Leonardo da Vinci è stato un polimatico, pittore, disegnatore, ingegnere, scienziato, teorico, scultore e architetto
Sebbene la sua fama fosse inizialmente basata sui suoi risultati come pittore, divenne noto anche per i suoi taccuini, in cui realizzò disegni e appunti su una varietà di argomenti, tra cui anatomia, astronomia, botanica, cartografia, pittura e paleontologia.
Il genio di Leonardo incarna l’ideale umanista del Rinascimento e la sua opera collettiva costituisce un contributo alle successive generazioni di artisti pari solo a quello del suo più giovane contemporaneo, Michelangelo. Leonardo è tra i più grandi pittori della storia dell’arte ed è spesso accreditato come il fondatore dell’Alto Rinascimento
Nonostante molte opere perdute e meno di 25 opere principali attribuite a lui – tra cui numerosi lavori incompiuti – ha creato alcuni dei dipinti più influenti dell’arte occidentale, come la famosissima“Monna Lisa” o“L’ultima cena“.
In questo articolo abbiamo selezionato 10 delle sue opere d’arte più emblematiche
1- La Gioconda
La Gioconda è un ritratto a mezzo busto dell’artista italiano Leonardo da Vinci. È considerato un capolavoro archetipico del Rinascimento italiano.
È stato descritto come “l’opera d’arte più conosciuta, più visitata, più scritta, più cantata, più parodiata del mondo“. Le qualità originali del dipinto includono l’espressione enigmatica del soggetto, la monumentalità della composizione, la sottile modellazione delle forme e l’illusionismo atmosferico.
Il dipinto è stato definitivamente identificato come raffigurante la nobildonna italiana Lisa Gherardini, moglie di Francesco del Giocondo
È dipinto a olio su una tavola di pioppo bianco lombardo. Leonardo non consegnò mai il dipinto alla famiglia del Giocondo e si ritiene che lo abbia lasciato per testamento al suo apprendista preferito Salaì
Si ritiene che sia stato dipinto tra il 1503 e il 1506; tuttavia, Leonardo potrebbe aver continuato a lavorarci fino al 1517. L’opera fu acquistata dal re Francesco I di Francia ed è ora di proprietà della Repubblica francese. Dal 1797 è esposta in modo permanente al Louvre di Parigi.
La Gioconda è uno dei dipinti più preziosi al mondo. Detiene il Guinness World Record per la più alta valutazione assicurativa di un dipinto nella storia, pari a 100 milioni di dollari nel 1962 (equivalenti a 870 milioni di dollari nel 2021).
Dopo la Rivoluzione francese, il dipinto fu trasferito al Louvre, ma trascorse un breve periodo nella camera da letto di Napoleone al Palazzo delle Tuileries. La Gioconda non era molto conosciuta al di fuori del mondo dell’arte, ma negli anni Sessanta del XIX secolo una parte dell’intellighenzia francese iniziò ad acclamarla come un capolavoro della pittura rinascimentale. Durante la guerra franco-prussiana (1870-1871), il dipinto fu trasferito dal Louvre all’Arsenale di Brest.
Nel 1911, il dipinto rimase impopolare presso il pubblico profano. Il 21 agosto 1911, il dipinto fu rubato dal Louvre. Il quadro fu perso per la prima volta il giorno successivo dal pittore Louis Béroud. Dopo una confusione sul fatto che il dipinto fosse stato fotografato da qualche parte, il Louvre fu chiuso per una settimana per indagare. Il poeta francese Guillaume Apollinaire fu sospettato, arrestato e imprigionato. Apollinaire coinvolse il suo amico Pablo Picasso, che fu portato in carcere per essere interrogato. Entrambi furono poi scagionati
Il vero colpevole fu il dipendente del Louvre Vincenzo Peruggia, che aveva contribuito alla costruzione della teca di vetro per il dipinto. Il furto fu compiuto entrando nell’edificio durante il normale orario di lavoro, nascondendosi in un ripostiglio delle scope e uscendo con il dipinto nascosto sotto il cappotto dopo la chiusura del museo.
Peruggia era un patriota italiano che riteneva che il dipinto di Leonardo dovesse essere restituito a un museo italiano. È possibile che Peruggia fosse motivato da un socio le cui copie dell’originale sarebbero aumentate notevolmente di valore dopo il furto del dipinto.
Dopo aver tenuto la Gioconda nel suo appartamento per due anni, Peruggia divenne impaziente e fu scoperto quando cercò di venderla a Giovanni Poggi, direttore della Galleria degli Uffizi di Firenze. Esposta agli Uffizi per oltre due settimane, la Gioconda tornò al Louvre il 4 gennaio 1914
Il ladro della Monna Lisa scontò sei mesi di carcere per il reato e fu acclamato per il suo patriottismo in Italia. Un anno dopo il furto, il giornalista del Saturday Evening Post Karl Decker scrisse di aver incontrato un presunto complice di nome Edward de Valfierno, che sosteneva di aver ideato il furto. Il falsario Yves Chaudron avrebbe creato sei copie del dipinto da vendere negli Stati Uniti, nascondendo l’ubicazione dell’originale[101]. Decker pubblicò questo resoconto del furto nel 1932.
2- L’Ultima Cena
L’Ultima Cena (Cenacolo) è un dipinto murale dell’Alto Rinascimento, datato 1495-1498 circa
Il dipinto raffigura la scena dell’Ultima Cena di Gesù con i Dodici Apostoli, come raccontato nel Vangelo di Giovanni, in particolare il momento in cui Gesù annuncia che uno dei suoi apostoli lo tradirà
La gestione dello spazio, la padronanza della prospettiva, il trattamento del movimento e la complessa rappresentazione delle emozioni umane ne hanno fatto uno dei dipinti più riconosciuti nel mondo occidentale e una delle opere più celebri di Leonardo. Alcuni commentatori lo considerano il cardine per inaugurare la transizione verso quello che oggi viene chiamato Alto Rinascimento.
L’opera fu commissionata come parte di un piano di ristrutturazione della chiesa e dei suoi edifici conventuali dal mecenate di Leonardo, Ludovico Sforza, duca di Milano. Per consentire un ritmo pittorico incostante e frequenti revisioni, l’opera è stata dipinta con materiali che consentivano modifiche regolari: tempera su gesso, pece e stucco
A causa dei metodi utilizzati, di vari fattori ambientali e di danni intenzionali, oggi rimane ben poco del dipinto originale, nonostante i numerosi tentativi di restauro, l’ultimo dei quali è stato completato nel 1999. Situata nel refettorio del convento di Santa Maria delle Grazie a Milano, l’Ultima Cena è la sua opera più grande, oltre alla Sala delle Asse.
3- L’Uomo Vitruviano
L’Uomo Vitruviano è un disegno datato intorno al 1490. Ispirato agli scritti dell’antico architetto romano Vitruvio, il disegno raffigura un uomo nudo in due posizioni sovrapposte con braccia e gambe divaricate e inscritte in un cerchio e in un quadrato.
Descritta dalla storica dell’arte Carmen C. Bambach come “giustamente classificata tra le immagini iconiche di tutti i tempi nella civiltà occidentale”, l’opera è una sintesi unica di ideali artistici e scientifici ed è spesso considerata una rappresentazione archetipica dell’Alto Rinascimento.
Il disegno rappresenta la concezione di Leonardo delle proporzioni corporee ideali, originariamente derivate da Vitruvio ma influenzate dalle sue stesse misure, dai disegni dei suoi contemporanei e dal trattato De pictura di Leon Battista Alberti.
Leonardo realizzò l’Uomo vitruviano a Milano e l’opera passò probabilmente al suo allievo Francesco Melzi. In seguito passò nelle mani di Venanzio de Pagave, che convinse l’incisore Carlo Giuseppe Gerli a inserirla in un libro di disegni di Leonardo, dando così ampia diffusione all’immagine fino ad allora poco conosciuta. In seguito fu di proprietà di Giuseppe Bossi, che ne scrisse, e infine fu venduta alle Gallerie dell’Accademia nel 1822, dove è rimasta da allora
A causa della sua sensibilità alla luce, il disegno è raramente esposto al pubblico, ma è stato prestato dal Louvre nel 2019 per la mostra che commemora il 500° anniversario della morte di Leonardo.
4- Salvator Mundi
Il Salvator Mundi (in latino, “Salvatore del mondo”) è un dipinto attribuito in tutto o in parte a Leonardo da Vinci, datato tra il 1499 e il 1510
Ritenuto a lungo una copia di un originale perduto velato da una sovradipintura, è stato riscoperto, restaurato e inserito in una grande mostra sull’opera di Leonardo alla National Gallery di Londra nel 2011-2012.
Christie’s ha dichiarato, subito dopo la vendita dell’opera, che la maggior parte dei principali specialisti la considera un’opera originale di Leonardo, ma questa attribuzione è stata contestata da altri specialisti, alcuni dei quali sostengono che egli abbia contribuito solo con alcuni elementi.
Il dipinto raffigura Cristo in un anacronistico abito blu rinascimentale, che si fa il segno della croce con la mano destra, mentre con la sinistra tiene un globo di vetro trasparente e non rifrangente, che indica il suo ruolo di Salvator Mundi e rappresenta la“sfera celeste” dei cieli. Sono state identificate circa trenta copie e varianti dell’opera realizzate da allievi e seguaci di Leonardo. Due disegni preparatori a gesso e inchiostro della tela di Leonardo sono conservati nella British Royal Collection.
Il dipinto è stato venduto all’asta per 450,3 milioni di dollari il 15 novembre 2017 da Christie’s a New York al principe Badr bin Abdullah, stabilendo un nuovo record per il dipinto più costoso mai venduto all’asta pubblica
Secondo quanto riferito, il principe Badr ha effettuato l’acquisto per conto del Dipartimento della Cultura e del Turismo di Abu Dhabi , ma da allora è stato ipotizzato che potesse essere un offerente per conto del suo stretto alleato, il principe ereditario saudita Mohammed bin Salman. Ciò fa seguito alle notizie diffuse alla fine del 2017 secondo cui il dipinto sarebbe stato esposto al Louvre Abu Dhabi e all’inspiegabile cancellazione dell’inaugurazione prevista per settembre 2018
L’attuale ubicazione del dipinto sarebbe sconosciuta, ma un rapporto del giugno 2019 affermava che era conservato sullo yacht di bin Salman, in attesa del completamento di un centro culturale ad Al-‘Ula, mentre un rapporto dell’ottobre 2019 indicava che potrebbe essere conservato in Svizzera.
5- Autoritratto
Il ritratto in gesso rosso di un uomo nella Biblioteca Reale di Torino è ampiamente accettato, anche se non universalmente, come autoritratto di Leonardo da Vinci. Si ritiene che Leonardo da Vinci abbia realizzato questo autoritratto intorno ai 60 anni
Il ritratto è stato ampiamente riprodotto ed è diventato una rappresentazione iconica di Leonardo come polimatico o “uomo del Rinascimento“. Nonostante ciò, alcuni storici e studiosi non sono d’accordo sulla vera identità del ritratto.
Il ritratto è disegnato con gesso rosso su carta. Raffigura la testa di un uomo anziano visto di tre quarti, con il volto rivolto verso lo spettatore. Il soggetto si distingue per i lunghi capelli e la lunga barba ondulata che gli ricadono sulle spalle e sul petto. La lunghezza dei capelli e della barba è insolita nei ritratti rinascimentali e suggerisce, come oggi, una persona accorta
Il viso ha un naso un po’ aquilino ed è segnato da profonde rughe sulla fronte e borse sotto gli occhi. L’uomo sembra aver perso i denti anteriori superiori, con conseguente approfondimento dei solchi delle narici. Gli occhi della figura non sono rivolti all’osservatore, ma guardano dritti davanti a sé, velati dalle lunghe sopracciglia
Il disegno è stato tracciato con linee singole e sottili, sfumate per ombreggiatura ed eseguite con la mano sinistra, come era abitudine di Leonardo. La carta presenta “segni di volpe” di colore marrone, causati dall’accumulo di sali di ferro dovuto all’umidità.
Nel 1839 Giovanni Volpato, un antiquario che potrebbe aver acquistato il disegno in Inghilterra o in Francia, lo vendette al principe Carlo Alberto di Sardegna insieme ad altri disegni di grandi artisti come Raffaello e Michelangelo. Si trova a Torino, nella Biblioteca Reale, e non è solitamente visibile al pubblico a causa della sua fragilità e del suo cattivo stato di conservazione.
6- La Vergine delle Rocce
La Vergine delle Rocce, o anche Madonna delle Rocce, è il nome di due dipinti di Da Vinci, dello stesso soggetto, con una composizione identica tranne che per alcuni dettagli significativi
La versione generalmente considerata la prima, la più antica delle due, non è stata restaurata e si trova al Louvre di Parigi. L’altra, restaurata tra il 2008 e il 2010, si trova alla National Gallery di Londra
Leopere sono spesso indicate rispettivamentecome la Vergine delle Rocce del Louvre e la Vergine delle Rocce di Londra. Entrambi i dipinti sono alti quasi 2 metri (oltre 6 piedi) e sono dipinti a olio. Entrambi erano originariamente dipinti su pannelli di legno, ma la versione del Louvre è stata trasferita su tela.
Entrambi i dipinti raffigurano Maria e il Bambino Gesù con il neonato Giovanni Battista e l’angelo Uriel, in un ambiente roccioso che dà il nome ai dipinti. Le differenze compositive significative riguardano lo sguardo e la mano destra dell’angelo
Le due opere differiscono per molti aspetti minori, come i colori, l’illuminazione, la flora e il modo in cui è stato utilizzato lo sfumato. Sebbene sia documentata la data di una commissione associata, la storia completa dei due dipinti è sconosciuta, il che porta a speculare su quale dei due sia anteriore.
Altri due dipinti sono associati alla commissione: pannelli laterali con un angelo che suona uno strumento musicale, ciascuno realizzato da collaboratori di Leonardo. Entrambi si trovano alla National Gallery di Londra.
7- Dama con l’Ermellino
La Dama con l’Ermellino è un ritratto attribuito a Leonardo da Vinci. L’opera, datata tra il 1489 e il 1491, è dipinta a olio su tavola di noce. Il soggetto è Cecilia Gallerani, amante di Ludovico Sforza (“Il Moro”), duca di Milano; Leonardo era pittore di corte della famiglia Sforza a Milano all’epoca della sua esecuzione. È il secondo degli unici quattro ritratti di donna dipinti da Leonardo, gli altri sono Ginevra de’ Benci, La Belle Ferronnière e la Gioconda.
La Dama in Ermellino è attualmente conservata al Museo Czartoryski di Cracovia ed è uno dei tesori nazionali della Polonia. Fa parte della Collezione dei Principi Czartoryski, venduta per 100 milioni di euro il 29 dicembre 2016 al governo polacco dalla Fondazione dei Principi Czartoryski, rappresentata da Adam Karol Czartoryski, ultimo discendente diretto di Izabela Czartoryska Flemming e Adam George Czartoryski, che portarono il dipinto in Polonia dall’Italia nel 1798.
8- Sant’Anna, la Vergine e il Bambino con l’agnellino
Sant’Anna, la Vergine e il Bambino con l’agnellino è un dipinto a olio incompiuto datato tra il 1501 e il 1519. Raffigura Sant’Anna, sua figlia, la Vergine Maria e il bambino Gesù
Il dipinto fu commissionato come pala d’altare principale per la chiesa della Santissima Annunziata di Firenze e il suo soggetto preoccupava da tempo Leonardo.
Il dipinto di Leonardo è allo stesso tempo piacevole, calmo e confuso ad un esame più attento. La composizione delle tre figure è piuttosto stretta, con la Vergine Maria che interagisce chiaramente con il Bambino Gesù
Esaminando più da vicino la sua posizione, si nota che Maria è seduta sulle ginocchia di Sant’Anna. Non è chiaro quale significato possa avere e quale significato Leonardo intendesse trasmettere con questa posa. Non esiste un chiaro parallelo in altre opere d’arte e le donne sedute in grembo non sono un chiaro riferimento culturale o tradizionale a cui lo spettatore possa riferirsi
Inoltre, sebbene non si conoscano le dimensioni esatte della Vergine Madre e di Sant’Anna, si può estrapolare dal dipinto che Sant’Anna è una persona significativamente più grande di Maria. Questa sottile ma percettibile distorsione delle dimensioni è stata utilizzata da Leonardo per enfatizzare il rapporto madre-figlia tra le due donne, nonostante l’apparente mancanza di indizi visivi sull’età avanzata di Sant’Anna, che altrimenti la identificherebbe come la madre. La ragazza tiene in mano un agnello
Vediamo anche che Maria guarda negli occhi il figlio, mentre Sant’Anna guarda Maria. Poiché Maria è seduta sulle sue ginocchia e Sant’Anna la guarda, è possibile che Leonardo volesse fare un’osservazione sul loro rapporto e sulle loro personalità.
9- Ginevra de’ Benci
Ginevra de’ Benci è un ritratto dell’aristocratica fiorentina del XV secolo Ginevra de’ Benci (nata nel 1458 circa). Esposto alla National Gallery of Art di Washington, è l’unico dipinto di Leonardo esposto al pubblico in America.
Ginevra de’ Benci, una giovane e nota ragazza fiorentina, è universalmente considerata la modella del ritratto. Leonardo dipinse il ritratto a Firenze tra il 1474 e il 1478, forse per commemorare il matrimonio di Ginevra con Luigi di Bernardo Niccolini all’età di 16 anni
Molto probabilmente commemora il fidanzamento. I ritratti femminili contemporanei venivano solitamente commissionati per una delle due occasioni: il fidanzamento o il matrimonio. Tradizionalmente, i ritratti di matrimonio venivano eseguiti in coppia, con la donna a destra, rivolta verso sinistra; essendo questo ritratto rivolto verso destra, è più probabile che raffiguri il fidanzamento.
L’albero di ginepro che circonda la testa di Ginevra, e che occupa gran parte dello sfondo, non ha solo una funzione decorativa. Nell’Italia rinascimentale, il ginepro era considerato un simbolo di virtù femminile, mentre la parola italiana per ginepro, ginepro, gioca anche sul nome di Ginevra.
Le immagini e il testo sul retro del pannello – un ramo di ginepro circondato da una corona d’alloro e di palma, commemorata dal motto latino Virtvtem Forma Decorat ( “La bellezza adorna la virtù“) – rafforzano l’identificazione del ritratto. La frase è intesa come simbolo dell’intricata relazione tra la virtù intellettuale e morale di Ginevra, da un lato, e la sua bellezza fisica, dall’altro. Il ramo di ginepro, circondato da alloro e palma, suggerisce il suo nome. L’alloro e la palma sono l’emblema personale di Bernardo Bembo, ambasciatore veneziano a Firenze, la cui relazione platonica con Ginevra è rivelata dalle poesie che si scambiarono
L’esame ai raggi infrarossi ha rivelato il motto di Bembo “Virtù e Onore” sotto quello di Ginevra, rendendo probabile che Bembo sia stato in qualche modo coinvolto nella commissione del ritratto.
Il ritratto è uno dei più importanti della National Gallery of Art ed è ammirato da molti per la sua rappresentazione del temperamento di Ginevra. Ginevra è bella, ma austera; non ha un accenno di sorriso e il suo sguardo, pur essendo diretto, sembra indifferente allo spettatore.
A un certo punto la parte inferiore del dipinto è stata rimossa, presumibilmente a causa di un danno, e si ritiene che le braccia e le mani di Ginevra siano andate perse.
10- La Scapigliata
La Scapigliata è un dipinto incompiuto generalmente attribuito a Leonardo da Vinci e datato tra il 1506 e il 1508
Dipinto a olio, ambra e biacca su una piccola tavola di legno di pioppo, la sua attribuzione rimane controversa, con diversi esperti che attribuiscono l’opera a un allievo di Leonardo. Il dipinto è stato ammirato per la sua bellezza accattivante, per il suo contegno misterioso e per la sua maestria nello sfumato.
Non esiste un vero e proprio consenso sul soggetto, la data, la storia o lo scopo del dipinto. Il dipinto mostra una donna non identificata che guarda verso il basso mentre i suoi capelli riempiono la cornice dietro di lei. Sono state proposte molte teorie sul soggetto: si tratterebbe di uno schizzo per un dipinto incompiuto di Sant’Anna; uno studio per la versione londinese della Vergine delle Rocce o per il dipinto perduto di Leonardo di Leda e il Cigno; oppure un dipinto deliberatamente lasciato incompiuto per il suo valore estetico.
Il dipinto è stato registrato nella vendita del 1826 della collezione di Gaetano Callani alla Galleria Nazionale di Parma, il museo in cui è attualmente conservato, ma le prove della sua esistenza possono essere fatte risalire al 1531, quando potrebbe essere stato di proprietà di Isabella d’Este
Sebbene molti studi sull’opera di Leonardo tacciano la questione, la maggior parte degli studiosi che analizzano il dipinto lo considerano un’opera autografa di Leonardo da Vinci, e come tale è stata catalogata in diverse grandi mostre leonardesche.
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