Les Beatles étaient une bête en constante évolution. Année après année, album après album, les Fab Four ont changé le visage de la musique, puis ont continué à tout bouleverser. Depuis leurs premiers jours en tant que pionniers d’un nouveau son grand public ramenant le rock américain de l’autre côté de l’Atlantique, ils ont passé l’intégralité des années 1960 à remodeler et à reconfigurer ce que nous connaissons comme le rock and roll sous différentes formes.
C’est précisément pour cette raison que la question « Quel est votre album préféré des Beatles ? » reste importante. Vous pouvez passer des heures à débattre sur ce sujet seul, car tout le monde semble avoir une réponse différente et une raison différente. Chaque album marquait un moment distinct non seulement dans l’histoire du groupe, mais aussi dans l’histoire de la musique rock dans son ensemble, et leurs sorties semblaient toujours prophétiques sur la façon dont le genre pourrait évoluer après eux.
Que ce soit l’introduction précoce du rock sur les radios grand public, l’inclusion de paroles folk plus mystérieuses ou l’engagement peu subtil avec la contre-culture psychédélique, les Beatles ont toujours été en avance sur leur temps. En tant que compositeurs, ils sont justement considérés comme certains des meilleurs et des plus importants. Pendant un temps, il semblait que partout où la plume de John Lennon et Paul McCartney se posait, le monde de la musique les suivait. Mais en changeant continuellement de styles et de sons, ils écrivaient constamment des changements dans leur chronologie et marquaient de nouveaux chapitres dans leur héritage.
Avec tant de matériel, d’histoire et d’anecdotes à explorer, s’impliquer avec les Beatles peut parfois sembler écrasant. Si vous n’avez jamais été qu’un auditeur occasionnel effleurant la surface, l’idée de plonger plus profondément peut ressembler à un labyrinthe de changements sonores et de switches de style étranges. Mais en réalité, leur évolution peut être suivie en cinq étapes. Vous tenant par la main et vous guidant à travers, voici l’histoire des Beatles en cinq chansons emblématiques.
Sommaire
Cinq chansons qui ont changé les Beatles:
5. ‘I Saw Her Standing There’
« 1, 2, 3, 4 », Paul McCartney a crié, et ils étaient partis. Ouvrant leur premier album, ‘I Saw Her Standing There’ plonge directement dans le monde du rock and roll alors que tout le groupe démarre. Mais instantanément, ce n’était pas du rock standard. Alors que le genre commençait à se faufiler sur les radios britanniques, grâce à des artistes comme Elvis Presley, il était toujours bien poli. C’était plus proche de la pop, avec un format reconnaissable et une atmosphère inoffensive, agréable. Si c’était une chanson d’amour, c’était le type de chanson d’amour que les mères approuveraient, et les stars ressemblaient encore au type d’homme que votre père apprécierait.
Puis vinrent les Beatles. Certes, leurs premiers singles comme ‘Please, Please Me’ et ‘Love Me Do’ correspondaient à cette description. Mais au moment où leur début en 1963 était sorti, cet opus d’ouverture était plus blues que pop. La riff de guitare de George Harrison prend indéniablement des notes de Chuck Berry, tandis que le batteur Ringo Starr a toujours été inspiré par des joueurs de jazz ou les groupes derrière des artistes comme Little Richard. Lorsque Lennon et McCartney ont commencé à écrire ensemble, ils prenaient toujours influence des artistes noirs qui menaient la voie aux États-Unis alors que le blues et la pop fusionnaient dans un nouveau genre jeune : le rock and roll.
Mais contrairement aux versions stérilisées et blanchies proposées par Richards ou la musique « carrée » jouée par Bobby Vee ou The Four Seasons, les Beatles ont conservé le blues et se sont lancés dans le monde. Leurs premières sorties pourraient maintenant être considérées comme les moins intéressantes, mais leur origine en tant que compositeurs doit être retracée jusqu’à cela et l’impact que les Américains ont eu sur leur plume.
4. ‘Norwegian Wood’
En tant qu’équipe de composition redoutable, il est étrange de penser que Lennon et McCartney admiraient quelqu’un. Mais ils vénéraient une personne surnommée leur « idole » : le grand Bob Dylan. Juste au moment où les Beatles révolutionnaient le rock et la pop, Dylan faisait de même pour le folk en montant au sommet comme le nouveau prodige du genre grâce à sa veine politique et son penchant pour la poésie.
Jusqu’à ce point, les paroles des Beatles étaient relativement directes. Ils traitaient d’émotions claires et compréhensibles comme aimer quelqu’un, manquer quelqu’un, ou désirer quelqu’un. Cependant, après avoir rencontré Dylan et avoir été introduits à la contre-culture, cela a changé. Écrite juste après leur première rencontre avec la star du folk, qui était aussi notablement la première fois qu’ils se sont drogués, ‘Norwegian Wood’ marque un changement vers un langage plus symbolique. Lennon lui-même a admis l’influence, déclarant, « [C’était] moi dans ma période Dylan ».
Dylan n’a pas trop apprécié la piste, déclarant, « C’est quoi ça ? C’est moi, Bob », et leur amitié est devenue plutôt tendue après cela. Mais cette nouvelle ouverture à être plus ambigu ou à jouer avec des non-sens pour attribuer leurs propres significations a ouvert une nouvelle porte à une nouvelle ère des Beatles.
3. ‘A Day In The Life’
On dit que l’herbe est une drogue passerelle, et après que les Beatles se soient drogués pour la première fois, ils sont tombés dans le grand bain des hallucinogènes. Dans l
‘ère du LSD du milieu des années 1960, le groupe s’est immergé dans tout ce qui accompagnait le style de vie psychédélique, comme la méditation et le spiritualisme. Parfaitement assortie à l’étrangeté brumeuse et tourbillonnante de leurs voyages réguliers sous acide, leur musique est devenue tout aussi psychédélique.
Certainement, sur ce sujet, vous pourriez pointer ‘I Am The Walrus’ ou n’importe quel nombre de chansons absurdes à travers Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band ou Magical Mystery Tour, en particulier. Plus intéressamment, cependant, cette ère semblait soudain leur donner un incroyable courage et confiance. Après avoir abandonné les tournées et perdu toute envie de faire de la musique qu’ils pourraient jouer en live, leur prise de drogues et leur nouvelle liberté musicale semblaient inspirer une ambition rafraîchissante.
Nulle part cela n’est mieux montré que dans ‘A Day In The Life’, une opus aventurière de cinq minutes avec des changements de tempo, des orchestres complets, et des sons audacieux et vastes. Tout en maintenant un engagement distinct avec leur style lyrique alors qu’ils empruntaient des morceaux d’histoires locales et de personnages qu’ils connaissaient, l’étendue était soudainement élargie en quelque chose de massif. Les entraves de faire des hits radiophoniques étaient perdues, et à partir de ce moment, l’expérimentation des Beatles ne serait plus limitée.
2. ‘While My Guitar Gently Weeps’
Lorsque nous parlons de l’évolution des Beatles, il est facile de simplement suivre la croissance de Lennon et McCartney de adolescents rockeurs à des machines musicales. Mais il y avait toujours une autre force à l’œuvre, se développant dans sa propre voie et luttant lentement pour obtenir de l’espace. Dans les périodes plus tardives du groupe, George Harrison a finalement trouvé son projecteur mérité.
Sur l’album White, un disque célèbre pour sa liste de pistes vaste et désordonnée alors que le groupe refusait de se réunir et de compromettre, cette piste menée par Harrison est celle qui se démarque. Il y a de grandes pièces là-dessus, mais cette épopée semble être celle qui a ouvert la porte, les menant à ce qui allait suivre, qui était une période de véritable maturité musicale. Alors qu’il collaborait avec Eric Clapton, Harrison semblait s’en tenir à suivre le chemin du rock mais monter de plus en plus à des hauteurs élevées.
De l’instrumentation, la décomposition lamentable et les paroles tendrement posées, ‘While My Guitar Gently Weeps’ est devenue le modèle d’une grande chanson rock. Similaire à ‘Something’, ou ses œuvres solo comme ‘My Sweet Lord’ ou ‘Isn’t It A Pity’, Harrison apparaissait comme un professeur sur comment faire une chanson rock anthémique, classique et intemporelle à la fin de la décennie. Alors que le reste du groupe devenait fou avec l’expérimentation, le Beatle tranquille était stabilisant. Il a toujours été leur arme secrète.
1. The Abbey Road Medley
Sur le dernier album que le groupe ait jamais enregistré ensemble, bien que Let It Be ait été effectivement publié plus tard, ils ont dédié la dernière moitié à un seul grand medley – quelque chose que John Lennon détestait avec passion. Alors que Paul McCartney laissait son côté théâtral et expérimental s’épanouir, son vieil ami le considérait comme « [de la musique] pour que les mamies s’y retrouvent ».
C’est exactement pour cela que la pièce étendue est importante dans le parcours, cependant, car c’était vraiment la fin de la ligne. Au moment où ils sont arrivés à faire Abbey Road, les relations créatives, personnel
les et professionnelles au sein du groupe s’étaient complètement effondrées. Après avoir réalisé l’album, ils se sont presque précipités pour signer les papiers de la séparation, tous désireux de passer à autre chose. Le medley offre un indice parfait pour la musique de Wings ou des disques comme RAM que McCartney allait réaliser. ‘Here Comes The Sun’ de Harrison était un autre morceau anthémique qui mène parfaitement à son effort solo sur All Things Must Pass. L’attitude tranchante de Lennon et son agacement envers la frivolité du medley sont un aperçu de l’arête politique qu’il allait prendre. Et, comme toujours, Starr était juste heureux d’être là.
« Et à la fin, l’amour que vous prenez est égal à l’amour que vous faites », le groupe a sonné. Alors que la musique cédait la place et que les lumières s’éteignaient sur le plus grand groupe du monde, c’était une fin dramatique et appropriée pour un acte historique.
