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BELLAS ARTES: MUSICA EXPERIMENTAL

REPUBLICA DE PANAMÁ DIRECCIÓN REGIONAL DE PANAMÉ ESTE MNISTERIO DE DUCACION CENTRO EDUCATIVO DE TORTI BACHILLER EN CIENCIAS TEMA: VESTUARIOS TIPICOS PANAMEÑOS Integrantes: Runelio García Yamileth Flores Yarelis Flores Judith González Nivel: 11ºB Profesora:... More

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 Música experimental La música experimental es un género musical que busca expandir las nociones existentes de La música. Su labor consiste en trabajar con ideas y formas aún no desarrolladas suficientemente en el ámbito musical y experimentar activamente con ellas a la búsqueda de nuevos estímulos que puedan reorganizar sus propios conceptos artísticos. Música experimental es un término introducido por John Coge en 1955. Según Coge, un hecho experimental es aquel que produce resultados no previsibles. En un sentido más amplio también se refiere a la música que busca desafiar las nociones preestablecidas de qué es la música. Este término también fue utilizado originalmente para designar a la música electroacústica en los inicios de esta. Antecedentes El impresionismo musical fue una gran influencia sobre muchos de los compositores de “vanguardia” o “experimentales”. Esta influencia se debe a la búsqueda, por parte de los compositores impresionistas, de nuevas combinaciones de instrumentos para conseguir la mayor riqueza sonora. Uno de los más citados es Debussy. En su obra “Preludio a la siesta de un fauno”, Debussy se aparta totalmente de la estética establecida y de cualquier obligación tonal, utilizando a su gusto y antojo los recursos para expresar la impresión que en él había dejado el poema de Mallarme. Origen El origen de la música experimental es difuso, pero puede nombrarse a Olivier Pesiasen como un introductor de elementos no utilizados antes como las "Ondas Marteño", instrumento electrónico formado por un teclado, un altavoz y un generador de

baja frecuencia, cuyo creador fue Maurice Marteño. El gran discípulo de Pesiasen, Pierre Boulez, comienza a fusionar la música occidental con la oriental, algo no muy común hasta entonces. En la música experimental, no sólo cambian las formas y las técnicas musicales, sino que con frecuencia cambian también la estructura y la localización de la orquesta. Por ejemplo, el compositor John Coge se dedica a la "música concreta", es decir, la utilización musical de todo tipo de objetos. Por su parte, Karl Heinz Stockhausen, conocido por sus innovaciones en música electroacústica, se dedica a la música aleatoria y a la composición seriada. Su obra “Grapen” (en castellano, “Grupos”) fue escrita en dos etapas y requiere la utilización de 3 orquestas. Finalmente, los compositores Steve Reich y Terry Rile cultivan la música “repetitiva” con la superposición y repetición de sonidos grabados. Se comienza a utilizar el sintetizador y muchos compositores escriben para orquesta, voz y, de modo novedoso, cinta magnetofónica. Además, destaca la influencia oriental en la música contemporánea y experimental. Música Microtona La visión actual acerca del microtonalismo es que ha existido desde la antigüedad en las músicas no occidentales (india, árabe), en la música griega (sistema enarmónico), en la música medieval (aunque esta afirmación está sujeta a controversia), y en la música folclórica de algunas regiones europeas, aunque más como accidente o teoría, que como práctica consciente. Música Concreta La música concreta es un género musical cuyos fundamentos teóricos y estéticos fueron originados en Francia por Pierre Scheffer en los estudios de la radiodifusión francesa en 1948. Está ligada a la aparición de máquinas que permitieron la descontextualización de un sonido fijándolo en un soporte (analógico, como la cinta, o digital, como el CD) con el fin de tratar este sonido de manera separada cortándolo, pegándolo, superponiéndolo, y luego combinando los sonidos resultantes de estas operaciones de alteración en una

estructura compleja y definitiva (como una partitura auditiva). Por esta razón, se habla igualmente de " música de sonidos fijados”, fijados en un soporte como la cinta, el CD o los archivos informáticos. Esta revolución de sonidos cambió la estructura habitual de la música, porque la forma musical dada al escuchar el sonido de una puerta resultó de la misma importancia que la de una melodía tocada al violín. La evolución de la música concreta se desarrolla en Europa a partir de los años 1950, que acompaña y muy pronto se entremezcla con la darmstadtiana. En lugar de la escala de doce sonidos, con ella se ofrece al compositor la enorme disponibilidad de frecuencias, micro intervalos, combinaciones, timbres y empastes sonoros nuevos, posibles gracias a la moderna tecnología electroacústica. Fluxus Fluxus se desarrolla en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de John Coge, no tiene como premisa la idea de la vanguardia como renovación de la lingüística, sino que pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se desune de todo lenguaje específico, es decir, tiene como pretensión la acogida de diferentes medios y materiales procedentes de campos distintos. En conclusión, el lenguaje no es el fin, sino el medio para una noción renovada del arte. Según Filloa, poeta y artista francés, el movimiento Fluxus “antes que todo un estado del espíritu, un modo de vida impregnado de una soberbia libertad de pensar, de expresar y de elegir. De cierta manera Fluxus nunca existió, no sabemos cuándo nació, luego no hay razón para que termine”. La intención principal de Fluxus es disolver el arte en lo cotidiano. De esta forma Coge espera poner en paralelo tipos concretos de “modelos de realidad”: “Si vas por la calle en una ciudad ves que la gente se mueve con una intención, pero no sabes cuál es. Pasan muchas cosas que pueden verse como si no tuvieran ningún objetivo” y cuantas más cosas pasen, mejor, ya que “si sólo hay una cuantas ideas, la pieza produce una especie de concentración que es característica de los seres humanos. Si hay muchas cosas, produce una especie de caos característico de la naturaleza”. Michael Miman - Música Experimental. De John Coge en adelante.

Porque se compara a Fluxus con movimientos o grupos cuyos individuos tenían algún principio en común, o un programa acordado. En Fluxus nunca se ha intentado acordar objetivos o métodos; individuos que tenían algo indefinible en común se unían de forma natural para publicar e interpretar sus obras. Quizá ese algo común sea el sentimiento de que los límites del arte son mucho más amplios de lo que parecían convencionalmente, o de que el arte y cierto límites que hace mucho tiempo que están establecidos ya son muy útiles. (1964) Música Minimalista Es un género originario de Estados Unidos, que se cataloga como experimental. Empezó a desarrollarse en los años 1960 basada en la armonía consonante, en pulsos constantes, en lo estático o en las lentas transformaciones, a menudo en la reiteración de las frases musicales en pequeñas unidades como figuras, motivos y células. El minimalismo se expandió hasta ser el estilo más popular de la música experimental del siglo XX. En sus inicios llegó a involucrar a docenas de compositores, a pesar de que sólo cuatro de ellos lograron relevancia: Terry Rile, Steve Reich, Philip Glas y La Monte Young. En Europa sus mayores exponentes son Louis Anudriesen, Carel, Michael Miman, Stefano Inane, Gavina, Steve Maryland, Henryk Grecia, Aro, Sin y John Atener. Influencia de la Música Experimental 1960 - 1980 Lee Ronaldo y Thurston Moore experimentaron con afinaciones alteradas y jugaron con la técnica del “tercer puente” utilizando destornilladores que se situaban entre las cuerdas y el cuello de la guitarra. A todo este tipo de experimentos les siguió el krautrock en la década de los 1970. Los músicos alemanes comenzaron a experimentar con estructuras e instrumentos inusuales. Los artistas del krautrock usaban elementos del rock psicodélico, experimentaban con collage de sonidos y efectos electrónicos, realizaban improvisaciones, buscaban crear atmósferas, e incorporaban elementos de la música concreta, el minimalismo, el jazz y la música. El krautrock tenía influencias de los principios de la música experimental (Karl Heinz, La Monte Young y John Coge), pero también utilizó como fuente de inspiración el pasado más cercano con grupos como Te con sus notas sostenidas y sus ritmos

intensos, las experimentaciones electrónicas de Sil ver Apple, los trabajos más vanguardistas de Te Beatles o Punk Floyd. Einstürzende Neubauten creó sus propios instrumentos a base de pedazos de metal y herramientas de construcción. El art rock es un término utilizado para describir a un amplio subgénero de la música rock, caracterizada por su tendencia experimental. El art rock utiliza elementos tales como experimentación con ritmos no muy explorados hasta el momento, elementos estéticos y líricos no asociados a la música rock (en muchos casos con letras poéticas). Este género es difícil de concretar ya que tiene influencias como el jazz, la música clásica, la Word música y la música abangare. Sus variantes son tan extensas como los grupos, es decir, mientras Punk Floyd incorpora el surrealismo y la influencia fantástica y mítica de la literatura en la lírica, Te se interesa por el uso del feedback e instrumentos como la viola, incorpora también elementos del jazz y la música de vanguardia. Estos son sólo dos ejemplos del experimentalismo en el rock. Lo que influiría a todo el rock que vendría después como ella, el punk, la new wave, el rock gótico y el poise rock. Proco Harem incorporaría elementos de la música clásica, como por ejemplo en su tema “A White Sede Of Pale” donde se utiliza un órgano para realizar una melodía influenciada por Johann Sebastián Bach y letras poéticas bajo la influencia de Bob Dian. Realmente, el art rock es un término no definido y por lo tanto no limitado, con todo lo positivo y negativo a lo que conlleva esto. 1980 - Actualidad La revista Telliz Audio Casete comenzó en 1983, realizando una revista que incluía cintas de casete centradas principalmente tanto en la música experimental del pasado, como en la del presente. La influencia del experimentalismo en el rock desde la década de los 80 hasta hoy en día recibe el nombre de post-rock. Aunque el término fue dado a conocer por el crítico Simón Reynolds, no es un término que fuera creado por él, James Wolcott lo utilizó por primera vez en 1979. Algunos de los grupos más influyentes para los 1990 y la siguiente década fueron, por ejemplo, Sonic Louth, grupo que comenzó su carrera en 1981 y que siempre tuvo como referencia a John Coge. El post-rock toma como influencia el dronescape, estilo musical minimalista, cuyas composiciones suelen ser largas y prácticamente desprovistas de cambios armónicos durante toda la pieza.

Música aleatoria La música aleatoria o de azar es una técnica compositiva musical basada en el recurso a elementos no regulados por pautas establecidas y en la que adquiere un papel preponderante, es la improvisación a partir de las secuencias no estructuradas. Tales rasgos improvisadores pueden fijarse en la creación del autor o en el desarrollo de la propia interpretación. Es frecuente, en consecuencia, la composición de piezas aleatorias en las que el ejecutante determina la estructura final de la obra, mediante la reordenación de cada una de las secciones de la misma, o incluso mediante la interpretación simultánea de varias de ellas. El azar es un rasgo definitorio de esta técnica compositiva que alcanzaría una notable difusión a partir de la década de 1950. Las corrientes aleatorias tuvieron algunas de sus más significativas representaciones en las creaciones del estadounidense John Coge- "Música" (1951 o 4 33; Música de cambios)-, el alemán Karl Heinz Stockhausen - "Himen" (1967; "Himnos")-, los italianos Bruno Moderna y Franco Donadoni, el español Luis de Pablo, los argentinos Alberto Gin astera, y Mauricio Kagel y el francés Pierre Boulez. Las más destacadas modalidades en las que se plantea la creación aleatoria en la música contemporánea son la forma móvil, que impone diversas soluciones interpretativas de rango equiparable; la forma variable, en la que predomina la improvisación; y el llamado york in progres, que constituye el máximo grado de azar en la ejecución de la pieza. En todas ellas suelen incorporarse instrumentos clásicos, con especial atención al piano, y medios de ejecución electrónicos tales como sintetizadores, distorsionadores y cintas grabadas.

Notación Gráfica La notación gráfica es la representación de la música a través del uso de símbolos visuales fuera de la esfera de la notación musical tradicional. La notación gráfica se desarrolló en la década de 1950 y se utiliza a menudo en combinación con la notación musical tradicional. Los compositores se basan a menudo en la notación gráfica de la música experimental, donde la notación musical estándar puede ser ineficaz. Música indeterminada Incorpora a su proceso de composición o de ejecución un elemento de azar o de indeterminación de cualquier tipo. Uno de sus principales compositores es John Coge, que introdujo en el proceso de composición y en el de ejecución el concepto de indeterminación. Otros grandes autores que hacían una concepción “abierta” del principio compositivo fueron Norton Filman, Christian Wolff y Erarle. El común denominador de este tipo de “música reiterativa” es el rechazo del desarrollo musical entendido según la concepción dialéctica y la adhesión al principio de la “variación estática” propia de la tradición oriental: variación entendida como diferenciación casi imperceptible de elementos sencillos en torno a un núcleo melódico-rítmico prefijado.

Micrófonos La música occidental se divide en "octavas" formadas cada una por doce escalones de frecuencia o semitonos. Sin embargo, normalmente no usa las frecuencias intermedias entre los doce semitonos mencionados. Estos semitonos o frecuencias no utilizados en el sistema occidental se les denominan micrófonos . Música electroacústica La música electroacústica surge como una forma de música clásica durante su época moderna como consecuencia de la incorporación de la producción de sonido eléctrico como parte de la composición musical. Los primeros desarrollos de la composición de música electroacústica durante el siglo XX están asociados con la actividad de compositores que trabajaban en estudios de investigación en Europa y Estados Unidos. Entre estos estudios estaban el Grupo de Re cherches de la ORTF, en París, hogar de la fusique concrete, el Nord este estuchar Rundún (NWDR) en Colonia, que dirigía su atención hacia la El entronice Musid, y el Columbia-Princeton Electrónica música Center en Nueva York, donde se exploraba la tape música, la música electrónica y la informática musical. Técnicas

Este tipo de música busca constantemente producir sonidos y "efectos" nuevos de los instrumentos. Algunos de ellos son:  Preparar instrumentos: Esto consiste en agregar previamente otros objetos en ciertas partes del instrumento para producir distintos timbres o efectos. Por ejemplo colocar piedritas y maderas entre las cuerdas de un piano (piano preparado).  Clúster: Es la superposición de gran cantidad de notas, generalmente por grados conjuntos (como cuando apoyamos las dos manos sobre el teclado de un piano). Creación de nuevos instrumentos, modificación de los instrumentos tradicionales o utilización de objetos de la vida cotidiana para producir sonidos. Formas de tocar no-convencionales: glosando, frúyalo, col lego, etc. Son formas de producir otros timbres y sonidos del instrumento o voz utilizando otras técnicas, pero sin modificar el instrumento ni agregarle objetos. Experimentación con nuevas tecnologías: es buscar combinaciones de efectos musicales, o la creación de ellos (juntando trémolo, con eco, etc. ).  Música Programática

Música programática o música descriptiva es la música que tiene por objetivo evocar ideas o imágenes extra-musicales en la mente del oyente, representando musicalmente una escena, imagen o estado de ánimo. Al contrario, se entiende por música absoluta aquella que se aprecia por ella misma, sin ninguna referencia particular al mundo exterior a la propia música. El término se aplica exclusivamente en la tradición de la música clásica europea, particularmente en la música del periodo romántico del Siglo XIX, durante el cual el concepto va a tomar gran popularidad, llegando a convertirse en una forma musical autónoma, a pesar de que antes ya habían existido piezas de carácter descriptivo. Habitualmente el término se reserva a las obras puramente orquestales (piezas sin cantantes ni letra) y por lo tanto no es correcto utilizarlo para la ópera y los lieder. Renacimiento Los compositores del Renacimiento han escrito una abundante cantidad de música programática, especialmente para clavecín, incluyendo obras como por ejemplo Te Falla of te Lea ("La caída de la hoja") de Martin Pearson o Te Batlle ("La batalla") de William BID. Para esta última obra, el compositor elaboró una descripción escrita de las diferentes secciones: "Emplazamiento de los soldados, marcha de infantería, marcha de caballería, trompetas, marcha irlandesa, gaita y tabal, flauta y tabal, marcha a la batalla, las tropas se enfrentan, retirada, gallarda de la victoria. "

Período barroco Probablemente la obra más famosa del barroco sea Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi, un conjunto de cuatro conciertos para violín y orquesta de cuerda que ilustra las estaciones del año con lluvia, el zumbido de las moscas, vientos helados, esquiadores sobre el hielo, campesinos bailando y muchas más cosas. El programa de la obra se explicita con una serie de cuatro sonetos escritos por el compositor. Otra obra programática barroca muy conocida es el Capricho sobre la despedida de un estimado hermano, BWV 992, de Johann Sebastián Bach, las secciones del cual traen encantadores títulos descriptivos ("Los amigos lo rodean e intentan disuadirlo de marchar," "Le explican los peligros que puede encontrarse," "El lamento de los amigos," "Como no pueden disuadirlo, se despiden de él," "Área del mozo de puesta," "Fuga en imitación de la trompa del mozo de puesta. ") Período clásico Quizás es este periodo el que dio menos música programática. En este periodo, más que en ningún otro, la música se nutría de sus recursos internos, notablemente en las obras compuestas en forma sonata. Sin embargo, se cree que un cierto número de las primeras sinfonías de Franz Joseph Handy pueden haber sido música de programa; por ejemplo, el compositor dijo en una ocasión que una de sus primeras sinfonías representaba "un diálogo entre Dios y el pecador". No se sabe a cuál de sus sinfonías se refería. Un compositor menos conocido de la época clásica, Karl Diteros von Dittersdorf, escribió una serie de sinfonías basadas en Las metamorfosis de Ovidio.

Período romántico La música programática floreció especialmente en el romanticismo. El hecho de poder evocar en el oyente una experiencia específica más allá de sentirse delante de un músico o de un grupo de músicos, está relacionado con la idea romántica del Gesamtkunstwerk, que consideraba las óperas de Richard Wagner como una fusión de todas las artes (escenografía, dramaturgia, coreografía, poesía, etc. ), a pesar de que a veces se basara sólo en la música para ilustrar conceptos artísticos multifacéticos, como una pintura o un poema. Los compositores creían que las nuevas posibilidades sonoras que aportaba la orquesta romántica los permitía centrarse en las emociones, o en otros aspectos intangibles de la vida, mucho más que en el barroco o la era clásica. Beethoven sentía una cierta reluctancia a componer música programática, y dijo de su Sinfonía nº 6 (Pastoral - 1808) que "la obra entera puede ser percibida sin descripción - es más una expresión de sentimientos que un poema musical". Aun así, la obra contiene descripciones de los cantos de los pájaros, el rumor de un riachuelo, una tronada, etc. Beethoven volvió más tarde a la música de programa con su Sonata para piano Óp. 81a, Les Adiéis, que describe la despedida y el regreso de su amigo el Archiduque Rudolf de Austria. La Sinfonía fantástica de Héctor es una narración musical de una historia de amor hiperbólicamente emocional vivida por el autor. Franz Liszt proporcionó programas explícitos para muchas de sus piezas para piano, pero también es el inventor del poema sinfónico. El año 1874, Modesto compuso, utilizando sólo las posibilidades dinámicas del piano, una serie de piezas describiendo la contemplación de diez pinturas y dibujos de sus amigos en una galería. Se trata de Cuadros de una exposición, más tarde orquestada por Maurice Ravel. El compositor francés Camille Saint-Sáenz compuso muchas piezas breves que también calificó de poemas sinfónicos. Entre los más populares hace falta destacar la Danza Macabra y algunos movimientos de El Carnaval de los animales. El compositor francés Paul Dikas es recordado por su poema sinfónico El aprendiz de brujo, basado en un cuento de Goethe. Igualmente, Tchaikovsky utilizó esta forma musical en diversas composiciones, entre las que destaca la célebre Obertura 1812, donde se describe puntualmente el enfrentamiento entre las tropas imperiales de Rusia y

las de Napoleón Bonaparte, incluyendo fragmentos donde reproduce La Marsellesa, símbolo del ejército invasor. Posiblemente el compositor más adepto a la música de programa fue el alemán Richard Strauss, que compuso poemas sinfónicos como por ejemplo Todo (retratando la agonía de un hombre y su entrada al cielo), Don Juan (basada en la clásica leyenda de Don Juan), Tilla Eulenspiegels fustigue Estreche (basada en episodios de la vida del personaje legendario alemán Tilla Eulenspiegel), Don Quiote (retratando episodios de la obra de Miguel de Cervantes, Don Quijote), En Heldenleben (que describe episodios de la vida de un héroe anónimo, que a menudo se ha identificado con el mismo Strauss) o la Sinfonía Doméstica (que narra episodios de la vida familiar del compositor, incluyendo el momento de traer los niños a la cama). Se ha dicho que Strauss afirmó que con música puede describirse cualquier cosa, ¡incluso una cuchara de café. Siglo XX En el siglo XX, la Suite Lírica de Albán Berga fue considerada durante mucho tiempo música absoluta, pero el año 1977 se descubrió que de hecho estaba dedicada a Hana Fuchs-Robettin. Leitmotiv importantes están basados en las series melódicas A–B–H–F, que son sus iniciales combinadas. El último movimiento contiene una recreación de un poema de Baudelaire, suprimida por el compositor para la publicación. Música Popular Como Música Programática El término "música programática" no se usa cuando se habla de música popular. La tradición de piezas exclusivamente orquestales con programa ha disfrutado de continuidad en algunas piezas para orquesta de jazz, principalmente debidas a Duque Wellington. Las piezas instrumentales en la música popular a menudo tienen un título descripta sugerente, por el que pueden ser consideradas música de programa, y se pueden encontrar álbumes dedicados a desarrollar una idea programática concreta (por ejemplo, China de Evangelizo Te de Mike Holyfield). Algunos géneros de música popular son más susceptibles que otros de contener elementos programáticos; como por ejemplo new aje, surf rock, jazz fusión, progresiva rock, art rock o varios géneros de technomusic

 Periodos de la música  Música antigua El canto y la danza nacen con el hombre, antes de la escritura. El período antiguo en la música termina cuando comienza la Edad Media, comprende desde los cavernícolas a las primeras civilizaciones.  Música medieval Es la música de la Edad Media. Esta etapa comienza con la caída del Imperio Romano en 476 y finaliza a mediados del siglo XV. La música medieval se caracteriza por ser en su mayoría religiosa, hecha para la Iglesia Católica. En cuanto a la poca música profana, no religiosa, era difundida por los juglares y trovadores.

 Renacimiento Es el renacer de todas las artes. Va aproximadamente desde 1450 hasta 1600. La arquitectura, la literatura y la música comenzaron a florecer más allá de la Iglesia.  Barroco En la música se extiende desde 1600 hasta 1750. Se caracteriza sobre todo por el comienzo y desarrollo de la armonía tonal. Significó un período de gran desarrollo del arte vocal e instrumental. Bach, Hender, Vivaldi, fueron grandes exponentes de la música barroca.  Clasicismo Es el período comprendido entre 1750 y la década de 1820. Época de revoluciones sociales y de la ilustración, en donde el arte buscaba el ideal, la perfección. La música toma como modelo la antigüedad clásica. Los representantes de este período fueron Handy, Mozart y el Beethoven de los primeros tiempos.

 Romanticismo En contraposición y luego del Clasicismo surge el Romanticismo, que se extiende hasta 1874. Se caracteriza por la exaltación de los sentimientos y la supremacía de éstos frente a la razón, de lo creativo, de la obra imperfecta frente a la perfección del Clasicismo. Predomina el gusto por lo natural, extraño y oscuro El precursor del romanticismo fue Ludwig van Beethoven, cuyo trabajo se sitúa en los comienzos en la música clásica y luego en el Romanticismo.  Música contemporánea Se le llama contemporáneo al periodo en la música desde fines del siglo XIX hasta principios del XX, aunque no es contemporáneo en el sentido estricto de la palabra ya que no se corresponde con la actualidad.  Siglo XX y XXI La música actual ofrece mucha variedad y libertad de intérprete. Entre los principales estilos de música se encuentran el blues, el jazz, el rock y el pop.