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El primer trabajo como actriz de Michelle Williams (Montana, 1980) fue en 'Los vigilantes de la playa', cuando con 12 años invitaba a una fiesta al hijo de Mitch Buchannon (David Hasselhoff). A los 13 interpretó a una de las niñas de 'Lassie' (1994) y tenía 17 cuando Steven Spielberg la veía con sus hijos en la serie juvenil 'Dawson crece'. Para entonces sus padres le habían concedido legalmente la emancipación para que pudiera trabajar tantas horas como un adulto y no tuviera que ir acompañada de uno a los rodajes. Vivía ya sola en Los Ángeles.
Su primer papel importante le llegó de la mano de Wim Wenders en 'Tierra de abundancia' (2004), pero la película que cambió su vida fue 'Brokeback Mountain' (2005). Allí conoció a Heath Ledger, con quien tuvo una hija, y de cuya muerte le costó 10 años recuperarse. De alguna manera, su carrera ha estado marcada por esa tragedia y todas sus interpretaciones desde entonces emanan un profundo poso de tristeza. Desde 'Wendy y Lucy' (2008), la primera de sus cuatro colaboraciones con Kelly Reichardt, hasta 'Shutter Island' (2010), 'Blue Valentine' (2010), 'Mi semana con Marilyn' (2011), donde el papel de la Monroe le iba como anillo al dedo, o 'Manchester frente al mar' (2016). Ninguna actriz de su generación ha manejado la melancolía y el drama con la contención y emoción con que lo hace ella.
El proyecto de su vida
Fue precisamente su personaje en 'Blue Valentine' el que le hizo pensar a Spielberg que ella podría interpretar a su madre, Leah Adler, cuando rodara su autobiografía. Porque el director llevaba años dando vueltas a la idea de contar la historia de su infancia. Sus padres, fallecidos en 2017 y 2020, le habían estado empujando a ello. Pero hubo que esperar al confinamiento para que, con 'West Side Story' ya rodada, se pusiera a escribir el guion de la película de su vida.
Fotogramas: Trabajar con un director como Steven Spielberg es un hito en la carrera de una actriz. Interpretar a su propia madre, con lo que implica, debe de serlo aún más. ¿Cómo ha vivido esta experiencia?
Michelle Williams: Solo escuchar la pregunta me emociona. Me hace darme cuenta, una vez más, de lo que esto significa para él como artista y para mí como actriz. De alguna manera estoy conectada a su adorada madre para siempre, y no habrá un solo día en que no sienta esto como algo extraordinario. Me siento agradecida porque mi vida se haya cruzado con la suya y la de su madre por un tiempo. De que hayamos podido traerla de vuelta y hacer que algo suyo permanezca en la pantalla para siempre. Empecé a actuar a los 12 años, he hecho esto desde que tengo uso de razón. He trabajado mucho, aprendiendo y aprendiendo, haciendo anuncios, repitiendo frases 30 veces al día durante años. Así que estar hablando contigo de esto me parece un cuento de hadas.
FG: ¿Cómo fue el trabajo para preparar el papel? ¿Qué información le dio de su propia madre el director?
MW: Me abrió los tesoros de su familia: álbumes de fotos, grabaciones caseras, cintas de audio… Me habló de sus recuerdos, de cómo hablaba y decía algunas frases, compartió con nosotros cuáles eran sus pendientes favoritos, sus perfumes… Aunque no creo que nadie pudiera olerlos porque llevábamos mascarilla. Nos abrió su corazón y nos pidió que entráramos en él: a mí, a Paul Dano, a Gabriel LaBelle, a las niñas que interpretan a nuestras hijas… Lo ensanchó tanto que nos metió a todos dentro y allí hemos estado con él, en ese lugar sagrado, recorriendo juntos el camino hacia su infancia. Y ahora que todo ha terminado y ya no mantenemos ese vínculo diario, los echo de menos. Cada vez que nos despedimos después de un evento vuelve a darme pena. Debió de ser difícil para el director rodar escenas tan íntimas de su familia.
FG: ¿Cómo reaccionaba antes sus interpretaciones, las de Paul Dano y Seth Rogen?
MW: Recuerdo el primer día de rodaje con Paul, en la primera escena. No habíamos ensayado juntos, lo habíamos hecho cada uno por nuestro lado, así que en ese preciso momento no sabía si estábamos yendo en la buena dirección, y estaba preocupada. Cuando Steven gritó: "¡Corten!" vi que estaba llorando. Me sentí aliviada porque pensé que estaba funcionando, que íbamos por el buen camino.
FG: ¿Cuál fue esa primera escena que rodaron?
MW: La que están los padres con sus hijas viendo una película casera que Sammy, el niño protagonista, ha rodado con sus amigos de los Scouts. El mundo mágico de Spielberg se funde en este caso con su propia vida.
FG: ¿De qué manera conviven realidad y ficción? ¿Tenían que preguntarle: "¿Esto realmente pasó?" cuando estaban en el set?
MW: En la recreación de la casa se ha tenido en cuenta hasta el último detalle de su infancia, así que sentí que aquello era como un templo, como un lugar sagrado reconstruido. Y la atmósfera estaba impregnada de esa emoción y esa energía. A lo mejor tenía que rodar una escena en la cocina, pero podía prepararla en mi propia habitación, porque la casa era tal cual. Y podía moverme por el espacio como si fuera verdaderamente la madre de la familia, podíamos entrar en los dormitorios de mis hijos, aprendernos nuestras líneas en el comedor… Todos estábamos en casa. En su casa. Estábamos con la persona que había vivido todas esas cosas. Se derramaron muchas lágrimas.
Madre de Spielberg
FG: Cuando se interpreta a una persona real existe un margen de creación limitado. Más en este caso. ¿Qué ha aportado a Mitzi? ¿Le costó dar con el tono de una mujer llena de claroscuros?
MW: Pienso mucho en el tono cuando paso de un director a otro porque es lo que caracteriza a cada uno. Tienes que ser capaz de moldearte y de habitar mundos distintos. Creo que para dar con ese tono preciso es importante conocer el trabajo del director y entender lo que trata de imprimir a lo que hace. Al fin y al cabo, ese es su legado. Así que tienes que saber de dónde viene, cuál es su historia personal, qué le inspira, qué le mueve… Estas cosas son realmente útiles. Me ocurre, por ejemplo, cuando trabajo con Kelly Reichardt, a quien siempre pregunto qué ha estado viendo últimamente, porque me ayuda a saber qué se está cocinando en su interior. Así que creo que adquirir el tono requiere mucha preparación. Al mismo tiempo, también es algo que se puede ajustar en el momento en función de lo que el director vea. Estudié mucho el tono que debía adoptar basándome en las películas anteriores de Steven y en base a lo que él me había contado de su madre.
FG: Ha trabajado con directores como Martin Scorsese, Ridley Scott, Todd Haynes, Ang Lee… ¿Qué hace a Spielberg diferente al resto?
MW: Es el director que está más abiertamente conectado con su infancia. Creo que esa etapa es una fuente inagotable de generar alegría y tristeza. Porque todos recordamos el momento en que nuestra infancia terminó, cuándo se vino abajo porque una conciencia adulta se coló en la cabeza de ese niño. Y esa crisis tiene muchas posibilidades creativas. Yo ahora, que soy madre de tres hijos, estoy muy conectada con mi infancia, tengo ese asunto muy presente. Así que ese terreno por el que él todavía está caminando es algo en lo que últimamente pienso constantemente, porque quiero que ese lugar cálido dure para mis hijos. Muchos adultos tratan de sepultar su infancia y, en su caso, es algo que lleva completamente al descubierto.
FG: La película comienza con Sammy/Spielberg yendo al cine por primera vez. ¿Recuerda cuándo lo hizo usted?
MW: La verdad es que no, pero sí me vienen muchos momentos viendo películas de Steven. Recuerdo, eso sí, la primera vez que fui al teatro porque fue muy impactante para mí ver los cuerpos moverse en directo. Pensé: "Quiero estar ahí haciendo lo que ellos hacen". Y recuerdo la sensación de estar casi levitando pensando que había gente que te transportaba a otros lugares. Era una producción muy pequeña, pero tuvo el poder de hablarme de las grandes cosas del espíritu humano. Todos cargamos con muchas cosas en nuestra vida, y cuando veo una función de teatro o una película recuerdo mi propio poder como artista, mi capacidad de capturar un momento y convertirlo en algo grande para alguien, y hacerle sentir que puede ser lo que quiera. El cine y el teatro nos ofrecen la posibilidad de ver lo grandes que podemos ser.
FG: ¿Cuál de sus trabajos la ha marcado más?
MW: Los que me han traído a mis hijos y me han llevado a mí hacia ellos: 'Brokeback Mountain' y 'Fosse/Verdon', donde conocí a mi marido (el director Thomas Kail) con quien ahora tengo dos niños. Esos dos proyectos impactaron no solo en mi carrera, sino en mi vida. Siento mucho cariño también por 'Wendy y Lucy', porque me hizo conocer a Kelly Reichardt, con quien he colaborado mucho ('Meek’s Cutoff', 'Certain Women: Vidas de mujer' y 'Showing Up'). Ella es un milagro y ser parte de esas cuatro películas es, probablemente, mi contribución más valiosa a este arte.
Laura es crítica de cine y periodista cultural. La primera vez que fue al cine vio ‘E.T. el extraterrestre’, y eso no se olvida nunca. Ha escrito sobre teatro, música, arte, fotografía, arquitectura y gastronomía en ‘Elle’ y ‘Harper’s Bazaar’. En ‘Fotogramas’ se especializa en lo que podríamos llamar ‘cine de autor’, aunque toca todos los palos.
Estudió Periodismo en la Universidad Complutense de Madrid y se especializó en el conflicto en Irlanda del Norte en la Queen University of Belfast. Lo que le llevó a verse ‘Agenda Oculta’ (Ken Loach, 1990), ‘En el nombre del padre’ (Jim Sheridan, 1997), ‘Bloody Sunday’ (Paul Greengrass, 2002) y todas las películas que tuvieran que ver con el IRA.
Viajó a Cuba para estudiar en la EICTV (Escuela Internacional de Cine y Televisión) de San Antonio de los Baños, donde vio mucho cine latinoamericano y bebió demasiados mojitos. También rodó un documental en la isla lleno de personajes maravillosos. Uno de sus primeros trabajos fue en el canal de televisión ‘Cineclassics’, donde coescribió el documental ‘El cine durante la Guerra Civil Española’.
Adora ‘El imperio del sol’ (Steven Spielberg, 1987), ‘Drácula de Bram Stoker’ (Francis Ford Coppola, 1992), ‘Thelma & Louise’ (Ridley Scott, 1992) y ‘La edad de la inocencia’ (Martin Scorsese, 1993). Pero, en general, siente predilección por las películas pequeñas que cuentan historias en las que nadie se fijaría si se las cruzara por la calle. Le gusta ese cine que vive más allá de los márgenes del entretenimiento.
Ha coescrito el libro ‘Cine y Moda’ (Ed. Pigmalion Edypro) y a lo largo de su carrera ha entrevistado a intérpretes y cineastas como Helen Mirren, Al Pacino, Jessica Chastain, Isabelle Huppert, Juliette Binoche, Julianne Moore, Hirokazu Koreeda, Sam Mendes, Jonathan Glazer, Margot Robbie, Ryan Gosling, Jude Law o Hugh Jackman.
