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Mo' Better Blues
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Género | music, Drama, DVD Movie, Spike Lee, trumpet, Blu-ray Movie, musician, Mo Better Blues, More Better Blues Ver más |
Formato | Formatos múltiples, Anamórfico, Closed-captioned, Color, NTSC, De pantalla ancha |
Contribuyente | Denzel Washington, Ruben Blades, Spike Lee, Robin Harris, Samuel L. Jackson, Giancarlo Esposito, Cynda Williams, Nicholas Turturro, Dick Anthony Williams, Bill Nunn, Wesley Snipes, Joie Lee, John Turturro Ver más |
Idioma | Inglés |
Tiempo de ejecución | 2 horas y 10 minutos |
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- Jungle Fever DVD | Spike Lee's | Region 4Wesley Snipes, Annabella Sciorra, Spike Lee, Ossie Davis, Ruby Dee, Samuel L. Jackson, John Turturro, Anthony Quinn, Halle BerryDVD
Descripción del producto
Academy Award-winning actor Denzel Washington gives a riveting performance in Spike Lee's breathtaking film on music and love. Talented trumpeter Bleek Gilliam (Washington) is obsessed by his music and indecisiveness about his girlfriends Indigo (Joie Lee) and Clarke (Cynda Williams). But when he is forced to come to the aid of his manager and childhood friend (Spike Lee), Bleek finds his world more fragile that he ever imagined. Stunning cinematography, a rousing score and superlative performances come together in this unforgettable feast for the senses.
Bonus Content:
- Production Notes
- Cast and Filmmakers
- Theatrical Trailer
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Detalles del producto
- Relación de aspecto : 1.78:1
- Descatalogado por el fabricante : No
- Clasificación de MPAA : R (Restricted)
- Dimensiones del producto : 0,7 x 7,5 x 5,4 pulgadas; 2,26 Onzas
- Número de modelo del producto : 3162867
- Director : Spike Lee
- Formato multimedia : Formatos múltiples, Anamórfico, Closed-captioned, Color, NTSC, De pantalla ancha
- Tiempo de ejecución : 2 horas y 10 minutos
- Fecha de lanzamiento : Diciembre 28, 2004
- Actores : Denzel Washington, Spike Lee, Wesley Snipes, Giancarlo Esposito, Robin Harris
- Productores : Spike Lee
- Idioma : Inglés (Dolby Digital 2.0 Surround), Francés, Español, Unqualified
- Estudio : Universal Pictures Home Entertainment
- ASIN : B0000549B2
- Escritores : Spike Lee
- País de origen : EE. UU.
- Número de discos : 1
- Clasificación en los más vendidos de Amazon: nº31,117 en Películas y TV (Ver el Top 100 en Películas y TV)
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Why is Trane's ubiquitous influence so important to Spike's film? Consider Spike's protagonist, Bleek, whose problem until the third act has been selfishness. He is asked by Shadow at one point if his problem might be that the only music he can hear is his own -- ironically using music as a shield against emotional vulnerability in his intimate relationships, we see Bleek as a womanizer, caring little for how his two women might feel knowing he is two-timing them, ignoring their needs and desires. He also shuts down his bandmate Shadow's quite natural desire to develop his own music instead of nurturing it. Coltrane, from the prime of his career when A Love Supreme was cut in '64, until he was cut down in the prime of his life by illness in '67, had become a kind of benchmark for spirituality, love and intellectual thought in the jazz scene. He changed things quite a lot for the jazz community, and specifically Black jazz musicians, who saw in him a purity of spirit and progressive thinking which younger musicians who looked up to him sought to emulate. I don't think it is going too far to say that Trane was and is revered as the apex of Black Conscious Jazz Musicianship, Love and Thought.
Thus, I would submit that Spike Lee's Coltrane symbolism in Mo' Better Blues is not merely ornamental, and it is a mistake to overlook it -- it is central to the missing piece of Bleek's personality, since we get the sense that he is not necessarily a terrible person trying to hurt people. He just doesn't know how to love anyone, and has become a selfish person when we meet him. So he womanizes and carries on as a kind of narcissistic musician who uses people. It is only when his best friend and lackey gets him into hot water -- really, it is Bleek himself who gets himself into hot water, through a show of friendship in defending his friend, one of the few signs we see of him showing love for another person -- that he suffers a fall from grace, a physical beating that he takes which leaves him unable to play music. The one thing that meant everything has been taken from him, and life has brought him to his knees. Humbled, he spends a year essentially living through a mental breakdown, until he realizes he can no longer play music. Then, he finds out that it is only love that will actually save his sorry ass -- it is Indigo, his perfect loving mate, who he two-timed and debased before, from whom he will now need to seek love, forgiveness, mercy and refuge.
We finally see Bleek redeemed in the final act -- no longer a working musician, perhaps, but as close as we can possibly see him get to the spiritual ideals propounded by Coltrane in his music and ideas to be found in A Love Supreme and throughout his work. (The same ideas, ahem, behind Bleek's giant poster on the wall that he's been casually ignoring throughout the movie.) We see Bleek marry Indigo in a beautiful outdoor Brooklyn ceremony surrounded by loving friends and family as A Love Supreme is playing. They have a child, who we see come into the world to A Love Supreme. All the while, it is as if Trane himself is omnipresent in the film, participating in Bleek's life, finally nodding with approval as he looks down from the heavens. Before this montage, we had not really heard Trane's music; now, he is on full blast.
Coltrane made incredibly cosmic music with his wife Alice; they had a son Ravi who became a great tenor and soprano sax player like his father, in his own way. Likewise, Bleek and Indigo have a son, aptly named Miles, who we see at the end of the film learning trumpet -- just as we saw at the start of the film back in '69, bookended moms Abbey Lincoln (legendary jazz singer and Max Roach's wife) and Joie Lee yelling out the window at the kids -- deja vu! Classic.
One final point to note: Spike Lee's father Bill Lee scored this film -- Bill Lee was an amazing jazz bass player who played on a ton of fantastic records on the legendary Strata-East label in the early '70s, including a record called The Descendants of Mike and Phoebe: A Spirit Speaks - a family band project consisting of Bill, his brothers and sisters in a group named after their slave ancestors. One of the songs is called "Coltrane" -- the same gorgeous tune he recorded as "John Coltrane" with Clifford Jordan on Jordan's epic Glass Bead Games album for Strata-East.
The Trane love runs deep in the Lee family. This film feels a little like Spike Lee's love song to his father, to jazz, and to Coltrane.
Being a jazz and blues fiend the music was amazing!! I thought I saw this movie years ago, but it really hit the mark for me!! 100 stars all the way around!! Do not miss! Do the right thing!!
That said, I would give it 2.5 stars for how the roles the women were reduced to in this movie. Bleek was a playa, a dog, and the women knew it, yet they put up with that anyway. Nothing Mo betta about that. Women with low self esteem allowing a man to dog them out and in the end, one woman ends up saving Bleek. The message sent to women is that she must put up or shut up. That she can't walk away from a man who is mistreating her. I wish one of those women, would have told Bleekk where to go. But No.. they continued to pander to his philandering ways. So 2.5 stars for that story line. 3.5 stars for the interaction between the musicians, and as for Giant's character? Ugh, that little gnat played by Spike Lee, Ugh, I wish I had a fly swatter to swat him out of the movie like the leech sucking gnat he was.
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MO’BETTER BLUES : des musiciens professionnels dans la jungle du business
Aller contre les clichés : assez vite, Spike Lee sait qu’il ne veut pas reprendre ceux qui, il est vrai, abondaient au cinéma concernant les Afro-américains. Faire un film sur des musiciens de jazz reviendra donc pour lui à ne surtout pas les montrer comme maudits, leur sort comme écrit d’avance et forcément tragique. Que montre-t-il ? Une nouvelle génération de musiciens professionnels, intègres jusqu’à un certain point et opportunistes jusqu’à un certain point mais professionnels. Cela implique qu’il les voit avant tout comme des travailleurs de la musique, soumis aux aléas d’un marché dans lesquels ils ne sont pas forcément en position de force pour négocier. La place des musiciens noirs – y compris dans un genre de musique qu’ils ont très largement contribué à définir et à entretenir – et l’écosystème dans lequel ils évoluent, l’économie du concert, tout cela l’intéresse. Mais pas uniquement bien sûr, puisqu’il y est au moins autant question des relations qu’entretiennent ces musiciens hommes avec des femmes, de leur maturité relative et de la façon dont ils vont réussir à l’acquérir. La conclusion de ce film aura dans cette perspective été beaucoup discutée, et nombreuses furent les critiques relatives au choix que semble faire Spike Lee pour son protagoniste principal. Il est vrai que la tension entre vie de couple et/ou familiale et vie pour son art, qui nourrit ce film autant que beaucoup d’autres sur des artistes, est ici résolu d’une façon apparemment bien conventionnelle. Faut-il pour autant reprocher vertement à Spike Lee d’avoir tellement voulu éviter le cliché du jazzman torturé et maudit – c’est ce qu’il aura reproché à Clint Eastwood d’avoir fait en montrant la vie de Charlie Parker dans Bird – qu’il est finalement allé à fond dans le cliché inverse ? Je me rappelle avoir lu un article du Monde, sans doute dû à son critique jazz attitré Francis Marmande (mais je n’en suis plus certain), qui laminait le film en assurant à quel point, tout à décrire la vie un peu médiocre de ces gentils garçons vaguement pro, Spike Lee multipliait les clichés et finissait justement par célébrer quelque chose de consensuel et de conformiste, en assainissant plus que de raison des vies qui avaient, de fait, le plus souvent été tortueuses. En dehors du fait qu’effectivement le cinéaste se penche sur une génération qui n’est pas la même et n’a pas la même place, aussi bien dans la société que dans le monde du spectacle et de la musique de jazz, on peut je crois se dire que, de fait, sa tentative de batailler contre les clichés n’est que partiellement aboutie. En revanche, je pense également qu’il est bon qu’il se soit trouvé un cinéaste non seulement pour montrer d’autres vies de jazzmen afro-américains, mais aussi pour documenter – même à sa façon, très idiosyncrasique – un moment dans la conquête d’une autre place et d’un autre statut pour les Afro-américains, y compris dans le domaine musical. Le personnage joué – très remarquablement – par Denzel Washington (trompettiste et leader du groupe) et celui joué – très bien aussi, avec sa nonchalance habituelle – par Spike Lee (son ami d’enfance et manager) sont faits pour contraster, et l’on peut trouver comme Marmande que c’est le personnage du manager un peu incompétent et par qui le malheur arrive qui est chargé à peu de frais. On peut également trouver comme beaucoup de commentateurs que la représentation des autres personnages de managers, ceux du club, est un peu limite – et en parlant d’aller contre les clichés, on voit bien que Spike Lee ne va pas toujours contre tous quand il s’agit d’autres communautés que la sienne. Cela dit, quoi qu’il y ait de discutable, quelle que soit la façon dont on appréhende la fin et son éventuelle morale bien-pensante, Mo’Better Blues contient de nombreuses scènes bien senties sur la vie des musiciens, sur la situation économique des jazzmen afro-américains, sans parler des scènes de club toujours bonnes à prendre. L’essentiel se joue en outre comme toujours avec Spike Lee dans les relations interpersonnelles, amoureuses ou amicales, et Mo’Better Blues est de ce point de vue pleinement un film de son auteur. Il est à noter que c’est le quartet de Branford Marsalis qui assure les parties jouées en club, avec le fidèle Terence Blanchard à la trompette – à l’époque c’était encore Kenny Kirkland qui tenait le piano dans ce quartet (cf. par exemple leur très bel album Requiem), mais le seul musicien du quartet à apparaître à l’écran est le batteur Jeff Tain Watts. Mais plus que les compositions du Quartet, c’est comme par hasard lorsque Spike Lee convoque les maîtres que le film prend de l’ampleur – il en va ainsi du moment où il donne toute sa place au thème d’Ornette Coleman, Lonely Woman, qui éclate après la gentille musiquette entendue en concert juste avant. Quant à A Love Supreme, auquel il donne une place de choix, il rappelle entre autres que si la trompette est l’instrument du héros et si son fils s’appelle Miles, le héros de tous ces musiciens est bien John Coltrane. Spike Lee avait demandé à Alice Coltrane la permission d’intituler son film comme cela, mais elle a refusé au motif que le scénario était trop profane, pas assez spirituel. Il aura néanmoins eu le droit de le citer à la fin, et l’on voit Coltrane à tous les tournants dans le film.
JUNGLE FEVER : fièvre sur Manhattan (et Brooklyn)
Régis Dubois rappelle opportunément dans un des suppléments que Jungle Fever se saisit de plusieurs sujets, pas uniquement de celui, plus central comme il l’était déjà dans Do the Right Thing, des relations intercommunautaires et interraciales – et notamment, pour la première fois alors qu’il s’agissait de son cinquième film, de la drogue : Spike Lee prenait mal à l’époque qu’on lui demande fréquemment pourquoi elle n’avait pas de place dans ses films. En le faisant ici pour la première fois, il ne fait pas que céder aux stéréotypes attendus. Jungle Fever est sans doute un des premiers films montrant l’essor d’une bourgeoisie noire moyenne et supérieure, mais il était sans doute hors de question pour lui de montrer uniquement cela, de ne pas faire dans le même temps un sort aux ravages des années 80, de la paupérisation à la remise en question de l’Etat-providence. Dubois rappelle en outre que l’acteur à qui il demande de jouer le fils drogué est Samuel Jackson, sortant lui-même à peine de désintoxication. Le choix de l’acteur n’a sans doute pas été pour rien dans la décision de Spike Lee de développer ce personnage – sa prestation est remarquable, et d’ailleurs il fait partie des rares acteurs qui ont remporté un prix d’interprétation à Cannes pour un second rôle. Quoi qu’on pense de certains de ses effets de style, c’est d’ailleurs grâce à l’interprétation que ses films emportaient alors le morceau : Jungle Fever est à cet égard pas loin d’être exceptionnel, avec un de ses castings les plus uniment remarquables – de Wesley Snipes et Annabella Sciorra, pour ce qui restera comme un des tout meilleurs rôles de leur carrière respective, à Anthony Quinn, Tim Robbins et Brad Dourif en seconds rôles de luxe. Dans celui de ses films qui questionne le plus stéréotypes et préjugés, Spike Lee donne toute sa place à sa parole, en osant même de longues scènes de conversation en plein milieu du récit. La franchise des points de vue qui s’y expriment était à peu près inédite au cinéma à l’époque, ou plus exactement dans aucun autre film on ne s’était autant étendu sur de telles questions. Mais cette franchise des points de vue est-elle aussi une franchise du point de vue du cinéaste ? A en croire la fin qu’il a choisie – qu’on lui a reproché, tout autant que celle de Mo’ Better Blues, d’ailleurs – la réponse est oui.
CLOCKERS : dans la jungle urbaine
A l’orée de l’excellent texte du livret accompagnant l’édition BQHL de Clockers, signé Marc Toullec, il y a le résumé de ce que j’en pense : « Certainement pas le plus connu des films de Spike Lee, mais néanmoins l’un des plus attachants, des plus originaux dans la démarche sociale de l’auteur qui, en rejetant tous les clichés d’usage, brosse le portrait d’un jeune dealer, un enfant perdu que les circonstances amènent à prendre conscience de sa dérive. Un constat lucide, mélancolique, en opposition radicale à tout ce qui se fait alors dans le cinéma urbain américain. » Richard Price s’était documenté très longuement avant d’écrire un roman, Clockers – autant enquête sociologique que roman, en tout cas nourrie aux sources les plus précises : on ne peut que rappeler que Richard Price fut par la suite un des maîtres d’œuvre de la série The Wire / Sur écoute et qu’il partage cette approche avec David Simon. Clockers ayant très vite été un grand succès de librairie, Universal acheta les droits du livre et souhaitait en faire un film de prestige pour le studio : ce fut Martin Scorsese qui s’attela au projet en partenariat avec Price. Alors que Casino se profilait, Scorsese laissa le projet à un autre. Cet autre, ce devait être Spike Lee, mais il fut plus que réticent. En vertu de ce que j’avançais plus haut, et même s’il reconnaissait des qualités au scénario tiré du roman de Price, il le trouvait encore trop inféodé à des conventions et clichés qu’il ne souhaitait pas servir. « Pour moi, Clockers n’était à ce stade qu’un film policier de plus, construit sur un personnage qui, prenant de l’âge, arrive à la retraite. Tout le scénario avait été écrit en fonction de lui, alors que, dans son livre, Richard Price donnait autant d’importance à Strike, le dealer qu’il essaie de coincer. Du scénario écrit par Richard Price et Martin Scorsese, j’ai changé le point de vue dominant. De celui de Rocco Klein, je suis passé à celui de Strike. » Après que Robert de Niro, pressenti pour le rôle de Klein, avait quitté le navire, Lee voulait John Turturro, avec qui il avait déjà tourné deux fois. Le studio refusa, et ce fut Harvey Keitel qui reprit le rôle, Turturro jouant le rôle de son partenaire. Spike Lee réussit néanmoins à imposer les deux autres acteurs principaux, le nouveau venu Mekhi Phifer et Delroy Lindo. Ils sont tous les deux excellents, et l’on ne peut là aussi que se dire que Spike Lee a tout de même le plus souvent le génie du casting. Dans Clockers, on est en permanence en terrain connu et dans un léger décentrement du regard. Cette vision, de la jungle urbaine, des petits trafiquants et de leurs relations avec la police notamment, elle est comme l’avance Toullec d’une belle mélancolie, lucide sans faire dans la dénonciation massive, pas dénuée de romanesque mais pas pour autant alourdie par un romantisme de pacotille. Au bout du compte, même s’il y a comme toujours chez Spike Lee quelques effets dont on aurait pu se passer ou une démonstration un peu excessive par certains aspects, l’équilibre me semble dans ce film très enviable. A aucun moment le cinéaste ne s’est renié dans ce film, ni thématiquement ni stylistiquement – il s’agit d’une œuvre de commande au meilleur sens du terme, quand un auteur se saisit d’une matière qu’il retravaille à sa façon et assimile complètement afin de la faire complètement sienne. Il y a bien quelques éléments un peu hétérogènes dans ce film, qui prennent plus ou moins bien, mais après tout le cinéma de Spike Lee est hétérogène : c’est peut-être sa limite mais c’est aussi sa force.
EDITIONS DVD + BLU-RAY FRANCAISES 2020 : ELEPHANT FILM (MO’BETTER BLUES & JUNGLE FEVER) / BQHL (CLOCKERS)
Elephant Films sort des « combos » dvd + blu-ray, tandis que BQHL sort des éditions séparées.
Sur la qualité des masters : 1) les masters pour les deux films ressortis par Elephant sont excellents et améliorent bien les éditions dvd précédentes – la photographie souvent un peu diffusée des films de Spike Lee est très bien traitée, et les couleurs passent parfaitement. Le son est à l’avenant 2) le master de Clockers n’est pas d’aussi bonne qualité – sans être scandaleux, il est tout de même trop granuleux, et certains plans non seulement affichent trop de grain mais aussi pour certains beaucoup trop de bruit numérique. Les scènes de nuit ne passent pas toutes bien (et il y en a un certain nombre). A vrai dire, il m’a semblé que le master était exactement le même que celui du blu-ray allemand sorti il y a quatre ans, pas d’amélioration à attendre par rapport à ce qui existait ailleurs avant. Cela dit, même en étant loin d’être parfait, on voit le film dans d’assez bonnes conditions.
L’accompagnement des films est dans l’ensemble plutôt bon. Un livret intéressant accompagne chacun des films – il s’agit du même, signé Stephen Sarrazin, pour Mo’Better Blues et Jungle Fever, qui couvre les deux films. Celui sur Clockers, plus fourni, est exactement ce qu’on peut attendre d’un texte sur un film tel que celui-là : informatif et précis sur la plupart des aspects. Dans les éditions Eléphant, il y a également en bonus vidéo des éclairages sur les films par Régis Dubois, auteur de la première monographie sur Spike Lee en français.
Il est par ailleurs à noter qu’il existe beaucoup d’éditions de Do the Right Thing mais que pour les amateurs de ce film, pour peu qu’ils soient anglophones, il vaut vraiment mieux se porter sur la nouvelle édition Criterion en blu-ray. Celle-ci existe aux Etats-Unis bien sûr, mais aussi en Grande-Bretagne. S’assurer qu’il s’agit bien d’un Criterion zone B sorti en août 2019 (avec l’indication de certificat de classification au recto de la jaquette, les éditions américaines zone A ne portant pas une telle classification). Aussi bien sur le plan de la qualité du master que sur celui des nombreux suppléments, cette édition vaut le détour.
Un détail qui n’en est pas un : les sous-titrages des deux versions de Clockers (blu-ray allemand, nouveau blu-ray français) sont aussi médiocres l’un que l’autre. Dans le premier, alors qu’il vient de subir une fouille au corps de la part de policiers, le jeune héros dit ‘I change my drawers every day’, traduit par « Je vide mes tiroirs tous les jours » (sic). Dans la nouvelle édition, cette phrase est correctement traduite mais alors que l’on voit écrit plusieurs fois à l’écran à côté d’un pistolet ‘No more packing’, la traduction affiche « Plus de conditionnement ». Une telle méconnaissance de l’anglais et un tel manque de réflexion sur ce qui s’exprime laissent pantois. Mais peut-être sont-ce des machines qui font l’essentiel du boulot. Bref, merci aux éditeurs d’avoir au moins des relecteurs des traductions avant de sortir quelque chose : une telle médiocrité est difficilement excusable.
The film does a fair job of capturing the banter of musicians and the degree of dedication to good musicianship, while putting relationships and loyalty to friends under strain; it's a little over-long, but is ultimately a very enjoyable movie and certainly one all jazz fans should have in their collection.
It's a shame there are no proper extras to support the film.
The standard UK DVD has English subtitles available, but only a couple of text-based items – production notes and cast & film-makers details.
qu'en Anglais pour sourd et mal entendant ce qui fait que si vous ne comprenez pas
l'anglais ou ne le lisez pas ça n'est plus vraiment intéressant en plus beaucoup
de mots en argots américain ce qui fait qu'il faudrait presque un dictionnaire
pour le regarder en plus il est recommandé pour des gens agés de plus de 18 ans
mais par contre très bon film sur le jazz interprété par une belle collection d'acteur
"Denzel Washington , Spike Lee ,Wesley Snipe , Giancarlo Esposito , John Turturo
j'en oublie certainement et le tout sur une bande son représentant le Brandford Marsalis Quartet