M E Y E R O W I T Z
Eine Retrospektive
In Kooperation mit der Howard Greenberg Gallery (NYC) und anlässlich des 85. Geburtstags des Fotografen präsentiert die Werkstattgalerie Hermann Noack eine große Joel Meyerowitz Retrospektive mit dem Titel M E Y E R O W I T Z.
In seinem so vielseitigen wie einflussreichen Œuvre, das sich über mehr als sechs Jahrzehnte erstreckt, hat Meyerowitz die philosophische Komplexität der Fotografie und deren poetisches Potential auf verschiedenste Weise erkundet. Die Ausstellung zeigt eine Auswahl von über hundert Arbeiten, die verschiedenen Phasen seines umfangreichen Werkes entstammen.
It is our invisibility that helps us get away with stealing fire from the gods beschreibt Meyerowitz eine von ihm und anderen praktizierte Arbeitsweise, sich unauffällig in eine Umgebung einzufügen, um alltägliche Szenen fotografisch einzufangen. Es gelte durch geduldiges Sehen und besondere Wachheit, ein Erleben gesteigerter Wahrnehmung abzuwarten, in dem ein Augenblick sich auszudehnen scheint und sich die ungeregelte Zeit in einer tieferen Ordnung offenbart. Das sei der richtige Moment, um auf den Auslöser zu drücken.
Die Anspielung auf die Anmaßung der antiken Mythengestalt Prometeus, den Göttern das Feuer zu stehlen, um es den Menschen zuteil werden zu lassen, ist treffend. Es ist jenes Gefühl der Stille, das Meyerowitz in seinen Fotografien evoziert, das eine einfühlsame und zugleich analytisch distanzierte Perspektive auf die sichtbare Wirklichkeit und die Bedingungen unserer Wahrnehmung ermöglicht. Eine atmosphärisch eng verwandte Reflexion menschlicher Erfahrung und deren Gebundenheit an das Mysterium der Zeit findet sich in den Gemälden Edward Hoppers, mit dem ihn außerdem sein erstaunliches Gespür für Raumtiefe und Licht verbindet. Mit dieser Ästhetik, im alltäglich Sichtbaren weitere Bedeutungsebenen zu erschließen, knüpft Meyerowitz an die Programmatik des Amerikanischen Realismus an, dem auch Hopper zugeordnet wird.
Als Joel Meyerowitz in den 1960er Jahren zu fotografieren beginnt, ist die Fotografie als künstlerisches Medium noch wenig etabliert. Er avanciert zu einem Protagonisten der Street Photography, immer unterwegs auf den Straßen New Yorks. Geduld, Instinkt und Empathie für den Moment werden zur künstlerischen Strategie.
Menschen zwischen den Hochhäusern der Fifth Avenue, eine Frau an der Bar, ein Kind in der Menschenmenge – die entstandenen Fotos wirken weder geplant noch inszeniert und offenbaren doch eine bildimmanente Logik. Dinge und Menschen wirken im Bildaufbau melodisch zueinander in Beziehung gesetzt. Dabei grenzt er sich stilistisch schon früh von Vorbildern wie Frank Stella und Henri Cartier-Bresson ab. Seine künstlerische Eigenständigkeit wird bereits 1968 mit einer Einzelausstellung im Museum of Modern Art in New York gewürdigt.
In einer Zeit, in der einzig die Schwarz-weiss-Fotografie als seriöses Medium für Kunst und Journalismus galt, fotografiert er von Beginn an in Farbe. Nach einem Aufenthalt in Europa beginnt er auch mit Schwarz-weiss-Fotografie zu experimentieren, wendet sich aber schließlich ganz der Farbfotografie zu.
Mitte der Siebzigerjahre wechselt er von der 35mm Kleinbildkamera zur 8×10 Plattenkamera, um mehr Detailschärfe auf größeren Formaten zu erreichen. Es kehrt eine neue Ruhe in sein Werk ein, eine künstlerische Entwicklung, in der er sich auch der Landschaft zuwendet. Sein fotografischer Blick wird forschend, fast sezierend, er legt es technisch versiert und mit meditativ anmaßender Geduld darauf an, selbst kleinste Nuancen von Licht und Farben sichtbar zu machen. Es entstehen Aufnahmen, die von ungeheurer farblicher Intensität zeugen und ihn zum Wegbereiter für die Farbfotografie als ernsthafte künstlerische Ausdrucksform machen. Seine Serie Cape Light, in der er achromatische Variationen des Lichts am Cape Cod untersucht, gilt als ikonisch. Der 1979 erschienene gleichnamige Katalog ist ein Klassiker der Fotografiegeschichte.
Obgleich der enormen Bandbreite seines Werkes, das Straßenfotografie, Landschaften, Porträts, Dokumentarfotografie und Stillleben umfasst, ist Joel Meyerowitz‘ sehr eigene ‚Art des Sehens‘ in seinen Bildern immer präsent und erschließt ein tieferes Eindringen in die sichtbare Wirklichkeit. Damit hat er zur Etablierung der Farbfotografie als Kunstform wesentlich beigetragen und unser Verständnis von moderner Fotografie geprägt wie kein anderer.
M E Y E R O W I T Z
A Retrospective
In cooperation with Howard Greenberg Gallery (NYC) and on the occasion of the photographer’s 85th birthday, Werkstattgalerie Hermann Noack presents a major Joel Meyerowitz retrospective entitled M E Y E R O W I T Z.
In his versatile and influential oeuvre spanning more than six decades, Meyerowitz explored the philosophical complexity of photography and its poetic potential in a variety of ways. The exhibition features a selection of over hundred works drawn from various phases of his extensive oeuvre.
„It is our invisibility that helps us get away with stealing fire from the gods“ is how Meyerowitz describes a way of working practiced by him and others of inconspicuously blending into an environment in order to photographically capture everyday scenes. According to him it was a matter of patient seeing and special alertness to wait for an experience of heightened perception, in which a moment seems to expand and unregulated time reveals itself in a deeper order. This was the right moment to press the shutter.
The allusion to the presumption of the ancient mythical figure Prometeus to steal fire from the gods in order to give it to man is apt. It is that sense of stillness that Meyerowitz evokes in his photographs that provides an empathetic yet analytically detached perspective on visible reality and the conditions of our perception. An atmospherically closely related reflection of human experience and its ties to the mystery of time can be found in the paintings of Edward Hopper, with whom he is also linked by his astonishing sense of spatial depth and light. With this aesthetic of opening up further levels of meaning in the everyday visible, Meyerowitz ties in with the program of American Realism, to which Hopper is also assigned.
When Joel Meyerowitz began taking photographs in the 1960s, photography was still little established as an artistic medium. He became a protagonist of street photography, always on the move on the streets of New York. Patience, instinct and empathy for the moment became his artistic strategy.
People between the skyscrapers of Fifth Avenue, a woman at a bar, a child in the crowd – the resulting photos seem neither planned nor staged and yet reveal an immanent pictorial logic. Things and people seem melodically related to one another in the composition of the images. In doing so, he stylistically distinguished himself early on from role models such as Frank Stella and Henri Cartier-Bresson. His artistic independence was recognized as early as 1968 with a solo exhibition at the Museum of Modern Art in New York.
At a time when only black-and-white photography was considered a serious medium for art and journalism, he photographed in color from the beginning. After a stay in Europe, he also begins to experiment with black-and-white photography, but eventually turns entirely to color photography.
In the mid-seventies, he switches from the 35mm 35mm camera to the 8×10 plate camera in order to achieve more sharpness of detail on larger formats. A new calm enters his work, an artistic development in which he also turns to the landscape. His photographic gaze becomes exploratory, almost dissecting, he sets out to make visible even the smallest nuances of light and color with technical skill and meditatively presumptuous patience. The result is photographs of tremendous color intensity that make him a pioneer of color photography as a serious form of artistic expression. His Cape Light series, in which he explores achromatic variations of light on Cape Cod, is considered iconic. The catalog of the same name, published in 1979, is a classic in the history of photography.
Despite the enormous range of his work, which includes street photography, landscapes, portraits, documentary photography and still lifes, Joel Meyerowitz’s very own ‚way of seeing‘ is always present in his images and opens up a deeper penetration into visible reality. In this way, he has made a significant contribution to establishing color photography as an art form and has shaped our understanding of modern photography like no other.