergonzante si tuviera que decir algo (risas). ¿Qué es lo más glamuroso que has hecho estando de gira? Ducharse no cuenta Heidi: Esta última vez no, la anterior que tocamos en Barcelona. El promotor nos alojó en un hotel espectacular y estuvimos en la mejor habitación, y al estar en esa suite me sentí como una verdadera rock star. Se veía todo Barcelona y era preciosa. Cuando estás de gira apenas sueles tener tiempo para ver nada, y guardo ese recuerdo porque fue el primero que tuve de Barcelona, y es alucinante: en el hotel como una rock star con cerveza en una copa de champán (risas) en el balcón mirando toda la ciudad. Fue precioso. Carla: En las Islas Filipinas nos dejaron el hotel solo para nosotros y me dieron masajes en la habitación cada día porque además las Filipinas son muy baratas: 15$ por una hora completa de masaje. Fue flipante, me sentía como una verdadera rock star con el hotel para nosotros, los masajes, piscina privada y todo incluido con cosas como la comida y demás. Heidi: Teníamos hasta escolta. A cada sitio al que fuéramos venían policías con metralletas. Eso fue también glamuroso en el sentido de que te sientes como las super estrellas con esa seguridad (risas). Debe ser peligrosa esa zona y por eso venían, pero vaya, que estuvo bien.También pienso que este autobús en el que nos encontramos ahora mismo para la gira es glamusoro y no tener que conducir nosotros mismos. metal hammer | 9

LOS 5 DISCOS FAVORITOS DE…

winston mccall (parkway drive) TEXTO: DANI BUENO FOTO: javier bragado

Después de la extensa charla que tuvimos acerca de múltiples factores del entorno de Parkway Drive, la última parte de la entrevista con Winston McCall sirvió para conocer cuáles son los discos favoritos del vocalista australiano, con quien ya habíamos sobrepasado la media hora que, a priori, teníamos con él, y que se alargó todavía más cuando el frontman nos explicó por qué los siguientes álbumes son los que tienen más trascendencia para él en su vida. Bad Religion - Suffer (1988) “Voy a empezar con este porque fue con el disco con el que me introduje al punk rock, y este estilo en mi vida ha sido muy importante. El punk rock tiene muchas características a destacar como, sobre todo, su inteligencia, y Bad Religion plasma eso de manera idónea en este ‘Suffer’. Si a esto se le suma la gran energía que posee, esto lo hace aún mejor”. Nick Cave & The Bad Seeds - Abattoir Blues/The Lyre Of Orpheus (2004) “Me encanta el ‘Abattoir Blues’ a nivel instrumental y creo que es una de las mejores obras que existen en la historia. En realidad aquí podría mencionar casi cualquier álbum de Nick Cave (risas). Hace un gran trabajo y su sonido es excepcional”.

Hatebreed - Perseverance (2002)

“Me gusta mucho Hatebreed y fue el primer disco que escuché de hardcore que hizo que todo me diese un vuelco por la potencia de la música que contenía. La producción que tenía ese álbum provocó que la primera vez que fuimos a grabar un disco de estudio buscáramos tener un sonido similar a ese (risas)”. Cuando mencionó esto, automáticamente la relación era más que curiosa: el disco que había hecho a los Parkway Drive primigenios sonar de una manera era el de la banda que se iba a encargar de telonear a los australianos en su próxima gira europea. El hecho de que los creadores de uno de tus álbumes favoritos sean quienes poseen la labor de abrir tu show es sinónimo de que tu posición es más alta que la de ellos en la escena, y eso resulta curioso, por lo que quisimos que Winston nos contase más acerca de cómo se sentía en esa tesitura.

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“la primera canción que canté en mi vida fue una versión de hatebreed, y es extraño y muy loco a la vez que este tour fuera así porque los primeros temas que tocábamos cuando arrancó parkway drive eran covers de ellos” (winston mccall) “Es una verdadera locura”, confesaba entre risas McCall. “Para mí, cuando se cerró el tour y se confirmó que iba a ser con Hatebreed, la sensación fue una pasada. Una vez ya estaba todo concretado para la gira nos sentamos y dijimos: ‘Hatebreed... ¡madre mía!’. La primera canción que canté en mi vida fue una versión de Hatebreed, y es extraño y muy loco a la vez que este tour fuera así porque los primeros temas que tocábamos cuando arrancó Parkway Drive eran covers de ellos. Es increíble que vayamos a girar con ellos y un inmenso placer. No puedo decir mucho más (risas).

Tom Waits - Alice (2002)

“Tom Waits es un artista que me gusta mucho. Me encantan las melodías bonitas, y eso es lo que Waits hace extremadamente bien. En este disco en concreto se haya una de la músicas más bonitas que se puede escuchar con unas letras preciosas que tienen a su vez un toque oscuro y un poco creepy, así que eso es algo que hace este trabajo aún más especial”.

The Prodigy - Music For The Jilted Generation (1994)

“Por último diría que este LP de The Prodigy ya que es el primer disco que escuché. Es un álbum por el cual no pasa el tiempo y que sigue sonando genial sin que le afecte el paso de los años. Sigue siendo absolutamente increíble y me encanta que aunque por el estilo que tocan se les pueda considerar por un tipo de música más electrónica, la manera de sonar que tienen posee mucha fuerza, y en este trabajo en concreto tiene un punto heavy que hace que sea muy contundente. Siempre va a ser un disco que esté a un nivel muy alto, y, por supuesto, entre mis favoritos (risas)”. De este modo, la conversación siguió con otros derroteros después de más de 45 minutos (bastante más de lo que había previsto en un principio), y en todo momento el cantante se mostró como siempre: con un tono animado. No le costó mucho elegir discos así como tampoco hablar tanto en el reportaje publicado hace dos números, en esta descripción de sus discos favoritos y en un pequeño aparte más personal, lo que demuestras que los grupos que vienen pisando fuerte para hacerse con el “trono” de la escena no solo tienen que tener un plus de inteligencia para saber qué movimientos llevar a cabo y cuáles no en su trayectoria, sino una actitud de buen humor constante que se transmite a los aficionados y, en este caso concreto, a medios como el nuestro.

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NEW BLOOD

ANONYMUS TEXTO: OLGA VIDAL

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foto: dani rod

Este proyecto afincado en Canadá acaba de publicar su larga duración ‘La Bestia’, el cual aporta un granito de arena a la escena actual del thrash desde un entorno más underground y la renueva un poco más, lo que hace a la formación merecedora de protagonizar este ‘New Blood’. Sin embargo, han sacado la artillería pesada en escenarios europeos y han recibido diversos premios en su país de residencia, lo que demuestra que sus 3 décadas de experiencia han dado sus frutos. Llevan el esfuerzo, la humildad y la creatividad por bandera y de ese modo Anonymus siguen dispuestos a comerse el mundo. Acabáis de publicar vuestro álbum ‘La Bestia’, resultado de vuestra amplia experiencia y trayectoria. ¿Cómo ha ido el proceso de publicación del álbum dadas las circunstancias actuales? La verdad es que hemos retrasado de un mes la publicación del álbum en medio digital. Tuvimos que tomar la decisión de publicar o no. Como cerraron las empresas en Canadá y los envíos a los diferentes países se han complicado, hemos decidido publicar únicamente en digital y esperar una nueva normalidad para sacar el vinilo y el CD. ¿Cómo ha afectado la crisis de la Covid-19 a vuestros planes para este 2020? Teníamos algunos espectáculos que se cancelaron e íbamos a planificar gira para apoyar la salida del álbum. Por ahora nos parece precipitado planificar una gira en 2021, ya que la Covid-19 no ha desaparecido y ya vemos otros artistas con giras al inicio del 2021… Nos parece bastante precipitado viendo que en América no está contenido y que encima está empeorando. Vuestra trayectoria habla por sí sola: más de 1.500 conciertos a vuestras espaldas, giras en varios países y más de 2 millones y medio de reproducciones en plataformas digitales. Ahora que han pasado ya 30 años desde vuestra formación, ¿qué valoración hacéis sobre el conjunto de vuestra carrera? Es una carrera sin compromisos. Tuvimos mala suerte con algunos contratos internacionales que nos impidieron salir de gira pero, en general, hemos hecho lo que queríamos cuando lo queríamos sin decisiones de compañías que siempre te empujan a sacar algo solo para publicar algo nuevo. Hemos seguido nuestro ritmo y con el sentimiento de siempre hacer las cosas bien porque cuando lanzamos un disco nuevo siempre tiene que ser mejor que el trabajo anterior. Bueno, eso es lo que intentamos hacer. A pesar de todos los logros anteriormente mencionados y de vuestra extensa trayectoria, ¿qué obstáculos consideráis que os quedan por superar? ¿Dónde os gustaría veros en el futuro? Yo pienso que siempre, en la historia de un grupo, va haber obstáculos en su trayectoria. No hay nada fácil en la vida y tampoco en la vida de un grupo de música. Lo mismo si eres el grupo más grande del planeta, no te va a asegurar un futuro tranquilo. Nunca sabes lo que puede ocurrir. Así que vemos el futuro de manera optimista y hacemos todo lo posible para seguir nuestra trayectoria de manera que todo sea divertido como tiene que ser la creación de música. Habéis recibido en varias ocasiones diversos premios en

Canadá. ¿Qué nos podéis contar sobre el público y la escena canadiense? La escena canadiense, y más bien la de Quebec que es la provincia francófona, va muy bien. Muchos grupos de aquí se han hecho populares en otros países, y también bandas de estilos diferentes y cada una de esas bandas tienen su propio sonido. Muchas giras de grupos bastante conocidos están súper contentos de venir a tocar en Montreal o Quebec durante la gira norteamericana porque saben que el público va venir al concierto y que la sala va a estar llena. También habéis estado de gira en varios países europeos, como Francia o Bélgica. ¿Tenéis en vuestros planes alguna gira europea más extensa o participar en festivales de otros países? Por el momento no porque todos vivimos con la pandemia. Pero sí, nos gustaría volver a Europa para una gira, ya que la última que hicimos fue en 2011. Ya hace bastante tiempo y también hay festivales en Europa que son muy interesantes. Solo hay que nombrar el Hellfest, que sería un sueño tocar allá, o en el Resurrection Fest de España. En este momento no podemos hacer planes para los próximos meses porque no sabemos lo que puede ocurrir, pero nos guardamos una puerta abierta para planificar todo esto. ¿Os sentís arropados por los festivales canadienses y europeos o consideráis que todavía quedan muchos obstáculos en el camino? Siempre hay que luchar para hacer conciertos, y también mucho más para hacer festivales. Aunque hace más de 30 años que estamos activos, todavía hay que luchar para hacer conciertos y seguir adelante. La mayoría de la gente piensa que lo tenemos todo fácil porque somos un grupo que lleva muchos años, pero eso no es la verdad. Todavía tenemos que pelear para tener una oportunidad de tocar en un festival y seguimos luchando porque sabemos que tenemos una buena música para compartir con el público. ¿Por qué habéis decidido con ‘La Bestia’ componer las letras en español? Es una idea de nuestro gerente para ser capaz de entrar en contacto con los países sudamericanos. Debido a que tres miembros del grupo hablan español y a que ya hemos hecho canciones en español, no era un gran problema hacer un disco completo. El álbum ‘La Bestia’ lo tenemos que ver como una compilación de los 30 años de Anonymus. Hay temas que ya habíamos hecho en español en discos anteriores y también otros en francés que hemos traducido al español (y una nueva canción: “Sobrevivir”). En esta ocasión han colaborado en vuestro álbum artistas como Carlos Maldos, Arno Dhenain Le

Bourhis y Marco Calliari. ¿Cómo ha sido la experiencia? ¿Hay algún artista en especial con quién os gustaría colaborar en el futuro? La idea para la canción “Violencia Versus Violence” era tener con nosotros a un artista de habla francesa y alguien de Sudamérica. Hemos hecho muchas giras en Francia y era fácil para nosotros tener a alguien que sabíamos que el resultado iba a ser perfecto. Por lo de los países sudamericanos, no estábamos muy al corriente de lo que pasaba allí y hemos entrado en contacto con Lethal Creation, con quien teníamos que hacer gira conjunta en Canadá pero no salió porque al final no todos los componentes podían. Hemos mantenido contacto con ellos y cuando llegó el momento de grabar esa canción no nos llevó más de 2 minutos tener un respuesta positiva de su parte para participar con nosotros. En ‘La Bestia’ se pueden encontrar canciones más potentes como “Bajo Presión” o la mencionada “Violencia Versus Violence” y otras más melódicas como “Cada Loco Con Su Tema” o “Tierra”. ¿Cómo lográis un sonido tan personal y a la vez tan variado? ¿Cómo organizáis las tareas de composición? La verdad es que no lo sabemos. Cada uno de la banda puede componer canciones o trabajar ideas, y cuando ensayamos nunca nos decimos “bueno, tenemos que hacer una canción así y la otra así”. Todo viene de manera natural, no lo pensamos mucho. A pesar de que el thrash es un estilo con mucha trayectoria y muy establecido, aportáis temas variados donde se aprecian diversas influencias. Si profundizamos en el tema compositivo, ¿nos podríais contar más detalles sobre vuestras influencias y cómo afectan a vuestro sonido personal? Nuestras principales influencias son los grupos como Metallica, Slayer, Anthrax, Testament, Slipknot, System Of A Down y muchos otros. No obstante, siempre hemos tenido el sentimiento que hemos de escuchar todo lo nuevo que aparece con las nuevas bandas para actualizar nuestro grupo con lo que ocurre en este momento y, sobre todo, que no se diga que en nuestra época todo era mejor. Porque la verdad es que hay bandas modernas que nos traen mucha inspiración en las nuevas canciones que hacemos. Una vez la industria musical vaya retomando su actividad, ¿qué es lo primero que haréis? Tratar de hacer el máximo número de conciertos posible, es lo más importante en una banda. Si no haces conciertos para conectar con el público todo lo demás es imposible. Así que al segundo que toda esta historia de pandemia sea un recuerdo, vamos a hacer todo lo posible para generar una gira en Sudamérica y España. metal hammer | 13

JAY WEINBERG (SLIPKNOT) TEXTO: SERGI RAMOS

FOTO: BRENDAN COUGHLIN

Jay Weinberg tenía marcado en las estrellas que acabaría siendo batería. Su padre, Max Weinberg, es el legendario batería de Bruce Springsteen & The E Street Band. Pero todo cambió el día en que papá llevó a su pequeño de diez años a ver a Slipknot en el Ozzest del año 2001. Jay se convirtió en un fan de la demoledora banda y, por las vueltas que da la vida, acabaría siendo el batería de la misma en sustitución de Joey Jordison. Esta es su historia. La primera vez tocando de gira con Bruce Springsteen Mi padre tuvo un conflicto de agenda, ya que tenía que tocar la batería con Bruce Springsteen & The E Street Band y a la vez empezar los ensayos del Tonight Show de Conan O’Brien. Yo había tocado una canción con Bruce y la banda en una ocasión y cuando tuvo el conflicto Bruce le preguntó a mi padre si yo podría sustituirle. En ese momento yo llevaba dos meses de mi primer año de estudios universitarios. Les expliqué que quería mantener mis estudios activos, aunque acababa de empezar, y demostrarles

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que podría trabajar duro a la vez que giraba con Springsteen. Les dije que me encantaría hacer ambas cosas pero que, si no me lo permitían, yo iba a escoger lo que más me llenaba que era tocar en directo. No podía dejar pasar esa oportunidad. No podía decir “hey Bruce, gracias por la oportunidad pero tengo clase de matemáticas mañana” (risas). Por suerte estaba en una universidad que supo ver mi pasión por ambas cosas: la educación y la música. Me dijeron que si podía hacer ambas cosas, lo intentase. Me lo tomé como un reto y, aunque me llevó algo más de tiempo acabar mis estudios, lo acabé. Cuando toqué “Born To Run” como invitado

en el Giants Stadium nunca me imaginé que tendría que volver a hacerlo un tiempo después y de manera constante. Cuando me invitaron a tocar con la E Street Band fue un desarrollo lógico. Bruce pensó que si podía tocar una canción con ellos podría tocar unos cientos de canciones con ellos. Había mucho que estudiar cada día. Todos los días Bruce te daba un trozo de papel con cinco canciones apuntadas cuando estábamos en el coche de camino al estadio. Tenías que aprenderte esas cinco canciones en el espacio de, aproximadamente, treinta minutos (risas). Entonces íbamos a la prueba de sonido y ensayábamos dos o tres de esas canciones y quizá tocábamos una o dos en el set de esa noche. Eso me forzó a aprender canciones con mucha rapidez y a buscar la manera de memorizar estructuras y canciones con mucha velocidad. Eso me permitió desarrollar mi sentido de la anticipación y es algo que me ha ayudado en posteriores proyectos. Su audición con Slipknot sin tener ni idea de con quién iba a tocar Nadie me dio pistas y nunca supe de qué banda se iba a tratar hasta que estuve allí. No sabía nada. Me dijeron que fuese a un estudio y que hiciese una prueba. Como soy un tipo curioso quería saber cómo funcionaría lo de ir a un estudio con un grupo de músicos que no conozco y tocar con ellos. Para ser realista, ellos no querían que yo supiese nada y lo respeto. Se enfrentaban a un cambio muy importante en su banda y estaban llevando el asunto con mucha discreción y respeto. Cuando llegué y me dijeron que haría una

audición para Slipknot tuve que hacer un poco de gimnasia mental en un espacio corto de tiempo para entender cuál iba a ser mi rol en ese momento y para enfocar la situación adecuadamente. Era una grupo realizando un cambio muy importante dentro de su dinámica y tenía que lidiar con ello desde el respeto y el cariño hacia su música pero entendiendo lo que esas personas estaban viviendo en ese momento. Entendí que si alguien pidió que estuviese ahí era por un motivo y no era mi asunto saber la razón. Fuese cual fuese el motivo, me querían ahí y tenía que demostrarles por qué estaba ahí. Me dijeron “Slipknot van a entrar en veinte minutos” y tuve veinte minutos para preparar mi set de batería para tocar con ellos. Slipknot merecen a una persona a la que han volado de una punta a otra del país, le han dado veinte minutos para preparar su set y es capaz de tocar todo su fondo de catálogo sin problemas. Pienso que Slipknot se merece eso y se lo ha ganado con la longevidad que tiene su carrera. Entendí que si me habían puesto en esa situación era porque esperaban lo mejor de mí. Si me habían lanzado a la piscina sin pensar en mi historia musical es porque lo único que importaba en ese momento era que tenía que tocar para Slipknot. Me gustó el reto y me gustó la presión. No había tocado siguiendo una canción de Slipknot en diez años, desde que tenía trece. Estaba tirando de memoria muscular en la audición, recordando aquellas canciones que tanto me gustaron y me impactaron de más pequeño. Cuando me pidieron tocar fue como si estuviese pidiéndole canciones a una maquina

de Jukebox. Les decía “vamos a tocar esta canción” porque nunca les había visto tocar un determinado tema. Quería verles tocar “Skin Ticket” o “Get This”, cosas que me gustaban y que quería ver cómo tocaban ellos. No esperaba que aquello fuese más allá de ese día y sabía que era mi única oportunidad para tocar con ese grupo que tanto significaba en mi vida musical. Pensaba que sería la última vez que les vería. El reto de tocar con una máscara de látex Nunca había tocado en una banda donde se me requiriese llevar una máscara. Eso restringe mi capacidad para respirar y mi capacidad para maniobrar. Me requirió práctica, ciertamente. Sobre si alguna vez ha estado a punto de desmayarse a causa de la máscara y las altas temperaturas en el escenario Has de lidiar con ello. No es divertido, no mola, pero es parte del espectáculo. El arte no es fácil y la manera que Slipknot tiene de expresar su arte es, a veces, dolorosa. Entendí eso rápidamente cuando entré en la banda. Un factor importante que debes tener en cuenta en este grupo es la resistencia. Es un reto físico. Lo que más me motiva de la batería es ese reto físico y esto simplemente lo amplifica. Estas trabajando contra los elementos: contra el calor, la humedad, la incomodidad, el dolor… has de entenderlo y aceptarlo.

EQUIPO: SJC CUSTOM DRUMS • Modelo “M5” de arce • Bombo de 7 capas de 14” x 22” • Bombo de 7 capas de 14” x 22” • Caja de 48 capas de 6.5” x 14” • Rack tom de 5 capas de 8” x 10” • Rack tom de 5 capas de 8” x 12” • Rack tom de 5 capas de 9” x 13” • Goliat de 5 capas de 16” x 16” • Goliat de 5 capas de 18” x 18” Artwork Custom de Thomas Hooper con hardware de cromo Soportes DW Soportes flotantes Aros fundidos a presión Aros de bombo con inlays negros T-rods para bombo SJC shield lugs PLATOS ZILDJIAN • 10” K Custom Hybrid Splash • 14” A Custom Hi-Hats • 18” Ultra Hammered China • 20” A Custom Crash • 8” K Custom Hybrid Splash • 10” Oriental China • 8” EFX Bell • 20” A Custom Crash • 18” Ultra Hammered China • 21” S Rock Ride • 13” A Custom Hi-Hats • 22” Crash of Doom PEDALES Y HARDWARE DRUM WORKSHOP Rack System: • (5) DWCPRKTLEG Leg Assemblies • (7) DWCPRKB36S 36” Straight Bars • (2) DWCPRKB42C 42” Curved Bars • DWSMRKTTCA 1.5” - .75” Tube Top Cymbal Adapters • (13) DWSM934S - SM912S 9” x 1/2” Boom Cymbal Arms • (9) DWSMRKC15T 1.5” - 1.5” Leg Clamps • (5) DWSMTA12 1” - 1/2” Tom Arms with SM780, 1” Memory Lock • (27) DWSMRKML15 1.5” Hinged Memory Locks • DWSM9212 1/2” x 18” Boom Arm with Incrementally Adjustable Hi-Hat Clutch • DWSM2141X Hi-Hat Stabilizing Clamp System • DWSM776 7” Overall with Double Angle V-Clamps / SMMGM Memory Locks • DWCPRKSBL Floating Snare Basket • (8) GoPro Camera Mounts • (2) DWCP9000 Single Pedals • DW9500TB Hi-Hat stand (no legs) • DWCP9300AL Snare Stand BAQUETAS VATER • MODELO “Jay Weinberg” Universal • VSHM Stick Holder • VSHS Stick Holder • (2) VDH Drink Holders PARCHES EVANS • Bombo: EMAD-2 Heavyweight / Custom Resonant • Caja: Heavyweight / 300 Resonant • Tom: G2 / EC Resonant BATERÍA ELECTRONICA ROLAND • SPD-SX Sampling Pad • TM-2 Trigger Module • BT-1 Bar Trigger Pad • RT-30K Kick Triggers metal hammer | 15

DEEP PURPLE DIGNIDAD INTACTA TEXTO: SERGI RAMOS FOTOS: BEN WOLF Y toni villén

Por encima del bien y del mal, Deep Purple editan este mes el enésimo disco de su carrera, ‘Whoosh!’. Da igual lo que suceda en el mundo: el púrpura prevalece. “Se han convertido en una orquesta de pueblo”, bramaba hace años un conocido periodista musical durante una conversación privada. Fan acérrimo de la saga de Deep Purple, no terminaba de ver con buenos ojos la trayectoria del grupo desde que a finales de los años ’90 los discos de estudio comenzaron a espaciarse en el tiempo. Desde ‘Abandon’ (1998) a ‘Bananas’ (2003) pasaron cinco años. Apenas un par de años después llegaría ‘Rapture Of The Deep’ (2005) pero habría que esperar ocho años hasta que ‘Now What?’ (2013) nos permitió que el paciente púrpura recuperase el pulso discográfico. Otros cuatro años tardaría en llegar ‘Infinite’ (2017) y ahora, con cierta celeridad, aparece ‘Whoosh!’ en 2020, tras un lapso de tiempo que comienza a considerarse breve.

mantuvimos el año pasado. Los mismos que anunciaban una gira de despedida que luego matizaron en múltiples entrevistas antes de empezar siquiera.

Al periodista lo que le incordiaba de veras era que la banda no había hecho demasiado por dotar de interés su producción de nueva música. Los directos eran un compendio de hits que todo el mundo quería escuchar y dos o tres temas nuevos que a nadie le interesaban, según su versión. No solo eso: desde la salida del temible Ritchie Blackmore en 1993 y el paso por la banda de Joe Satriani primero y el ya clásico Steve Morse después, Deep Purple habían perdido buena parte de su esencia. Algo que se agravó todavía más con la salida de Jon Lord, el maestro musical y teclista de la banda, y la entrada de Don Airey, popularmente conocido en los ’70 y ’80 por ser lo que se solía llamar, despectivamente, “un mercenario”. Apenas la base rítmica de Roger Glover e Ian Paice acompañaba a la voz maltratada de Ian Gillan.Todo era miseria, aparentemente. Aquello no era digno de llamarse Deep Purple.

Tampoco se puede culpar a Deep Purple por haber variado en múltiples ocasiones su formación. A fin de cuentas, es una banda famosa por dividir sus eras en “marks”. La era clásica de GIllan/Glover/Paice/Blackmore/ Lord, la era de Hughes y Coverdale, la de la reunión de la formación clásica, la de Joe Lynn Turner… ocho formaciones han protagonizado los cincuenta y un años de historia de la banda de Hertfordshire. Ponerse puristas es negar una parte muy importante del desarrollo de la banda y reducir todo a seis discos de estudio, los que grabó el mítico Mark II. Del mismo modo que los fans más puristas de Pink Floyd lo reducen todo al periodo 1970-1979, de ‘Atom Heart Mother’ a ‘The Wall’, los más acérrimos de Purple no comprenden como la banda que en solo tres años grabó ‘In Rock’,‘Fireball’,‘Machine Head’ y ‘Who Do We Think We Are’ -con todo un ‘Made In Japan’ de por medio- ahora tarde veinte años en grabar cuatro discos que, en comparación, son inferiores.

Aquella conversación tuvo lugar en 2004. De eso han pasado dieciséis años y Deep Purple siguen aquí, editando un nuevo disco en agosto de 2020, mientras el mundo sufre una temible pandemia que ha paralizado todo lo que tenga que ver con la música en directo. Aquel periodista ya no escribe en ninguna parte. Deep Purple siguen haciendo música y giraran en cuando el mundo sea un lugar seguro en el que congregar a las masas. Hablar en términos despectivos de Deep Purple es tentar a la suerte. Como con los clubs de futbol, estamos hablando de entes que están por encima de su eje cronológico, su directiva y el mejor de sus dream teams. Aun así, estamos en el primer siglo del rock and roll y nadie tiene la menor idea de cuales son las reglas del juego todavía. “Yo siempre decía que lo dejaría cuando viese que los Rolling Stones lo dejan…pero los tíos siguen girando pasen los años que pasen”, decía Joe Perry de Aerosmith en una entrevista que

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“Cuando llegas a cierto momento en tu vida, cualquier aliento podría ser el último”, dice lacónico Glover, el mítico bajista y muchas veces productor de Deep Purple. No parece temerle al fin, pero tampoco tiene ganas de que llegue. “Esto es algo que no puedes parar: es algo que sale de lo más profundo de tu ser y te empuja a hacer lo que haces. Cuando eres un compositor o un músico tu vida se basa justamente en eso”, resume. EL FACTOR EZRIN

Aquel periodista podía pensar que eran una orquesta de pueblo pero Deep Purple están lejos de eso: siguen siendo una fuerza relevante en el mundo del rock y con la capacidad de hacer discos de rock poseedores de la esencia del género. Una esencia que, en medio de esa otra pandemia que es la de mezclar el género con cualquier otra expresión musical

aparecida en los últimos cuarenta años sea música disco, hip-hop, electrónica o lo que sea, se adivina más necesaria que nunca. Deep Purple son ese frasco que no debemos perder, un faro que no debemos perder de vista. Como los Stones. Si ellos pierden el norte, es que no hay nada que hacer para el resto. Pero hasta Deep Purple pierden el norte de vez en cuando, aunque sea para sus adentros. Entra en escena Bob Ezrin, el mítico productor de Kiss, Pink Floyd y Alice

Cooper entre muchos otros. Ezrin ha producido los últimos tres discos de Deep Purple y nadie le puede toser. Imagínate estar en una habitación con unos tipos que llevan cincuenta años con su banda y diles lo que tienen que hacer.Además, añádele que uno de ellos, Glover, ha producido algunos de los discos más conocidos de la banda y atesora muchos de los conocimientos que hacen que Purple suenen a Purple. “Bob Ezrin es alguien con mucha energía y muchas ideas”, explica el propio Glover.

“Si nos dejas a nosotros solos nos pasaríamos tres horas discutiendo si algo tiene que ser en Sí bemol o en Fa. Bob viene y dice ‘tiene que ser en Sí bemol’. Esto hace que las cosas vayan más rodadas y que los desacuerdos se resuelvan con suma rapidez. Y nos gusta trabajar con rapidez. Lo primero que reconoció de nosotros es nuestra capacidad musical, porque cuando tocamos en directo tenemos una gran espontaneidad y Bob quería potenciar eso en el contexto del disco. No se trata de encontrar la mejor canción y hacer la grabación perfecta, sino de estar todos en el estudio y tocar con facilidad y fluidez”, explica el bajista.

“Para nada”, respondía Gillan en la entrevista.“Tuvimos nuestras diferencias pero ese no fue el motivo. (…) El motivo es que la banda estaba apalancándose y por eso se fue Ritchie también. Los Deep Purple en los que yo estaba cayeron en un patrón formulaico que era como hacer servicio civil. Creo que fue por vagancia, por miedo. ‘Fireball’ fue una gran progresión pero tras eso creo que caímos en hacer música formulaica. ‘Machine Head’ fue como volver a hacer lo mismo que en ‘In Rock’ y eso fue una pena considerando todo el talento que había en la banda. Me fui de Purple porque estaba aburrido de hacer siempre lo mismo”.

“Normalmente no hacemos más de un par de tomas de cada canción. No somos una banda que trabaje los discos por capas, grabando por separado. Tocamos todos juntos en el estudio normalmente. Un disco nos suele llevar dos semanas de trabajo en el estudio. Quizá otro par de semanas con las voces incluidas, pero no mucho más. Es un proceso rápido y Ezrin es el arquitecto de ese proceso”.

Si el Gillan de 1974 escuchase ‘Whoosh!’ le daría un síncope al comprobar cómo una colección de canciones puede resumir, paradójicamente, todos esos elementos formulaicos que parecía odiar en aquel entonces. Para los fans del classic rock en el año 2020, no podría haber mejor acontecimiento que Deep Purple editando una colección de canciones que respeten los valores musicales de la banda, su legado y su identidad. Canciones como “Throw My Bones”, “Nothing At All” o “Man Alive” son piezas dignas del nombre al que representan. Sí, evidentemente nunca serán “Highway Star”, “Smoke On The Water” o “Woman From Tokyo” pero tampoco ningún miembro de Deep Purple parece tan desconectado de la realidad como para pretenderlo.

Si bien esa esencia que hoy representan Purple es un valor en alza, no lo era tanto a mediados de los ’70, cuando Ian GIllan se fue de la banda por primera vez. “¿Quieres saber por qué dejé Purple?” le preguntaba Gillan al renombrado periodista Pete Makowski por entonces en una entrevista para la revista británica Sounds. El periodista le indicó que pensaba que era debido a las grandes diferencias entre él y el guitarrista Ritchie Blackmore.

POR ENCIMA DE TODO Son tiempos extraños para el rock and roll, casi tanto como para las relaciones humanas, la salud pública o la actividad económica. Si bien todos los miembros de Deep Purple podrían considerarse como población “de riesgo” para el maldito virus famoso, su mejor muestra de supervivencia es simplemente editar un disco. “Ha sido un reto, pero no ha sido duro”, explica Glover sobre el confinamiento de los últimos meses. “Me imagino que debe haber sido más duro para otras personas que para mí.Vivo en el campo, aislado, no en un edificio con dieciséis niños a mi cargo. Ha sido un proceso distinto para mí y, pese a todo, ha tenido un lado bueno. He tenido más tiempo para hacer cosas que me gustan, en lugar de cosas que debo hacer”, razona. El disco de Deep Purple llevaba una buena temporada hecho antes de que todo el mundo se volviese loco. “El disco estaba totalmente acabado antes de que estallase todo esto, desde el año pasado”, explica el músico. Pese a todo, ‘Whoosh!’ se ha retrasado respecto a su fecha de edición inicial, situada en el mes de junio y a tiempo para los conciertos que la banda planeaba dar en Europa. Finalmente el trabajo ve la luz el 7 de agosto. “Es la discográfica quien tiene el poder de decisión sobre cuándo se edita el álbum”, se disculpa. “Ellos son los expertos y ellos son los encargados de esa parte. Nosotros no conocemos cuales son las motivaciones para que un disco salga en un momento u otro, más allá del hecho de que llevamos un montón de años en este negocio. Nosotros confiamos en nuestra discográfica y cuando nos dicen que el disco se ha de retrasar un poco, sabemos que lo hacen por un buen motivo”. metal hammer | 17

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En conversación telefónica, Glover es elaborado y afable. Si bien Gillan depende un poco de los astros, Glover es un valor seguro y buen conversador. Como Paice. Son músicos que pueden hablar con una pared y conseguir que los ladrillos se interesen por cualquiera de las historias que atesoran tras una carrera que arrancó cuando el primer ministro británico era Harold Wilson. Y con las fronteras aún cerradas a la hora de hacer ésta entrevista, tampoco había mucha más opción que desayunar telefónicamente con el músico británico afincado en Suiza.

“Sentíamos que ya no éramos relevantes como banda, que nuestro tiempo había pasado” (Roger Glover) ¿Porqué un nuevo disco tan “rápido”? El hueco de ocho años entre ‘Rapture Of The Deep’ y ‘Now What?’ tiene más que ver con la agenda de trabajo que teníamos que con una falta de inspiración por parte de la banda. Actualmente no necesitas un disco para salir de gira, como en los viejos tiempos. Estamos en una categoría distinta ahora y podemos salir de gira siempre que queramos -con un poco de lógica, claro-. No tenemos una gran acumulación de canciones esperando para salir a la luz. Cuando salió ‘Now What?’ vio la luz veníamos de un período en el que algunos de nosotros, y no me incluyo, nos estábamos planteando si tenía alguna lógica volver a hacer un disco de estudio. No tenía sentido desde una perspectiva financiera y además sentíamos que ya no éramos relevantes como banda, que nuestro tiempo había pasado. Yo siempre he pensando que somos una banda de álbumes, que es nuestra esencia y que deberíamos mantenerla. Creo que cada disco es una instantánea de dónde estábamos, de quienes éramos en ese momento concreto de la historia y es importante mantener la continuidad. Cuando decidimos comenzar a trabajar en nuevo material, Bob Ezrin nos mostró un camino. Como hacía tiempo que no componíamos juntos, ocho años, estábamos llenos de ideas y eso nos permitió completar ‘Now What?’ con bastante facilidad. Fue el disco que nos hizo enamorarnos de grabar discos de estudio nuevamente. Y aquí estamos nuevamente, como resultado de aquel proceso. ¿El crecimiento de los servicios de streaming y el acercamiento de nuevas generaciones ha renovado el interés en el catálogo y la música de Deep Purple? No tengo la menor idea de lo que pagan los servicios de streaming y lo que nosotros ingresamos por ello. Leo los titulares, como todo el mundo, pero no conozco los detalles. Nuestra discográfica cree mucho en nosotros y Bob Ezrin ha creído mucho en nosotros y esas han sido las principales fuentes de apoyo que nos han llevado a volver al estudio. Por eso hemos vuelto a hacer tres discos en los últimos ocho años, lo cual está muy bien si pensamos que en los ocho años previos hicimos cero discos. Pero, como digo, eso se reduce a que hay gente que cree en nosotros y nos apoya.

Es un disco fácil de escuchar, inmediatamente familiar. ¿Se había vuelto el rock and roll demasiado complicado en los últimos tiempos? Nunca intentamos hacer nada como banda. Las cosas suceden cuando tocamos juntos. La primera sesión de grabación nos genera 15 o 20 ideas para canciones. La segunda nos genera otras tantas y con eso tenemos suficiente. Un par de sesiones se han vuelto la norma para nosotros. Cuando tenemos todas las ideas sobre la mesa, hacemos una selección y nos centramos en las que mejor suenan, las que más nos gusta tocar. Cuando acabamos un disco es tan sorpresivo para nosotros como para el resto del mundo porque no hay un plan de antemano, no hay una reunión para pensar “¿en qué dirección queremos que vaya este disco?”. Eso no sucede, sencillamente. La dirección no significa nada para nosotros: nunca hemos seguido a otras bandas, ni ninguna moda. La música sale como sale en ésta banda y esa es nuestra naturaleza, la manera en que funcionamos. El disco parece tener más presencia del teclado de Don Airey si lo comparo con los dos anteriores. No sabría decirte, es tu opinión y tienes derecho a ella. Nosotros construimos canciones totalmente a ciegas y no pensamos en si hay más teclado o menos teclado. Puede haber una posibilidad, un pensamiento subconsciente sobre que este pueda ser nuestro último disco y eso nos lleva a hacer las cosas de una determinada manera. Pero claro, el anterior disco también iba a ser nuestro último disco y aquí estamos en el año 2020. Pienso que el disco tiene un tono un poco más heavy en canciones como ‘Nothing at All’ o ‘Man Alive’. Son canciones que tratan conceptos más amplios que el amor, la música y los conciertos. Tienen más que ver con la humanidad y con pensamientos más profundos.

“La atracción sexual es algo que siempre va a estar ahí pero la manera de expresarlo debe ser más dignificada que la que teníamos como veinteañeros” (Roger Glover) Con la perspectiva de alguien que lo ha visto todo en éstos últimos cincuenta años ¿es más inspirador el momento actual para componer música? No sabemos lo que sabemos hasta que alguien nos pregunta lo que pensamos sobre un determinado tema o cuestión. Las entrevistas son un proceso de iluminación para nosotros porque nos hacen plantearnos cosas. Es una buena pregunta la que formulas. Creo que hay una diferencia entre componer letras con 20 años y componerlas con 70 años. Muchas cosas cambian en ese tiempo. Nadie dice que no puedas ser cachondo o absurdo, porque siempre hay un espacio para eso en la música, pero nosotros componemos para nuestra edad, por así decirlo. Componer sobre coches rápidos y tías buenas estuvo bien en una época pero creo que no sería demasiado apropiado a los 70 años. metal hammer | 19

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No pienso que lo sea. Es evidente que la atracción sexual es algo que siempre va a estar ahí, tengas los años que tengas, pero la manera de decirlo y expresarlo debe ser más dignificada que la que teníamos como veinteañeros. Creo que a medida que te haces mayor tienes muchas más opiniones sobre distintas cuestiones pero nunca hemos sido una banda politizada. Somos una banda donde cada miembro tiene distintas visiones políticas pero nunca lo hemos usado en el contexto de la banda. No queremos decirle a la gente cómo tiene que pensar. Nosotros hablamos del mundo desde un punto de vista puramente observador. Si dejamos que la política se infiltre en Deep Purple, la banda se rompe. Todos somos distintos y estamos de acuerdo en ser distintos (o estamos de acuerdo en no estar de acuerdo, como se suele decir). Pero estamos por encima de la política. Tenemos una visión del universo y el mundo y la expresamos a través de nuestra música y canciones. ¿Se vuelve más difícil componer canciones de rock entretenidas y enérgicas a medida que la edad te empuja a una visión más oscura o nihilista de tu entorno? Recuerdo que una vez, de niño, me planteé que sucedía cuando se acababan los títulos de películas. Es un pensamiento absurdo pero, a los siete años, es una de esas cosas que te preguntas. Como compositor, las infinitas posibilidades para hablar del mundo que te rodea te favorecen. Soy un compositor antes que un comentarista social y escucho mucha música todos los días. Trabajo todos los días, aunque sea tocar dos acordes, y eso me hace mantener cierta frescura y evitar el nihilismo absoluto. En ocasiones veo un titular en un diario y eso me inspira a pensar un título para el nuevo disco. No hay ninguna escasez de temas para un compositor en el mundo actual. Siempre encuentras una manera. Y siempre hay una nueva manera de decir “te quiero”. Deep Purple debe ser una de las últimas bandas que se reúnen físicamente en un estudio para grabar música. Como si fuese arte, ¿verdad? (Risas) Exacto. ¿Crees que la gente glorifica la tecnología en exceso y se olvida el factor humano -la tensión, el tira y afloja- a la hora de grabar música? Cuando la tecnología comenzó a cambiar a finales de los ’70 y aparecieron las cajas de ritmo, los sintetizadores y los secuenciadores la idea de la perfección lo alcanzó a todo. Es muy complicado lograr la perfección si eres un humano, salvo que ensayes dieciséis horas al día. No puedes culpar a los músicos jóvenes por hacer sus grabaciones por capas y con los medios de los que disponen actualmente a nivel tecnológico, porque es lo que conocen. Nosotros venimos de una época primitiva en la que tenías que tocar en un estudio con toda la banda a la vez, unos pocos micrófonos, y ocho pistas o dieciséis si tenías suerte. Joe Walsh dijo en una ocasión que “aquel que no sepa hacer buen rock and roll con dieciséis pistas es un flojo” (risas). Lo cual es muy cierto. La gente que ha nacido -no crecido, sino nacido- en los ’80 o en los ’90 tan solo conoce esto. Ellos no han vivido la época previa. La perfección es algo que se espera

de ellos y la única manera de conseguirlo es con maquinas. Es una trampa en la que se encuentran atrapados y, aunque las cosas están cambiando un poco, nunca habría imaginado que las cosas serían así hace cincuenta años. Jamás habría podido imaginar la manera en que ha evolucionado la música hasta el momento actual. La tecnología lo ha cambiado todo drásticamente. ¿Qué sucederá en un futuro con la música? No tengo la menor idea. Creo que será algo cíclico. Iremos de la perfección a la humanidad y de ahí de vuelta a la perfección nuevamente. El mundo vibra y se mueve y las cosas parecen ir en círculos. Cuando la música disco apareció a mediados de los ’70, el Philadelphia Sound y todo eso, tocaban de manera perfecta. Nada podía ser más perfecto que eso. Y unos años después apareció el punk, que era la perfecta antítesis a esa perfección. Era crudo y real y por eso era tan potente. No eran expertos intentando ser perfectos sino gente expresándose a través de la música.

apetecía. ¿Dónde lo haces? ¿En Londres? ¿En New York? ¿En Roma? El coste emocional que tiene para nosotros hacer algo por última vez es enorme. Yo estoy a favor de girar, girar y seguir girando hasta que de golpe esto se acabe. Sin anuncios de ningún tipo. Lo anunciaríamos después de que ya se hubiese acabado todo, claro. Pero eso de ganar dinero glorificando el hecho de que es tu último concierto o tu última gira es algo con lo que no me siento demasiado cómodo. ¿Por qué una banda como Deep Purple sigue girando? Me imagino que, económicamente, ya no tenéis la necesidad.

¿Cómo definirías las relaciones existentes dentro de la banda? ¿Son tensas? ¿Son amigables? ¿Son relaciones simplemente de negocios?

Eso no es cierto. Es una de esas fábulas que todo el mundo asume como ciertas porque tenemos un nombre popular. La gente interpreta que somos muy, muy ricos y ya no tenemos que trabajar pero eso no es cierto en absoluto. No digo que estemos sufriendo económicamente pero tenemos que trabajar para vivir. El éxito de la banda, el éxito real fue ¿cuándo? ¿Hace 50 años? Hace cincuenta años desde que tuvimos nuestro gran éxito y ganábamos toneladas de dinero. Pero todo eso se quedó en los ’70. Eso no sucede ahora. Ni siquiera entramos en las listas desde hace unos veinte años. ‘Now What?’ fue el primer disco que entró en las listas en dos décadas, nuestro mayor éxito en mucho tiempo, así que no podemos dormir sobre nuestros laureles financieramente.

Creo que tú mismo lo has respondido. Son tensas, bromeamos unos con otros y trabajamos juntos (risas). Al final todos nos respetamos, todos somos conocedores de que estamos en un mismo barco y debemos remar juntos para mantenerlo a flote. Tras todos estos años comprendemos nuestras personalidades y hemos aprendido a comportarnos.

Luego sucede otra cosa. Si eres un músico, un compositor, no puedes parar. Sencillamente no puedes, porque es una fuerza que sale desde lo más profundo de tu ser y te empuja a hacer lo que haces. En la banda todos tenemos la necesidad de componer y seguir adelante. Es algo muy poderoso y que no se para. Tenemos una situación mágica ¿para qué arruinarla?

En la última gira se dio a entender que podía ser el inicio de una despedida, pero la banda rápidamente se desmarcó de ello. Lo mismo sucedió en esa época con Aerosmith, quienes anunciaron una gira de despedida de la que se desmarcaron rápidamente en las entrevistas. ¿Son los agentes y los promotores quienes a veces fuerzan esos conceptos a las bandas para poder vender tickets?

“Eso de ganar dinero glorificando el hecho de que es tu último concierto o tu última gira es algo con lo que no me siento demasiado cómodo” (Roger Glover)

Así que, como te digo, siempre hay una manera que la gente acaba encontrando para expresarse. Que sea popular o no a nivel masivo es otro tema totalmente distinto.

A nosotros ya nadie nos puede forzar a hacer nada, a estas alturas. Somos una banda muy decidida. Ni nuestro agente ni nuestro manager se atreverían a sugerirnos algo como eso por motivos puramente comerciales. En los años ’70 los managers ni siquiera tenían el acceso permitido al estudio: solo podían venir a visitarnos por cuestiones de negocios pero nunca escuchar u opinar sobre la música que estábamos haciendo. ¿Hubo algún momento en la última gira donde pensaste que, efectivamente, era la última gira? Nunca lo puedes saber. La banda, inicialmente, estaba basada en tocar en directo. Lo de grabar discos era algo que tenías que hacer para salir adelante, pero éramos una banda que tocaba en directo y siempre lo hemos sido. No necesitamos un disco para girar -aunque siempre hay opiniones al respecto-. Nosotros no planeamos mucho las cosas y “The Long Goodbye” sonaba como un buen nombre para la gira porque la idea de hablar de un concierto final no nos

Recuerdo ciertos problemas con uno de vuestros contables hace un par de años. Bueno, es que no fue un caso de que el contable se llevase dinero de repente. Era algo sistemático que había tenido lugar a lo largo de los años y no nos dimos cuenta. Fue una sorpresa enterarnos de que, repentinamente, tres o cuatro millones de libras no estaban donde tenían que estar. Te quedas hecho polvo. Una vez dejas de llorar, te das cuenta de que no puedes hacer nada al respecto. El tipo fue a prisión y existe el misterio de que nadie sabe cómo eso pudo llegar a suceder sin que nadie se diese cuenta. Al final, tan solo te queda seguir adelante y seguir trabajando. ¿En qué estado quedan los planes de gira de la banda? Todo ha quedado en suspenso. No tiene sentido salir de gira si no tenemos claro dónde podemos tocar y si va a venir el público. Por el momento lo que hemos hecho es posponerlo casi todo a 2021 y tenemos la esperanza de que se pueda hacer, pero estamos vigilantes, como todo el mundo, ante los acontecimientos. Como dijo alguien: “no puedes frenar lo que tiene que suceder”, y esas palabras son muy adecuadas. Nadie sabe lo que va a pasar y nosotros no somos la excepción. metal hammer | 21

EL ANÁLISIS DE ‘WHOOSH!’ Sin ser ni por asomo una mala noticia, hay que reconocer que la publicación de un nuevo disco de estudio de Deep Purple no hacer temblar los cimientos de la industria discográfica. ¿Cuántos años hace que no lanzan un disco al que se le pueda considerar un clásico? ¿20, 25, 30...? Eso no significa que a la mítica banda británica no se le reconozca el enorme esfuerzo de componer y grabar nuevas canciones en los tiempos que corren, y más si lo comparamos con algunos de sus coetáneos cuyos últimos trabajos -sean dignos o no- vieron la luz antes de la caída del muro de Berlín. Ajenos a las modas pasajeras o los vaivenes del negocio de la música, Deep Purple sigue creando discos por el mero fin de sentirse creativos y solo por eso tiene un mérito incalculable. Que hayan elegido por tercera vez consecutiva al productor Bob Ezrin no es fruto de la casualidad, como ya está reflejado anteriormente, ya que es la persona con la que el grupo se siente libre para extender su versatilidad sin límites. Está claro que estos veteranos no necesitan nuevo material como excusa para girar, porque pueden vivir hasta la eternidad con su fondo de catálogo clásico. Al fan medio le importa bien poco que en listado de temas a interpretar se incluyan temas de ‘Abandon’, ‘Bananas’, ‘Rapture Of The Death ‘, ‘Now What?’ o ‘Infinite’, sus últimas entregas de estudio, pero la banda va a su aire y continúa alargando su legado. Esa decisión se merece todo el respeto. El destino de este ‘Whoosh!’ será el mismo que los de estos citados discos. En su gira de presentación interpretarán tres o cuatro temas y luego le dará a su público lo que esperan de ellos -menos “Child In Time” porque Ian Gillan es un ser mortal y hace eones que no está para romperse los pulmones con esos agudos-. Eso sí; nada impide escuchar y disfrutar de estos 13 temas nuevos del vigésimo primer álbum de Deep Purple, donde queda demostrado que es una de las bandas más solventes y productivas de toda la historia. Como ocurre con las nuevas entregas de las bandas clásicas, hay que dejarse en la puerta de entrada todo tipo de prejuicios. Muy pocos esperan en este caso que al pulsar el play vaya a sonar la segunda parte de ‘In Rock’, ‘Fireball’, ‘Machine Head’ o algo parecido. En cambio el inicio de “Throw My Bones” ya entusiasma. Muy en la línea de sus últimos trabajos, se puede notar que los británicos se sienten muy a gusto en esta tesitura de rock a medio tiempo y chulesco con unos solos llenos de talento del guitarrista Steve Morse, que intercambia sus papeles con los teclados de Don Airey. Su vocalista aguanta el embiste de los años con esos acertados tonos medios que lleva desarrollando desde ‘Perfect Strangers’. Poco hay que añadir para alabar el trabajo de la base rítmica formada por el bajista Roger Glover y el batería Ian Paice. Si fueran matrimonio estarían cerca de celebrar sus bodas de oro, así que pocos secretos se pueden guardar. Son muchas las canciones que todavía pueden firmar Deep Purple y de las que se pueden sentir más que orgullosos. No solo eso, a la mínima que se acelera el tempo se deja entrever que por sus venas sigue corriendo el hard rock de toda la vida. “Drop The Weapon”, “And The Address” y las destacables “No Need To Shout” y “The Long Way Round” son algunos ejemplos de que los viejos rockeros nunca mueren. Muchos artistas y grupos matarían por firmar una canción de este calibre y por interpretarlo a este nivel ni se adivina el tipo de acto ilegal posible. Lo curioso es que Deep Purple sigue más de 50 años después intentando innovar y buscando diferentes alternativas sónicas. El inicio de “Nothing At All” se antoja más progresivo que de costumbre y sus líneas vocales arropadas por coros en su estribillo son más que pegadizas. Sirve como perfecta representación del sonido actual de la banda. Los teclados de Airey se vuelven tan tétricos e inquietantes en “Step By Step” que consigue el efecto cinematográfico de las películas de terror en blanco y negro, y se mantiene imperiales en el breve tema instrumental “Remission Possible”. Ante tal maestría es difícil creer que a pesar de que todos los miembros superan los 72 años de edad -excepto Morse, que tiene 65estén pensando en la jubilación a no ser que mermen sus condiciones físicas. ¿Dónde estará su límite? La alternancia de solos de guitarras y melodías de teclados continúan desafiándose en “We’re All The Same In The Dark” y en una notable “The Power Of The Moon”, con su hacha a las seis cuerdas en especial estado de gracia. No necesitan en ‘Whoosh!’ temas de largo metraje para desarrollar su más que conocida técnica a nivel individual, y son muy pocas las canciones que superan la fronteras de los cinco e incluso cuatro minutos. Con la sombra de la jubilación siempre expectante nunca se sabe cuál va a ser el último disco de una banda que es leyenda viva. Lo que está claro es que, sin ejercicios comparativos con tiempos pretéritos, cualquiera de sus entregas más actuales serviría para firmar un final digno de su catedrática trayectoria. Por si alguien se lo preguntaba Ian Gillan explica que “Whoosh” es una palabra onomatopéyica que, cuando se ve a través de un extremo de un radiotelescopio, describe la naturaleza transitoria de la humanidad en La Tierra; además, a través del otro extremo desde una perspectiva más cercana, ilustra la carrera de Deep Purple. Ahí queda eso.

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CINCO DISCOS PARA ENTENDER A DEEP PURPLE La carrera de Deep Purple abarca seis décadas, 21 discos de estudio y una innumerable cantidad de discos en directo, recopilatorios y rarezas. Desde las BBC Sessions de su primera época a sus conciertos de la gira americana de 1971 o su más reciente show en el festival de Wacken, todo ha encontrado un espacio en el universo discográfico Purple a lo largo de los años. Hábiles como pocos grupos clásicos a la hora de explotar su legado, para los novatos la discografía de Deep Purple puede ser tremendamente inasumible, especialmente a medida que uno profundiza en todas las variantes de directo, formaciones y demás. Ni Kiss ni Iron Maiden, otras dos bandas notorias por la cantidad de recopilatorios, directos y refritos que acumulan, están a la altura de optimización del catálogo que hace Deep Purple. Es por ello que, con la sana intención de servir como guía introductoria, os recomendamos cinco discos clave para empezar a sumergirnos en la densa obra de una de las bandas clave de la historia del rock. Deep Purple - In Rock (1970) Con los tres primeros discos de Deep Purple sucede algo similar a lo que pasa con Pink Floyd en sus inicios. Demasiado experimentales y faltos de encontrar su espacio como banda. Si Pink Floyd tuvieron ‘The Piper At The Gates Of Dawn’, ‘A Saucerful Of Secrets’, ‘Ummagumma’ y ‘Atom Heart Mother’, Deep Purple exploraron su identidad con ‘Shades Of Deep Purple’, ‘The Book Of Taliesyn’ y el homónimo Deep Purple. No fue hasta ‘In Rock’ que el grupo -reformado con Ian Gillan a la voz y Roger Glover al bajo a finales de 1969- comenzó a sonar tal y como lo conocemos ahora. Arquitectos del sonido del heavy metal más primigenio gracias a la contundencia de la base rítmica del batería Ian Paice y Glover y el torrente de voz de Ian Gillan, Purple tenían el contrapunto de la musicalidad en los riffs de Ritchie Blackmore y los teclados de Jon Lord. Una combinación absolutamente excesiva para la época que sentó cátedra cuando todo esto era campo. La épica “Child In Time”, el protometal de “Speed King” y gemas olvidadas como “Bloodsucker” y “Hard Lovin’ Man” son fundamentales para entender cómo Deep Purple se convirtieron en uno de lo grandes grupos del rock de nuestra era. Deep Purple - Machine Head (1972) Si bien su predecesor ‘Fireball’ era un discarral, no tiene punto de comparación con la dimensión mítica de ‘Machine Head’, el que para muchos es considerado el disco definitivo del MkII de Deep Purple. No en vano contiene el mítico “Smoke On The Water” y la hirviente “Highway Star”, dos canciones que han pasado a los anales de la historia del rock por derecho propio. Otras como “Pictures Of Home” o “Lazy” han sido clásicos eternos de la banda. El disco fue número uno en el Reino Unido , número 7 en Estados Unidos y se pasó más de dos años en las listas de ventas. La historia cuenta que la banda planificó la grabación en el casino de Montreux, en Suiza. Una unidad móvil de grabación propiedad de los Rolling Stones fue reservada para tal fin. Pero el Casino ardió después de que un miembro del público lanzase

un cohete que prendió el fuego del recinto durante un concierto de Frank Zappa. El resultado fue catastrófico y los destrozos hundieron los planes de Deep Purple que tuvieron que relocalizar la grabación a otro espacio -y las quejas de los vecinos terminaron también con esa opción-. Sin embargo la experiencia motivó a la banda a componer el himno “Smoke On The Water”, donde Ian Gillan relata la experiencia del incendio del Casino. Deep Purple - Made in Japan (1972) Es difícil entender la carrera de la banda sin mencionar el directo que les aupó al siguiente nivel. Grabado durante la gira de ‘Machine Head’ en Japón en agosto de 1972, el disco sirvió para cimentar la reputación de Deep Purple como atracción en directo. El éxito comercial de la banda en Japón dio paso a unos shows absolutamente electrizantes que mostraban el poder incontestable de la banda. El doble disco, grabado por Martin Birch en sendos shows en Osaka y Tokyo, ha sido reeditado en diferentes configuraciones desde entonces y se ha convertido en una pieza única para entender el progreso musical de la banda. Deep Purple - Burn (1975) Pese al éxito masivo de la banda, sus miembros no podían parar de pelearse. La formación clásica de Deep Purple se desintegraría el 29 de junio de 1973 tras un concierto en Japón. La salida del vocalista Ian Gillan y el bajista Roger Glover dio paso a la entrada de un, por entonces, desconocido David Coverdale a la voz y Glenn Hughes al bajo y voz. El sonido la banda tomó una orientación más groovy y soul en algunos casos, pero el heavy metal seguía siendo el elemento conductor principal. Temas como “Burn”, “Mistreated” o la magistral “Might Just Take Your Life” certificaron que quedaba Purple para rato… o no. Deep Purple - Perfect Strangers (1984) Los Purple de Coverdale y Hughes implosionaron tras un exitoso ‘Stormbringer’ (1974) y el infravalorado ‘Come Taste The Band’ (1975), donde Blackmore ya había abandonado la formación para formar Rainbow -siendo sustituido por el desafortunado Tommy Bolin. No sería hasta 1984 que la formación clásica, el ‘MkII’ de Deep Purple con Gillan-BlackmoreGlover-Paice-Lord se volvería a reunir y crearía involuntariamente el fenómeno de las giras de reunión que nos atosiga hasta el día de hoy en todo el mundo del rock. La expectación fue máxima, aunque el disco recibió criticas de todo tipo. Recordemos que estábamos en plena locura del heavy metal de los ’80 y Purple diferían bastante del sonido que ellos mismos habían ayudado a crear. Temas como “Knocking At Your Back Door”, el tema título o el esfuerzo colectivo de “Nobody’s Home” alcanzarían la categoría de clásicos de estaturas variables. Sin embargo, “Perfect Strangers” sirvió para cimentar el sonido Purple de décadas venideras y, a decir verdad, poco se han movido desde aquel entonces. Menos mal. metal hammer | 23

avatar COLOSOS

TEXTO: SERGI RAMOS FOTOS: JOHAN CARLÉN Y JESÚS MARTÍNEZ

Parecían una broma. No lo son. Y cuando nos damos cuenta ya nos han pasado por encima. Avatar preparan el golpe definitivo.

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No es fácil. Estás en un festival gigantesco repleto de grandes bandas. Tienes a In Flames, a Apocalyptica, a Ministry, a Suicidal Tendencies y, como cabezas de cartel, a uno Prophets Of Rage que hacen vibrar el recinto como pocos. Es la 01:30h de la madrugada. El público se divide entre un escenario en el que actúa NOFX con todos sus himnos de punk-rock post-adolescente y los que van quedando desperdigados por el recinto tras el fin de show de los cabezas. Y te toca salir al escenario. Escenario secundario, al que hay que desplazarse específicamente.Y lentamente, la gente va llegando. Los curiosos. Los que vienen de NOFX. Los que venían de Prophets Of Rage. Los que estaban viendo a Blaze Out en el escenario de al lado. Persona a persona se va congregando una gran masa y a medida que vas tocando, la intensidad va creciendo exponencialmente. Yo estaba en el escenario de al lado, preparando mi set de DJ para cerrar esa última jornada del primer Download Festival Madrid. Hasta aquel momento no le había prestado demasiada atención a Avatar. Conocía ‘Black Waltz’ y ‘Hail The Apocalypse’ pero el más reciente ‘Feathers And Flesh’ me había dejado algo indiferente -como le sucedió incluso a algunos de sus fans-. Por cuestiones varias, no había llegado a verles en directo junto a Avenged Sevenfold y Five Finger Death Punch cuando actuaron en 2013 y no era consciente del nivel de agresividad que suponía un directo de estos tipos. Antes del concierto había podido hablar brevemente con Johannes Eckerström en los camerinos del festival y me pareció un tipo simpático y extraño a partes iguales. Un poco nerd, un poco geek, pero con esa mirada que te recuerda a algún que otro potencial asesino en serie de esos que aparecen de un día para otro en las noticias como responsables de alguna tragedia en un apacible pueblecito centroeuropeo. Si le sumas el maquillaje y esa sonrisa siniestra más cercana al temible payaso de “It” que a Kiss, lo que obtienes es algo que te genera tanto rechazo como atracción. Y esto sin comenzar a valorar la música siquiera. Riffs que se desmoronan para rearmarse nuevamente sobre una base de batería tremendamente técnica y agresiva, una voz que va lo destructivo a lo melódico con la misma habilidad que tenía King Diamond para alternar tonalidades extremas, estructuras que pueden asemejarse a lo progresivo pero que no terminan de serlo enteramente… lo de Avatar es un compendio curioso. Y tremendamente llamativo. Ahí estaba Johannes, a medio maquillar, a medio vestir, en un camerino-carpa de esos que son tan habituales en los festivales. “Mucha de la gente que nos verá hoy nunca habría venido a uno de nuestros shows en clubs. No son nuestro público habitual”, me decía. “Tenemos que ser muy buenos para que la gente quiera volver a vernos. La imagen nos sirve para crear una curiosidad general, un interés en la banda”, razonaba. “Cuando creamos esta imagen lo que intentábamos era visualizar la música de una manera muy extrema. Evidentemente crecimos con Kiss, Alice Cooper, Rammstein y Slipknot. Y lo bueno de esas bandas que su imagen tiene todo el sentido del mundo con su música. Todo encaja. Todo hace click. Todo es real”. Tan real como que cuando Avatar salieron al escenario el lugar estalló irremediablemente. Durante una hora, el escenario tres del complejo de la Caja Mágica fue de Avatar. Los escandinavos machacaron sin piedad al público y el público se dejó machacar como una cucaracha atrapada en una esquina sin salida. En el frontal del escenario, cuatro tipos moviendo sus greñas en círculos al unísono e interpretando “Let It Burn” y “Smells Like A Freakshow”. La gente extasiada. Y yo en el escenario de al lado pensando “¿cómo demonios sigues a una banda como esta?” (truco: poniendo Rage Against the Machine y Pantera a todo trapo nada más acabar su concierto). “Sentí que algo cambiaba aquel día”, recuerda Johannes sobre el show del Download en Madrid.Tras ese concierto, en la siguiente gira, todos los conciertos estuvieron llenos o casi llenos. “Las cosas han cambiado por nuestra persistencia en el tiempo”, explica. “Artísticamente, algo cambió con ‘Black Waltz’ pero de eso hace más tiempo. Creo que para entender esto deberíamos tratar el concepto de articulación. Hemos tenido que entender quienes somos para saber mejor lo que tenemos que hacer como banda. Eso nos ha permitido hacer mejores canciones y crear ese paquete que son todas las grandes bandas. Las grandes bandas son

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muchas cosas metidas en una caja. Si te hablo de Rammstein eso comprende las canciones, los directos, los videoclips, etc. Si te hablo Slipknot, sucede lo mismo. Si te hablo de Metallica, todo encaja en una cajita. La manera en que luce, la manera en que sabe, la manera en que huele… todo encaja. Eso comenzó a suceder cuando nos volvimos más cohesivos como banda y eso es lo que nos ha acercado a la gente. Ser una identidad reconocible. Lo de las caras pintadas es algo que la gente asocia a algo determinado y tienes que dejar que la gente te valore y te dé a una oportunidad.”

“Una vez compuse una canción tan mala que me tuve que ir de la banda durante un par de horas” (Johannes Eckerström) “Avatar es un teatro en directo pero las historias vienen de nosotros y nadie está haciendo un rol. Mostrar quienes somos en la música es algo que funciona para nosotros. La mayoría de bandas de metal, incluso los titanes de la actualidad, han ido cocinándose a fuego muy, muy lento. Todo el mundo empieza por abajo y escala lentamente. Eso sí: una vez la bola de nieve comienza a rodar, el desarrollo es rápido y el boca oreja hace que la banda se dé a conocer exponencialmente”. CAMINO AL CIELO Avatar se han ido propagando en los últimos tiempos como una pandemia en una sociedad adormilada y dividida. “La manera en que se propaga el coronavirus es la misma manera en que se propaga una banda”, advierte Eckerström. Desde el mencionado ‘Black Waltz’ la carrera de la banda ha ido en ascenso imparable. Y ahora, con ‘Hunter Gatherer’, grabado en Los Angeles junto a Jay Ruston como productor (habitual de Stone Sour) las apuestas han subido todavía más. Hoy son portada de Metal Hammer, en unos años cabeza de cartel de algún festival. También os reíais con Ghost y Parkway Drive y mira… No siempre fue así. “Alguien escribió una reseña de nuestro primer disco en un webzine y creo que ni había escuchado el disco. Dijo que éramos tan malos que parecíamos la edad de cristal para esta generación, seguido de un montón de basura”, recuerda el vocalista y compositor. “En nuestra primera gira europea actuamos en Glasgow como teloneros de Impaled Nazarene y no había casi nadie en el público. Los pocos que habían nos señalaron, se rieron y se fueron al bar. Además, nos cortaron el sonido antes de acabar y todo fue horrible. La intro comenzó mientras no me había cambiado ni los pantalones. Creo que peor que eso no ha habido nada. Para componer buenas canciones has de componer muchas canciones malas”, racionaliza el músico. “Luego vas descontruyendo lo que has hecho y ves lo que funciona y lo que no. Una vez compusimos una canción que causó que John y yo dejásemos la banda durante un par de horas. Lo bueno es que esa situación fue la que nos instigó a empezar el viaje que terminaría siendo ‘Black Waltz’. En ocasiones has de tocar fondo para resetearte. Ahí tienes el titular: ‘una vez compuse una canción tan mala que me tuve que ir de la banda durante un par de horas’” dice riéndose. 26 | metal hammer

La charla es tan extraña como todas las que se tienen en esta época que nos ha tocado vivir. El vocalista sentado en su habitación de casa, el periodista sentado en su terraza con el perro ladrándole a los vecinos del piso de abajo mientras tienden la ropa.Ah, el glamour del show business. Lo que tendría que haber sido un interesante cara a cara en algún hotel europeo terminó siendo un cara a cara en la aplicación de moda para videoconferencias. Pero qué le vas a contar sobre rarezas al frontman de Avatar. Su manera de vivir la pandemia ha sido un poco distinta a lo que esperarías por su temible personalidad escénica. “Yo vivo en Finlandia, así que el confinamiento fue algo a medio camino”, explica Johannes. “Ni fue como en Suecia, con todo abierto, ni fue como en Italia, con todo cerrado. Pude trabajar durante una parte de este periodo en un geriátrico local, lo cual hizo que el miedo y las precauciones fuesen más extremas para mí que para otras personas. Ahora estoy trabajando en la banda a tiempo completo de nuevo, lo cual cambia el nivel de estrés razonablemente. Puedes tener mala suerte y ponerte muy enfermo pero cuando estaba trabajando en ese geriátrico, la gente realmente podía morirse si pillaban algo. Esa responsabilidad era mayúscula pero yo y mis colegas de trabajo lo pudimos capear bien. Me dedicaba a los cuidados básicos de gente anciana”, detalla el músico sobre su labor en la residencia. “Les asistía en su vida diaria. Lo que hacía ese trabajo interesante para mí es que te recuerda la existencia de la muerte. Cuando no estás acostumbrado a trabajar alrededor de ello puede intimidar. Pero nosotros no lidiamos con la muerte en un geriátrico, con eso lidia una funeraria. Nuestra labor es traer el máximo de vida que podamos en ese contexto, donde la tristeza y el dolor son grandes y la vida limitada. Hay que crear una chispa con la que hacer que los días cuenten y sean memorables. Gracias a ello aprendí a tocar mejor el piano, por ejemplo”, se ríe. “Fue una especie de terapia, porque lo necesitaba”, justifica. “Me ayudó. Hacerlo a tiempo completo fue posible mientras la banda no estaba trabajando pero ahora tengo que volver a concentrarme en el grupo”.

“Cuando eres joven y todo el mundo te dice que eres genial, que eres grande, que eres un genio, terminas creyéndotelo. Así terminas convirtiéndote en Axl Rose o Justin Bieber: la adulación crea un monstruo” (Johannes Eckerström) “He estado en la banda durante mucho tiempo y hemos trabajado mucho. Poder hacer otra cosa totalmente distinta y ganar algo de dinero adicional no era mala idea si podía encontrar un valor en el trabajo que iba a hacer. Cuando no trabajo con la banda, trabajo con gente: he trabajado en escuelas, en guarderías, en campamentos de niños con necesidades especiales y en geriátricos. Me gusta trabajar con seres humanos. Pero tienen que ser cosas que me permitan trabajar con la banda, porque Avatar es la prioridad en mi vida. No puedo trabajar a tiempo completo en ninguna parte así que al final estoy en sitios donde puedo trabajar por horas, por así decirlo. Pero claro, he de trabajar 60 horas a la semana para poder sustentarme”.

¿SON LA MISMA PERSONA? El contraste entre el Eckerström introvertido de aquella entrevista en Download o del Johannes que cuida ancianos en Finlandia con el personaje escénico es considerable. Siendo la industria de la música y las giras una pequeña burbuja irreal ¿son estas ocupaciones una manera de mantener la cordura? “Hay que ver las cosas con perspectiva”, responde. “Cuando editamos nuestro primer disco yo tenía 19 años.

Jon acababa de cumplir 20 años. Los otros chicos estaban a punto de cumplir 19 años. Éramos muy jóvenes. Estoy contento de que, con tanta juventud, consiguiésemos convertirnos en una banda tan exitosa como la que somos ahora. El negocio de la música adora la juventud”, comenta.“En el contexto del metal es distinto, porque un chaval de 14 años puede adorar a una banda legendaria con músicos de 70 años. Nuevos chavales descubren a Black Sabbath cada día y los viejos rockeros descubren a nuevas bandas. No obstante, en general, el negocio de la música venera la juventud. Es por ello que muchos de los artistas que abundan y que necesitan un par de bofetadas por sus actos deben su comportamiento a un éxito comercial muy temprano en la vida. Cuando eres joven y todo el mundo te dice que eres genial, que eres grande, que eres un genio, terminas creyéndotelo. Así terminas convirtiéndote en Axl Rose o Justin Bieber: la adulación crea un monstruo. Es complicado madurar dentro de un contexto como ese. El metal es distinto porque hay una cultura del esfuerzo distinta: la gente no vive de componer éxitos, sino de componer canciones que aguanten el paso del tiempo. Cuando subimos al escenario y tocamos ‘Hail The Apocalypse’ observamos que sigue siendo un tema relevante para el público, pese a tener ya seis años de antigüedad. No se compuso con la idea de que fuese un hit o de que fuese relevante y el resultado es ese: que se mantiene intacto al paso de los años. En el metal te has de ganar poco a poco el respeto y la credibilidad. La gente ha de conocerte y confiar en ti. Te conocen por tu arte, no por aparecer en un determinado reality televisivo y eso cambia mucho las cosas. Esa relación entre banda y público se construye con el tiempo.

Mira a una banda como Behemoth”, ejemplifica. “Parecen una banda actual, pero llevan un montón de años. Hace años tocamos en un festival con ellos en Suecia, bajaron del escenario, cogieron unos sandwiches del catering, subieron a la furgoneta y pusieron rumbo al siguiente concierto. Han pagado sus deudas, se han roto los cuernos trabajando. Por eso ahora están donde están. El metal, en general, atrae a perfiles artísticos, en lugar de putones”, se ríe. “Siempre hay buen metal porque las bandas tienen una gran dedicación y emplean grandes esfuerzos para ganarse el respeto del público del estilo. La competición es fiera y has de trabajar duro”. JUSTO A TIEMPO El nuevo disco es un paso más en la carrera de un grupo que ha optado por una propuesta que no es comercialmente fácil pero que no deja de crecer en seguidores (canciones como “Hail The Apocalypse” acumulan más de diez millones de escuchas en Spotify únicamente). Las canciones que componen el disco son variadas y variables pero captan tu atención desde el primer segundo. La banda ha grabado, además, tocando junta en el estudio para replicar las dinámicas de los shows en directo. Con temas tan complejos como “Silence In The Age Of Apes”, es todo un logro. Y no solo eso: además han registrado todo el trabajo en cinta analógica, como en los viejos tiempos. ‘Hunter Gatherer’ tiene un toque deliciosamente humano sobre pese a tratarse de un disco brutal, semi industrial en ocasiones y tan diverso en géneros e influencias que Avatar comienzan a ser inclasificables. ‘Hunter Gatherer’ resume toda la variedad de la propuesta de Avatar a la perfección. Desde el gancho martilleante de “Scream Until You Wake” al throwback de “When All But Force Has Failed” (que podría estar perfectamente en ‘Black Waltz’ y parece una versión acelerada de “Let It Burn”) pasando por la siniestra “Colossus” y la teatral “God Of Sick Dreams”, el disco es una obra interesante para gente que tenga los oídos bien abiertos y tenga pocos prejuicios estilísticos.

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“Este disco está compuesto para la gran masa de cinco personas que componemos la banda. Y nadie más” (Johannes Eckerström)

“Terminamos de grabar justo antes de navidades en Los Angeles”, explica el vocalista desde su casa en Finlandia. “Luego grabamos las voces en Helsinki a mediados de enero y Jay se tomó un descanso antes de empezar a mezclar. Todo estuvo masterizado y completado a finales de febrero”. Aunque la pandemia estaba planeando sobre el planeta, la banda finalizó las grabaciones justo a tiempo y no quiso posponer el disco más allá de lo necesario por cuestiones de fabricación y distribución. “Habíamos estado publicitando todo el tiempo que estábamos componiendo, grabando, mezclando y demás a través de las redes ¿qué sentido tenía parar de golpe y quedarnos en silencio durante un año? No habría sido muy honesto para los fans decir ‘hey, podríamos promocionar mejor nuestra gira si editamos el disco en 2021’”, ofrece Eckerström. “Tuvimos que retrasarlo ligeramente, ya que las discográficas necesitan de seis a ocho semanas para preparar un lanzamiento -como mínimo”, detalla. “A mediados de marzo se cerraron las fronteras, la gente comenzó a morir en masa y la expansión del virus se multiplicó. Las cosas no eran como ahora, era el absoluto caos. No teníamos ni idea de cuándo podíamos editar el disco así que esperamos un poco para anunciar la fecha por motivos puramente prácticos y editarlo en agosto”. 28 | metal hammer

Si bien el sonido se ha ido puliendo progresivamente, las guitarras y las estructuras de los temas parecen tener un acento americano mucho más marcado. Algo que no debería extrañar a nadie cuando el productor es el mismo que el de Anthrax o Slipknot. “Cuando componemos canciones tenemos tendencia a no pensar en nada más que los miembros de la banda queremos escuchar”, dice el vocalista. “Nuestra buena relación con Norteamérica comenzó con ‘Black Waltz’, a decir verdad. Cuando observo el metal americano, me siento muy europeo. No veo una banda con la que tengamos un paralelismo musical claro, sino que me siento todavía más europeo”. “No hay una intencionalidad en nuestro sonido”, se defiende. “Al tratarse de un disco más agresivo, más articulado artísticamente, es posible que el sonido sea más directo, más impactante y eso casa con lo que es habitual en una parte del sonido del metal americano. Las bandas americanas son mejores a la hora de hacer metal confrontacional que las bandas europeas. Los europeos somos más introvertidos, más matemáticos. El disco es introspectivo en las temáticas pero es muy agresivo en las maneras. Tenemos el corazón en la mano en este disco. Eso es lo que escuchas. Este disco está compuesto para la gran masa de cinco personas que componemos la banda.Y nadie más. Tomamos la actitud de ‘hey, si nos gusta esto, quizá a alguien más podría gustarle’.

Nosotros somos quienes tenemos que vivir con este álbum el resto de nuestras vidas”, prosigue. “El resto del mundo puede dejar de escucharlo y seguir con sus vidas, como hicieron con ‘Chinese Democracy’. Lo escuchas, dices ‘uh, esto no era tan bueno’ y sigues con tu vida”, dice entre carcajadas. “Axl Rose es quien tiene que estar ahí y ser responsable de editar esa abominación, pero el resto del mundo sigue con lo suyo. Queremos estar seguros de que podremos mirar atrás dentro de cuarenta años y pensar ‘pues fue un disco de puta madre’”. La entrevista nos lleva a una larga disertación sobre la perfección y sobre el papel de la grabación analógica y conjunta de todos los miembros de la banda en los Sphere Studios de Los Angeles. “El asunto de la perfección es algo que me inquieta, especialmente cuando se habla de grabaciones de estudio” dice Johannes. Es una trampa en la que la gente cae y cuanto más joven es el músico, más acomplejado se siente si todo lo que hace no es absolutamente perfecto. ¿Qué es perfecto? Las cosas pueden ser perfectamente estables, perfectamente ecualizadas, perfectamente posicionadas en una grabación. Cambiar y sustituir golpes de batería, el proceso de cuantificarlo todo, poner la guitarra milimétricamente sobre el ritmo, etc. Al final solo estamos hablando de números, no de cómo se siente esa música. La música debe tener una intencionalidad emocional y eso implica empujar y retroceder mientras tocas. No debes quedarte todo

el tiempo sobre un ritmo a la perfección, salvo que estés haciendo música electrónica y lo requieras así. La música debe acelerarse y ralentizarse para que preserve cierta humanidad. Un ejemplo perfecto de velocidad es ‘Aces High’. Es el tema más rápido de heavy metal jamás grabado. Evidentemente hay canciones a mayor velocidad pero la trepidación de ‘Aces High’, la manera en que los instrumentos empujan la canción, es brutal. Cuando el tema empieza parece que estés a punto de caer de un acantilado y cuando Nicko golpea los platos china a toda velocidad la sensación de velocidad es tremenda. Sientes que eres un piloto de la Segunda Guerra Mundial. En el otro lado tienes ‘Back In Black’ de AC/DC donde, en lugar de empujar, los instrumentos contienen la canción. Parece que se vaya a ralentizar pero nunca lo hace. La contienen a la perfección. Es heavy, tiene groove y eso es lo que te hace moverte. Hay un factor humano que ningún ordenador del mundo puede igualar. En una grabación en directo quizá un guitarrista mutea una nota que no debía pero eso hace que la grabación sea humana y eso es lo más cercano posible a la perfección. Los errores son humanos. Hay muy pocas partes en este disco donde hayamos usado claqueta. Interiorizábamos el tempo al principio del tema y adelante. Cuando lo analizas estamos al mismo tempo casi todo el tema pero hay puntos en los que nos frenamos y otros en los que nos aceleramos. Eso es lo que le pasa a cualquier banda realmente buena de esas que metal hammer | 29

nos siguen importando cincuenta años después. No eran perfectas ni pretendían serlo. La tecnología es genial y hace la música más democrática y accesible, te permite experimentar, pero está mal usada cuando quitas el factor humano”. FRACASADOS PERO EVOLUCIONADOS Aunque Avatar puedan parecer a priori una banda teatral más con un gimmick determinado, el contenido intelectual de las letras denota más materia gris que un disco de Mötley Crüe o W.A.S.P. La evolución de la humanidad se erige como una de las temáticas que se desarrollan de un modo u otro en ‘Hunter Gatherer’ o, como mínimo, nuestro paso de “cazadores” a “acumuladores” o “recolectores”. Disertación, lectores. Lectores, disertación. “Era importante para nosotros no hacer un disco conceptual”, inicia Eckerström. “‘Feathers & Flesh’ fue conceptual porque nos parecía atrevido, rompedor y raro. Cuando grabamos ‘Avatar Country’ teníamos ideas muy diversas y comédicas y terminamos haciendo un disco conceptual casi por sorpresa. Si hubiésemos hecho un tercer disco conceptual nos habríamos convertido en una banda previsible y no quería apoyarnos en un concepto esta vez. Hemos ido canción a canción. Hacer un disco conceptual nos enseñó a tener una visión más global de tu creación y, en ese sentido, hay una línea con cierta continuidad en este disco sin que sea conceptual per se. El conflicto entre lo industrial y tecnológico en las letras es algo que está muy presente en la actualidad, es algo que está aquí y ahora. ‘Hunter Gatherer’ es lo que hemos sido en los últimos años de nuestra existencia. Mucha de la existencia humana sucedió durante la edad de piedra”, relata. “Ahí es donde nos quedamos después de la evolución y tras eso, en un período muy corto de tiempo, nuestro cerebro evolucionó y nos permitió hacer cosas muy complejas: la manera de comunicarnos, construir herramientas, planificar, trabajar en grandes equipos… todo eso nos lleva a donde estamos hoy en día. No obstante, como individuos, nuestro estado óptimo era la Edad de Piedra. Ahí estábamos como un pez en el agua o un pájaro en el aire. Es donde la naturaleza nos situó. Poco a poco nos fuimos desubicando. Primero fue la agricultura. Ahí comenzamos a vivir más juntos, a coger más enfermedades y a depender de pieles y fuentes alimenticias, además de ser sensibles a temperaturas en mayor medida. En la Edad de Piedra sí tenías hambre, comías unas raíces y ya está. Ahora necesitábamos cazar y sembrar. La agricultura nos hizo más exitosos como especie, a más de nosotros y en más lugares, pero como individuos enfermábamos más, teníamos más niños, comíamos peor, necesitábamos más, creábamos más, pasábamos más hambre y entrábamos en conflicto unos con otros. Teníamos que proteger nuestras cosechas, nuestros granos, para sobrevivir a los inviernos. Eso hacía necesario tener medios de transporte, muros y protección. Y guerras. Todo eso nos lleva a la revolución industrial donde trabajamos diez horas al día, cavando en una mina, limpiando maquinaria, amputándonos los 30 | metal hammer

dedos…y todo eso para alimentar a más gente que nunca antes. Un gran éxito para la especie, un tremendo fracaso para los individuos. En los últimos cien años las cosas han comenzado a merecer la pena. No todos los países tienen los mejores medios pero las condiciones de vida han mejorado sensiblemente y hay menos países pobres y más países en camino a la dirección adecuada en cuanto a calidad de vida. Eso está pasando ahora. El problema actual es que el clima, el medio ambiente, no puede soportar el crecimiento que estamos teniendo. Este año es un año importante: en función de quién resulte elegido en algún territorio del mundo y de sus políticas futuras nos jugamos mucho. Es algo que está pasando en muchos lugares del mundo, especialmente en sitios que dábamos por controlados, por estabilizados. Ahora, la humanidad está tensa. Tenemos una desvío en la carretera según el cual debemos elegir entre un futuro a lo Terminator o un futuro a lo Star Trek. No podemos ir atrás, no podemos volver a donde estábamos cuando empezó todo esto. Es demasiado tarde, somos demasiadas personas y el mundo es un lugar diferente. No podemos irnos al bosque y aprender a vivir de la caza de nuevo. El único camino hacia adelante es evolucionar, avanzar y eso va a suceder queramos o no. Y muy rápido. Por eso el tema repite ‘we accelerate’. Tenemos que encontrar una solución rápidamente pero también nos acercamos cada vez más rápido al muro contra el que vamos a chocar inminentemente. Todo está cogiendo velocidad y ese conflicto entre un mundo y civilización en aceleración constante que nos lleva hacia nuestra propia sumisión puede ser nuestro ocaso como especie. Ser ‘Hunter Gatherers’ es ser gente de la Edad de Piedra atrapada en su propia maquinaria. Eso da lugar a muchos de los temas del disco. Un tema como ‘Silence In The Age Of Apes’ habla de que vivimos en la edad de los monos y que no estamos haciendo demasiado ruido en el universo, comparativamente. Si usas la analogía de Star Trek, estamos muy atrasados en cuanto a tecnología respecto a las necesidades que tenemos como sociedad. Estamos lejos de lo que podríamos llegar a ser. Estamos en silencio, a la par que hay mucho ruido entre nosotros. Mucha energía malgastada de un contexto global donde no suma nada. Para entendernos deberíamos observarnos desde otro planeta, ciertamente”. EL INVITADO SORPRESA Una sorpresa que nadie esperaba es la participación de Corey Taylor, cada vez más ubicuo, en el nuevo disco de Avatar. El vocalista es, en palabras de Eckerström, “una de las mayores estrellas de esta generación, uno de los responsables de que nos metiésemos en el metal”. Y lo ponen “a silbar” se ríe el vocalista. “Se convirtió en un fan a través de su esposa, por lo que sé”, relata. “Ella nos conoce hace más tiempo y el mundo del metal es muy pequeño. Jay, el productor, es muy amigo de Corey por su trabajo en Stone Sour y en su disco en solitario, así que suelen hablar. Luego su esposa

“La revolución industrial fue gran éxito para la especie, un tremendo fracaso para los individuos” (Johannes Eckerström) nos conoce. Y además teloneamos a Slipknot en Francia. Todo eso lleva a que Avatar existiese en el radar de Corey. Evidentemente vino al estudio por Jay, ya que estaban hablando y en algún momento Corey le dijo que se pasaría por el estudio y que no le importaba vernos y saludarnos un rato o participar de algún modo en el disco. La primera idea que tuve fue que silbase en ‘A Secret Door’”. Pero no fue la única colaboración del vocalista de Slipknot (“Corey también ha aportado coros adicionales en el estribillo de ‘Colossus’ y canta la outro de ‘A Secret Door’ junto a mí”, revela el líder de Avatar). De hecho, el tema ‘Wormhole’ tiene un crédito de Taylor como co-compositor. “Ese tema estaba completado al 80% pero estábamos particularmente atascados. Cuando se fue del estudio, le enviamos el tema y le dijimos ‘hemos grabado esto pero no progresamos… si se te ocurre algo…’. A la mañana siguiente había sacado una melodía que se convirtió en el pre-estribillo y eso nos llevó a finalizar el tema. Por ese motivo aparece como co-compositor en ‘Wormhole’. Le debemos mucho por su colaboración”. Mientras Avatar terminan de consolidar su popularidad con ‘Hunter Gatherer’ le preguntamos a Johannes cuál es, en su opinión, el punto más claramente identificativo del sonido de la banda. “Es complicado porque somos múltiples compositores en ésta banda. En ese proceso democrático en el que componemos solemos demostrar que nos gusta una canción del otro robándosela”, se ríe. “Si alguien hace algo que nos gusta puedes ver como todos comenzamos a hacer cosas similares. En cualquier tipo de metal todo se basa en los riffs. Da igual lo que diga sobre Valhalla, cyborgs y Star Trek. Nada importa si no hay riffs. Si no hay riffs no es metal. Y ningún riff es tan bueno como el ritmo de batería que va con él. Una vez, escuchando ‘Iron Man’ de Black Sabbath, me di cuenta de que si Bill Ward hubiese tocado ese tema de otra manera distinta, no habría sido la misma canción, no habría tenido el mismo atractivo. Su manera de tocar, casi como dirigiendo una orquesta y siguiendo el riff de Tony Iommi, es lo que hace que ese tema sea lo que es. Si hubiese hecho un ritmo más rápido, a doble tiempo, habría sido estúpido y habría hecho que el riff fuese estúpido. La misma parte de guitarra con la batería equivocada habría sido peor. Nuestra marca de identidad es la manera que unimos los riffs con la batería de John (Alfredsson, el percusionista de la banda). Él era el tipo de niño que practicaba 16 horas al día. Se volvió técnicamente perfecto a una temprana edad pero nunca se olvidó de que lo que le gustaba era golpear cosas y crear groove. Hay un equilibrio entre ser un batería simplón y tener acceso a la finura y detalle que tiene John. The Police es un buen ejemplo de esa finura en la batería. Meter los riffs en un vehículo rítmico como ese es la clave”. ‘Hunter Gatherer’ ve la luz el 7 de agosto de 2020 en todo el mundo. metal hammer | 31

25 AÑOS DE

TEXTO: javi félez ‘Youthanasia’, considerado por muchos como el último disco de la etapa clásica de Megadeth, supone el punto de encuentro entre los viejos días del thrash metal y su reinado absoluto durante parte de la década de los ’80 y principios de los ’90, y los nuevos Megadeth, ansiosos por descubrir nuevos territorios musicales y conscientes en todo momento de que tras el éxito masivo de ‘Countdown To Extinction’ no podían fallar y debían entregar un producto igual o superior, algo realmente difícil teniendo en cuenta las limitaciones comerciales de un género como el thrash metal. El hecho de que Metallica, la banda con la que siempre se les compararía por razones obvias, hubiesen batido todos los records habidos y por haber unos pocos años atrás con su celebrado ‘Black Album’, ponía el listón todavía más alto y ejercía mayor grado de presión sobre un Dave Mustaine obsesionado -por aquellas épocas todavía- con destronar a sus otrora compañeros de grupo, fin que a la postre acabaría resultando inviable y que le llevaría años al ex hacha de Metallica asimilar y digerir.

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‘YOUTHANASIA’

Corría el año 1994 y la escena musical metálica internacional estaba en pleno proceso de mutación respecto a lo que habían sido los años ’80, marcados por el descontrol, la ampulosidad por momentos un tanto empalagosa, el exceso a todos los niveles y el estancamiento producido por una sobre saturación de bandas que exprimían una y otra vez la misma fórmula visual, sonora y musical que tan buenos éxitos comerciales había cosechado. Para 1993, cualquier rasgo que recordase a la década anterior había sido borrado de la faz de la tierra e incluso rechazado y denostado como caduco, anacrónico y fuera de lugar. Con la llegada del fenómeno grunge de la mano de Nirvana, Pearl Jam, Alice in Chains o Soundgarden a principios de década, en un abrir y cerrar de ojos los ’80 habían sido barridos de un plumazo, como si nunca hubiesen llegado a existir. Los pelos cardados, la laca, el cuero y los flecos habían sido sustituidos por los pantalones cortos, las botas Dr. Martens y las camisas de cuadros de franela. Las letras sobre sexo, coches, fiestas,

diversión y rock’n’roll habían dado paso a turbias elucubraciones sobre la muerte, el suicidio, la depresión y las consecuencias del abuso de drogas duras (la marihuana y cocaína dieron el relevo a la heroína, el crack y una serie de nuevas drogas sintéticas). A nivel musical, el hard rock y heavy metal dejaron de tener vigencia y se echó la vista hacia la década anterior, la de los años ’70, para encontrar la inspiración en formaciones como Black Sabbath y Led Zeppelin o incluso el movimiento punk de finales de década, mucho más directo, agresivo y transgresor. Por supuesto, hubo algunas excepciones de bandas que, sin alejarse mucho del sonido de los ’80, lograron obtener cierto éxito comercial como Jackyl, The Black Crowes, Little Angels, Extreme, The Almighty, The Cult o Skid Row, pero para mediados de los ’90 incluso esas formaciones con algún que otro disco de platino en su haber habían sido ya devoradas por una industria musical que ya no quería tipos con pelos largos soltando guitarrazos a diestro y siniestro. La gallina de los huevos metal hammer | 33

de oro había sido exprimida hasta la extenuación y había que buscar nuevos géneros musicales para destronar al rock como género de masas. De la noche a la mañana, toda aquella banda a la que se le pudiese colgar la etiqueta de “alternativa” era lanzada al mundo por la puerta grande barriendo a nivel de ventas y acaparando todas las miradas, ya fueran formaciones nuevas aparente y sospechosamente surgidas de la nada como Silverchair, Hole o Bush o grupos con un largo recorrido a sus espaldas que no fue hasta el arranque de los ’90 que pasaron del anonimato y underground a la primera página caso de Red Hot Chili Peppers, Faith no More, R.E.M o los propios Soundgarden. Al otro lado del espectro sonoro, en el campo más extremo y radical, el thrash metal como género había dado paso al death metal y para 1993, la mayoría de bandas thrash que no habían llegado a obtener cotas de popularidad considerables habían ya desaparecido en detrimento del nuevo género más extremo del momento, el death metal, cuyos buques insignia (Morbid Angel, Obituary, Napalm Death, Carcass, Deicide, Death o Entombed) pese a vender cantidades considerables de discos, nunca se posicionaron como entidades con viabilidad comercial en el largo plazo. Las únicas bandas que realmente llegaron a lograr un éxito comercial masivo partiendo de un punto de vista musical relativamente “extremo” fueron Sepultura y Pantera, y ambas tuvieron que dejar de lado su vertiente más thrash en detrimento del groove. Estaba claro que la velocidad ya no vendía. En este contexto cambiante y en constante permutación sin un objetivo final todavía marcado y claro, Megadeth se encontraban en una encrucijada. Los viejos días de ‘Rust In Peace’ ya habían quedado atrás (nadie quería escuchar ya thrash metal en 1994) y ‘Countdown to Extinction’ de 1992 había demostrado que esa vía más melódica y accesible tenía salidas comerciales para una banda como Megadeth. El listón realmente estaba alto. El predecesor de ‘Youthanasia’ había entrado directo al puesto número 2 del Billboard norteamericano y para cuando su sucesor ya había salido al mercado, ‘Countdown To Extinction’ poseía ya la certificación de triple platino en Estados Unidos convirtiéndolo en el album que llevaría a Megadeth de ser una reputada banda de metal a ser un fenómeno de masas. ‘Youthanasia’ no solo debía superar todas esas cifras si no que tenía que hacerlo en un entorno musical mucho más hostil para este tipo de música que el que había en 1992, cuando el género metálico todavía venía empujado por el boom de la década anterior. Los ‘80 habían quedado atrás y Dave Mustaine, para 1994, era un señor casado de 33 años, con un hijo pequeño de un par de años y una larga lista de adicciones con las que llevaba años batallando, alcohol, heroína, cocaína, crack, analgésicos… Sus idas y venidas a centros de rehabilitación de todo tipo eran constantes en aquellos primeros años ’90 y siempre, tarde o temprano, recaía. Se dice que llegó a entrar en centros de desintoxicación 17 veces durante la década de los ’90, algo que en sin embargo no interfirió a la hora de catapultar a Megadeth -sobre todo entre 1992 y 1997- a cimas de popularidad nunca antes vistas en una banda de esas características si exceptuamos a Metallica, obviamente (y quizá en menor grado a Pantera). NADA DE DISTRACCIONES Entre sus idas y venidas a las diferentes clínicas de desintoxicación repartidas por la geografía norteamericana, Dave Mustaine fue obligado por su management, entorno familiar y compañeros de banda, a acudir a una serie de terapias para reconducir su vida personal y profesional. En una de ellas, David Ellefson, Marty Friedman y Nick Menza, evidenciaron que estaban cansados de las formas dictatoriales y unilaterales con las que Dave Mustaine había estado dirigiendo la banda en los últimos años. Tal como narra en su propia biografía el líder de Megadeth, desde que el dinero empezó a entrar en cantidades considerables en las cuentas de la banda sobre todo tras la salida de ‘Rust In Peace’, las peleas en el seno del grupo eran constantes y siempre tenían que ver con el vil metal. ‘Rust In Peace’ fue compuesto prácticamente de forma íntegra por Dave Mustaine. Tras las aireadas quejas del resto de miembros, Dave accedió a darles algo más de participación y tanto en ‘Countdown To Extiction’ como en ‘Youthanasia’ los créditos de composición parecen algo más repartidos. En palabras del propio Mustaine, una vez se abrió la veda para que los otros 3 miembros del grupo pudiesen participar más en el proceso creativo, estos empezaron a aportar más y más material no tanto porque este valiese realmente la pena si no para llevarse mayor tajada en el reparto de royalties. El publishing se había convertido en materia de discusión constante dentro del seno de la banda hasta un punto enfermizo. Para cuando se planteó empezar con ‘Youthanasia’, Ellefson, Friedman y Menza dejaron claro a Dave Mustaine que si quería conservarles en la banda debía darles mayor grado de participación a lo que este último accedió a regañadientes. De ese modo, ‘Youthanasia’ fue el primer disco de Megadeth en ser compuesto íntegramente en el estudio por los 4 miembros del grupo (aunque el 80% de música y letras seguían procediendo de la mente de Dave Mustaine). De cara a poder estar concentrados lo máximo posible en el proceso de composición de su sexto disco, Megadeth decidieron alejarse de Los Angeles, donde residían y habían grabado siempre sus anteriores trabajos, y movilizarse a Arizona donde Mustaine y su familia se habían asentado un tiempo atrás. La idea era clara; poder volver a casa tras las jornadas de estudio para recuperar cierta normalidad y equilibrio y sobre todo, irse lo más lejos posible del vicio que desprendía una ciudad como Los Angeles, cuyas calles eran el territorio 34 | metal hammer

idóneo para que Dave recayera en las zarpas de sus viejas amistades, adicciones y fantasmas. Tras iniciarse las grabaciones a primeros de 1994 en los Phase Four Studios de Phoenix, la banda junto a su productor ya por entonces habitual Max Norman (Ozzy Osbourne, Annihilator, Savatage, Fates Warning, Armored Saint, Death Angel…) deciden que lo mejor sería construir su propio estudio para no tener que estar contando las horas de reloj en un estudio que muy probablemente -más en aquella época- costaba cientos de dólares la hora. También estaban condicionados por el equipo de propio estudio que no se adaptaba a las necesidades del grupo. De este modo -tal y como queda recogido en el documental ‘Evolver (The Making Of Youthanasia)’ editado en 1995-, logran construir en tiempo record un estudio improvisado en un viejo almacén al sud de la ciudad de Phoenix con lo último en tecnología de grabación. Tanto Max como Dave Mustaine querían dar el salto y grabar el trabajo en disco duro usando sistemas de grabación Pro Tools que por aquella época presentaban la primera plataforma de grabación digital multipistas de hasta 48 canales de grabación, el legendario (e innovador para la época), Pro Tools III. Tras intentar arrancar la grabación y encontrar mil y un problemas, Max Norman y Dave Mustaine optaron por disminuir sus pretensiones y volver al clásico y convencional método de grabación multipista analógica con grabadores de cinta. De haber logrado éxito en su iniciativa ‘Youthanasia’ habría sido el primer album de metal en ser grabado y mezclado enteramente en un entorno digital (como dato curioso decir que fue ‘Summer In Paradise’ de los Beach Boys de 1992 quien ostenta ese honor y ‘Talk’ de Yes, de 1994, muy probablemente el primer disco de rock en grabarse en esas condiciones). Inicialmente, la intención del grupo parecía ser no distanciarse tanto del sonido de ‘Countdown to Extinction’. Fue su productor Max Norman quién insistió bastante en bajar de tempo las canciones e incluso bajar de tono las guitarras, y es que ‘Youthanasia’ es el único trabajo de Megadeth hasta la fecha con una afinación de Mi bemol (medio tono por debajo

de la afinación standard de Mi). Ambos factores fueron clave a la hora de dotar al disco de esa oscuridad y pesadez de la que ‘Youthanasia’ hace gala.Tal y como se puede ver con claridad en el citado documental sobre la grabación del disco, Dave Mustaine hace partícipes a los restantes miembros del grupo del moldeado de los temas y no deja de ser curioso ver como ciertos arreglos, melodías, patrones de batería o líneas de voz tuvieron diversas formas y modificaciones antes de quedar grabados en su estado final y definitivo. GIRO HACIA LA OSCURIDAD ‘Youthanasia’ se desmarca del resto de discos de Megadeth poniendo sobre la mesa un estilo mucho más maduro, desvinculado mayormente del thrash metal (por lo menos de la faceta rápida y feroz de este), alejado por completo del virtuosismo inherente a las composiciones previas de Megadeth y apostando en todo momento por estructurar sus temas de una forma mucho más convencional y porque no decirlo, comercial, con puentes, estrofas y estribillos bien definidos. La melodía se apodera del disco y es utilizada como principal reclamo de la banda en detrimento de la velocidad y las intrincadas líneas rítmicas y solistas de guitarra. Bien sea por el giro en su temática lírica, mucho más introvertida y personal (no tan política e ideológica) o el contexto musical de la época (grunge), ‘Youthanasia’ desprende un halo de oscuridad y emotividad cargada de épica (siempre presente en algún tema de los viejos discos del grupo) que en esta ocasión logra esparcirse a lo largo de los 50 minutos que dura el trabajo. Lo que resulta obvio es que estamos frente a un disco de heavy metal, con ciertos tintes thrash/ groove, pero heavy metal a fin de cuentas. A diferencia de Anthrax o Metallica por ejemplo, Megadeth en ningún momento (no por lo menos en 1994) introduciría elementos sonoros externos procedentes del grunge o la música alternativa que reinaba en aquel momento. ‘Youthanasia’ está cargado de solos y armonías dobladas de guitarra, líneas de voz melódicas y baterías atronadoras cargadas de reverb con una profundidad sonora más típica de los ’80 que de los años ’90. En ese sentido, es un disco bastante conservador, por lo que hay que entender que toda la polémica que hubo tras su lanzamiento no se debía tanto al hecho de que Megadeth en 1994 estuviesen intentado sonar a Pearl Jam sino que, sencillamente, habían decidido hacer temas algo más accesibles

y melódicos, que no menos duros o alejados de su sonido metálico previo. ‘Youthanasia’ se abre con “Reckoning Day”, uno de los mejores cortes del disco, con un riff muy característico y un patrón de batería de lo más acelerado que vas a encontrar aquí, dejando claro desde el primer momento que esto no es un trabajo de thrash. Los punteos de Marty Friedman en este corte son de lo mejor de todo el disco, buscando en todo momento la sencillez y la melodía más que cabalgatas de mil notas por segundo. Prosigue el sexto trabajo de Megadeth con “Train Of Consequences”, single de adelanto del disco y quizá el más popular junto a “A Tout Le Monde”. Con un riff principal de los más retorcidos y raros que hayan salido de la mente de Dave Mustaine, la canción desemboca en un puente y estribillo mucho más melódicos donde el líder de Megadeth se esfuerza en crear líneas de voz más accesibles y limpias, una constante a lo largo de todo este trabajo, a diferencia de su anterior enfoque vocal donde la agresividad prevalecía sobre la delicadeza de muchas de las líneas vocales de ‘Youthanasia’, mucho más cuidadas, trabajadas y pulidas. Nick Menza destaca en este tema gracias a una forma de tocar mucho más percusiva y no tan lineal como en el pasado, de hecho el propio Nick citó su trabajo en “Train Of Consequences” como su favorito de todo el disco y de sus 10 años como batería de Megadeth. Con “Addicted To Chaos”, tercer tema del disco, encontramos la primera perla escondida dentro de ‘Youthanasia’. Por algún extraño motivo, nunca fue una de las favoritas del público, pero está claro que es de los cortes que mayor calidad atesoran en todo el trabajo. Las armonías de guitarra y diferentes capas en el puente y el estribillo son sencillamente espectaculares y un placer auditivo total. “Addicted To Chaos” da paso a “A Tout Le Monde”, segundo single del disco, tema no solo más popular de ‘Youthanasia’ sino probablemente del entero catálogo del grupo y un clásico que nunca puede faltar en sus directos. Tachada erróneamente de balada, es obvio que salvo la introducción y los arpegios limpios del estribillo, el resto del tema es un corte a medio tiempo con uno de los estribillos más representativos y conocidos de toda su carrera, cantado íntegramente en francés y unos punteos armonizados al final de la canción que quién más o quién menos todo el mundo ha coreado alguna vez en un concierto de Megadeth. metal hammer | 35

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“Elysian Fields”, al igual que “The Killing Road” son dos temas entretenidos, sin más, que bajan sutilmente el listón cualitativo del disco, que poco a poco empieza a remontar de nuevo a partir de ahí ya hasta el final. “Blood Of Heroes” es otro de los grandes aciertos de este ‘Youthanasia’. Arranca con unas percusiones y guitarras acústicas que dan paso a un tema 100% Megadeth, con esos riffs afilados y secos tan característicos y unas melodías de voz realmente retorcidas, particularmente en el estribillo donde las armonías de voz crean un clímax perfecto. “Family Tree” conserva el alto nivel mostrado en su tema predecesor cabalgando principalmente sobre el bajo a modo de pulso que comanda todo el tema y que explota en ese estribillo tan adictivo donde Mustaine hace de las suyas con esos gruñidos nasales tan característicos. Con el tema homónimo “Youthanasia” la banda se recrea en la pesadez de unas guitarras que recuerdan bastante a los Alice in Chains más duros de su primera época y unas voces al límite de Mustaine que dejan claro el curro vocal que hay en este disco (más aún teniendo en cuenta que Dave nunca fue un cantante muy solvente en lo estrictamente técnico). Acercándonos al final del disco encontramos “I Thought I Knew It All”, seguramente el mejor corte de todo este ‘Youthanasia’, con unas melodías vocales y de guitarra logradísimas que hacen que el tema sea una montaña rusa de sensaciones auditivas. “Black Curtains” nos devuelve a los Megadeth más duros, intensidad esta que ya no cesa hasta llegar el disco a su fin de la mano de ‘Victory’, un curioso corte donde Dave Mustaine construye unas letras basadas en diferentes títulos de canciones de Megadeth, un recurso bastante habitual aunque no por ello menos curioso. POLÉMICAS Y CENSURAS DIVERSAS Con una portada como la que optaron por utilizar, era evidente que la polémica estaba servida. Muchos medios la consideraron de mal gusto e incluso ofensiva, sin pararse a pensar que no era más que una metáfora del futuro nada halagador que le esperaba a los niños del momento (algo que a la postre se confirmaría revelador viendo cómo han cambiado las cosas en los últimos 10/12 años, sobre todo de cara a la gente más joven y su futuro). Hugh Syme, responsable del diseño de la portada, ya había dado buena muestra de lo que era capaz de hacer en ‘Countdown To Extinction’ mostrando al icónico anciano decrépito. En esta ocasión vemos a una anciana colgando a bebés de una cuerda que se pierde en la lejanía del horizonte, como quién cuelga y tiende la ropa para que se seque. Al parecer la idea la extrajeron de un pasaje de la canción “Youthanasia” (“We’ve been hung out to dry”) que habla de cómo una sociedad -en este caso la norteamericana- permite que sus más pequeños crezcan en un entorno de violencia, droga, armas y falta total de atención.

Capitol Records instó a Dave Mustaine a cambiar la portada, pero el grupo al completo se cerró en banda y acabó saliéndose con la suya precipitando así que algunos distribuidores y cadenas de tiendas se negaran a poner el disco en sus estantes. Del mismo modo, el videoclip de “A Tout Le Monde” fue prohibido en la programación y rotación de videos habitual de la cadena MTV (mostrándolo únicamente, de forma reiterada eso sí, en su programa Headbanger’s Ball), y todo por culpa de un malentendido. Resulta que en la noche de Halloween de 1994 Megadeth debían dar un concierto televisado en la famosa cadena norteamericana (‘Night of the Living Megadeth’ se le llamó) donde presentarían su flamante nuevo disco. En esas que Dave Mustaine, creyendo que presentaba “Skin O’ My Teeth”, introdujo el tema como una canción que habla del suicidio (de su propio suicidio, cuando intentó acabar con su vida ingiriendo una montaña de valiums en 1993), a lo que rectificó rápidamente al descubrir sobre la marcha que la canción que realmente venía ahora era “A Tout Le Monde” y no “Skin O’ My Teeth”. Pese a las explicaciones, los ejecutivos de MTV que ya habían tenido algún que otro altercado similar con Megadeth en el pasado (por el video de “In My Darkest Hour”) no quisieron arriesgarse y optaron por censurar el videoclip. Lejos de afectar a las ventas y recepción del disco, ‘Youthanasia’ fue un éxito inmediato, entrando directamente al número 4 del Billboard norteamericano y logrando el platino a las pocas semanas de su puesta en circulación. Tanto los videoclips de “Train Of Consequences”, “A Tout Le Monde” y en menor medida “Reckoning Day” tuvieron muy buena acogida en las diferentes cadenas televisivas del planeta que emitían programas de música. Incluso Los 40 principales de Canal+ promocionó con bastante asiduidad aquí en España ambos primeros singles, algo impensable a día de hoy pero bastante común todavía a mediados de los ’90 donde era fácil ver a bandas de metal en lo círculos más descaradamente mainstream. De hecho, incluso existe un single promocional en CD del tema “Train Of Consequences” con el logotipo de la infame cadena detrás acompañando las 4 fechas españolas que Megadeth haría para presentar ‘Youthanasia’ en abril de 1995. La gira de ‘Youthanasia’ arrancaría a finales de 1994 con un par de fechas Europeas en Berlín y Londres, para dar el salto a Sudamérica por primera vez en su carrera llevando a cabo nueve conciertos más repartidos entre Chile, Argentina y Brasil -a destacar las cinco noches consecutivas en el Estadio Obras Sanitarias de Buenos Aires, un hito que marcaría a fuego la relación entre Megadeth y Argentina por los años venideros-. Proseguiría la presentación de ‘Youthanasia’ por Estados Unidos y Canadá para saltar a Japón, pisar Europa y volver a Estados Unidos en verano para acabar finalmente de nuevo en Sudamérica, esta vez en un nuevo pack Monsters of Rock que incluía a Alice Cooper, Clawfinger y Therapy?. A su paso por España, Megadeth dieron cuatro fechas en abril de 1995 (Barcelona, Madrid, Zaragoza, San Sebastián) acompañados de Corrosion Of Conformity (quienes vivían su mejor momento de forma y repetirían por aquí al año siguiente nada más y nada menos que con Metallica).

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live and

La mayor exposición de fotografías musicales por un artista español, ‘Live And Loud 2.0’, estuvo varios meses en Oporto y, antes de la crisis del Covid-19 iniciaba una nueva andadura en Avilés (Asturias). Su autor es Javier Bragado, un habitual colaborador de Metal Hammer España y de los fotógrafos de conciertos y bandas más reputados de España y Europa. En las siguientes páginas podrás ver algunas de sus fotos más espectaculares y cómo nos cuenta la historia de su libro ‘Live And Loud’, donde recoge en forma física las mejores fotografías de su carrera en un formato imperdible para cualquier amante de la música y de los momentos capturados durante su ejecución en directo. 38 | metal hammer

AC/DC ha sido siempre una de mis bandas de cabecera; de hecho fue uno de los primeros grupos de rock que escuché cuando era un crío y aún hoy me siguen flipando. Esta foto es del primer concierto que pude fotografiarles. Es el principio del show y es realmente la manera en debe empezar un buen concierto de rock -y la foto que utilice para abrir esta exposición-. Fuego, luces, humo, explosiones, decibelios… no se puede pedir mucho más.

loud 2.o POR JAVIER BRAGADO

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Esta foto es del Rock Fest Barcelona 2018. Recuerdo aquella edición con muchísimo cariño. Lo pasamos realmente bien trabajando aquellos días haciendo las fotos oficiales del festival. La foto es bastante particular porque no es común que Rob Halford hoy en día se acerque tanto al publico. De hecho, eso no sucedió hasta la última canción de la actuación de Judas Priest. Es raro ver una foto actual de Halford con esa actitud. Creo que eso le da cierto valor a esta captura.

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Las fotos que haces a lo largo de los años, ademas de ser trabajo, se convierten también en bonitos recuerdos. Y a veces vale más eso que la propia fotografía. Esta foto es la más reciente en el tiempo de la exposición. Es del concierto que dieron Parkway Drive en Bélgica en 2019. No solamente fue uno de los mejores conciertos que he visto en mi vida, sino que ademas lo pasamos como enanos en el viaje, aunque fuera un viaje express. Y, qué coño, la foto es bien bonita.

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Una de las fotos que mas alegrías me ha dado. Fue portada de la revista ‘Bass Player’ en E.E.U.U. y el Trujillo todavía la tiene de foto de perfil varios años después en alguna de sus redes sociales. La tome en Knebworth, en el Sonisphere UK en 2014. Metallica era cabeza de cartel del segundo día. Estuve durante toda la jornada pensando y preparando esta foto. Asumí el riesgo que implicaba situarse al final de un provocador de 20 metros con un gran angular (si no llegan a bajar en los 3 primeros temas…) para poder tenerla como yo quería. Tuve suerte.

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Esta fue la primera foto de la que realmente me sentí orgulloso en mis inicios y la que me impulsó a tomarme mas en serio la fotografía hasta llegar hasta donde estoy. Es de diciembre de 2010 y recuerdo aquella tarde como si fuera ayer. Recuerdo cada instante de aquel concierto de Airbourne, los compañeros con los que estuve, las tres canciones en el foso, el momento en que Joey se acercó a coger la cerveza, el saber que estaba bien colocado… Me ha dado muchas alegrías esta foto a lo largo de los años.

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A pesar de ser una banda internacional de primer nivel y de ser bastante restrictivos con el tema fotográfico, he tenido la suerte de poder hacerles fotos en mas de siete ocasiones en los últimos años. Casi nunca estaba contento con el resultado. Por algún motivo, Iron Maiden se me resistía. Fue en 2016 cuando tuve la enorme fortuna (de hecho en España fui el único que lo hizo) de poder fotografiar los tres conciertos que dieron en nuestro país en la misma semana (Resurrection Fest, Madrid y Rock Fest Barcelona). Gracias a eso pude estar prevenido y sacar esta foto en el concierto de Madrid. Por fin me quedé tranquilo. metal hammer | 47

El Resu es para mi el mejor festival que tenemos en nuestro país. Tiene un componente emocional importante, y esta foto mas. Llevo haciendo la foto oficial del festival desde la edición de 2014. Durante los tres primeros años, la coordinación del equipo corría a cargo de Ruben Navarro, pero en 2017 él dejó de venir y tuvimos que asumir esa labor entre Toni Villén y Yo. Ademas, aquel año -el de Rammsteinel festival dio un importante salto en cuanto a dimensión y carga de trabajo. Aquello supuso un gran desafío y no quedé contento con mis fotos. Solamente me quedo con esta. La hice el ultimo día, cuando toda la presión ya había pasado y pude tomarme un rato para pasear por el festival y disfrutar de nuevo de su ambiente.

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El poder trabajar y compartir vivencias con tus bandas favoritas es uno de los mayores regalos que me ha dado la fotografía musical. Me gusta mucho Alter Bridge, pero no es solo eso. Para mi Creed fue una de las principales bandas de mi adolescencia. El ‘Human Clay’ puede ser posiblemente uno de los 4 o 5 discos que más he podido escuchar a lo largo de mi vida. Para mí compartir un escenario con Mark Tremonti o con Brian Marshall delante de 80.000 personas en un festival como Graspop es algo que no tiene precio.

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Esta foto también esta tomada e Knebworth, pero en el Sonisphere de 2011. Fue el primer festival internacional que cubrí, y en la actualidad sigue siendo de mis fotos favoritas. Tiene cierto misterio -provocado en parte por la situación que se vivió aquel día-. Era la primera gira desde la muerte de Paul Gray. De hecho, creo que era el primer concierto en Europa. Al mediodía se vivió el minuto de no silencio mas acojonante que he visto en mi vida con el mono de Paul con el numero dos en el escenario principal del festival y Vermilion atronando la PA. Cuando empezó el concierto comenzó a diluviar. La foto es del final del primer tema con Corey desafiando inmóvil durante casi un largo minuto a las 80.000 personas que había. Aún me pone la piel de gallina.

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El presente de Javier, mientras se reabre su exposición en Avilés con las restricciones pertinentes por la covid-19, es su libro ‘Live & Loud’. Una obra que resume lo más destacado de su trayectoria y del que hemos querido hablar más a fondo para que a través de esta charla puedas descubrir todos los entresijos tanto del libro como de Javier Bragado en su trabajo.

y muchas hora de procesado. Los que utilizo han ido cambiando y evolucionando a lo largo de los años hasta adaptarse a lo que realmente he ido necesitando.

‘Live & Loud’ es un libro que resumen tu carrera como fotógrafo musical. ¿Hasta qué punto te resulta complicado decantarte por las fotos que saldrán en el libro? ¿Suelen coincidir tus favoritas con las que te dice la gente que ha visto tu trabajo?

Sin lugar a dudas la toma. Lo fundamental es que una foto este bien hecha. Hoy en día la edición, sobre todo en las fotos de conciertos, es mínima. Son sencillamente unos ajustes para que la foto tenga algo mas de fuerza, pero poco más. Es diferente cuando hablamos de retratos y sesiones, donde sí hay mas margen para un desarrollo creativo y si se invierte mas tiempo en editar la fotografía. En este caso, la clave es que todo sea fino, que no haya restos del retoque y que no se vean las marcas de edición -aunque se sepa que están ahí-.

Es un trabajo complicado. Al fin y al cabo son mas de 12 años disparando dentro del mundo de la música. Mas de 1000 conciertos, muchos festivales, giras, muchas sesiones y retratos. La selección no es fácil. Hay que buscar un equilibrio entre lo nuevo y lo mas antiguo para poder darle también un sentido global e intentar buscar un hilo narrativo. Suele haber cierta correlación entre las favoritas de uno y las que mas éxito tienen entre el público. Por supuesto hay algunas excepciones. Siempre esta la típica foto que personalmente adoras, por el motivo que sea, pero que a la gente no tanto. ¿Qué criterios has usado para elegir las fotografías que están incluidas en ‘Live & Loud’? Porque otra cosa no, pero fotos tienes miles y de tipos muy diferentes. En primer lugar hay que utilizar un estándar de calidad. Todas las fotos que aparezcan dentro de libro han de ser sobresalientes. Dentro de esa selección estamos intentando aplicar varios parámetros para, como te decía antes, el libro tenga un sentido y un equilibrio. ¿Cuánto tiempo llevabas con la idea de sacar este libro fotográfico? ¿Cómo se produjeron los acontecimientos con la editorial (Libros.com) para que se llevase a cabo? Yo creo que todos los fotógrafos “soñamos” con la idea de tener un buen libro que sirva como retrospectiva de nuestro trabajo. Un libro de fotos no es igual que cualquier otro libro. No todo vale. Tiene que tener un tamaño determinado, un acabado de mucha calidad… Eso hace que sea un producto que tienen unos costes de fabricación altísimos. Económicamente no es demasiado rentable, con lo que la mayoría de proyectos de este tipo se quedan a medio camino. Hay pocas editoriales que apuesten por ellos. A los compañeros de libros. com les conocí a través de aun amigo que empezó a trabajar en la editorial. Me mostró su proyecto y cerramos una reunión para ver si nos poníamos de acuerdo. Y desde el principio ha habido mucha química. Es gente joven con otra perspectiva y otra manera de hacer las cosas y sobre todo con mucha ilusión y ganas de arriesgar con proyectos diferentes. También has estado trabajando tanto en Oporto como en Avilés con una exposición de algunas de las imágenes que se pueden ver en el libro (y en este reportaje), ‘Live & Loud 2.0’. ¿Cómo de complicada es la producción de un evento de estas características cuando se requieren fotos gigantes? ¿Crees que es algo que todos los fotógrafos o artistas podrían llevar a cabo? Esta exposición que tenemos en marcha es tremendamente especial y se sale de los cánones que suele haber en las exposiciones dedicadas a la fotografía musical -sobre todo por falta de apoyos y de financiación-. En este caso contamos con la ayuda del Ministerio de Cultura para encarar la producción, y eso no es habitual. Sin ellos habría sido absolutamente imposible. Es un proyecto ambicioso que llevo muchos años desarrollando y que no ha visto la luz hasta que las condiciones han sido las adecuadas. Siempre he tenido claro que no quería exponer mis obras en un sitio que no fuera el adecuado ni con un acabado que no estuviera a la altura. En este caso, prefiero no exponer nunca que exponer mal. Gracias a esos años de buscar apoyos y demás, creo que he podido crear una exposición que realmente merece la pena visitar y que trata a las fotos como realmente merecen. Es difícil ver una exposición sobre fotografía musical como esta, la verdad. Uno de los paquetes que se puede adquirir en el crowdfunding de tu libro ‘Live & Loud’ es el de los presets de edición que se envían a los mecenas que se hagan con él. ¿Hasta qué punto son importantes a la hora de editar? ¿Cuánto tiempo te ha costado crearte estos presets? Los presets en edición son una herramienta útil a la hora de ahorrar tiempo de postproducción y aligerar tiempos de entrega. En mi caso estos presets son el resultado de muchos años de trabajo 54 | metal hammer

¿Qué marca la diferencia a la hora de editar una foto para que sea mucho más espectacular?

También se halla un paquete en este crowdfunding en el que se acude contigo a una sesión con una banda para ver cómo se desarrolla todo el proceso. Para quien desconozca cómo funciona esto y pudiera estar interesado, ¿cómo describirías lo que se hará con este pack? Creo que es una gran oportunidad de ver cómo se trabaja con una banda desde el principio y de aprender como realizar una sesión de promo con un acabado profesional siguiendo todo el proceso: desde la concepción de la idea hasta el acabado final en postproducción. Todo esto en un entorno de trabajo real, con una banda… creo que es una experiencia única. Además es algo que difícilmente se vuelva a repetir en un futuro. Nada más ver fotos tuyas es fácil (si se conoce un poco el mundillo) reconocer que tienen la firma de Javier Bragado. ¿Hasta qué punto puede ser esto beneficioso o no? Obviamente, que te conozcan por el trabajo (bien hecho) es lo ideal, pero que se reconozca tan fácilmente porque el estilo es parecido entre ellas... ¿podría jugar un papel contradictorio? En ningún caso es perjudicial. Una de las cosas mas difíciles dentro del mundo del arte (ya sea música, foto, cine, lo que sea) es que tu trabajo hable por si mismo y que sea reconocible por su esencia. Si realmente se consigue eso quiere decir que tu lenguaje y tu forma de expresión, de una manera u otra, está calando entre el publico. Eso es magia pura. Esa búsqueda del estilo personal es lo que la mayoría de fotógrafos quieren cuanto están empezando. En otra de las múltiples opciones de este crowdfunding también incluyes clases “one to one” con quien compre este paquete con el libro ‘Live & Loud’. ¿En qué crees que puedes servir de más ayuda a los fotógrafos que quieran hablar contigo de este modo? Siempre es interesante el poder tener contacto directo con alguien que esta dentro de la industria y que lleva años trabajando en ella (sobre todo para la gente que empieza). El poder charlar en persona durante unas horas y poder exprimir a a esa persona para que resuelva dudas, revise el portfolio, dé consejos, ayude a moverse dentro de la industria y cuente cómo mejorar no tiene precio. Me hubiera encantado tener una oportunidad así cuando estaba empezando. Me habría ahorrado un montón de tiempo y muchos pasos en falso. ¿Ha habido libros que te hayan inspirado/motivado a elaborar ‘Live & Loud? ¿qué es lo que te ha ayudado más para conformar este trabajo? Quizás dentro de la música no demasiados (aunque alguno hay, como el de Ross Halfin con Metallica de hace algunos años). Pero realmente me fijo mas en otros libros como los de Gregory Crewdson, por ejemplo. Ese sería para mí el camino a seguir. Por último, después de este libro, una gran exposición, la fotografía oficial de muchos festivales y artistas, también vídeo de grupos o de otro corte más corporativo... ¿qué más pasos crees que te quedan por dar en tu carrera (o cuáles te gustarían)? Me encantaría hacer algún videoclip, por ejemplo. Es algo que tengo pendiente y que creo que puedo disfrutar mucho, y también hacer también algún documental más largo con alguna banda: estar con ellos desde el germen de un disco y desde el proceso de composición hasta el final del camino cuando se sale de gira. Una especie de “A Year And A Half” de Metallica. Creo que algo de eso será el siguiente paso.

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WITHIN TEMPTATION GOLPE DE TIMÓN TEXTO: sergi ramos

Within Temptation deberían haber estado de actualidad en estos meses. Una arrolladora gira por Europa junto a Evanescence debía llevarles a grandes recintos repletos de fans ávidos de revivir ese dulce momento de 2005 en que ambas bandas reinaban en el mundo del metal con un hype que no se ha vuelto a repetir desde entonces. La gira, titulada “Worlds Collide”, era la piedra angular de la estrategia de la banda holandesa para 2020 pero todos sabemos lo que pasó y como ha acabado la planificación de conciertos y el sector del ocio en general. Para capear el temporal, la banda capitaneada por Sharon den Adel ha decidido comenzar a publicar canciones para tener al público entretenido mientras un nuevo disco del grupo llega -o no-. En cualquier caso, la banda se ha liado la manta a la cabeza, se ha montado su propio sello discográfico y edita directamente en Spotify sus novedades apenas pocos meses después de gestarlas en el estudio. Un cambio de estrategia radical que parece situar a la banda al control de su propio destino para el futuro inmediato. En pleno confinamiento -o desescalada, para ser más precisosSharon tuvo a bien realizar una larga y fructífera entrevista con Metal Hammer España en exclusiva, hablando de todos los detalles de la actualidad de la banda y de lo que les depara el futuro. Tenéis una nueva canción disponible, titulada “Entertain You”. Háblame de ella porque ha sido una pequeña sorpresa recibir nueva música en medio de todo lo que está pasando. 56 | metal hammer

Queríamos hacer nueva música, porque sino los espacios entre discos son un poco aburridos para los fans. Al acabar la última gira, en noviembre, nos pusimos a componer nuevas canciones y vimos que teníamos muchas ideas. Una de las mejores era “Entertain You” y la grabamos y editamos con rapidez. Originalmente la idea era tener la canción editada a tiempo para la gira junto a Evanescence pero, evidentemente, todo ha quedado pospuesto ahora. Pensamos ¿qué hacemos? ¿Lo retrasamos o lo sacamos igualmente? Creo que lo mejor para todos era editarlo, para que la gente tenga algo de material nuevo y nosotros nos mantengamos activos. El cambio importante que hemos tenido, en este caso, ha sido el de editarlo tan rápido. Normalmente pasamos un par de años preparando un nuevo disco y en éste caso han sido solo unos pocos meses entre la composición de la canción y su puesta en circulación. Eso nos permite enseñarle a los fans los que estamos haciendo y ver su reacción. La cuestión es que creíamos mucho en esta canción y queríamos sacarla cuanto antes. Esta es la primera ocasión en que editáis algo de manera totalmente independiente, a través de vuestra

Este tipo de música no va a sonar en la radio porque tiene guitarras gruesas y es típicamente Within Temptation. Lo que pasa es que nos gusta mezclar elementos y que nuestro sonido refleje quienes somos en el momento actual. No queremos sentirnos caducos, antiguos y pasados de fecha. Queremos ser excitantes y novedosos, principalmente para nosotros mismos y eso implica sonar a 2020 y no a 2005. La clave, para nosotros, es combinar elementos de nuestro estilo, de lo que nos gusta, con música dura. Funciona en nuestro caso. Hacemos lo que sentimos como natural, no hay una reunión secreta para agregar elementos pop en nuestra música. Nos planteamos qué queremos explicar en la canción y cómo podemos exponerlo musicalmente. Gran parte del rock duro de los años ’80 se basaba, esencialmente, en canciones pop con guitarras duras. ¿Crees que el metal se ha vuelto demasiado complejo y complicado en los últimos años? Es posible. Lo único que pienso es que no estaba habiendo demasiado desarrollo en el metal. La escena sería mucho más grande si hubiese evolucionado más. No lo digo por quejarme. Cuando quieres conectar con la gente que crece hoy en día y mantener al público que ya tenías tienes que ir adaptándote a los tiempos. Tienes que tratar temáticas actuales y tienes que seguir el desarrollo de lo que te rodea. Siempre has de traer algo nuevo a la mesa. Pienso que Linkin Park fue la última banda que aportó algo nuevo a la conversación en la escena del metal. Inspiraron a muchas bandas. No veo a muchas bandas que sean distintas hoy en día. Habrá desarrollo, porque veo cosas, pero no ha llegado al punto óptimo aún. Bandas como Bring Me The Horizon están experimentando con su sonido y otras como Asking Alexandria también lo están haciendo. Están buscando distintos sonidos y viendo hacia dónde van.

propia compañía. ¿Qué sentís al trazar vuestro propio camino sin pensar en las prioridades o exigencias de una discográfica? Lo bueno es que estás totalmente en control de cuando editas el material. En una discográfica hay muchas bandas, muchas prioridades y tú eres una más de ellas. En éste caso teníamos la situación mucho más controlada. Una de las grandes frustraciones de las bandas es tener que esperar de tres a seis meses desde que finalizan un disco hasta que ve la luz de manos dela discográfica. Cuando sales del estudio tan solo quieres mostrarle tu obra al mundo. ¿Es este otro de los puntos a favor de este método? Está caliente, recién sacado del fuego. Lo haces y lo editas. Es una sensación muy buena. Tras el último disco y gira tuviste un bloqueo importante a nivel compositivo que no conseguiste deshacer hasta que te concentraste en tu trabajo en solitario “My Indigo”. ¿Está superado ese episodio ya? ¿O el material actual viene de anteriores sesiones de grabación? Cuando tenemos algo compuesto no podemos aguantarnos y lo editamos a toda prisa. En el caso de la nueva canción se compuso en Noviembre y se grabó en enero, para luego grabar el video poco después, aunque los últimos detalles se tuvieron que grabar en las cocinas y jardines de todos nosotros debido al Covid-19 (risas). Hubo que improvisar un poco. Si le quitas las guitarras a “Entertain You” es una canción que podría haber firmado Lady Gaga, Demi Lovato o cualquier cantante pop. ¿Te gusta componer con cierta sensibilidad pop en mente para luego añadirle guitarras? ¿Fue “My Indigo” un proyecto que te hizo potenciar el factor pop en las composiciones?

“No está habiendo demasiado desarrollo en el metal. La escena sería más grande si se hubiese evolucionado más” (Sharon den Adel) Within Temptation, como banda, siempre se plantea qué puede hacer para mantener la música interesante y conectar con todas las generaciones. También imagino que, a nivel personal, lo que escuchabais en 2005 no es lo que escucháis en 2020. Las cosas han cambiado pero me gustan las mismas bandas que me gustaban por entonces. Me gustan Type O’Negative, me gustan Paradise Lost, que acaban de hacer un genial nuevo disco, me sigue gustando Enya, me sigue gustando la música celta… ¿Qué sueles escuchar últimamente? ¿Qué bandas te han motivado a nivel musical? Me gustan mucho Bring Me Te Horizon, es de las que más escucho últimamente. Están experimentando y me gusta ver el camino que están tomando. A veces, sin darte cuenta, escuchas algo y lo combinas con algo que estás haciendo y creas algo nuevo. metal hammer | 57

¿Qué artista jamás admitirías que te gusta? Yo amo el primer disco de las Spice Girls. Me sé todas las letras de memoria. (Risas) Crecí con “Grease”, así que me sé todas las letras de “Grease” de la primera a la última. Fue mi primer amor. Me encantaba Olivia Newton-John, me encantaba el dramatismo del film y, a la edad de 4 años, me impactó.A día de hoy puedo cantar cada palabra de cada canción (risas). La gente que me conoce lo sabe pero no lo suelo explicar con frecuencia. Hay una artista que me influyó mucho a la hora de convertirme en una vocalista más técnica y esa es Mariah Carey. Tiene un gran registro vocal, de lo más grave a lo más agudo, y entrenar cantando sus canciones -especialmente los primeros tres discos- me ayudó mucho a explorar los rincones de mi voz.Tenía agudos tan altos que me sorprende que las ventanas de casa no se rompiesen cuando tenía catorce o quince años. Mis padres no entendían qué hacía y yo les decía que era para practicar, así que me dijeron que me apuntase a una escuela de música pero yo no quería leer notas y aprender a tocar la flauta. Recuerdo perfectamente aquella conversación. Ahora tienes una educación musical mucho más completa. Incluso hay escuelas orientadas al metal. Tenemos una en Barcelona, llamada Metal Academy School of Music, donde puedes aprender a cantar desde death metal hasta a tocar la guitarra en multitud de estilos derivados del metal con mucha precisión. Eso te muestra como el metal se ha convertido en un género por derecho propio en la educación musical. Muchos vocalistas se destrozan la voz por no tener una técnica adecuada a la hora de hacer guturales, por ejemplo. Eso es. Eventualmente yo visité a varios profesores de técnica vocal y me explicaron que si algo duele es porque lo estás haciendo mal. Si estás cantando algo que no puedes cantar y te haces daño es porque algo estás haciendo mal técnicamente. Yo aprendí por mi cuenta pero busqué la manera de corregir mis errores allí donde los tenía. Para mí, Mariah Carey es como Steve Vai para un guitarrista. ¿Sueles ensayar y calentar mucho cuando estás de gira? Tengo que calentar siempre, porque es un músculo y has de calentar. No hago mucho, unos treinta o cuarenta minutos, porque si caliento mucho también puedo perder mi voz. Lo cierto es que vigilo más en aspectos como no hablar mucho durante el día. La gira de Evanescence y Within Temptation era una de las más esperadas de éste año. Para quien descubrió la música entre 2003 y 2006 es como si Iron Maiden y Judas Priest hiciesen una gira juntos. ¿De quién fue la idea de hacer esa gira? Amy nos invitó a su show en Amsterdam hace un año y medio más o menos. Normalmente, cuando conoces a alguien por primera vez sueles cotillear un poco pero no suele ser una conversación demasiado profunda. El caso es que con ella tuve una conversación real, profunda, con alguien que no había hablado nunca. Habíamos coincidido antes en un Download Festival en el Reino Unido pero ambas íbamos a tope con entrevistas y cosas promocionales así que no pudimos hablar. Tras el show, que era muy impactante porque llevaba una orquesta, pude hablar con ella y fue muy interesante, porque estábamos hablando del sentido de la vida y cosas por el estilo. Nos sorprendimos mutuamente y volví a casa con la moral muy alta, porque fue una conversación que recordaré para siempre. Nos intercambiamos el contacto y volvimos a hablar un tiempo después sobre hacer una gira juntos aprovechando la gran conexión que tenemos. Teníamos varias opciones y al final la gira conjunta fue la mejor opción para poder conocernos mejor y hacer un proyecto compartido. Además, es una gira de mucho valor para los fans y nos lanzamos a ello.

o vacuna es difícil que se puedan hacer conciertos con un montón de gente. Creo que ese va a ser el estándar que se va a seguir en la mayoría de países así que dependemos de que llegue un remedio para el virus. En términos logísticos ¿ya estaba la gira en marcha? ¿Habíais movido el material técnico a la primera ciudad de la gira? ¿Os ha supuesto grandes perdidas económicas? Ya habíamos enviado un montón de cosas. Estábamos listos para salir de gira y nos pilló todo a medias. Si las cosas nos han supuesto perdidas es lo que hay, todo el mundo ha tenido perdidas y la gente que había comprado tickets, vuelos y hoteles también las ha tenido. En cuanto podamos saldremos adelante con esto pero siempre hay riesgos cuando montas una gira. Todo el mundo quiere que ésta gira suceda y voy a hacer que suceda, pase lo que pase. Ambas bandas quieren hacer esto y si no podemos hacerlo en septiembre lo haremos en un futuro próximo. Lo que más me duele es ver a mucha gente que trabaja para las bandas y que son autónomos pasando un mal momento porque no hay trabajo. No estoy en posición de quejarme de nada porque hay personas que lo están pasando mal. Espero poder tener a mi crew de nuevo girando y que todo vuelva a la normalidad cuanto antes.

“Estábamos listos para salir de gira y nos pilló todo a medias. Si las cosas nos han supuesto perdidas es lo que hay, todo el mundo ha tenido perdidas y la gente que había comprado tickets, vuelos y hoteles también las ha tenido” (Sharon den Adel) ¿Han sido de ayuda los gobiernos en éste caso? La precariedad del mundo del espectáculo ha quedado muy expuesta en una situación como la del Covid-19. Riggers, técnicos, montadores y muchos otros implicados se han visto abocados a no tener ingresos debido a la estacionalidad de su empleo. ¿Cómo ha sido la situación en Holanda? Los autónomos han podido conseguir una paga mínima con la que poder sustentarse durante un número determinado de meses. Es una pequeña ayuda pero no se acerca a lo que suelen ingresar trabajando. Las personas especializadas lo tienen complicado. Un runner, por ejemplo, puede trabajar para una empresa de envíos conduciendo su furgoneta pero un técnico de luces o de sonido depende de que se realicen espectáculos en directo. No hay eventos ni los va a haber a corto plazo así que les toca reciclarse rápidamente para encontrar algún trabajo o estar en una situación muy comprometida hasta que no se restablezca la situación de las giras y espectáculos. ¿Crees que esto hará que la gente aprecie más la labor de los músicos y los artistas? El exceso de oferta ha provocado que, en los últimos quince años, la gente se acostumbre a dar ciertas cosas por sentadas y exija mucho de festivales, artistas y espectáculos. ¿Cambiará eso tras la pandemia? La gente siempre se queja. Yo también. Es humano y no creo que eso cambie. Creo que la gente aprenderá a valorar lo importante que es poder salir ahí fuera, abrazarnos los unos a los otros y sentir la excitación de un concierto. Cuando voy a ver una banda que me gusta siento ese subidón y es algo muy humano que ahora estamos echando mucho de menos. Volvamos quince años atrás cuando “The Silent Force” vio la luz y “Stand My Ground” se convirtió en un hit. ¿Qué pensaste en aquel momento? ¿Esperabais aquel éxito?

Ahora mismo la gira está pospuesta a septiembre y, como en todos los casos, no hay certeza de que nada se pueda hacer siquiera por esas fechas. ¿Cuál es el plan B?

No, nunca (risas). Creo que eso fue lo mejor para la banda, para protegernos. Nunca esperábamos nada y todo nos llegaba por sorpresa.Ya en el caso de “Ice Queen” conseguimos un éxito en varios países y eso permitió que los miembros de la banda pudiesen dejar de lado sus trabajos habituales para centrarse en la banda. “Stand My Ground” terminó de completar ese éxito y tampoco lo vimos venir. La música es magia y la magia no siempre sucede.Tan solo puedes confiar en la canción que crees que es más fuerte y esperar que haya algún resultado, que la gente perciba tu pasión. Pero eso puede pasar o no pasar y no depende de ti. Cuando sucede es como estar sobre una ola y no saber qué está pasando.

Si no puede hacerse en septiembre lo pasaremos a 2021, sin duda. Esperamos que se pueda hacer éste año pero si no hay una medicina

En aquellos tiempos veía spots de la banda en la TV y pensaba “¿en qué planeta estoy?”. Creo que fue un

Teníamos un festival en Suiza en el que coincidíamos actuando y lo aprovechamos para hacer fotos de promoción conjuntas, para grabar cosas para la promoción de la gira y todo eso. Vino un fotógrafo de USA y a partir de ahí empezamos las preparaciones para la gira.

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“El metal sinfónico quizá fue la manera más genérica de etiquetarnos y creo que es lo más adecuado. ‘metal gótico’ o ‘metal femenino’ no terminan de hacer justicia” (Sharon den Adel)

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gran momento colectivo para el mundo del metal y especialmente el metal sinfónico. El metal se ha vuelto más mainstream en los últimos años, no obstante. ¿Dirías que el metal ya es parte de la cultura popular y no hay ese distanciamiento respecto a otros géneros de quince o veinte años atrás? Lo extraño es que cuando una banda tiene un cierto éxito todo lo que les rodea se vuelve parte de una moda. Mira a Nirvana: su estilo de vestir se convirtió en moda y pasó de moda tras un tiempo. La música no es una moda, es arte, algo puro y honesto. Fenómenos como éstos están durante un momento breve y luego se esfuman, aunque es lógico. La gente pasa a la siguiente moda. El metal no ha permanecido en el mainstream, pienso. Cuando Metallica se volvieron mainstream a principios de los ’90 con “Nothing Else Matters” el metal fue más aceptado pero luego desapareció del radar. Más adelante volvió a ganar posicionamiento y volvió a desaparecer. Pero no importa: sigue habiendo mucha gente a la que le gusta nuestra música y el mundo es así. Las cosas van y vienen y cuando haya una nueva tanda de bandas que lleguen al gran público el metal volverá a ganar adeptos. Es cuestión de tiempo y de ciclos. ¿Te cansa la etiqueta del “metal gótico”? A estas alturas, Within Temptation tienen muy pocos elementos de metal gótico. La banda ha evolucionado bastante en los últimos veinte años. La imagen de aquella era de nuestra música era tan fuerte que la gente siempre me recordará como la chica con el vestido. La imagen define a la banda y por eso nos etiquetaron como góticos. Nunca sentí que fuésemos una banda gótica pero tuvimos un disco con algunos elementos que entran en esa categoría. No obstante creo que con cada disco hemos ido cambiando elementos y esa definición ha quedado caducada. El metal sinfónico quizá fue la manera más genérica de etiquetarnos y creo que es lo más adecuado. “Metal gótico” o “Metal femenino” no terminan de hacer justicia. Pero no pasa nada, nosotros seguimos adelante. 60 | metal hammer

Tenemos un single llamado “Entertain You”, tenemos una gira en el futuro cercano pero… ¿qué sucederá con el nuevo disco? Todo depende de la nueva gira. El disco no está acabado, solo hemos grabado algunas canciones. Lo que vamos a hacer es editarlas poco a poco éste año, para los fans, y mientras vemos cómo va la cosa. Habrá un disco a finales del próximo año, quizá, pero no lo tenemos claro. Ésta nueva manera de componer y editar canciones nos gusta y veremos cómo se va desarrollando todo. Y como digo, también depende de la gira del año que viene. Ahora estamos haciendo suposiciones todo el tiempo y no hay ninguna certeza, realmente. ¿Tiene sentido para vosotros hacer un disco completo? Si uno observa Spotify, las tasas de abandono tras x canciones y cosas por el estilo ¿tiene lógica editar colecciones de diez o doce canciones a estas alturas? Bueno, yo también he crecido con los discos en los años ’70. Yo tenía vinilos, cassettes, CDs y ahora el streaming. Me sigue gustando el producto físico y creo que a mucho de nuestro público también. No sé lo que pasará pero estamos apuntando hacia una edición física normal del disco. Pero tienes razón: cuando miras los datos en Spotify te das cuenta de que la gente solo escucha las primeras canciones, excepto los mega fans que lo escuchan todo. La manera en que la gente escucha música está cambiando y tenemos que adaptarnos. Lo divertido es que le he ido pasando mis hábitos a mis hijos e incluso tienen reproductores de cassette en sus habitaciones (risas). Les gusta escuchar música en ese formato. Claro que la música física nunca va a llegar al esplendor de tiempos pasados y que la tecnología avanza pero me gusta que puedan valorar la experiencia de escuchar música, no solo de apretar un botón en una plataforma de streaming. Es mi pequeña contribución al futuro de la música (risas).

WILDERUN

MORSE/PORTNOY/GEORGE

VEIL OF IMAGINATION

COV3R TO COV3R

¡YA A LA VENTA!

¡El trío de ases del prog, Neal Morse, Mike Portnoy y Randy George vuelven con una tercera entrega de su saga de versiones! Con temas clásicos de Jethro Tull, King Crimson, David Bowie, Lenny Kravitz, Gerry Rafferty y muchos más.

¡Metal progresivo, folk y música con orquesta! ¡Un cocktail perfecto que ahora por ﬁn está disponible en Europa y en formato LP! Ojito con esta banda porque apunta maneras gracias a esta gran obra.

AVATAR

FINNTROLL

HUNTER GATHERER

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¡A LA VENTA EL 18 DE SEPTIEMBRE! ¡Los trolls han vuelto y están más enfadados y hambrientos que nunca!

¡Los maestros circenses del metal moderno regresan con el álbum más duro que jamás han creado!

El esperadísimo nuevo álbum de las leyendas del folk metal ﬁnlandés que llega tras un parón de siete años.

Salvaje, malvado y sin duda alguna ¡terroríﬁco!

PAIN OF SALVATION PANTHER

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BLACK CROWN INITIATE

VIOLENT PORTRAITS OF DOOMED ESCAPE ¡A LA VENTA EL 7 DE AGOSTO!

Los maestros suecos del metal progresivo nos traen un nuevo álbum intenso, innovador y el más relevante de la banda hasta la fecha. Mezclado con Daniel Bergstrand (In Flames, Meshuggah, Devin Townsend)

www.INSIDEOUTMUSIC.com · www.CENTURYMEDIA.com

¡Estos maestros del Death Metal Progresivo se sacan un as de la manga con un disco impoluto grabado y producido por Carson Slovak y Grant McFarland (Rivers Of Nihil, August Burns Red y Lorna Shore)!

dee snider METALHEAD A LOS 65 TEXTO y fotoS: sergi ramos

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Dee Snider lo ha visto y hecho todo, salvo tomar drogas y emborracharse. Defensor de la vida sana, su físico a los 65 años es testimonio de una vida que no ha sido ni remotamente similar a la de sus coetáneos. Tras arrasar el mundo con Twisted Sister en los ’80 y hundirse en la miseria en los ’90 durante los peores años del rock duro, Snider se reinventó exitosamente como artista en el nuevo milenio, reuniendo además a su banda a la vuelta del nuevo milenio. Una reunión a la que puso fin en 2017 con una gira de despedida que puso de manifiesto los distintos niveles físicos a los que se encontraban los miembros de la legendaria banda americana de rock. Snider optó por reconducir su carrera con una propuesta en solitario que ha cristalizado finalmente con el disco de estudio ‘For The Love Of Metal’, compuesto por distintos grandes del metal actual como Jamey Jasta (Hatebreed) o Mark Morton (Lamb of God). Y como en los viejos tiempos, un disco en directo sirve para poner el broche a un momento especialmente exitoso. Snider publica en éstos días el DVD y CD en directo ‘For The Love Of Metal Live!’ donde recoge algunos de los mejores shows de su última gira, incluyendo varios momentos de su actuación en Barcelona como parte de Rock Fest. ¿Cómo has vivido toda la crisis del Covid-19? Yo vivo en Belice durante algunas temporadas. Es un pequeño país situado en Centroamérica. Cuando la pandemia comenzó y aparecieron los dos primeros casos cerraron las fronteras por completo. Se pusieron super estrictos con las mascarillas, con el cierre de espacios y con los horarios de salida de la gente. No tenemos apenas Covid. Hemos tenido veinte casos y dos muertes, en total. Aunque estamos muy bien, están siendo bastante severos con el uso de mascarilla en la calle y ese tipo de cosas, así que estamos lidiando con la misma problemática que todos los ciudadanos pese a no haber tenido tantos enfermos ni muertos. Llevo aquí varios meses sin salir, la verdad. ¿Te vas a sentir cómodo subiendo al escenario de un festival con miles de personas cantando en tu cara? ¿Qué tendría que suceder para que vuelvas a estar cómodo en una situación de ese tipo? No tengo una profecía, no soy Nostradamus, pero le dije a mí manager en primavera de 2019 que me iba a tomar un descanso en 2020 y no iba a girar (risas). No tenía ni idea de que todo el planeta se iba a tomar un descanso de las giras en 2020 (risas). De todos modos me comprometí a hacer una docena de shows con Kings Of Chaos, la banda de Matt Sorum con otros músicos. Eran diez o doce shows y todos se cancelaron o aplazaron por el Covid. Pero hace dos semanas me llegó un email diciendo que uno de los shows era en un casino al aire libre en el estado de Oregon y que quieren hacer el show. En Norteamérica la gente está comenzando a salir de nuevo, como ya sabrás. El caso es que todos los implicados nos quedamos mirando unos a otros: Gilby Clarke, Sebastian Bach, Sorum, James Lomenzo y Warren DeMartini. Nos dijimos: “¿en serio tenemos un show?”. Imagino que en tu país también lo estarás viendo: hay gente a la que le importa un comino todo y sale a la calle, se congrega, no lleva mascarillas y no guarda distancias.

Ahora estamos dudando de cómo hacerlo y hemos acordado testearnos todos antes de los ensayos. También cogeremos un bus solo para nosotros en lugar de ir en aviones. Una pregunta importante es “¿qué pasa con nuestra salud?”. Pero la otra pregunta es “¿vamos a instigar a que la gente se congregue en un mismo espacio?”. Y lo importante en mi caso, como vocalista: ¿qué le digo a la gente? “Gritad ROCK”, “Gritad WE’RE NOT GONNA TAKE IT” o, en otras palabras, “SALPICAOS DE SALIVA LOS UNOS A LOS OTROS” (risas). ¿Vamos a dejar un espacio entre el público y nosotros para protegernos pero vamos a instigarle a que se escupan los unos a los otros cantando? Lo cierto es que tengo serias dudas. No sé si vamos a hacer ese show. Está previsto para julio y quizá lo hacemos o quizá no. Lo único en lo que pienso es que quizá podemos intentarlo y ver qué sucede. Quizá funciona. Pero volviendo a tu lógica pregunta del inicio: si no podemos rockear como lo hacíamos, no voy a seguir en esto. No es para lo que me metí en esto, no es lo que me gustaría como fan. No vas a un show para estar distanciado de la gente. No me convertí en un entertainer para ver a la gente separada y preocupada.Tenemos que volver a los shows tal y como siempre han sido o yo me largo de aquí. Recuerdo que cuando Kiss tocaron en Japón en los años ‘70, el control sobre el público era férreo. Si se ponían de pie durante el concierto, un miembro de seguridad les apuntaba con un láser y les hacía sentarse de nuevo. En los pocos conciertos post-Covid a los que he ido ha sucedido algo similar: a la que la gente se pone de pie y se le ocurre bailar, alguien viene y les obliga a sentarse rápidamente. Me imagino que a esto es a lo que jugaremos durante una temporada, hasta que haya una vacuna. Totalmente cierto. Yo toqué en Japón cuando obligaban a la gente a estar sentada. Si se levantaban, la seguridad del concierto les sentaba inmediatamente. Era algo muy extraño en aquella época y no era nada divertido. No sé que nos depara el futuro pero soy optimista con que un día podremos volver a nuestras costumbres. Lo que no sé es cuando. Ojalá sea el próximo verano. Por ahora tienes tu disco en directo, ‘For The Love Of Metal - Live!’ a punto de salir. Te veo muy motivado con tu carrera en solitario actual. Siempre eres un tío entregado en directo pero desde que vas con tu propio nombre y no el de Twisted Sister parece que sientes la necesidad de demostrar algo. ¿Compartes esa misma sensación? Todo lo que has dicho es acertado al 100%. Me lees bien y tu análisis es certero. Creo que todos los artistas en solitario que vienen de una banda famosa, incluyendo a Robert Plant, desean poder mantenerse por sí solos y ser reconocidos por su talento individual y no solo por la banda de la que vienen. El sueño es conseguir el modelo de Ozzy Osbourne. Ozzy comenzó y tras unos cuantos años ya solo tocaba sus canciones en

solitario y “Paranoid” de Black Sabbath para terminar. Él es Ozzy, libre de su legado con Black Sabbath. Ese es el sueño y yo nunca pude conseguir ningún resultado de peso con los discos que hice después de Twisted Sister. Reconozco que he hecho algunos discos bastante experimentales. Cuando hice ‘Dee Does Broadway’ mi manager me dijo “¿quién va a comprar esto?” y yo le dije “probablemente nadie”. Pero había estado trabajando en Broadway, relacionándome con esa comunidad y tenía la necesidad de hacer un disco de ese tipo. Por cierto, a la comunidad de Broadway le encanta ese trabajo, a nadie más le gusta (risas). Mi meta era encontrar un lugar en la escena contemporánea. Lo intenté con Desperado y aquello no funcionó. Lo intenté con Widowmaker y aquello no funcionó. Amo a Twisted Sister y ese es mi legado, pero quería demostrar quién soy hoy en día y nunca parecía poder conseguirlo, hasta que ha llegado ‘For The Love Of Metal’ y he podido situarme de nuevo, algo que tengo que agradecer a Jamey Jasta de Hatebreed, ya que ha sido la luz que me ha guiado en todo esto. Estoy revigorizado, tengo las pilas recargadas y tengo una gran banda. La banda que me acompaña comenzó como un grupo de acompañamiento y mi esposa, Suzette (que lleva 44 años conmigo y gira conmigo), me dijo “esta banda no parece ser gran cosa, pero patean culos”. Mi esposa es de la vieja escuela, le mola una banda con una imagen excesiva y ochentera, pero tenía razón: patean culos y se han convertido en una unidad muy potente. Me han dado una energía y una excitación tremendas. Ellos nunca han tocado ante las cantidades de público que yo he tocado así que poder estar ante 25.000 personas les motiva mucho, es un sueño hecho realidad. Conocen lo que es tocar ante 25, no ante 25.000 (risas). ¿Crees que los miembros de Twisted Sister estaban “malacostumbrados” y eso afectaba al rendimiento en directo? Todos los componentes de la banda han tocado ante grandes cantidades de gente, han saboreado el éxito y están en otro momento de sus vidas, me temo. Quiero mucho a mis compañeros de Twisted Sister, pero llegamos a un punto -y la mayoría de ellos estaban de acuerdoen el que las cosas no eran lo mismo. No quiero hablar mal de nadie pero yo soy un tío con mucha energía sobre el escenario. Me mantengo en forma, hago deporte. Y la mayoría de la banda no estaba tan en forma, dejémoslo en eso. Mas de una vez sentí como que estaba corriendo a su alrededor en lugar de correr con ellos. Les quiero mucho, pero eso no es lo que Twisted Sister eran: ya no había maquillaje, ya no había trajes… A la gente le seguía gustando lo que hacíamos y tuvimos algunos grandes shows de despedida con grandes momentos, pero sentía que quería hacer algo fresco de nuevo. Uno de los motivos es porque sigo viendo a nuevas bandas de metal en directo. Mis hijos son headbangers y voy a conciertos con ellos, así que cuando veo a ciertas bandas sobre el escenario pienso “wow”. metal hammer | 63

No hay nadie más peligroso en una habitación que alguien que no tiene nada que perder. Muchos de esos jóvenes músicos no tienen nada que perder, porque no venden discos, no piensan que se van a hacer famosos o ricos. Cuando están ahí simplemente porque les gusta puedes sentir la verdadera energía del rock and roll.Veo a esas bandas y me inspiran mucho. Es muy bueno trabajar con músicos jóvenes o incluso no tan jóvenes. Gente como Lamb of God, Howard Jones, Disturbed y demás no son tan jóvenes, pero comparados conmigo lo son (risas). Ellos me han dado nueva energía. Te ha llevado un tiempo encontrar la fórmula adecuada para establecer tu carrera en solitario. Todo ha encajado en el momento en el que Jamey Jasta y un montón de compositores de bandas actuales han trabajado en tu nuevo disco. ¿Es importante saber cuándo dejarse llevar y que otros colaboren contigo? Vuelves a tener razón. Le dije a Jamey que me parecía alucinante la visión que tenía con mi disco en solitario y me dijo “es la primera vez que hago esto” (risas). Me dijo que todo ha funcionado porque he dejado que funcionase. No voy a nombrar a nadie, pero Jamey ha trabajado con otros artistas de la vieja escuela y me dijo que lo único que intentaban era controlarlo todo en lugar de aceptar que condujese otra persona. “Se saboteaban a sí mismos”, me dijo. Como artista, Jamey es muy inteligente. Me estudió. Me dijo que había escuchado cada cosa que yo había hecho en mi carrera antes de ponerse a trabajar en el disco. Escuchó Widowmaker, Desperado, Dee Does Broadway, leyó las letras y buscó la manera de entenderme. Yo confié en él. Cuando fuimos al estudio, las dos primeras canciones en las que trabajamos fueron “Running Mazes” y “American Made”. “American Made” fue la primera que grabamos y tal y como empezaron a tocar supe que íbamos en la dirección correcta. El grito que hay al principio del tema les hizo saber que todo iba a estar en su sitio. En cuanto abrí la boca todos nos dimos cuenta de que las cosas estaban funcionando. Había probado varias cosas a nivel musical y no terminaba de saber la manera de llegar a dónde quería.

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A veces me cuesta incorporar nuevas bandas dentro de mis hábitos de escucha. Uno tiende ir a sus favoritos de toda la vida por defecto. Pero cuando escuché un tema como “Roll Over You” y lo puse en repeat. Me di cuenta de que tu nuevo disco podía resonar con muchos otros fans de la vieja escuela ochentera como yo. Y lo hizo. Me da mucha alegría que me digas esto. Es música para mis oídos. El otro día estaba en el gimnasio y estaba escuchando ‘Killing Machine’ de Judas Priest. Le di a repetir en el primer tema, “Delivering The Goods”. Cuando le das a repeat es cuando sabes que ese tema te ha llegado, porque quieres escucharlo automáticamente otra vez. Tengo que darle crédito a Jamey nuevamente. Ha sabido conectar con mis fans más veteranos y conectar con la escena contemporánea. Es como decirle a los chavales jóvenes “tíos, escuchad esta voz, escuchad cómo canta, canta para vosotros también”. Volviendo a tu primera pregunta sobre cuando me viste en Barcelona… no te imaginas la alegría que me dio escuchar a la gente coreando los “uouo” del tema “Become The Storm”. Salí del escenario y estaba extasiado diciéndole a los otros “tío, estaban coreando el ‘uouo’, ¿lo habéis oído?”. Mira, yo he visto a Led Zeppelin girando con ‘Physical Graffiti’, cuando el disco acababa de salir. La banda estaba actuando en el Madison Square Garden y cuando empezaron a tocar “Kashmir”, la mitad del público se estaba largando al baño a mear. “Kashmir”, tío. Como no conocían la canción, les daba igual. Además es un tema extraño en directo y la acústica no era la mejor, pero cuando la gente se va al baño es porque les da igual escuchar tu nueva música. ¡Y era “Kashmir”! Que la gente quisiese quedarse a escuchar mi nueva música y la siguiese fue increíble. Muchos de tus contemporáneos se han ido convirtiendo en personajes que dan cierta grima. Ya sabes, como ese tío que encuentras en la cena de navidad y que va de guay pero que se ha quedado paralizado en 1986. ¿Cómo evitas convertirte en eso?

Entiendo lo que me estás diciendo, soy muy consciente de eso. Mi hija Shane es hiper heavy, y es la más joven. Le mola el metal más brutal. Es tan heavy que asusta a Jamey Jasta. Jamey vio sus playlists y me dijo “madre mía, esto es ridículo” (risas). Con cada canción que grabábamos me decía “¿qué opinaría tu hija?”. Podías ver cierto alivio en su cara cuando Shane dio el visto bueno a las nuevas canciones, porque es más heavy que la hostia. Ella está super orgullosa de mi nuevo disco. Ella llama a las bandas clásicas “dad rock”. Me explica que ha ido a un festival y que actuó una banda de “dad rock”. Le pregunté que qué significaba eso y me dijo “bueno, los músicos son calvos y llevan una bandana” y dedican canciones a sus hijos. Da todo mucha vergüenza (risas). Son el tipo de cosas con las que los fans más jóvenes miran hacia arriba en descrédito (risas). Por eso creo que Jamey estaba tan maravillado porque este disco conectase con mi hija. Era su principal preocupación. Si escuchas el disco en directo verás que hay un momento en el que hago el rollo “dad rock” y digo “este es el breakdown para mi hija Shane”. Todo esto viene porque cuando estábamos grabando el tema “For The Love Of Metal” mi hija me dijo “dile a Jamey que necesita un breakdown” y golpea el “ting” del ride de la batería. Así que fui a Jamey y le dije: “tío, dice mi hija que necesita un breakdown”, y Jamey le dice a los músicos: “TÍOS, HAY QUE HACER UN BREAKDOWN” (Risas). Ella inspiró ese fragmento del tema. Así que sí, ahora hago “dad rock” (risas). Creo que con este disco sorteé esa bala.Y además tengo mi propio pelo todavía, lo cual no está nada mal. Muchas de las letras del disco contienen ese rollo “nosotros” contra “ellos” que ayudaron a popularizar canciones como “We’re Not Gonna Take It”. “Roll Over You” es un buen ejemplo. ¿Crees que esa mentalidad confrontacional te ayuda a mantenerte relevante dentro del metal?

Pienso que ese mensaje es eterno. Es tan necesario hoy como siempre lo ha sido. Ahora hablamos de bullying, pero cuando yo era un chaval eso no existía o, al menos, no en la dimensión que existe hoy en día. La letra de “We’re Not Gonna Take It” contiene ese mensaje, dirigido a quién sea, tus padres, tus profesores o tus jefes. La gente te acosa y tu tienes que girarte y decirles “que te follen”. Cantar una canción con intención, con decisión, como en “Become The Storm”, hace que la sientas y la gente la sienta. Eso ayuda a que tus canciones sintonicen con la gente. Es una frustración continua. El bullying es algo que ha existido siempre y a veces necesita que alguien te diga: “no tienes por qué aguantar esto, devuélveselo”. Me alegra ser ese tipo y lo seré hasta el día que me muera. Canciones como “We’re Not Gonna Take It” también han encontrado un espacio en la política, lo que te ha llevado a ciertas controversias con el presidente de Estados Unidos, Donald Trump, que entraba a sus mitines con ella -lo cual transmite el mensaje de que Twisted Sister deben ser simpatizantes de sus políticas-. ¿Qué te parece que se usen tus canciones para cualquier acto político? ¿Te agrada o crees que deberían mantenerse al margen del uso político? Buena pregunta. Compuse esa canción para todo el mundo, como una temática universal. No compongo canciones que sean muy específicas. Cuando Rolling Stone hizo su reseña de la canción esta tenía tres palabras. Decía “Twisted Sister - We’re Not Gonna Take It: what from whom?” (NdR: “Twisted SIster - “No vamos a tolerarlo”: ¿el qué y de quién?”). Eso fue todo. Tres palabras. Recuerdo pensar “seréis gilipollas”. Era evidente que escogí no apuntar hacía un qué o un quién para que el mensaje fuese universal. Cualquier persona podía asumir el mensaje de esa canción. El problema viene cuando veo a organizaciones que representan cosas horribles usando esa canción. Una organización que no tolera la libertad de elección respecto al aborto me parece una organización terrible y eso me molesta y no quiero usen la canción. Encontré una solución con las organizaciones políticas ya que normalmente suelen usar la canción las organizaciones conservadoras. Les digo “¿habéis leído la letra?” y me dicen “sí, claro ‘we’re not gonna take it’” y yo les digo “no, leed la primera línea del primer verso”. Y dice “we’ve got the right to choose (tenemos derecho a elegir)”. Entonces les pregunto: “¿no sois pro-aborto no?” (risas). Inmediatamente dejan de usarla, porque la canción representa lo contrario de lo que ellos quieren transmitir. El problema es que yo no puedo frenar a un partido político si quiere usar una canción mía. Lo mismo le está pasando a los herederos de Tom Petty, pues la organización de Donald Trump está usando un tema suyo, “I Won’t Back Down”, en los mitines y ellos se oponen. No puedes frenarles pero no quieren la publicidad negativa que implica tener al autor de la canción en su contra. ¿Seguirías considerando a Donald Trump un amigo a día de hoy? Estaba pensando en ello el otro día. Es muy triste. Eramos amigos, las dos familias socializábamos y coincidíamos en eventos caritativos para niños con cáncer y cosas así. Pensé en cómo los sistemas de creencias políticas pueden envenenar una amistad. No pasa solo con Donald Trump. Me pasa también con miembros de mi familia y con amigos de toda la vida. Cuando estoy en situaciones sociales intento no hablar de religión, deportes o política. Cualquiera de esas tres cosas puede causar problemas. Mira, uno de mis mejores amigos es un fan de Boston y yo soy de los Yankees. Nos encontramos y cada uno lleva su gorra y nunca hemos hablado acerca de los equipos o de nuestras gorras porque sabemos que no seremos amigos nunca más. Será el fin. Cuando Trump comenzó a hablar sobre sus creencias, sobre sus políticas… yo no puedo ser amigo de alguien que piensa eso. No he hablado con él desde hace años ni con la familia. Si eso es lo que representan, nosotros estamos en el lado contrario. ¿Crees que todo se reduce a una ideología propia de Trump o crees que políticamente representa una corriente a través de ideas que no necesariamente compartiría a titulo personal? Tienes razón al 100%.Trump solo quiere ganar. Pase lo que pase. No le importa cómo llegar, le importa conseguirlo. Se ha rodeado de un grupo de gente que le ha permitido llegar ahí. Howard Stern conoce a Donald mejor que yo incluso y me dijo “este tío ni siquiera dejaría que la mayoría de sus votantes entrasen a sus hoteles”. Ese perfil de redneck, de hillbilly de escaso nivel cultural con pistola… ese es el perfil de persona que Donald desprecia irremediablemente. Pero si esa misma gente le permite llegar a donde él quiere llegar, no tiene problema en usarla. metal hammer | 65

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blues pills RECUPERAR LA INDEPENDENCIA TEXTO: mikel yarza

fotos: patric ullaeus

Blues Pills se fundó en 2011 y antes de lanzar su debut discográfico con Nuclear Blast ya poblaba los carteles de grandes festivales europeos. El cuarteto sueco ha avanzado a un ritmo trepidante, mucho mayor que el de sus canciones de blues y rock psicodélico, y esto les obligó a echar el freno. Tras dos años recomponiéndose alejada de los focos, la banda vuelve ahora más liberada que nunca. Hablamos con su vocalista, Elin Larsson, sobre el nuevo disco ‘Holy Moly!’ y el carrusel emocional experimentado durante la pasada década. “Proud Woman” es la canción encargada de abrir el disco. Toda una declaración de intenciones, si nos fijamos en el discurso que le da inicio. Escribimos esta canción en el estudio, en menos de una hora y, para mí, se convirtió en una especie de tema con el que dar algo de vuelta a los oyentes. Con esta canción he querido dirigirme hacia las mujeres y la gente que se identifica como no binaria. Intenté construir un himno femenino para la música rock, ya que creo que no tenemos muchos de este tipo, pero al mismo tiempo quería escribir una canción divertida. En ningún momento hemos tratado de generar controversia, ya que todos los componentes de la banda somos feministas, creemos en la igualdad para todos y todas. Siempre pienso en “Proud Woman” como una canción de celebración. Su introducción está inspirada en el Movimiento de liberación de las mujeres que surgió a finales de los ‘60 en Estados Unidos. Fue la primera gran revolución y pensamos que incluir un testimonio de aquellos tiempos podía hacer que el tema creciera aún más. Me encanta. ¿De qué modo ha cambiado tu relación hacia el feminismo a través del arte con el paso del tiempo? Cuando comenzamos con la banda era bastante ingenua, ya que no tenía experiencia alguna en la industria musical. Había subido sobre el escenario, pero no tenía una imagen global del funcionamiento. Siempre he sido feminista, vengo de un entorno de mujeres muy fuertes y mi padre también era feminista, por tanto, para mí no es una palabra negativa, corre por mis venas. En el pasado he solido escribir canciones bastante explícitas como “Devil Man” y “High Class Woman”, pero es interesante, ya que si cambias ciertas palabras aquí y allá la gente puede tomar una distancia mayor y celebrar el feminismo. No hay nada amenazante en torno a ello. ¿Qué impacto pueden tener estos mensajes al llegar a una audiencia global a través de la música? Pueden marcar la diferencia, pueden hacer que las personas se empoderen. Eso es lo que he buscado. A fin de cuentas, la música rock es un mundo habitado y dominado al 95% por hombres. Para mí, crear algo nuevo o explorar un punto de vista diferente es una motivación añadida. Considerando mi posición y la posibilidad de escribir sobre estos temas, siento que sería genial llegar a otras mujeres y que ellas sientan esa misma pasión. Hacerles pensar: “oh sí, voy a montar una banda de rock”. Otra de las temáticas principales del disco hace referencia a la necesidad de romper con el pasado. ¿Qué te llevó a hablar sobre ello? Todo lo respectivo a este álbum es bastante autobiográfico. Hemos tenido unos años bastante duros y paramos en 2018, cuando nuestro guitarrista Dorian Sorriaux abandonó la banda. Comenzamos a construir una nueva formación, varios conflictos personales se mezclaron por el camino y hemos acabado escribiendo sobre todo ello en el nuevo álbum. Hablamos sobre pasión, ansiedad, pérdida... hemos perdido muchos amigos por el camino, también perdí a mi perro en un accidente. Nos encontrábamos en una buena posición como banda, pero entonces el resto comenzó a desmoronarse. De algún modo, esta es nuestra terapia para reflexionar sobre los años pasados y todos los asuntos a los que hemos tenido que enfrentarnos. ¿Cuál ha sido el mayor cambio en el seno de la banda desde su fundación hasta el día de hoy?

Principalmente, hemos madurado. Cuando comenzamos con el grupo teníamos poco más de veinte años, éramos unos críos, como adolescentes. Con el tiempo también hemos mejorado como compositores. En los inicios había mucha gente del negocio que nos empujaba en diferentes direcciones, trataban de convencernos y, como adultos primerizos, este tipo de cosas pueden acabar afectándote. En ese sentido, el nuevo disco ha servido para recuperar la confianza en nosotros mismos. Escribir, grabar, producir... lo hemos hecho todo por nuestra cuenta. Hemos recuperado nuestra independencia.

“Escribir, grabar, producir... lo hemos hecho todo por nuestra cuenta. Hemos recuperado nuestra independencia” (Elin Larsson) El álbum ha sido autoproducido. ¿Hasta qué punto ha afectado esto al resultado final? Durante el parón de la banda, hemos construido nuestro propio estudio. Se trata de una antigua fábrica en el campo, en la zona rural de Närke (Suecia). Grabamos allí por primera vez y esto nos permitió ser completamente honestos hacia nosotros mismos. Las personas que pertenecen al mundo de los negocios estaban preocupadas, pensando en cómo iba a sonar este disco. Pero les presenté “Songs From A Mourning Dove” y todos dieron el aprobado, nos dijeron:“ok, haced lo que queráis”. Ha sido el proceso más relajado en el que he participado jamás. Llegué a sentirme casi como en el pasado, cuando escribíamos música antes de haber firmado con ningún sello discográfico. Esa sensación que tienes cuando ni siquiera sabes si alguien va a escuchar lo que estás haciendo, una sensación de completa libertad. Creo que he vuelto a encontrar eso que perdí a través de los años. Ha sido un proceso para reencontrar mi propia voz, pensar en lo que quería escribir y el modo en el que quería sonar. ¿Hasta qué punto ha influido el propio espacio, vuestro estudio y el entorno natural, en el nuevo álbum? Ha creado un ambiente diferente. Cuando estás en tu estudio, no tienes que pagar a nadie por su tiempo, no sientes ese estrés. Si te apetece, puedes salir y dar un paseo, disfrutar de los prados que lo rodean y después caminar a casa, hasta tu cama. Fue sinónimo de libertad, un proceso sin estrés, muy calmado. No escondéis vuestra devoción por el material analógico. ¿Resaltarías algún elemento diferenciador de entre todo el material utilizado para esta grabación? Personalmente, no poseo mucho material de grabación. Tengo un piano Rhodes y varios micrófonos Neumann que compré en Australia. Son bastante exclusivos, ya que me los enviaron como muestra antes incluso de que lanzaran el producto al mercado. Creo que son los mejores micrófonos para voces femeninas, consigues un sonido que respeta por igual las frecuencias más graves y más agudas. Son micros que capturan un sonido con mucho espíritu. De todos modos, nuestro guitarrista Zack Anderson es más aplicado que yo en lo que respecta al sonido, él es quien controla todos los detalles sobre el material de grabación. Háblanos sobre la experiencia de mezclar ‘Holy Moly!’ con un hombre tan experimentado como Andrew Scheps (Red Hot Chili Peppers, Iggy Pop, Adele, Black Sabbath...). ¿Cuál ha sido su principal aportación al nuevo disco? metal hammer | 67

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Como decía antes, grabamos el disco por nuestra cuenta y en ciertos momentos sentíamos pánico, ya que no sabíamos quién se encargaría de dar el siguiente paso, de hacerlo sonar bien. Recuerdo que una vez Zack me llamó a altas horas de la madrugada y me dijo: “Andrew Scheps quiere mezclarlo”. Fue una noticia alucinante, ya que se trataba de un disco que estábamos haciendo por nuestra cuenta, casi nadie había escuchado los temas y de repente él estaba interesado en mezclarlo. Creo que Scheps ha conseguido que la música luzca más, ha hecho que las canciones suenen como queríamos, pero en una versión mejorada. En algunas partes concretas le pedimos que bajara el volumen de las voces un poquito, pero generalmente fue perfecto desde el inicio. No hubo casi nada sobre lo que quejarse.

escrito canciones para el grupo. Cuando él abandonó necesitábamos a alguien para el puesto de seis cuerdas que se dedicara a la banda por completo, que transmitiera confianza y además conociera nuestro sonido realmente bien. Esa persona era Zack. No pienso mucho en cómo ha cambiado nuestro sonido al pasar Zack de ser bajista a guitarrista, a fin de cuentas, la composición se ha mantenido intacta. De todos modos, creo que ahora sonamos a rock n’ roll más que nunca, Dorian tenía una visión de guitarrista, mientras que Zack piensa más en la canción y en el conjunto de la composición. Personalmente, me encantan las dos opciones, pero podría decirse que ahora sonamos como una auténtica banda de rock and roll. Esto también se debe a la incorporación de Kristoffer Schander al bajo.

¿Ha provocado esta colaboración algún cambio en la visión que teníais a la hora de afrontar la grabación, producción o mezcla de un disco?

En lo que se refiere a las voces, ¿exploraste algo de forma diferente en esta ocasión?

No especialmente. Lo que nos ha quedado claro es que Scheps es buenísimo mezclado y que nos gustaría que él volviera a ser el encargado de esa tarea en nuestro próximo trabajo. Fue como un escenario de ensueño. Al haber grabado por nuestra cuenta, lo único que hicimos fue mandarle las pistas y dejar la mezcla en sus manos. Creo que la última canción, “Longest Lasting Friend”, fue la que más se le resistió. Nos la envió más tarde que el resto, ya que tuvo que regrabar un arreglo en una parte determinada, y acabó confesándonos que fue la más complicada. Por lo demás, no hubo grandes debates sobre las canciones, ya que Scheps se encargó de mezclar, no de producir. Creo que es el mejor a la hora de mezclar nuestro estilo. En un sentido más amplio, el nuevo disco también hace referencia al reto de combatir vuestros demonios personales. ¿Podrías echar la vista atrás y apuntar a los principales problemas? Creo que hay varias razones detrás de esto. Publicamos nuestro primer álbum en 2014, pero ya estábamos tocando en los grandes festivales antes incluso de que viera la luz. Todo sucedió de forma muy rápida y no estábamos preparados para ello. Obviamente, no somos Lady Gaga o Beyoncé, no estamos a ese nivel, pero la presión vino igualmente y el reto fue cada vez más grande. Comenzamos a pensar que podíamos vivir de nuestra música, fue como un sueño, y eso se convirtió en el inicio de los problemas. Empezamos a no disfrutar tanto por la gran escalada de presión, empezamos a tener que tratar con nuestro equipo de sonido, el manager, el tío del sello, también tocar determinados conciertos y grabar en vivo en ciertos festivales... te vuelcas por completo y trabajas tan duro que, al final, olvidas quién eres. La única vez que vuelves a casa tienes a los niños esperándote, tienes que pagar las facturas para que puedan seguir adelante... empiezas a pensar en todos estos asuntos y nunca tienes la sensación de ser tú mismo. Eres como una simple proyección de ti mismo, la persona que está al frente de la banda. Tuve problemas con la ansiedad y la depresión, pero he aprendido a vivir con ello. Ahora soy más agradecida, me fijo en mis propios altibajos y me sirven como inspiración creativa. Pero también he aprendido a decir que no, nunca lo había hecho anteriormente y ahora sé cómo hacerlo. Soy honesto conmigo mismo y no me afecta lo que otras personas puedan decir o pensar sobre mí.

“Comenzamos a pensar que podíamos vivir de nuestra música, fue como un sueño, y eso se convirtió en el inicio de los problemas” (Elin Larsson) En ese sentido, ¿es ‘Holy Moly!’ vuestro disco más auténtico? Ha sido como luchar para recuperar el amor hacia la música. Un proceso curativo, de mirar hacia dentro, y creo que el año de descanso ha jugado un papel fundamental en todo ello. Si estás trabajando durante todo el tiempo, cualquier cosa se convierte en estrés más que en disfrute. Debes estar a la altura, llegar siempre al próximo objetivo... no descansas en ningún momento y la inspiración se va agotando. Sin lugar a dudas, este es nuestro álbum más auténtico hasta la fecha. Zack Anderson es ahora el encargado a las guitarras. ¿En qué grado ha afectado esto al sonido y al proceso creativo de la banda? Zack y yo fundamos Blues Pills en 2011, siempre hemos sido los principales compositores. Dorian Sorriaux era un excelente guitarrista en vivo, técnicamente diría que uno de los mejores, pero nunca ha

Trato de evolucionar todo lo que pueda, uno siempre debería intentar mejorar con su instrumento, de lo contrario, ¿qué sentido tiene todo esto? He aprovechado el año de descanso con la banda para tratar de aprender la técnica gutural que muchas bandas de metal utilizan y se me ha hecho realmente difícil. Antes, solía ser muy infantil: afirmaba que aquellos que cantan al estilo gutural lo hacen porque no saben cantar. Estaba muy equivocada. Ahora he entendido toda la técnica que existe tras ello. En parte debido a este aprendizaje, mi voz tiene ahora una actitud más guerrera. Al mismo tiempo, he tratado de ampliar mi rango vocal cantando todo tipo de estilos musicales. Pero vaya, quiero aprender el canto gutural de forma adecuada ya que me abriría grandes puertas, existen muchos aspectos que podría incorporar a mi estilo.

“He aprovechado el año de descanso con la banda para tratar de aprender la técnica gutural” (Elin Larsson) ¿Pretendes incorporar el canto gutural al próximo trabajo de estudio? Absolutamente, ese es el objetivo. De hecho, hay una canción que se ha quedado fuera de este disco a la que había añadido partes guturales. Recuerdo estar en un concierto de Slayer el año pasado, durante su gira de despedida, y su show me causó un gran impacto. Por lo que esa canción tiene un pasaje muy al estilo de Slayer. Actualmente me encuentro trabajando sobre todo en los guturales más agudos y siento que es un gran reto, hacer que suene maligno y auténtico al mismo tiempo es realmente complicado. Seguiré intentándolo. Hemos hablado sobre los cambios experimentados tanto en la banda como a nivel personal, pasemos ahora a los aspectos que no se han transformado. ¿Existe algo en Blues Pills que se haya mantenido intacto, algo a lo que te hayas agarrado durante estos años? Supongo que se trata de la amistad que mantengo con Zack. Nunca he escrito tanta música junto a otra persona. Podría dar a Zack una canción escrita a medias y él la finalizaría con total naturalidad, como si fuera mía, y lo mismo viceversa. Casi nos comunicamos mejor a través de la música y compartir un vínculo tan fuerte con alguien es realmente poderoso. Él es pensador y meticuloso, mientras que yo soy más impulsiva, prefiero el material en crudo y si algo me gusta le propongo a Zack mantenerlo tal cual. Creo que nos complementamos el uno al otro y supongo que cuando nuestra amistad termine también será el fin de Blues Pills. Son tiempos difíciles para las actuaciones de directo debido al coronavirus. Considerando que tenéis varios shows programados para otoño, ¿cuáles son vuestras perspectivas? Tenemos una gira preparada, pero si no le dan la luz verde, tendremos que reprogramarla. Debo ser honesta, no creo que ningún show vaya a suceder hasta 2021. La situación apesta, pero, ¿cuál es la alternativa? Si no es seguro no saldré a tocar, no quiero que la gente venga a nuestros conciertos, después caiga enferma y al final algunas personas acaben muriendo. Puede que los conciertos con distanciamiento social sean positivos durante un tiempo, para que seamos conscientes de la situación en la que nos encontramos y respetemos las medidas de higiene como es debido. Pero, al mismo tiempo, somos seres humanos, somos sociales y queremos estar con la gente. Es complicado. Espero que encuentren una vacuna para que todo esto llegue a su fin y también espero que demos pasos hacia adelante, de modo que la sociedad esté más preparada ante futuras situaciones como esta. metal hammer | 69

SEETHER

PREPARADOS PARA LA GUERRA

Seether, a estas alturas, no necesitan presentación. Es una de las pocas bandas de metal procedentes de Sudáfrica -de donde su vocalista y único miembro fundador, Shaun Morgan- y que se ha mantenido activa durante veinte años bajo una expectación cada vez mayor.

TEXTO: MARINA SALCEDO Dos décadas de un legado musical variado y polifacético que ha servido de influencia para otros grandes del sector (¿Acaso no hay similitud entre los videoclips de “Same Damn Life” y “Run”, de Foo Fighters?) que culmina ahora con su octavo trabajo de estudio, ‘Si Vis Pacem, Para Bellum’. Bajo este latinismo se reúnen algunos de los temas más atrevidos de su carrera. Ante tal situación, Cody Lowery, veterano y a su vez incorporación más reciente de Seether, hace un repaso de su carrera y de su experiencia con la formación hasta la fecha. Mucha gente te asocia al bajo debido a tu carrera musical en bandas como Saint Asonia. ¿Cómo llegaste a ser guitarrista de Seether? La música siempre ha estado presente en mi familia: mis padres también eran músicos y yo empecé a tocar la guitarra, el piano y, por supuesto, el bajo, a una temprana edad. Mi padre solía decir que para ser un buen compositor se tiene que saber tocar de todo. Acerca de Seether, un día estaba con la banda y Shaun dijo que buscaba a un guitarrista, así que yo le sugerí a Clint, mi hermano. Eso fue en la época en que su banda, Sevendust, se estaba tomando un tiempo y Clint aceptó hasta que Sevendust volvió a las andadas. En ese momento él mismo me dijo: “oye, ¿por qué no tocas tú?”. Después de dar mis primeros conciertos con ellos me sentí a gusto enseguida. El cambio de instrumento fue divertido, simplemente tocar la música de Seether fluye de manera natural en mí. Estrenáis ‘Si Vis Pacem, Para Bellum’. ¿Qué significa este título para vosotros? La traducción literal es “si quieres paz, prepárate para la guerra”, y llegamos hasta este título al repasar las canciones y sus letras. Esta expresión es la que le da más sentido a su música. Trata de prepararse a uno mismo y de ser cauto porque, al fin y al cabo, todo es una locura en esta vida. ¿Quién sabe con qué nos vamos a encontrar? Canciones como “Dangerous” o “Bruised And Bloodied” tienen un rasgo oscuro, pero Shaun siempre les da un enfoque optimista. Se os ha etiquetado bajo varios estilos: post-grunge, metal alternativo, hard rock, nu metal… Son todos géneros bastante diferentes entre sí. ¿Cómo catalogarías el nuevo álbum? 70 | metal hammer

Personalmente odio las etiquetas porque quiero pensar que todos hacemos rock. Creo que en cierto modo, esta forma artística tan rebelde a la que nos dedicamos ya queda apartada, así que dividir todavía más este fenómeno en pequeñas categorías debilita aún más la escena. Prefiero verlo como una gran unidad que trabaja conjuntamente. Es el primer disco que grabas con Seether. ¿Cómo ha sido el proceso de creación y la experiencia en el estudio? Espectacular. Shaun compuso este disco y, al escuchar las demos por primera vez, recuerdo que pensé: “¡oh, Dios mío! Esto va a ser increíble”. Él pensó en nosotros

como músicos y nos dio a todos un pedacito donde lucirnos y pasarlo bien. Esto nos permite poner nuestro espíritu en el álbum y tocar como nos gusta. Johnny a la batería hizo un trabajo sensacional, Dale también cuando grabó el bajo… yo me sentí muy emocionado cuando llegó el turno de grabar mis pistas... simplemente no podía esperar más. El estudio es mi segunda casa, a parte de los escenarios. Disfruté como un niño en una tienda de caramelos: quería ir allí y probar, experimentar... ¿Qué guitarras utilizaste? Actualmente estoy con Dean y toco concretamente con las Dean Icon, que tengo afinadas en diferentes tonos. Al final

Creo que uno de mis conciertos preferidos es el que hicimos en la ciudad natal de la banda, en Sudáfrica. Tengo un recuerdo especial de ese día porque es donde los chicos empezaron con este proyecto. Para ellos, volver a casa y tocar fue una experiencia abrumadora. Visitamos algunos de los lugares donde crecieron y el garaje donde tocaban cuando eran unos chavales. Aparte, el show fue espectacular gracias a un público magnífico. Uno de los mejores recuerdos que tengo con mis compañeros. En fin... podría hacerte una lista de los sitios donde me encanta ir de gira, pero ese en concreto es un recuerdo especial. ¿Con más?

qué

canciones

disfrutas

Me encanta “Stoke The Fire”, como la mayoría del ‘Poison The Parish’, pero también otros clásicos como “Gasoline”. Algunas son mis favoritas simplemente por la reacción del público, depende de la energía que transmite la audiencia me gusta más una que la otra. Por ejemplo, en “Remedy”, cuando toda la gente canta a pleno pulmón, es increíble el compartir esa pasión, ese momento y, en definitiva, esa canción. Tengo muchas ganas de interpretar en vivo los nuevos temas. “Dead And Done” es una de las heavies, así que probablemente explote de la emoción cuando la toque (risas). Tenemos muchas ganas volver a los directos. ¿Cómo son los minutos antes de salir al escenario? Antes de cada concierto estoy extremadamente nervioso, me siento como si estuviera al borde de un infarto o algo parecido.Y es un sentimiento extraño porque ensayamos a todas horas, incluso antes del show. Pero llega ese momento en que vamos hacia el escenario, estoy metido en mis pensamientos y en dar lo mejor de mí mismo. Es entonces cuando siento mariposas en el estómago, nervios... lo que sea. Eso sí, a la primera nota ya se va todo, me centro en disfrutar de la experiencia. ¿Qué anécdota podrías destacar durante alguna gira? Hay algunas historietas de buenas (risas). Por ejemplo, una parte graciosa de las giras es a la mañana siguiente de tocar en un festival. Ahora que lo pienso, esta historia puede ser un tanto embarazosa. Bueno... a la mañana siguiente todos necesitamos usar el baño y claro, ves entrar a la gente en el bus y cuando salen todos tenemos la misma pregunta: ¿Qué? ¿Cómo ha sido? ¿Ha ido bien? ¿Una buena experiencia? (risas)

terminamos grabando con ellas todas las canciones porque suenan fenomenal. Tenemos muchos tipos de guitarras donde escoger en el estudio, pero cuando algo suena bien… ¿para qué buscar más? No importa cómo sea en apariencia. Sobre la afinación y el tono, son los que alguna vez usaron Alice In Chains y Tool y pensé que si les funciona a ellos, también nos funcionaria a nosotros (risas). ¿Usas directos?

las

mismas

para

los

Sí, son las mismas. Te puedo asegurar que cuando todo esto pase estaré por ahí con mis Deans dándolo todo.

¿Hay algo sin lo que no puedas tocar? Para los directos caí rendido a los pies de los amplificadores Kemper. Acerca de mi pedalera, solía usar un Phase 90 y algún Wah, pero descubrí que puedo tener casi todos estos efectos a través de Kemper. En los últimos años han ganado mucho, tienen más efectos... entre las Deans y los Kempers tengo todo lo que necesito para sentirme cómodo en el escenario. De los conciertos que has hecho con Seether, ¿cuál te ha gustado más?

Esas son las partes que ahora, al recordarlas me parecen graciosas. Hay veces en que tienes que ir en el bus, hace calor y todo apesta de una manera brutal. Así es la parte bonita de la vida del rockero (risas) ¿Hay alguna cosa que no hayas hecho todavía como músico? ¿Algún sueño por cumplir? Uy, tengo muchos. Ya he vivido muchas cosas pero todavía me quedan asuntos pendientes. Cuando vas de gira ves cosas nuevas, tienes experiencias diferentes y, en resumen, descubres los países donde tocas. Personalmente no he tocado nunca en Japón y me encantaría ir allí. Básicamente eso, tocar en sitios donde nunca he estado y compartir mi música por el mundo. metal hammer | 71

STUDIO REPORT

NIGHT

En los tiempos que corren, la variedad estilística está a la orden del día. Los sonidos más clásicos quedaron relegados a décadas anteriores, pero todavía surgen bandas que toman esas influencias para resurgir esa esencia que ha hecho historia. Night es una de ellas. En este Studio Report hablamos sobre el próximo álbum de este proyecto donde la calidad técnica destaca impecablemente, el larga duración ‘High Tides - Distant Skies’. Nos adentramos en el proceso de creación del álbum, desde el nacimiento de la idea hasta los planes posteriores a su publicación, programada para el 11 de septiembre. texto: olga vidal Night es una formación de corte clásico, pero sus álbumes surgen de ideas y procesos de trabajo mucho más actuales. La creación de ‘High Tides - Distant Skies’ surge de una pasión por la música donde se aprecian influencias muy variadas con ligeras diferencias en comparación con sus anteriores trabajos, fruto de una necesidad de evolución por parte de la banda. Han trabajado, de nuevo, mano con mano con el productor Ola Ersfjord, que participa en el proceso de creación de principio a fin, con una implicación que Night valora profundamente, considerándole “un buen amigo con el que podemos tener conversaciones abiertas sobre todo el proceso creativo para que quedemos todos satisfechos”.Valoran profundamente su implicación y se sienten muy arropados por su colaboración. A pesar de que aseguran que han evolucionado con este nuevo álbum, sus influencias siguen siendo claramente condicionadas por el rock de finales de los ’70 y principios de los ’80, con ciertos elementos de diversos géneros del metal. Esos trabajados detalles, con una calidad técnica imponente, se pueden apreciar en canciones de la talla de “Burning Sky” y “Give Me To The Night”, donde se aprecia la variedad y riqueza de influencias de la banda sueca. Por otro lado, aseguran que “no estamos seguros de cómo crear algo clásico, solo hacemos lo que nos gusta.Tenemos ciertamente muchas influencias de los ’70 y los ’80, dentro de la música disco y del rock”. Aunque no es sencillo defender géneros clásicos con la gran variedad estilística que existe en la actualidad, aseguran que en Europa, y en su Suecia natal en particular, el panorama underground está muy activo, y aseguran que “la escena está muy viva y apoya a las bandas y nos anima a seguir trabajando y disfrutando de la música en directo”. El estilo clásico no se observa solo en su sonido, también en la imagen del propio álbum. La portada está planteada para encajar con el sonido de la banda, en sus palabras “algo eterno en el tiempo”. Para ello han elegido una foto en lugar de un diseño digital, de la mano del artista Sammy y la colaboración de Andy Dahlström.

72 | metal hammer

foto: RISTENSTRAND Adentrándonos en el corazón del álbum, su proceso compositivo ha sido novedoso para los suecos. Esta vez todos han aportado ideas propias en todo momento y han creado demos personales para cada idea de modo que solo en el momento final los demás aportaran sus propuestas pero manteniendo la personalidad de cada compositor en las obras. Una vez escrito el álbum, se adentraron en un complejo de instalaciones culturales en Linköping, donde accedieron a un estudio donde han grabado todo menos las voces, grabadas en una localización secreta. Ha sido una experiencia agradable para el grupo, ya que ”es donde comenzamos, por lo que ha sido genial volver a trabajar allí”. La propia organización del proceso de grabación ha sido otro acierto puesto que han dedicado dos semanas seguidas a grabarlo todo y dejarlo listo organizando su tiempo (pero dejando espacio para cuidar los detalles de forma relajada).Aseguran asimismo que ”esta vez hemos hecho casi todo el trabajo nosotros mismos con Sammy en el estudio ayudando con las grabaciones. Ola llegó en la última semana para echarnos una mano y así darle forma al tema de las ideas vocales e incluyó su toque mágico en los detalles finales. Ha ido muy bien y ha sido una sesión muy satisfactoria”. Una vez terminado el trabajo han podido relajarse, no obstante ahora se enfrentan a la difícil tarea de organizar una estrategia de promoción en plena pandemia sin la opción de organizar una gira como les gustaría. Sin embargo, hacen todo lo que está en su mano para ser creativos a la hora de sacar el proyecto adelante. Tienen planificada una pequeña fiesta de presentación para 50 afortunados que podrán escuchar este magnífico álbum en directo en su ciudad natal. Por otro lado, hicieron una escucha en streaming y no descartan hacer otra próximamente. Lo que realmente importa a Night es la satisfacción del trabajo bien hecho y de tener la certeza de que han creado un álbum fantástico del que pueden estar orgullosos.

STUDIO REPORT

THE HAWKINS

The Hawkins editan su nuevo trabajo ‘Silence Is A Bomb’, un disco que viene, parcialmente, marcado por las experiencias vividas durante la covid-19. texto: toni de lola Este es un periodo en el que Johannes Carlsson se dio cuenta de la gran cantidad de emociones que habían pasado por dentro de su alma, de hecho declara que tuvo “más tiempo para componer y, afortunadamente, mucha inspiración también”. Shiitake -además de una conocida seta de Asia Oriental- es el nombre del estudio propiedad de Johannes en el que él mismo se erigió en ingeniero de sonido, de mezclas y, sobre todo, productor, para después confiar la masterización a Hans Olsson de Svenska Grammofonstudion. Para Johannes grabar y producir es más que un placer, ya que se considera a sí mismo un friki que controla todos los procesos que afectan a su propio arte. No solo eso, sino que como reconoció “más que el centrarme en el aspecto fanático del control, me gusta pasar tiempo experimentando con cada parte de una canción para ver hasta dónde puede evolucionar ese algo que encuentro significativo y fuerte”. Una vez que ya tiene las canciones estructuradas y entra en el estudio, no desecha la magia de las primeras tomas, pero cree con firmeza que hay que seguir

foto: Torbjörn Skogsberg

ahondando en ellas dado que “los pequeños detalles sobre cómo se debe tocar el tema se hacen mucho más grandes en el estudio”. Así, los aspectos tales como los coros, los arreglos de sintetizador y otro puñado de detalles adquieren mayor relevancia con el proceso creativo que se produce en el estudio. De este modo, esas primeras tomas “mágicas” van creciendo y ganando en consistencia mientras se trabajan en el estudio. Johannes también desveló algunos datos relevantes sobre las influencias que tiene -sobre todo a la hora de componer-. Adora los contrastes (no solo los patentes a simple vista como la brillantez de su música y el oscurantismo de sus letras). Cita a Tarantino como un ejemplo del uso de ese juego de dichos contrastes y lo enlaza con sorprendentes nexos como el miedo a los payasos que, según él, reflejan la importancia del uso de estos contrastes: esa situación incierta en la que no está claro qué es lo que en realidad está sucediendo y cómo nos afecta. Al trasladar esto a la música, le gusta pensar que el oyente no se queda solo en lo que las letras “cuentan”, sino también la relación entre la letra y la música. ‘Silence Is A Bomb’ crece respecto a su anterior

trabajo y se convierte, si no en un disco conceptual, en un trabajo semi-conceptual que provoca la necesidad de escucharlo de principio a fin para así poder tener una visión global y real. Para ello se centraron, casi como verdaderos chiflados, en lograr una producción de sonido realmente importante que contiene múltiples capas que van mucho más allá de las superficiales. Por tanto, los temas que componen ‘Silence Is A Bomb’ están listos para ser tocados en directo y que así sigan creciendo The Hawkins y sus conciertos. Además de ser como el paso de una apisonadora descontrolada, son un vehículo para que las canciones crezcan y se desarrollen show a show. Johannes también adelantó una noticia relacionada con la otra pasión de la banda: crear sus propias cervezas. Ahora que la primera,“Fuck You All I’m Drinking Beer” (una Fresh IPA) está agotada, ya están trabajando en una nueva junto a Brasstacks Brewing a la que casi seguro llamarán Olson Lager -sabrosa en su propia definición- y que desearían tener para poder beberla en las giras que esperan volver a retomar. Prometen para acabar que “recorreremos cada centímetro de esta bola llena de lava”.

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hinayana

SONIDOS EXTREMOS ATMOSFÉRICOS

Desde el corazón de Austin (Texas) surge la interesante banda Hinayana. Este ambicioso proyecto combina sonidos doom y death con elementos atmosféricos y melódicos que aportan una personalidad única. A pesar de ser una banda joven con apenas 6 años de vida, sus métodos de trabajo y el resultado que surge de ellos auguran prosperidad y un largo futuro a Hinayana. texto: olga vidal Vuestro nuevo EP, ‘Death Of The Cosmic’, está disponible el 28 de agosto. ¿Qué se puede esperar de él? ¿Mantiene el estilo de ‘Order Divine’? Este EP ha significado subir un escalón para nosotros. Queríamos indagar todavía más en nuestro sonido y mantener al mismo tiempo ciertos aspectos de nuestro anterior álbum. Puedes esperar un EP duro, oscuro, pegadizo y emocional con canciones que varían en tempos y estilos. Desde sonidos místicos y etéreos hasta riffs melancólicos, terrenales y barbáricos. El EP se desvía un poco del estilo de ‘Order Divine’. Las canciones son más a medios tiempos, más dinámicas y atmosféricas. Además, son más únicas -o eso esperamos-. Con este material hay un énfasis en el detalle mayor que en la publicación anterior así como en el trabajo detrás de su producción. También hemos contado con colaboraciones en algunas de las canciones. No podríamos estar más contentos con el resultado. ¿Cómo ha ido el proceso de composición y grabación del EP? ¿Se ha visto afectado por la crisis de la covid-19? Ambos procesos se completaron a mediados de 2019, antes de la crisis, evitando afortunadamente todas las complicaciones. En general, ha sido un paso adelante. Normalmente, a la hora de escribir aparece alguna idea básica, un estribillo o una estrofa, y de ahí va surgiendo el resto. Simultáneamente, trabajamos con el teclado alguna demo para la batería. Luego lo revisa el batería, Daniel Vieira, para que trabaje en su parte. Esta vez hemos podido incluir en el proceso a nuestro guitarrista, Erik Shtaygrud, en la composición de las guitarras de algunas de las canciones. El proceso de grabación comenzó con la batería, grabada en el estudio Austin Signal con Kevin Butler. Llevamos las grabaciones de la batería a nuestro estudio y grabamos guitarras, bajo, voces y los añadidos atmosféricos. Luego se lo llevamos a nuestro productor Kevin Butler para su mezcla y a Juho Raiha (Swallow The Sun) para la masterización. Estamos muy contentos con el resultado. El primer single del EP, “Cold Conception”, ya salió hace semanas a la luz. ¿Estáis satisfechos con su recepción entre el público? Estamos muy felices con la recepción del single. Tenemos los fans más increíbles y, en nuestra primera publicación con Napalm 74 | metal hammer

foto: Jackie Schutza Records, la respuesta ha sido todavía mejor que todo lo que habíamos experimentado hasta ahora. Sentimos mucho respeto y admiración por Nature Ganganbaigal y queríamos contar con él para el vídeo, pero lamentablemente falleció antes de que fuera posible. Lleváis adelante con la banda desde hace 6 años. ¿Os encontráis ahora donde esperabais estar después de ese tiempo? Realmente estamos mucho más lejos de lo que pensábamos. Al principio ni siquiera estaba seguro si se haría de Hinayana una banda completa, pero aquí estamos. Estamos agradecidos por la gente que nos ha apoyado para continuar y finalmente asentarnos como grupo porque hubo momentos en los que pensaba que no íbamos a despegar. Definís el sonido de Hinayana como death-doom melódico. ¿Cuáles son las principales influencias que han llevado a ese estilo tan particular? ¿Alguna de ellas está fuera del metal? Algunos de los artistas favoritos que han inspirado a Hinayana son Katatonia, Black Sun Aeon, Insomnium, Swallow The Sun y Dekaden (a estos últimos no nos cansamos de recomendarles). Fuera del metal han influenciado mucho Steven Wilson, Blackfield, Anathema y Feeder. Somos seguidores de la música triste y oscura, y las composiciones brillantes de Steven Wilson tocan el alma de forma que muchas bandas de metal no han podido. Por último, teniendo en cuenta la gran carga de trabajo detrás del EP y las circunstancias actuales, ¿consideráis que la situación del Covid-19 va a dificultar la promoción del EP y provocará que no funcione como debería? Es innegable que tendrá un efecto en la publicación, pero la música está en todas las almas y nos ayudará a poder mantenernos a pesar de vivir tiempos difíciles. Es una pena que no podamos salir de gira tras su publicación, es lo que más nos gustaría ahora mismo. La gente está buscando soluciones para mantener sus mentes ocupadas y ojalá nuestro EP pueda ayudar con eso.

THE WISE MAN’S FEAR DESPRENDIENDO FANTASÍA

Cuando pensamos en bandas que giran su esencia en torno a los mundos fantásticos, nos vienen a la mente agrupaciones de power metal con poderosas voces y veloces baterías, mientras narran historias sobre reyes y dragones. Sin embargo, la sencilla y mágica melodía con tintes metalcore que da vida a The Wise Man’s Fear se aleja de los tópicos y cuenta con influencias más actuales y variadas. Su valiente personalidad lo convierte en un proyecto lleno de posibilidades. texto: olga vidal El nombre de vuestra banda, The Wise Man’s Fear, proviene de un libro. ¿Por qué lo habéis escogido? Patrick Rothfuss es uno de mis autores favoritos desde siempre, y lo considero el pináculo de la nueva ola de fantasía épica que vemos hoy en día. Sabíamos que queríamos hacer algo fuera de lo habitual con respecto a contar historias cuando arrancamos con la banda, y el nombre parecía el perfecto homenaje. El personaje principal del libro es un hombre joven, un músico, que trata de encontrar su lugar en el mundo, y nos sentimos identificados. Queríamos que el nombre fuera una declaración en contra del poder destructivo del orgullo en el sentido de que la gente sabia es habitualmente muy humilde, hasta el punto de que parece que temen al orgullo. ¿Cómo ha comenzado este proyecto? Contadnos vuestra historia. Comenzamos como banda en 2014. Nos conocimos por conexiones a través de amigos del instituto y universidad, a excepción del guitarrista, Codi, que lo conocimos por Craigslist. Nos reímos sobre ello ahora porque somos muy amigos, y es extraño pensar que lo conocimos online. Vuestro álbum, ‘Valley Of Kings’, está lleno de melodía y de detalles sinfónicos complementados por sonidos más extremos. ¿Cuáles son las influencias de este álbum? ¿Tenéis algunas fuera de la escena del metal? Nuestras influencias varían mucho entre los miembros de la banda, pero mucha de la melodía que escribe Tyler se inspira de bandas como A Day to Remember, Envy on the Coast, I See Stars, Post Malone, Panic! At the Disco… Con respecto a los elementos sinfónicos y fantásticos, nos inspiramos en los sonidos celtas antiguos para este álbum. Cada álbum que escribimos tiene un motivo sonoro con respecto a componentes de fantasía, pero para este álbum algunos de los artistas que nos inspiraron fueron Shokran, Shadow of Intent y Celtic Woman. A parte de estas últimas, fuera de la escena del metal nos inspiran Secret and Whisper, Saosin y Max Richter. ¿Cuál es la historia detrás del álbum? ¿Cómo ha sido el proceso de composición y grabación? ‘Valley Of Kings’ es el final de una trilogía en la que llevamos trabajando desde 2014 que tiene lugar en un universo Pneuma. El álbum comienza mil años después de los eventos de los dos álbumes anteriores, y sigue las aventuras de un grupo de 5 grandes guerreros en su camino al legendario Valle de los Reyes para destruir 5 reliquias malditas. La historia es un poco una mezcla entre La comunidad del anillo y Viaje al centro de la tierra. Se centra en la introspección, en cómo se encuentran a sí mismos en su búsqueda. Al final, uno de los guerreros entra en el valle y se queda encerrado en un bucle temporal

foto: Lee Albrecht Studios condenado a repetir los mismos eventos por toda la eternidad. Con respecto al proceso de grabación, ha sido estupendo. Ha sido el tercero con el productor Johnny Franck, y nos entiende muy bien a nivel sonoro, además de ser nuestro amigo. Ha sido el proceso de creación más colaborativo que hemos tenido, ha sido fantástico. La portada del álbum es increíble. ¿Cuál es la idea detrás del diseño? ¿Nos podéis contar algo sobre el artista que la diseñó? ¡Gracias! Nos encanta como ha quedado la portada. El diseño proviene de Mayhem Project Design (Rusia). Las principales ideas detrás son el color rojo combinado con azul y verde para mostrar el Valle de Reyes escondido en las profundidades de la tierra. La estatua gigante muestra los espíritus de los antiguos reyes vigilando en el río de la vida. También hay dos raíces de árboles saliendo del río, uno que lleva a un árbol maldito en el Bosque de las ilusiones, y otro que lleva al Árbol de la vida. Considerando la situación actual con la pandemia, es complicado promocionar un álbum. ¿Cuál es vuestro plan? Es un momento extraño para publicar un álbum. Por un lado, la distribución de merchandising y las giras paradas son un golpe grande, pero por otro lado existen plataformas digitales para mantener la actividad. Nuestro plan es hacer lo que podamos con una buena estrategia online. También nos gustaría salir de gira para promocionar el álbum cuando sea posible, con suerte para otoño o invierno. ¿Cómo creéis que esta situación afectará a bandas como la vuestra a largo plazo? ¡La pregunta del millón! Creo que podrían pasar muchas cosas. Por ejemplo, hay mucha demanda de conciertos y podría ser genial una vez se retomen. Es difícil saber cuánto va a durar, pero es una oportunidad que surgirá de una situación terrible. Por otro lado, mucha gente va a necesitar tiempo para recuperar su poder adquisitivo y eso puede complicar que las cosas vuelvan a la normalidad. Habéis firmado con SharpTone Records. Teniendo en cuenta el estado de la escena (no solo por el Covid-19), ¿hasta qué punto es importante para una banda como la vuestra contar con este tipo de apoyo? La respuesta depende del progreso, objetivos y necesidades de cada banda. Nosotros encajamos a la perfección con ellos. Las discográficas son un recurso para llegar a nuevas audiencias, y estamos encantados de trabajar con ellos para llegar al siguiente capítulo de nuestra carrera. metal hammer | 75

hunter gatherer

avatar

century media records FOTO: johan carlén

El complejo puzle musical de Avatar aparenta tener piezas infinitas, aunque todas encajan en sus directos cuando su colorido espectáculo burlesque comienza a rodar. Está claro que sus intenciones pasan por dar rienda suelta al arte de su música y que cada canción es un desafío para ellos mismos y sus seguidores. Después de exprimir su anterior álbum ‘Avatar Country’ publicado en 2018, con el directo ‘The King Live In Paris’ al año siguiente para reforzar el status alcanzado, el paso ulterior se planteaba importante para estos locos suecos. El resultado de este nuevo ‘Hunter Gatherer’ puede marcar el devenir de la banda para dar un gran paso en su carrera con fuertes cimientos de cara al futuro. Dentro de unos años quedarán muchos tronos vacíos en la escena y el rey Jonas ‘Kungen’ Jarlsby y su séquito se postulan como firmes candidatos. Puede parecer que con un octavo trabajo de estudio un grupo tendría que tener más que definido su sonido, pero con Avatar es todo lo contrario aunque sus señas de identidad estén más que presentes. Algo lógico por otra parte, teniendo en cuenta que la formación de Gotemburgo va camino de cumplir los 20 años. Además de su variedad sónica donde sí se ha hecho especial hincapié en esta ocasión ha sido en las letras. Reconocía su vocalista Johannes Eckerström que se había esforzado por transmitir emociones ya que en el pasado no se sentía cómodo. Una falta de madurez de la que no duda en hacer autocrítica.Todos estos detalles y esa evolución de una banda que siempre ha querido innovar consiguen que ‘Hunter Gatherer’ sea el álbum más oscuro y completo de Avatar hasta la fecha. El inicio con “Silence In The Age Of Apes” es demoledor. La banda nórdica saca a lucir toda su artillería con el tema más extremo de todo el redondo, acompañado de la gutural y siniestra voz de Eckerström que hará temblar el suelo por el que pisa. “Colossus” es otro de los sobresalientes cortes que se incluyen en este disco. Ese medio tiempo machacón y cortante la convierte en carne de cañón para sus conciertos y no temen mezclar sintetizadores, voces guturales y teatrales en rangos agudos para conseguir un tema que toma prestado algunos tintes del más primitivo gothic metal. Sin olvidar uno de los solos de guitarra más depurados de todo el listado. Esa es la magia de Avatar: en una misma canción puede agradar a los seguidores de Rammstein, In Flames o Kiss sin despeinarse. Una melodía silbada por Corey Taylor, cantante de Slipknot y Stone Sour, introduce a otra de las canciones más destacadas de este álbum:“A Secret Door”. No se debe subestimar ese silbido, porque se repetirá en la mente de los oyentes 76 | metal hammer

durante una buena temporada. La camaleónica voz del sueco sirve para intensificar los cambios de ritmos constantes y un maravilloso juego de guitarras. Es otra de las agraciadas para convertirse en un clásico de Avatar. Vuelven al death metal con denominación de origen en “God Of Sick Dreams”, otro potente tema que provoca el headbanging de forma automática y que pone en primer plano el vigoroso sonido del quinteto. Más reincidentes en el llamado sonido Goteborg se muestran en “Scream Until You Make”, donde prima las voces limpias y las guitarras dobladas y melódicas con algunos toques de teclados. La variedad siempre está presente en cada canción de este trabajo. En “Child” la voz dramática de su cantante guía una canción que busca el contraste de intensidades y que incluso en sus momentos épicos podría formar parte de la música del teatro de los horrores en su versión más macabra. El metal extremo hace acto de presencia en el inicio de “Justice”, aunque en su estribillo regresa la faceta teatral de Avatar. Combinar thrash, death metal y melodías histriónicas y salir indemnes del intento no está al alcance de muchos grupos. La diversidad de la que hacen gala llega hasta “Gun”, una pieza en la que los únicos actores en escena son un piano y una voz armónica para firmar una oda a la melancolía. Es un rara avis dentro de este álbum, tan extraño como si Slayer grabara una balada con un simple ukelele, pero los límites no existen para este grupo. Las guitarras trepidantes irrumpen en “When All But Force Has Failed”, otro cañonazo enérgico e intenso que no deja títere con cabeza. Es la antesala de un final poderoso con “Wormhome”, en el que vienen a resumir la pluralidad de todas sus composiciones. No son estos dos últimos cortes los más destacados de esta entrega, pero completan a la perfección todo lo expuesto por Avatar. En un rápido repaso por toda la carrera de la banda, ‘Hunter Gatherer’ es sin duda uno de sus discos más trabajados. La cantidad de temas de alto nivel es más que palpable y la gran mayoría protagonizará su correspondiente gira de presentación dejando muchos clásicos en el tintero para sus setlist futuros. Lo que no deja de ser curioso es que una banda que cuida al detalle su imagen, sus vídeos y sus directos a nivel visual –desde los ropajes de acomodadores de teatro de la época victoriana de su personal de merchandise y roadies, hasta la masiva explosión con pompas de jabón como fin de fiesta- haya buscado una portada tan somera. Aunque ya se sabe que el envoltorio no es lo más importante, es el mensaje.

satur romero

IN FLAMES

CLAYMAN (20TH ANNIVERSARY) NUCLEAR BLAST RECORDS Suecia ha sido un país trascendental en la historia del heavy metal. Allí se gestó el llamado “sonido de Gotemburgo”, un subgénero del death metal que incluía elementos melódicos y que fue desarrollado principalmente por At The Gates, Dark Tranquillity y la banda que nos ocupa: In Flames. De la formación icónica que lanzó sus obras magnas a finales de los noventa ya solo permanecen el vocalista Anders Fridén y el guitarrista Björn Gelotte, pero eso no ha sido impedimento para que los escandinavos hayan decidido regrabar algunos de los temas de ‘Clayman’, uno de sus

BLUES PILLS HOLY MOLY!

NUCLEAR BLAST RECORDS Cuando Blues Pills irrumpieron con su enorme debut homónimo saltaron todas las alarmas. La reencarnación de Janis Joplin en Elin Larsson unida a una formación llena de talento que revivían el rock clásico de los ’70, era una bomba de relojería. El público les acompañó en su propuesta hasta que aprovechando el tirón mediático publicaron ‘Lady In Gold’. Un disco que sin poseer la fuerza y la garra de su predecesor contenía otro puñado de temas que en directo embrujaba al seguidor más exigente, tal y como dejaron

álbumes más recordados. Esta nueva edición del registro incluye el disco al completo remasterizado, lo que otorga una mejor mezcla de las pistas y un sonido más actual. Además, la banda entró al estudio para regrabar los hits “Bullet Ride”, “Pinball Map”, “Only For The Weak” y “Clayman” con un resultado que se aleja de lo concebido inicialmente. Estas nuevas versiones vienen a ser una adaptación a la dirección que los suecos han tomado en sus últimos trabajos. Llama la atención la citada “Only For The Weak”, cuyo estribillo se vuelve totalmente melódico vocalmente. O la homónima “Clayman”, a la que han añadido una pequeña introducción de teclado futurista. Esta es una reedición tan innecesaria como golosa para los fans de la banda. Al final, Fridén y compañía brindan opciones para todos los gustos: escuchar una de sus obras magnas sin variar un ápice musicalmente, pero bajo una producción más moderna, disfrutar de las regrabaciones, o bien pasar olímpicamente de este lanzamiento. ¿Cualquier tiempo pasado fue mejor? ALBERTO ZAMBRANO

registrado en el directo ‘Lady In Gold – Live In Paris’. Pero como dice el dicho lo que rápido sube, rápido baja. De la noche a la mañana la efervescencia de Blues Pills se diluyó y la salida del prodigioso guitarrista francés Dorian Soriaux no fue una noticia nada alentadora. Tocaba hacer borrón y cuenta nueva y después de un tiempo en silencio reaparecen con obligados cambios en su formación y su tercera entrega ‘Holy Moly!’. Desde su inicio con una atípica “Proud Woman” se nota las ganas de Blues Pills por reinventarse y evitar valerse de los éxitos pasados. El peso en el blues rock es más notorio que en sus discos anteriores con canciones como “Dust”, “Wish I’d Know” o “California”, donde el alarde vocal de Larsson es despampanante. Aunque no faltan los cortes más hard rock como “Low Road”, “Dreaming My Life Away” o una original “Kiss My Past Goodbye”. La frescura original de los suecos se ha convertido en una desafiante aventura sónica con la que inician una ilusionante etapa. SATUR ROMERO

su banda como “We’re Not Gonna Take It” o “I Wanna Rock”.

DEE SNIDER

FOR THE LOVE OF METAL - LIVE! NAPALM RECORDS El carismático frontman de los legendarios Twisted Sister, Dee Snider, regresa con un disco en directo que recoge gran parte de su carrera como leyenda indiscutible del hard rock y heavy metal. Se trata de una brillante muestra de sus brutales conciertos grabados en festivales de EE.UU., Europa, Australia y el resto del mundo. El catálogo se compone de temas pertenecientes a la carrera en solitario de Snider como “For The Love Of Metal” o “I Am The Hurricane” que se entremezclan con auténticos hits eternos de

La interpretación de “The Beast” en directo resulta sublime al igual que la versión de “Highway To Hell” de los australianos AC/ DC. “Under The Blade”, “Burn In Hell” o “The Kids Are Back” son otras de las pistas que embriagan de puro hard rock con una frescura y una potencia que impacta, pues estos cortes llevan sonando en las emisoras de radio y las salas de conciertos y festivales más de 30 años. El broche de oro lo pone una canción original grabada en estudio (la única de todo el disco) y que ocupa la pista 18, la última del disco, bajo el título de “Prove Me Wrong”, un hit que recoge la veteranía y representa la perfección compositiva de un artista tan aclamado por el panorama musical mundial. En definitiva, se un álbum muy indispensable para fanático del rock y metal clásico.

trata de completo, cualquier el heavy SERGIO DE LA TORRE

alimentarse de aquello que mejor sabe hacer y explotarlo al máximo -además de mantener el gran nivel exhibido en su anterior ‘Black Flame’-.

BURY TOMORROW CANNIBAL

MUSIC FOR NATIONS El ser una de las bandas de metalcore del momento no es tarea fácil si se atiende a la enorme competencia que existe en la escena. Los británicos Bury Tomorrow han conseguido a base de constancia asomarse a esa primera línea de batalla donde se encuentran formaciones como Architects o While She Sleeps. Su sexto disco de estudio ha llegado tres meses después de lo previsto debido a la pandemia, pero la espera ha merecido la pena. Su título, ‘Cannibal’, sirve de símil para resaltar cómo la banda es capaz una vez más de

Su receta, basada en la alternancia de estribillos pegadizos cantados por el guitarrista Jason Cameron y estrofas muy pesadas conducidas por los guturales de Daniel Winter-Bates, es simple y casi roza el descaro, sin embargo a su vez posee una frescura que ya quisieran muchas bandas para sí. ‘Cannibal’ es otra compilación de temas directos, de corta duración y con gancho desde la efectista “Choke” hasta el breakdown final de “Dark, Infinite”. Se sale de la norma “Quake”, un corte a medio tiempo que prepara al oyente para el arreón final. El equilibrio entre agresividad y melodía es perfecto que alcanza su máxima expresión en temas como “Imposter” o “Cold Sleep”. Quien espere algún tipo de evolución en este disco, mejor que no lo escuche. Bury Tomorrow ha encontrado una fórmula que funciona y no parece tener intención de cambiarla. ALBERTO ZAMBRANO

metal hammer | 77

presentación del mencionado álbum, al que pertenecen varias como “The Awakening” o “Here Comes The Boom”. Otras como “Samurai Spirit” o “Welcame (Furyo State Of Mind)”, pertenecen a su disco ‘Welcame’ (2014).

RISE OF THE NORTHSTAR LIVE IN PARIS NUCLEAR BLAST RECORDS La banda francesa -de estética japonesa- Rise Of The Northstar ameniza a sus seguidores la espera hasta que retomen su actividad en los escenarios publicando un EP en directo ‘Live In Paris’, que recoge 7 canciones. Una de ellas, “Sayonara”, fue grabada en estudio en 2017. Hasta ahora no había sido publicada en plataformas digitales, pero sí había formado parte de la edición japonesa de su álbum ‘The Legacy Of Shi’, así como en su edición en vinilo. Las canciones en directo fueron interpretadas en la capital francesa en 2019, época de

A pesar de tratarse de un breve EP, constituye un regalo muy especial que hace la banda a sus seguidores en una etapa complicada. La muestra de potencia sobre las tablas de los franceses es arrolladora. Los intensos guturales, la brutalidad sonora, la precisión técnica instrumental y la fuerza que transmite su público parisino es un todo que te integra en el directo como si estuvieras presente. ¿La única pega? El EP te deja con ganas de más. Media hora sabe a poco, especialmente teniendo en cuenta que la espera para volver a verlos demostrando sus atributos artísticos en directo es larga. Sin embargo, es de total utilidad para recordar lo que saben hacer y lo bien que se les da meterse a su público en el bolsillo.

HINAYANA

THE SIGN RECORDS

NAPALM RECORDS

Los suecos demuestran todo su potencial con ‘High Tides - Distant Skies’, con una personalidad sonora destacable, una calidad técnica impecable y un estilo bañado en influencias clásicas. A pesar de que su sonido se influencia en el rock de los ’70, se atisban reflejos del metal de los ’80 en canciones como “Burning Sky” o “Give Me To The Night”, con una variedad estilística agradecida. En el caso de las canciones que se dirigen hacia la rama del rock, su calidez arrolladora hace viajar en el tiempo con temas como el enérgico “Shadow Gold”, el melódico “Crimson Past” o el tierno “Lost In A Dream”.

Dos años después de un magnífico debut discográfico titulado ‘Order Divine’, estos cinco tejanos liderados por el portentoso Casey Hurd vuelven a la carga con el EP ‘Death Of The Cosmic’, un trabajo con cinco temas cargados de atmósferas misteriosas y notas etéreas que pueden recordar a los mejores Insomnium pero con unos rasgos distintivos bien marcados. Desde el tema homónimo “Death Of The Cosmic” hasta los últimos momentos de “Pitch Black Noise” queda patente la cuidada producción y la abundancia de recursos que hacen sobresalir a este álbum sobre el “ruido” mundano.

SEASON OF MIST

THE SIGN RECORDS

Los maestros del horror están de vuelta con su álbum más extravagante. En ‘Franckensteina Strataemontanus’, Carach Angren resucita la espantosa historia del alma afligida de Conrad Dippel que sirvió de inspiración a novela de Mary Shelly ‘Frankenstein’. Con este álbum amplían aún más su paleta sónica fieles a sus elementos musicales básicos. Estos alquimistas musicales retuercen las narraciones y la historia en nuevas y refrescantes piezas de arte. Ni la música ni el contenido lírico se siente de manera alguna, repetitivo o estancado. No es descabellado afirmar que esta creación tan sublime puede ser su mejor obra.

The Hawkins reaparecen convencidos del pelotazo que supondrá este lanzamiento. Hace tres años sembraron el terreno con un espectacular ‘Ain’t Rock’N’Roll’ que despuntó con descaro y capturó un buen número de seguidores. Descritos como modern rock y autoconsiderados como punk’n’roll, cuadran una combinación magistral de punk y hard rock acelerado, muy efectiva y enérgica. Un estilo dirigido a seguidores de bandas como The Hives o Royal Republic que certificará totalmente su asalto al panorama con canciones tan explosivas como “Roomer”, “Mynah” o la fulgurante “Minuette”.

J. A. FERNÁNDEZ

DEATH OF THE COSMIC

OLGA VIDAL

78 | metal hammer

THE HAWKINS

FRANCKENSTEINA STRATAEMONTANUS

OLGA VIDAL

NIGHT

HIGH TIDES - DISTANT SKIES

CARACH ANGREN

FRANZ S. HEILIGEN

STATIC-X

PROJECT REGENERATION, VOL.1 OTSEGO ENTERTAINMENT GROUP De las cenizas de una tragedia, tras la pérdida inesperada de Wayne Static en 2014, parecía que Static-X estaban destinados a un futuro de silencio permanente después de dos décadas en las que definieron la escena del metal industrial. Seis años después, a modo de homenaje, surge ‘Project Regeneration, Vol. 1’, un conciso trozo de metal retro-industrial repleto de adorables muestras electrónicas con estilo, de criaturas similares al modus operandi de Rob Zombie, así como una vuelta al tipo de muestras vintage de los ’80 que Ministry o Skinny Puppy habrían tocado en su día.

SILENCE IS A BOMB

TXEMA GARAY

Es difícil comprender el hecho de que con viejas grabaciones procedentes de ideas o de demos en bruto justo antes de la muerte de Wayne y de varias grabaciones de alrededor de 2005 se hayan construido once pistas que se sienten y suenan como temas trabajados de primer nivel de Static-X construidos desde cero. El disco suena extremadamente novedoso; está muy desarrollado, es coherente y, lo que es más importante, es ferozmente divertido. Se aprecian rasgos clásicos de Static-X, desde los telones de fondo del cyberpunk clínico, hasta los ritmos de zapateo sincopados y los característicos ladridos de staccato tan propios de Wayne. Temas como “Hollow”, “Bring You Down” o “My Destruction” dan buena cuenta de ello. Puede que no estén reinventando la rueda y que suene como una cápsula del tiempo desenterrada del cementerio de nu metal, pero para los fans de ese periodo musical en el que se desarrolló el estilo o los fans de la banda, no podrán negar su encanto. J. A. FERNÁNDEZ

unas guitarras capaces de asestar un machetazo cuando toca. Retornan el estilo más enérgico de mano de “I’m Alive”, donde actualizan sus sonidos más añejos.

ANVIL

LEGAL AT LAST AFM RECORDS Tan solo dos años después de su furibundo ‘Pounding The Pavement’, Anvil arremeten nuevamente con fuerza mediante este ‘Legal At Last’. Inician el despliegue con el tema homónimo “Legal At Last” compuesto con una demoledora línea donde el vigor de las guitarras y una base rítmica férrea expelen carácter clásico. Steve “Lips” Kudlow -dentro de sus márgenes- exhibe sensible evolución. Casi encadenada “Nabbed in Nebraska” destaca por un cautivador estribillo que encandila. “Chemtrails” y “Gasoline” sacan a relucir el carácter agreste y vislumbran

Curioso resulta el inicio de “Talking To The Wall”, algo atropellado y da la sensación de no enderezarse durante todo su recorrido. En clave más densa “Glass House” y “Plastic In Paradise” también parecen no haber sido pulidas en condiciones. Recuperan el brío con una destacada rítmica de “Bottom Line” que sin resultar espectacular al menos cumple el guión. Rematan con un triplete bastante elegante donde “Food For The Vulture” resulta bien ensamblada instrumentalmente y en la que destaca por el juego de voces. Un corte llamado a triunfar en directo. Ponen la puntilla con “Said And Done” con unas potentes guitarras que dominan un tema pausado y donde juegan con las métricas con mucha destreza. Como premio, “No Time” sirve de colofón con genuinos ritmos elevados y una subida de potencia al máximo nivel. TXEMA GARAY

KAMELOT

I AM THE EMPIRE – LIVE FROM THE 013 NAPALM RECORDS Ante la falta de conciertos provocada por la actual pandemia, un buen disco en directo puede ayudar a sobrellevar la situación, y el nuevo lanzamiento de Kamelot es una buena prueba de ello. Grabado en Tilburg, Holanda, durante su gira de 2018, ‘I Am The Empire’ refleja el gran estado de forma actual de la banda presentando su último trabajo de estudio hasta la fecha, ‘The Shadow Theory’. Este álbum en directo cuenta con grandes colaboraciones entre las que se encuentran Lauren Hart, Sascha Paeth, Elize Ryd o Alissa White-Gluz. Respecto al

maravillosos años de rock desenfrenado y macarra con la fuerza de aquel entonces pero con la actual veteranía de la nueva banda capitaneada por Angry Anderson.

ROSE TATTOO OUTLAWS

PUNKTURED MEDIA REDFAN Los fans de la banda australiana Rose Tattoo han tenido que esperar casi 30 años para poder escuchar una nueva grabación de estudio de los chicos malos de Sydney. Se trata de una regrabación de su álbum debut que recoge además tres temas que no aparecieron en la grabación original del disco: “Sweet Love (Rock n Roll)”, “Snow Queen” y “Rosetta”. Este nuevo álbum titulado ‘Outlaws’ fue publicado por Punktured Media RedFan y cuenta con 13 temas que buscan devolver al oyente a aquellos

La primera diferencia que puede apreciarse al arrancar esta nueva entrega es que el orden de los temas ha sido alterado respecto al original, abriendo esta vez con “One Of The Boys” regrabada con una calidad de sonido inalcanzable en la década de los ‘70s. Continúa con “Sweet Love (Rock ‘N’ Roll)” grabada por primera vez en un álbum oficial, “Tramp” y “Snow Queen” decoradas con la voz de Angry tan apasionado como siempre. “Rock ‘N’ Roll Outlaw”, himno indiscutible de la banda, ocupa esta vez la quinta pista del disco. El riff de apertura del tema es tan legendario como los 40 años de directos del grupo. Las nuevas grabaciones traen frescura en temas como “Stuck On You”, “Bad Boy For Love” o “Nice Boys” y el cierre del disco con “Rosetta” resulta sublime. SERGIO DE LA TORRE

repertorio, la banda ha optado por incluir los clásicos más conocidos por todos sus fans, pero dan protagonismo a temas más actuales. “Under Grey Skies” y “Burns To Embrace” fueron interpretadas en directo por primera vez en este concierto, y la segunda de ellas incluye un coro de niños en el que participó el hijo de Thomas Youngblood. Entre los momentos más destacados de este trabajo se encuentra la gran versión de “March Of Mephisto” en la que colabora la vocalista de Arch Enemy, Alissa White-Gluz, que también aparece posteriormente junto a Elize Ryd de Amaranthe en el tema “Sacrimony (Angel Of Afterlife)”; clásicos como “Forever”, alargada para interactuar con el respetable y para presentar a la banda, o la participación en “Ravenlight” de Sacha Paeth, quien también se ha ocupado de la producción del disco. En definitiva, ‘I Am The Empire’ es un buen concierto de un grupo que se encuentra en un gran estado de forma y que cuenta con unas colaboraciones que harán las delicias de sus fans. JOSÉ LUIS ABREGO

tiene mucho que decir. A pesar de mantenerse fiel a su estilo y dejar de lado su virtuosismo neoclásico en favor de la canción, no hay nada en este ‘Sign Of The Times’ que haya sido incluido por inercia.

AXEL RUDI PELL SIGN OF THE TIMES

SPV/STEAMHAMMER La idea de que Axel Rudi Pell lleva clonando el mismo disco durante más de 20 años está bastante extendida. Dicha afirmación no está exenta de verdad, pero es un tanto simplista. Es cierto que el humilde guitarrista alemán es un hombre de costumbres. A excepción de la entrada del batería Bobby Rondinelli en 2015, lleva con la misma formación desde la publicación de ‘Magic’ en 1997 -Jonny Gioneli (voz), Volker Krawczak (bajo) y Ferdy Doernberg (teclados)-, pero con esta nueva entrega vuelve a justificar que todavía

No falta la intro de rigor y las canciones rápidas como “Gunfire” o “The End Of The Line” ni tampoco los medios tiempos épicos como el tema título o “Into The Fire”, aunque se ha guardado un par de ases bajo la manga. La rockera “Bad Reputation” remonta a sus primeros trabajos y esa producción menos ampulosa refuerza su garra. Juegan con el reggae en “Living In A Dream” y recuperan la esencia del hard rock de estadios en “Waiting For Your Call”. “As Blind As A Fool Can Be” viene a engrosar la larga lista de baladas de los 31 años de carrera de la banda que lleva su nombre. Como declaró Axel hace tiempo, componer una buena balada es más difícil que hacer un tema rápido. SATUR ROMERO

metal hammer | 79

THUNDERMOTHER HEAT WAVE

AFM RECORDS Calor y energía directamente sobre tus tímpanos es lo que tienen preparado Thundermother en su nuevo álbum titulado ‘Heat Wave’. Es ya el cuarto álbum de la banda sueca liderada por la brillante guitarrista Filippa Nässil y su descarga de potente hard rock no dejará indiferente a nadie. Aunque la banda fuera completamente refundada en 2017 por su líder, la nueva composición de músicos resulta todo un acierto, pues ‘Heat Wave’ es el primer álbum que cuenta con la participación de sus cuatro miembros para la creación de sus canciones, tanto para escribir sus letras como en su composición

instrumental. Para Emlee Johansson (batería) el mejor tema es “Driving In Style”, que cuenta con videoclip propio y un sonido plagado de riffs al estilo AC/DC o Airbourne. Mientras, para Filippa, la canción estrella del disco es “Free Ourselves”, un corte igualmente cañero y plagado de mensaje de carga política. “Dog From Hell” es un buen plato para los amantes del sonido más cercano al rock blues, con unos toques que recuerdan al ‘Stay Hungry’ de Twisted Sister. Por último, se debe destacar la canción “Somebody Love Me”, que cabalga sobre un riff que bien podría haber sido extraído de un disco de Motörhead de los años ’80. En resumen, lo nuevo de Thundermother no resulta novedoso, pero busca consolidarse como una de las bandas del panorama hard rock más importante de esta última década. Con la publicación de este trabajo de estudio quieren lanzarse también a conquistar en directo al personal con nuevas fechas de conciertos (siempre que la covid-19 las permita), pero mientras lo hacen desde casa con ‘Heat Wave’. SERGIO DE LA TORRE

americana muestra ese lado oscuro, ese lado de terror, donde las altas esferas de la sociedad y sus lujos se sobrellevan con la maltratada pobreza de los suburbios.

IMPERIAL TRIUMPHANT ALPHAVILLE

CENTURY MEDIA RECORDS El guitarrista y vocalista Zachary de Imperial Triumphant había declarado que ‘Alphaville’ es el pináculo de los esfuerzos combinados como banda, la versión más refinada de su temperamento creativo. Y definitivamente tiene razón. Los músicos vanguardistas y creativos oriundos de Nueva York han creado uno de esos discos que se puede escuchar bajo cualquier estado de ánimo y de alteración de la conciencia. ‘Alphaville’ aparece justo para sonorizar, ambientar, capturar y aportar los sonidos de una sociedad decadente en los momentos donde un sector de la población

puede negar su clara influencia de Black Sabbath.

CANDLEMASS THE PENDULUM

NAPALM RECORDS Los suecos Candlemass, maestros indiscutibles del doom épico, vuelven a la carga con ‘The Pendulum’, un EP de seis temas que no se incluyeron en su anterior trabajo ‘The Door To Doom’(2019). El disco arranca con “The Pendulum” el que sin duda es el mejor tema del EP, donde las dramáticas voces de Johan se cruzan con la pesada sección rítmica de Jan Lindh a la batería y Leif al bajo, aderezado con muestras de riffing de Mats Björkman y Lars “Lasse” Johansson. Le sigue “Snakes Of Goliath”, pieza pesada que no 80 | metal hammer

“Sub Zero” es un tema instrumental acústica/bajo, una especie de intermedio por su brevedad. De similar duración es “Aftershock”, un groove pesado, carnoso y difuso, que demuestra lo profundo que puede llegar a ser el sonido, terminando con un último sonido de bajo que recuerda al llorado Lemmy Kilmister. Le sigue “Porcelain Skull”, groove como los de Sabbath, potente voz y una guitarra pesada y psicodélica; finaliza el disco con el breve y relajante “The Cold Room”, tema melancólico de piano/acústica. Si “The Pendulum”, “Snakes Of Goliath” y “Porcelain Skull” son las piezas que completan el rompecabezas que es ‘The Door To Doom’ ¿Por qué no salió como álbum doble? Es la incómoda pregunta que se hacen los seguidores cuando ven que el producto no está a la altura de las expectativas y que parece responder más a una maniobra empresarial que a una necesidad creativa. J. A. FERNÁNDEZ

POWERWOLF

BEST OF THE BLESSED NAPALM RECORDS Después de un lanzamiento de la calidad de ‘Sacrament Of Sin’ y una larga gira que les ha coronado como una de las bandas más prominentes del power metal, los germanos Powerwolf han decidido lanzar ‘Best Of The Blessed’ como una batería de grandes éxitos regrabados con los medios de los que disponen ahora. Cabe señalar que los muchachos de Attila Dorn se han atrevido a hacer algo más, pues muchas canciones suenan definitivamente diferentes mucho más cercanas a cómo las interpreta la banda en directo.

“Rotted Futures” y “City Swine” son un claro ejemplo de lo citado. “City Swine” bien podría ponerse sobre cualquier vídeo de los que transita por Internet de las manifestaciones en Minneapolis y quedaría perfecto. La firmeza en la base de sus canciones, las penetrantes voces y los eminentes ritmos de su death metal con un innegable estilo propio, afianzados con una batería imparable y demoledora, cortesía de Kenny Grohowsky, sumado a los talentos de Zachary y Steve Blanco, hacen indudable que este álbum es una agradable confirmación del estupendo trabajo de los neoyorquinos. Mención honorífica y notoria para la versión a Voivod con “Experiment”, una legitima reliquia. Y como finalmente Zachary lo expresó: “cada pista, transición, palabra y nota ha sido analizada para garantizar la experiencia más gratificante”. En eso, definitivamente, también tiene razón. TIM DRAKE

Pese a todo, la fórmula de los grandes éxitos está ahí, algo que se plasma en que el trabajo abra con “We Drink your Blood”, su canción más conocida, que de hecho suena muy diferente con una orquestación que lo que le quita de pegada se lo da en grandilocuencia. Definitivamente, las grandes ganadoras de esta regrabación son las canciones más antiguas, y es que “Kiss Of The Cobra King” o “In Blood We Trust” suenan mejor que nunca. La producción a la que tenía acceso la banda en aquel entonces no podía hacerles justicia. Por otro lado están los temas más contemporáneos como “Army Of The Night” o “Werewolves Of Armenia”, que ganan en coros y orquestación, mientras que cortes más recientes como “Demons Are A Girls Best Friend” o “Killers With The Cross” suenan igual que lo hicieran en ‘Sacrament Of Sin’. ‘Best Of The Blessed’ no es solo una forma de introducirse a Powerwolf, sino que también es una oportunidad de elevar clásicos de la banda a unos niveles que harán las delicias de los seguidores más veteranos. MARC FERNÁNDEZ

leo jiménez

CONCIERTOS

CENTRO MUNICIPAL LA POLLINA (FUENLABRADA) TEXTO Y FOTO: ÓSCAR GIL

La nueva normalidad está aquí y parece que ha llegado para quedarse. Aun así la música no para y ya va siendo hora de volver a acercar la música en directo de nuevo a los fans. Eso debió pensar Leo Jiménez de acuerdo con el Ayuntamiento de Fuenlabrada y así se labró una noche como esta: curiosa, rara, distinta... pero en la que se disfrutó igualmente sin poder levantarse de la silla. Leo Jiménez jugaba en casa y sin prisa comenzó a desgranar un set muy variado en el que prácticamente no hubo ningún altibajo. Bastante bien elegido, arrancó con con algunos cortes de sus últimos trabajos como “Con Razón O Sin Razón”, “La Era De La Individualidad” y “Misantropía” del tirón para ya dirigirse al público en varias ocasiones y recordar que los cuernos los podían seguir levantando y que tampoco está prohibido romperse el cuello desde el asiento. La actuación fue de menos a más con un sonido un tanto pobre al inicio pero que a medida que avanzaba iba asentándose hasta alcanzar la excelencia a mitad de concierto con la ayuda de Mr. Korpa (Fuck Division), quien estuvo presente en varias canciones del show. De cara al final, “Vientos de Guerra” y “Maldito Corazón”, dos trallazos de su época Saratoga, y para poner el broche el turno fue de “Volar”. Con ella y después de dos horas tocaba despedirse de un respetable muy agradecido que al fin podía disfrutar, con todas las medidas de seguridad cumpliéndose (gran trabajo de la organización en este aspecto) de un concierto en vivo.

Sôber + las sexpeares ayutthaya festival (coslada) TEXTO: DANI BUENO FOTO: paco garcía

Coslada acoge un festival nuevo y diferente. El Ayutthaya Festival reúne en el campo de fútbol del polideportivo municipal donde se celebra este evento un escenario acorde a una gran cita con una pista para el público distinta: toda llena de palés, lámparas esféricas de colores y cojines. El toque de “chill” es estéticamente bastante atractivo, pero en la inauguración no cuajó mucho con el estilo de los grupos que tocaban. En primer lugar, Las Sexpeares llegaron a Coslada y su concierto pasó prácticamente sin pena ni gloria. Unos pocos fans fueron los que presenciaron una actuación en la que el sonido fue nefasto y donde el estilo de esta banda no cuajó con ellos, que venían al plato fuerte de la noche. Sôber, uno de los últimos artistas en tocar antes del 82 | metal hammer

confinamiento en su despedida en formato orquesta, volvió a sus noches de rock con el “modo clásico”.“Sombras” arrancó un show en el que no faltaron los momentos donde la gente cantó a pleno pulmón con cortes como “Eternidad” o “El Hombre de Hielo”, las emociones afloraron con “Náufrago”, “Blancanieve” o “Estrella Polar” (en esta última se bajó a cantar entre el público -algo similar a lo que hacían junto a la orquesta) y la gente -incluidos los miembros de Sôber- lo dieron todo en hits de la talla de “Diez Años”, “Arrepentido” o “Loco”, que finalizó como es costumbre su directo y en el que demostraron que no han perdido la forma sobre las tablas.

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