Las 20 mejores películas de Clint Eastwood, ordenadas

La primera incursión de Clint Eastwood en la dirección llegó con este thriller a principios de los 70, y estaba claro que el actor sabía dominar la cámara de maneras que muchos no se imaginaban. No es que fuese su gran obra maestra nada más empezar, pero es muy interesante en el contexto de una Hollywood que estaba en pleno cambio. Además, nos demuestra que desde el principio supo que no quería renunciar a su faceta de actor simplemente porque también controlaba la dirección de la cámara.

Eastwood interpreta a Dave Garver, un hábil DJ que empieza una relación con una fan obsesiva (a la que da vida Jessica Walter). ¿El problema? Jugar con las emociones de una mujer que no se iba a quedar llorando por las esquinas, sino que estaba dispuesta a convertirse en una auténtica psicópata. La precursora de Atracción fatal, con sus machistadas de la época, pero igualmente interesante.

Clint Eastwood sabe cómo hacer un buen thriller cargado de tensión, y una de las ocasiones en las que mejor lo demostró fue en esta película de 1997, basada en la novela de David Baldacci. En el reparto contó con Ed Harris, Gene Hackman y Laura Linney, todos perfectamente ensamblados en un engranaje increíblemente entretenido.

La historia sigue a Luther Whitney, un especialista en grandes robos que quiere entrar a robar en la mansión de un magnate mientras éste está de vacaciones. Pero lo que parecía un plan infalible se convierte en un problema mayor cuando, dentro de la casa, es testigo de un asesinato que involucra al Presidente de Estados Unidos, a su jefe de gabinete y a dos agentes del Servicio Secreto. No es que sea uno de los mejores thrillers de la historia, pero no está nada mal.

Aunque muchos le reconozcan por el western, Clint Eastwood también se ha caracterizado en su carrera por sus conexiones con el mundo de la música. Tan pronto cantaba sin complejos en el loco musical La leyenda de la ciudad sin nombre que firmaba biopics de artistas como Charlie Parker o The Four Seasons. Es un muy buen pianista y ha compuesto música para algunas de sus películas, como Mystic River.

Antes de todo esto, Eastwood demostró esa pasión musical en este filme de los 80, basado en la novela de Clancy Carlile. Interpreta a Red Stovall, un cantante de country alcohólico que se gana la vida cantando en bares cutres, aunque tiene sus propios sueños de grandeza. También marcó el debut cinematográfico de su hijo Kyle Eastwood, que interpreta al sobrino de Stovall.

¿Cowboys en el espacio? ¿En serio? Que no te engañe el título hortera de esta película de Clint Eastwood para el nuevo milenio, porque es fantástica. Vaya, reuniendo a otros veteranos como Donald Sutherland, Tommy Lee Jones y James Garner no te puedes equivocar, aunque a veces la película peque de ser predecible.

La historia sigue a cuatro pilotos de la Fuerza Aérea que nunca tuvieron la oportunidad de ir al espacio, pero les llaman para que abandonen su vida de jubilados y ayuden a detener un satélite soviético de la era de la Guerra Fría que amenazaba con caer a la Tierra. Más allá de sus aventuras en el espacio, esta es una película sobre el fin de una era y el cambio generacional.

Esta es quizás una de las películas recientes más celebradas de Clint Eastwood, y también la que marcó el inicio de una serie de películas sobre héroes norteamericanos mundanos con un toque muy patriótico. En ella explora las consecuencias de la guerra y defiende a aquellos que la protagonizan de verdad en primera línea de batalla. Ahora bien, lejos queda Cartas desde Iwo Jima en esta película que va, ante todo, del sufrimiento de un solo bando, que resulta ser el invasor.

Bradley Cooper da vida al soldado Chris Kyle, famoso por acumular un total de 160 muertes confirmadas durante sus diez años de servicio militar principalmente en Irak, pero con una vida (y muerte) trágica una vez volvió a suelo estadounidense. La película fue un gran éxito de taquilla.

"Alégrame el día". ¿La frase más mítica pronunciada por Clint Eastwood en el cine? Seguramente. Harry Callahan, más conocido como Harry el Sucio, es uno de los mejores personajes de Clint Eastwood en el cine, y con el que más ha repetido en la gran pantalla. La saga de cinco películas (entre 1971 y 1988) le convirtió en un héroe de acción más allá del Lejano Oeste, y el actor se encargó de dirigir esta cuarta y notable entrega tras un descanso de siete años.

Así, nos reunimos con este policía de San Francisco que tiene sus propios métodos para ejercer justicia: dispara primero, pregunta después. La acción del thriller se mezcla con el rape & revenge con el personaje de Jennifer Spence (Sondra Locke), y el saber hacer de Eastwood con la cámara la convierten en una de las mejores secuelas de la franquicia. Vaya que si nos alegró el día.

Christine Collins, una madre soltera en la década de 1920 en Los Ángeles, denuncia la desaparición de su hijo de 9 años. Meses después, el niño es encontrado. Pero Christine dice que no es su hijo, a pesar de que la evidencia médica la contradice. Y ella insiste: le han dado al niño equivocado. ¿Y tiene razón? Si todavía no has vivido la montaña rusa que es esta película de El intercambio, te ahorramos los spoilers. Porque te va a dejar patitieso.

Nominada a tres premios Oscar, incluida Angelina Jolie como Mejor Actriz por su papel de madre coraje al borde de un ataque de nervios, esta película no parece una clásica Eastwood, pero demuestra que el cineasta puede salir airoso de cualquier historia. Y también, por si no nos había quedado claro a estas alturas, que su mirada a los personajes femeninos es fantástica: aquí no le importa tanto el misterio del niño desaparecido y encontrado como la forma en la que la sociedad patriarcal trata a su protagonista.

Clint Eastwood es casi sinónimo de western. Aunque, curiosamente, más por sus papeles frente a las cámaras que sus trabajos tras ellas. Como director, ha firmado solo cuatro westerns, y todos son tan interesantes como este de 1985, donde invoca al spaguetti western que le dio la fama y lo mezcla con la tradición norteamericana más clásica al estilo de Raíces profundas de George Stevens.

La historia presenta al clásico personaje eastwoodiano: un jinete sin nombre conocido, cargado de misterio y ambigüedad, imposible saber si es un héroe o un villano, con un pasado turbio y un presente atormentado... El director interpreta a este protagonista, un predicador que ayuda a un grupo de colonos que están sufriendo el acoso del propietario de unas explotaciones mineras. Esta película dejó entrever el profundo conocimiento del género por parte del actor y director, y puso la primera piedra en el camino que le llevaría a la magnífica Sin perdón.

Otro de los temas que Clint Eastwood ha explorado como director ha sido la historia de la música, desde El aventurero de medianoche hasta la más reciente Jersey Boys, y pasando por este biopic del saxofonista Charlie Parker, titulado simplemente Bird. Le dio vida fantásticamente Forest Whitaker, que se llevó el premio a Mejor Actor en el Festival de Cannes.

Parker fue pionero de un tipo de jazz diferente, poco ortodoxo y novedoso en los años 40, y ayudó a abrir el camino para lo que sería el futuro de la música en Estados Unidos. Sin embargo, como nos muestra Eastwood, también tuvo una vida conflictiva marcada por las adicciones. Todo eso se encapsula en este filme que evita los clichés y la romantización de situaciones duras, y en cambio apuesta por una mirada honesta aupada por un actor protagonista en estado de gracia.

Podemos considerar esta película como el making of no autorizado de La reina de África de John Huston. Y es que la novela homónima en la que se basa reúne las experiencias reales de Peter Viertel, guionista no acreditado del clásico que vivió las aventuras del rodaje junto a Humphrey Bogart, Katharine Hepburn y compañía. La controvertida personalidad de Huston encaja a la perfección con la pose cascarrabias dominada por Clint Eastwood, que le da vida bajo el nombre de John Wilson. Jeff Fahey interpretó a Viertel.

La historia sigue al director de cine, que en mitad del rodaje de su película en África toma la decisión de atrapar un elefante. Este delirante propósito le sirve a Eastwood para hablar de los excesos de Hollywood, cuyos mayores iconos de la época clásica se podían identificar con un tipo de masculinidad bravucona y caprichosa. Esta mirada convierte a la película en una (auto)crítica muy mordaz y autoconsciente.

La saga de los héroes mundanos de Clint Eastwood posiblemente alcanzó su cénit con esta película basada en un hecho real: un piloto de un vuelo comercial que, tras perder ambos motores por culpa de unos pájaros (descansen en paz), realizó un difícil aterrizaje en el río Hudson, salvando a todos los pasajeros y la tripulación. Sucedió en 2009, y apenas siete años después saltaba a la gran pantalla con el inimitable Tom Hanks.

De primeras podíamos pensar: ¿cómo se puede convertir este incidente en una película de hora y media, y además una de las mejores películas basadas en hechos reales? Eastwood encuentra la solución en una profundización brillante de su personaje, al que presenta como una de esas personas que se han pasado toda una vida trabajando con mucha profesionalidad para hacer siempre el mejor trabajo posible sean cuáles sean las circunstancias. El director utiliza el suceso como centro neurálgico de una historia que va hacia adelante y hacia atrás, componiendo el relato del protagonista y, sorpresa, cómo la sociedad va en su contra aunque él siempre ha sido un hombre bueno. Eastwood repetiría la jugada con Richard Jewell y otras cintas de similar moraleja.

Ya a principios de los 90, Clint Eastwood se preguntaba a través de su cine cómo hombres chapados a la antigua podían ponerse al día gracias a las vibrantes nuevas generaciones. En Un mundo perfecto, esa es Laura Dern, que, en el mismo año que reventó la taquilla con Jurassic Park, se unió a Eastwood para coprotagonizar una de sus mejores películas, aunque también de las más infravaloradas.

Eastwood explora (otra vez) el concepto de la justicia con la historia de "Butch" Haynes (Kevin Costner), un convicto fugitivo en Texas a principios de los 60 que secuestra a Phillip, un niño protegido de 8 años (TJ Lowther), luego se encuentra formando un vínculo inesperado con su rehén huérfano. Eastwood da vida a un veterano Texas Ranger al que le asignan una criminóloga como compañera, Sally Gerber (Laura Dern), que le ayudará en la persecución. En su relación se abre el arco de aprendizaje de un personaje que es un producto de la masculinidad de su tiempo, pero que aún tiene mucho de lo que aprender.

Tras protagonizar los míticos spaguetti western de Sergio Leone, Clint Eastwood firmó por primera vez su propia historia del Lejano Oeste con Infierno de cobardes, que fue su segundo largometraje como director. Quizás era de esperar que apostase por quedarse en terreno conocido, interpretando al típico cowboy sin nombre al que dio vida en el pasado y en una historia de venganza, ambición y violencia.

Ambientada en 1870, sigue a un forastero (Eastwood) que es contratado por los propietarios de una compañía minera, Dave Drake (Mitchell Ryan) y Morgan Allen (Jack Ging), para que los defienda de tres pistoleros que, recién salidos de la cárcel, están a punto de llegar a la ciudad. Pero ojo, que el hecho de que acepte el trabajo no se debe solamente a la recompensa económica o el deber del héroe de ayudar a personas en situación de necesidad. Este cowboy tiene sus propios planes, que iremos descubriendo poco a poco en la historia. Sí, Infierno de cobardes de Clint Eastwood es una gran película.

A Clint Eastwood nunca le han asustado los temas duros y desgarradores, y lo volvió a demostrar con esta devastadora adaptación de la novela de Dennis Lehane. Además decidió sentarse en la silla del director y no moverse de ahí, en una de las pocas películas de su filmografía en la que no combina el rol con el de protagonista. En esta ocasión le deja los gritos y llantos a Sean Penn, Kevin Bacon y Tim Robbins, en una exploración del peso del pasado y las tragedias del destino.

La historia muestra las consecuencias del asesinato de Katie Markum (Emmy Rossum), la hija de un ex convicto, Jimmy Markum (Penn), que se ha reformado y tiene una tienda en su barrio de toda la vida. Allí creció junto a Sean (Bacon), que ahora es policía, y Dave (Robbins), cuya tragedia en la infancia marcó su vida y la de sus amigos. Las relaciones entre ellos, y su pasado compartido, son el centro de esta aclamada película que fue nominada en los Oscars a Mejor Película.

Podríamos decir que fue alrededor de esta época cuando Clint Eastwood empezó a afirmarse como autor total. Cinco años después de su ópera prima, firmó este notable western tras arrebatarle la silla de director a Philip Kaufman. Hasta creó una norma que aún se mantiene hoy día en el gremio de directores estadounidenses: La regla de Eastwood, así se bautizó, prohíbe a alguien que ya esté trabajando en una película (productor, actor, etc.) despedir a un director durante la producción y ponerse a sí mismo.

Sin Kaufman, Eastwood contó la historia de Josey Wales, un ex soldado confederado que, tras la masacre de su familia por parte de los ejércitos de la Unión, decide volver al fuego de la Guerra Civil para cobrarse su venganza y después, habiéndose negado a firmar un acuerdo de paz con los vencedores, se convertirá en un forajido acompañado de una familia improvisada que incluye un jefe Cherokee (Jefe Dan George). Es una adaptación de la novela de Forrest Carter, de nombre real Asa Earl Carter y miembro del grupo supremacista blanco Ku Klux Klan.

No todo son westerns en la filmografía de Clint Eastwood. De hecho, es un director increíblemente versátil, que después de triunfar en los Oscars con Sin perdón se marcó un melodrama romántico que se cuenta entre las mejores películas de amor de todos los tiempos. Y también con uno de los mejores y más trágicos finales de la historia del cine. ¿Por qué no sales del coche, Meryl? ¿¡Por qué?!

Basada en la novela de Robert James Waller de 1992, Los puentes de Madison nos muestra cómo la apacible vida de Francesca Johnson (Meryl Streep), un ama de casa que vive en una granja con su familia, se pone patas arriba con la llegada de Robert Kincaid (Eastwood), un veterano fotógrafo de la revista National Geographic que está fotografiando viejos puentes. Aparece el amor, pero también los obstáculos que nos harán tener el corazón en vilo en la última e icónica escena. Fue un éxito de ventas absoluto, y nos mostró una cualidad poco vista en la carrera del actor y director: vulnerabilidad.

No hay duda de que Clint Eastwood tiene mejores películas que Gran Torino, pero, ¿realmente hay otra que ha alcanzado tal cantidad de popularidad entre el público? Posiblemente no. Es muy probable que muchos mencionen este filme de 2008 como su favorito, gracias a escenas ya convertidas en icónicas (ese momento en el que parece que saca un arma del bolsillo, pero solo es su mano) y a pesar de sus dejes más racistas ("¿Qué tramáis, morenos?", Clint por favor).

Sin embargo, podemos coincidir en que todo lo ofensivo de Walt Kowalski (interpretado por Eastwood) está colocado estratégicamente para que le veamos pasar de redneck insoportable a un tipo con valores honestos dispuesto a defender a inocentes en problemas. En el filme, este hombre jubilado de Detroit entabla una amistad con Thao Vang Lor (Bee Vang), un adolescente al que pilla intentando robar su querido Ford Gran Torino porque está siendo acosado por una banda de delincuentes locales. Ambos viven un camino de cambio y aprendizaje juntos, y finalmente Eastwood consigue ser lo que siempre le ha gustado ser en la gran pantalla: un héroe trágico y lleno de sombras.

A los que hayan echado en falta la notable Banderas de nuestros padres en esta lista, que no se preocupen: honramos el díptico completo de Clint Eastwood sobre la Segunda Guerra Mundial con este puestazo para Cartas desde Iwo Jima, que no solo es la mejor entre las dos, sino también una de las mejores películas de su carrera y una de las mejores películas de guerra de la historia. Además, para ser una cinta estadounidense, consigue hacer algo en los que tienen muy poca costumbre: ponerse en la piel del adversario con honestidad y humanidad.

Son los soldados japoneses atrincherados en túneles los que protagonizan esta cinta, particularmente los personajes del general Tadamichi Kuribayashi (Ken Watanabe), y Pfc. Saigo (Kazunari Ninomiya). Ellos son la cara de un ejército japonés que trata de sobrevivir en una guerra que en el fondo saben que ya han perdido. Eastwood pone el foco tanto en el campo de batalla como en el conflicto político, y muestra su simpatía por aquellos en primera línea que han de pagar el precio de las decisiones de otros. El cineasta encuentra la humanidad en aquellos que se supone deben ser enemigos, y demuestra que no hay vencedores en ningún lado de una guerra. Solo hay muerte e injusticia.

El nuevo siglo le sentó de maravilla a Clint Eastwood. Nos hizo llorar de lo lindo (sí, no mientas) con este drama de superación en un ring de boxeo, basado en un guion de Paul Haggis (el de la Crash mala) sobre varias historias escritas por un entrenador de boxeo bajo el nombre de F.X. Toole. El cineasta nos lanzó encima un torrente de emociones intensas con la maestría de quien sabe narrar de una forma tan cautivadora que no puedes quitar los ojos de la pantalla.

La película sigue a un entrenador de boxeo cascarrabias llamado Frankie (Eastwood) y una luchadora prometedora llamada Maggie (Hilary Swank), que está dispuesta a lo que sea para que él la entrene. Y lo hará, con el apoyo de su antiguo compañero Dupris (Morgan Freeman), aunque pronto se dará cuenta de que los golpes que la mujer está recibiendo no se dan solamente dentro el ring. Hay tanta química entre ellos y tanto melodrama intenso que los académicos de Hollywood no pudieron resistirse a darles los premios a Mejor Película, Mejor Director (¡el segundo!), Mejor Actriz para Swank y Mejor Actor de Reparto para Freeman. Una victoria completa.

Para muchos, incluidos nosotros, no hay discusión: Sin perdón es la mejor película de Clint Eastwood. Y una de las mejores de los 90. Y uno de los mejores westerns de la historia. Incluso una de las mejores películas de la historia del cine. ¡Se nos acaban las condecoraciones! ¡Traigan más flores! Todos los halagos están justificados. La película, estrenada en 1992, supuso uno de los mayores éxitos de la carrera del director, que triunfó por primera vez en los Oscars: se llevó el premio a Mejor Película y Mejor Director, junto con un premio a Mejor Actor de Reparto para Gene Hackman y uno a Mejor Montaje para Joel Cox.

En el filme, Eastwood interpreta a un crepuscular William Munny, ex asesino implacable, ahora viudo, que pasa sus días en una existencia humilde hasta que llegan los problemas: la enfermedad golpea a su ganado, y debe aceptar el trabajo de encontrar a unos tipos que han mutilado a una prostituta. La recompensa la ofrecen sus compañeras del burdel, lo que aporta una cierta mirada de género al siempre tan masculino Lejano Oeste, mientras el protagonista vive su propio camino a la redención. Para el hombre que se convirtió en la cara del western décadas atrás, esto supuso un cambio de paradigma. Y la película de su filmografía que nunca nos cansaremos de ver.