Jean-Michel Basquiat fue uno de los primeros artistas afroamericanos en alcanzar la talla internacional y la riqueza en el mundo del arte, tuvo una carrera corta pero impactante. Su ascenso a la fama fue muy rápido, ya que se le celebró por su fusión de símbolos multiculturales, su mordaz comentario social y su distintivo estilo gráfico.
En este artículo vamos a hablar brevemente de su vida y sus obras más destacadas.
Biografía de Basquiat
Jean-Michel Basquiat nació en Brooklyn en 1960. Su madre, Matilde Andradas, también nació en Brooklyn, pero de padres puertorriqueños. Su padre, Gerard Basquiat, era un inmigrante de Puerto Príncipe, Haití. Como resultado de esta herencia mixta, el joven Jean-Michel hablaba con fluidez tanto el francés como el español, además del inglés.
Sus primeras lecturas de la poesía simbolista francesa en su idioma original influirían más tarde en las obras de arte que realizó de adulto. Basquiat demostró su talento para el arte en su infancia, aprendiendo a dibujar y pintar con el estímulo de su madre y utilizando a menudo materiales (como papel) traídos a casa del trabajo de su padre como contable. Juntos, Basquiat y su madre asistieron a muchas exposiciones en museos de Nueva York, y a los seis años Jean-Michel estaba inscrito como miembro junior del Museo de Brooklyn. También era un gran atleta, que competía en pruebas de atletismo en su escuela.
Tras ser atropellado por un coche mientras jugaba en la calle a los 8 años, Basquiat fue operado para extirparle el bazo. Este acontecimiento le llevó a leer el famoso tratado médico y artístico Anatomía de Gray (publicado originalmente en 1858), que le regaló su madre mientras se recuperaba. Las sinuosas imágenes biomecánicas de este texto, junto con el arte de los cómics y los dibujos animados que le gustaban al joven Basquiat, llegarían un día a los lienzos con graffitis por los que se hizo conocido.
Tras el divorcio de sus padres, Basquiat vivió solo con su padre, ya que su madre fue declarada no apta para cuidar de él debido a sus problemas de salud mental. Alegando abusos físicos y emocionales, Basquiat acabó huyendo de casa y fue adoptado por la familia de un amigo. Aunque asistió esporádicamente a la escuela en Nueva York y Puerto Rico, adonde su padre había intentado trasladar a la familia en 1974, finalmente abandonó el instituto Edward R. Murrow de Brooklyn en septiembre de 1978, a la edad de 17 años.
Sus primeras obras
Como declaró Basquiat: «Nunca fui a la escuela de arte. Suspendí los cursos de arte que hice en la escuela. Me limité a mirar un montón de cosas. Y así es como aprendí sobre el arte, mirándolo».
El arte de Basquiat estaba fundamentalmente arraigado en la escena del grafiti de Nueva York en la década de 1970. Tras participar en un grupo de teatro del Upper West Side llamado Family Life Theater, desarrolló el personaje SAMO (acrónimo de «Same Old Shit»), un hombre que intentaba vender una religión falsa al público.
En 1976, él y un amigo artista, Al Diaz, empezaron a pintar con spray edificios en el Bajo Manhattan bajo este nombre de pluma. Las piezas de SAMO se basaban en gran medida en el texto, y comunicaban un mensaje antisistema, antirreligioso y antipolítico. El texto de estos mensajes iba acompañado de logotipos e imágenes que más tarde aparecerían en la obra en solitario de Basquiat, especialmente la corona de tres puntas.
Las piezas de SAMO pronto recibieron la atención de los medios de comunicación, sobre todo del Village Voice, una publicación que documentaba el arte, la cultura y la música que se consideraba distinta de la corriente principal.
Cuando Basquiat y Díaz tuvieron un desacuerdo y decidieron dejar de trabajar juntos, Basquiat puso fin al proyecto con un mensaje escueto: SAMO ESTÁ MUERTO. Este mensaje apareció en la fachada de varias galerías de arte del SoHo y edificios del centro de la ciudad durante 1980. Tras tomar nota de la declaración, Keith Haring, amigo de Basquiat y colaborador de Street Art, organizó un simulacro de velatorio de SAMO en el Club 57, un club nocturno clandestino del East Village.
Durante este periodo, Basquiat se quedó a menudo sin hogar y se vio obligado a dormir en los apartamentos de sus amigos o en los bancos del parque, manteniéndose con la mendicidad, el tráfico de drogas y la venta ambulante de postales y camisetas pintadas a mano. Sin embargo, frecuentaba los clubes del centro de la ciudad, en particular el Mudd Club y el Club 57, donde era conocido como parte de la «multitud de bebés» de los asistentes más jóvenes (este grupo también incluía al actor Vincent Gallo).
Ambos clubes eran lugares populares para una nueva generación de artistas visuales y músicos, como Keith Haring, Kenny Scharf, el director de cine Jim Jarmusch y Ann Magnusson, que se hicieron amigos y colaboradores ocasionales de Basquiat.
Haring, en particular, fue un notable rival además de amigo, y a menudo se recuerda que ambos competían entre sí para mejorar el alcance, la escala y la ambición de su obra. Ambos obtuvieron el reconocimiento en momentos similares de sus carreras, progresando en paralelo hasta alcanzar las cotas de estrellato del mundo del arte.
Debido en parte a su inmersión en esta escena del centro de la ciudad, Basquiat comenzó a obtener más oportunidades para mostrar su arte, y se convirtió en una figura clave del nuevo movimiento artístico del centro.
Por ejemplo, apareció como DJ de un club nocturno en el vídeo musical Rapture de Blondie, consolidando su caché como figura dentro de la «nueva ola» de música, arte y cine cool que surgía del Lower East Side. Durante esta época también formó y actuó con su banda Gray. Sin embargo, Basquiat criticaba la falta de gente de color en el centro de la ciudad y, a finales de los años 70, empezó a pasar tiempo en la parte alta de la ciudad con graffiteros del Bronx y Harlem.
Después de que su obra se incluyera en la histórica exposición de Times Square de junio de 1980, el perfil de Basquiat se elevó, y tuvo su primera exposición individual en 1982 en la galería Annina Nosei del SoHo. El artículo de Artforum de René Ricard, «The Radiant Child», de diciembre de 1981, consolidó la posición de Basquiat como estrella emergente en el mundo del arte en general, así como la conjunción entre las escenas de grafiti y punk del centro de la ciudad que su obra representaba.
El aumento del reconocimiento de Basquiat coincidió con la llegada a Nueva York del movimiento neoexpresionista alemán, que proporcionó un foro adecuado para su propio expresionismo callejero. Basquiat empezó a exponer con regularidad junto a artistas como Julian Schnabel y David Salle, todos los cuales reaccionaban, en un grado u otro, contra el reciente dominio de la historia del arte del conceptualismo y el minimalismo. El neoexpresionismo marcó el regreso de la pintura y la reaparición de la figura humana en el arte contemporáneo.
Las imágenes de la diáspora africana y de la América clásica salpicaron la obra de Basquiat en esta época, algunas de las cuales se expusieron en la prestigiosa galería Mary Boone en exposiciones individuales a mediados de la década de 1980 (posteriormente, Basquiat fue representado por el marchante y galerista Larry Gagosian en Los Ángeles).
El éxito de Basquiat
1982 fue un año importante para Basquiat. Inauguró seis exposiciones individuales en ciudades de todo el mundo y se convirtió en el artista más joven en ser incluido en Documenta, el prestigioso espectáculo internacional de arte contemporáneo que se celebra cada cinco años en Kassel (Alemania).
Durante este tiempo, Basquiat creó unas 200 obras de arte y desarrolló un motivo característico: una figura heroica de oráculo negro coronado.
El legendario músico de jazz Dizzy Gillespie y los boxeadores Sugar Ray Robinson y Muhammad Ali fueron algunas de las inspiraciones de Basquiat para su obra durante este periodo. Los retratos, esquemáticos y a menudo abstractos, captaban la esencia más que el parecido físico de sus sujetos.
La ferocidad de la técnica de Basquiat, con tajos de pintura y trazos dinámicos, pretendía revelar lo que él veía como el interior de sus sujetos, sus sentimientos ocultos y sus deseos más profundos. Estas obras también reforzaban el intelecto y la pasión de sus sujetos, en lugar de fijarse en el cuerpo masculino negro fetichizado. Otra figuración épica, basada en el griot de África occidental, también tiene un gran protagonismo en esta época de la obra de Basquiat.
El griot propagaba la historia de la comunidad en la cultura de África Occidental a través de la narración y el canto, y Basquiat lo representaba normalmente con una mueca y ojos elípticos entrecerrados fijos en el observador. Las estrategias artísticas y el ascenso personal de Basquiat estaban en consonancia con un renacimiento negro más amplio en el mundo del arte neoyorquino de la misma época (ejemplificado por la atención generalizada que se prestaba entonces a la obra de artistas como Faith Ringgold y Jacob Lawrence).
A principios de la década de 1980, Basquiat se hizo amigo del artista pop Andy Warhol, con quien colaboró en una serie de obras entre 1984 y 1986, como Ten Punching Bags (Last Supper) (1985-86). Warhol solía pintar primero, y luego Basquiat hacía capas sobre su obra.
En 1985, un artículo de la revista New York Times declaró a Basquiat el joven artista americano de moda de la década de 1980. Esta relación se convirtió en objeto de fricción entre Basquiat y muchos de sus contemporáneos del centro, ya que parecía marcar un nuevo interés por la dimensión comercial del mercado del arte.
También se criticó a Warhol por la posible explotación de un artista de color joven y de moda para impulsar sus propias credenciales como actual y relevante en la nueva y significativa escena del East Village. En términos generales, estas colaboraciones no fueron bien recibidas ni por el público ni por la crítica, y en la actualidad suelen considerarse obras menores de ambos artistas.
Tal vez como resultado de la nueva fama y la presión comercial ejercida sobre su obra, Basquiat se estaba volviendo cada vez más adicto a la heroína y la cocaína. Varios amigos relacionaron esta dependencia con el estrés de mantener su carrera y las presiones de ser una persona de color en un mundo artístico predominantemente blanco. Basquiat murió de una sobredosis de heroína en su apartamento en 1988, a la edad de 27 años.
El legado artístico de Basquiat
En su corta vida, Jean-Michel Basquiat llegó a desempeñar un papel importante e histórico en el auge de la escena cultural del centro de Nueva York y del neoexpresionismo en general.
Mientras que el público en general se aferró al exotismo superficial de su obra y quedó cautivado por su celebridad de la noche a la mañana, su arte, que a menudo se ha descrito de forma inexacta como «naif» y «étnicamente arenoso», guardaba importantes conexiones con precursores expresivos, como Jean Dubuffet y Cy Twombly.
Producto de la cultura obsesionada por la celebridad y el comercio de la década de 1980, Basquiat y su obra siguen sirviendo para muchos observadores como metáfora de los peligros del exceso artístico y social. Al igual que los superhéroes de los cómics que le influyeron desde el principio, Basquiat se lanzó a la fama y la riqueza, y luego, con la misma rapidez, volvió a caer a la Tierra, víctima del abuso de drogas y de una sobredosis.
Fue objeto de retrospectivas póstumas en el Museo de Brooklyn (2005) y en el Museo Whitney de Arte Americano (1992), así como de numerosas biografías y documentales, como Jean-Michel Basquiat: The Radiant Child (2010), y el largometraje de Julian Schnabel, Basquiat (1996; protagonizado por su antiguo amigo David Bowie como Andy Warhol), Basquiat y su legado contracultural persisten.
En 2017, se estrenó otra película, Boom for Real: The Late Teenage Years of Jean Michel Basquiat, con gran éxito de crítica, que también inspiró una exposición del mismo título en la galería de arte Barbican de Londres. Su arte sigue siendo una fuente constante de inspiración para los artistas contemporáneos, y su corta vida una fuente constante de interés y especulación para una industria del arte que se nutre de la leyenda biográfica.
Junto con su amigo y contemporáneo Keith Haring, el arte de Basquiat ha llegado a representar ese periodo concreto del arte contracultural neoyorquino. La obra de ambos artistas se expone con frecuencia junto a la del otro (la más reciente en la exposición de 2019 «Keith Haring I Jean-Michel Basquiat: Crossing Lines’ en Melbourne, Australia), y se han concedido varias licencias comerciales para la reproducción de varios de sus motivos visuales. Recientemente, esto ha incluido una gama de camisetas con estampado gráfico en Uniqlo que muestra la obra de ambos artistas.
El aumento de la notoriedad de Basquiat desde su muerte también ha impulsado a nuevos artistas a realizar trabajos inspirados en su obra o incluso en referencia directa a ella. Esto incluye a pintores, graffiteros e instaladores que trabajan en la galería, pero también a músicos, poetas y cineastas.
Entre los artistas visuales influidos por Basquiat se encuentran David Hewitt, Scott Haley, Barb Sherin y Mi Be en Norteamérica, así como artistas europeos y asiáticos como David Joly, Mathieu Bernard-Martin, Mikael Teo y Andrea Chisesi, todos los cuales citan su obra como formativa para su propio desarrollo. Músicos como Kojey Radical, Shabaka Hutchings y Lex Amor también han elogiado su trabajo como fuente de información. Estos tres artistas musicales, en particular, aparecieron junto a otros en Untitled, una compilación colaborativa publicada como homenaje a Basquiat en 2019 por el sello discográfico londinense The Vinyl Factory.
Obras destacadas de Jean-Michel Basquiat
Al contrario que otros artistas, debido a la naturaleza del arte de Basquiat, sus obras no tienen título. A continuación vamos a describir alguna de sus obras más destacadas.
SAMO, su época de graffitero
Basquiat comenzó a pintar grafitis a finales de la década de 1970, a menudo socializando y trabajando junto a otros artistas de la subcultura en el Bronx y Harlem. Los artistas del grafiti solían centrarse en imágenes figurativas (dibujos animados de animales, personas y objetos), así como en simples «etiquetas», es decir, logotipos o nombres diseñados para ser una marca o tarjeta de visita, que fue donde también empezó Basquiat. Pero el grafiti de Basquiat se desarrolló rápidamente en una dirección más abstracta, con los orígenes de la etiqueta «SAMO», bastante misteriosa y cargada de simbolismo.
Esta etiqueta de pintura negra en spray sobre una pared es emblemática de las obras SAMO que Basquiat y su colaborador Al Diaz realizaron entre 1976 y 1980. Aplicadas rápidamente a los espacios públicos de la calle y el metro, las piezas SAMO transmitían a los transeúntes mensajes cortos, nítidos y a menudo antimaterialistas. Considerado normalmente como un signo de intrusión y vandalismo, el grafiti en manos de Díaz y Basquiat se convirtió en una herramienta de «marca» artística, y representa una etapa importante en el desarrollo de la obra de Basquiat.
El concepto de SAMO, o «Same Old Shit», se desarrolló durante la participación de Basquiat en un proyecto teatral en Nueva York, en el que concibió un personaje que se dedicaba a vender una religión falsa. Díaz y Basquiat aplicaron la crítica implícita encarnada por esta figura de vendedor de aceite de serpiente a las empresas comerciales y corporativas que veían pregonando productos en los espacios públicos de su ciudad.
Al principio empezaron a pintar con spray los eslóganes que componían las obras en los trenes del metro como una forma de «desahogarse», pero, como recuerda Díaz, rápidamente se dieron cuenta de que cumplía una función importante al comparar la obra con las etiquetas de grafiti más convencionales. Como dice Díaz, «SAMO fue como un curso de repaso porque se hacía una declaración».
Tras años de colaboración, Díaz y Basquiat decidieron señalar el final de su empresa conjunta con el anuncio de tres palabras «SAMO IS DEAD». Realizado de forma episódica en varias ciudades como una pieza de arte de grafiti efímero, la frase apareció repetidamente en los edificios de mala muerte, especialmente en los del Bajo Manhattan, donde Basquiat y sus colaboradores llevaron a cabo gran parte de su actividad artística.
Calavera
Un ejemplo de los primeros trabajos sobre lienzo de Basquiat, presenta una calavera hecha de parches que parece casi un equivalente pictórico del monstruo de Frankenstein de Mary Shelley: una suma construida y suturada de partes incongruentes. Suspendida sobre un fondo que sugiere aspectos de la red de metro de Nueva York, la calavera es, a la vez, el riff de un grafitero contemporáneo sobre una larga tradición occidental de autorretratos, y la «pieza de firma» de un bohemio callejero.
La expresión de la cara de la calavera es abatida, y las puntadas ásperas sugieren una combinación infeliz de partes constituyentes. Los colores utilizados, que se mezclan y arremolinan, sugieren magulladuras o heridas en el rostro, que se combinan con las líneas irregulares para dar a entender la violencia o sus consecuencias.
El pasado reciente de Basquiat como vendedor ambulante, vagabundo y personalidad de un club nocturno en el momento en que creó esta obra está igualmente impreso en el problemático perfil de tres cuartos. En conjunto, estas características sugieren que la pieza se convierte en un icono cansado del mundo del inmigrante puertorriqueño y haitiano desplazado que Basquiat parecía creer condenado a permanecer, incluso mientras navegaba con éxito por las nuevas calles aburguesadas del SoHo de los años 80 y el mercado del arte que se interesaba por ellas.
Calavera Negra
Como si se tratara de una página extraída limpiamente de un diario de artista, este lienzo sin título presenta un conjunto de iconografía personal y símbolos recurrentes de Basquiat sobre un fondo negro y manchas de pintura brillante. Una calavera blanca sobresale del centro de la composición de ébano, recordando vívidamente la tradición del venerado pintor del memento mori, un recordatorio de la naturaleza efímera de toda la vida y de la eventual y despiadada degeneración del cuerpo.
El hueso situado a la derecha del lienzo también podría interpretarse como un falo, lo que sugiere la representación de la sexualidad masculina negra como algo amenazante o primitivo (sobre todo cuando se sitúa junto a la flecha del cuadro). La balanza aparece justo debajo del cráneo, tal vez representando la balanza de la justicia y, por tanto, implicando la desigualdad en el trato de los hombres negros por parte de la policía y el sistema judicial que se perpetúa hasta hoy.
Basquiat se apropia audazmente de imágenes comúnmente asociadas al arte rural africano -una calavera, un hueso, una flecha- y las moderniza con su estilo neoexpresionista de pintura aplicada densamente, temas representados con rapidez y caracteres lineales garabateados, todos los cuales flotan libremente en el campo pictórico, como si fueran alucinantes.
Basquiat demuestra en un conciso «estudio» cómo es capaz de llevar a cabo una antigua práctica de pintar «naturalezas muertas», sugiriendo al mismo tiempo que el trabajo del artista era relativamente sin esfuerzo, si no completamente improvisado, como en la actuación de un músico de jazz. Sin embargo, la densidad de la imaginería y su cargado simbolismo revelan la destreza de Basquiat y su habilidad en la composición.
Flexible
Flexible presenta dos de los motivos más famosos de Basquiat: el griot y la corona venerable. Una figura negra demacrada mira fijamente desde el lienzo hacia el espectador, sus brazos crean un circuito cerrado en lo que puede ser una referencia a la energía espiritualizada, un concepto que aparece en varias obras con el griot.
La obra también refleja el desarrollo de Basquiat como artista y es una síntesis de sus influencias, con la representación diagramática de los pulmones y el abdomen de la figura que recuerda la fascinación del joven Basquiat por los bocetos anatómicos de Anatomía de Gray.
Aunque su falta de rasgos distintivos podría implicar un «Everyman», la etnia específicamente africana de la figura proporciona una clara referencia a la propia identidad y origen de Basquiat. En su paleta de colores y en la particular representación de la figura humana a través de sus delgados miembros y su gran cabeza, se aprecia la influencia de las formas del arte tradicional de África Occidental. El historiador del arte y colaborador de Basquiat, Fred Hoffman, escribe que la imagen representa a un rey tribal, cuya «postura, con los brazos levantados y entrelazados por encima de la cabeza, transmite confianza y autoridad, atributos de su heroísmo. Parece que se está coronando a sí mismo».
Dado que el griot es tradicionalmente una especie de filósofo errante, artista callejero y comentarista social, es posible que Basquiat se viera a sí mismo asumiendo este papel dentro del mundo del arte de Nueva York, que alimentó su éxito artístico pero también lo explotó rápidamente para obtener beneficios materiales. La imagen está pintada sobre listones de madera, que Basquiat pidió a sus ayudantes que retiraran de una valla que protegía el límite de su estudio de Los Ángeles. Al eliminar esta barrera, Basquiat hizo que la propiedad quedara abierta y se pudiera atravesar libremente, reflejando quizás su empatía y experiencia personal de los límites del espacio público como indigente en Nueva York.
Arm and Hammer II
Basquiat pinta sobre la reproducción de la marca de Andy Warhol de un logotipo corporativo, en este caso de la marca de bicarbonato de sodio Arm and Hammer. Ajustando una de las dos reproducciones del logotipo que aparecen en el cuadro para mostrar a un saxofonista negro en lugar del brazo blanco flexionado, Basquiat enmarca la imagen con un texto que dice «Liberty 1955».
La inserción de una imagen de creatividad negra dentro de un logotipo publicitario puede ser una afirmación de agencia y reclamación del espacio público por parte de Basquiat. También es una referencia visual al jazz, una forma musical afroamericana que alcanzó nuevas cotas de popularidad en la década de 1950, y un reconocimiento implícito de la represión de los negros que existía a pesar del éxito de la música y su incorporación a la identidad estadounidense.
Además, la inserción de una imagen de creatividad negra dentro de un logotipo publicitario puede ser una afirmación de agencia y reclamación del espacio público por parte de Basquiat. Típico de su colaboración, Arm and Hammer II demuestra cómo Basquiat y Warhol se pasaban una obra entre ellos, como un juego de azar que sucede, de libre asociación, y de inspiración mutua.
El empleo característico de Warhol de los logotipos corporativos y de los textos publicitarios como signos taquigráficos de la psique moderna materialista se superpone con frecuencia al intento de Basquiat de desfigurarlos con su estilo a mano alzada, como si estuviera levantando en vano su propio puño contra un monstruo en gran medida invisible, insidioso y monolítico en forma de América corporativa.
Cabalgando con la muerte
Cabalgando con la muerte es uno de los últimos cuadros de Basquiat, que puede interpretarse fácilmente como una representación de su agitación interior y de su creciente convicción de que la naturaleza racista, clasista y corrupta de los Estados Unidos en la década de 1980 era visible en todas partes, incluso en el mundo del arte.
Pintada en las semanas anteriores a su muerte, la desolación y la tristeza de la imagen y su título sólo se ven reforzadas por el hecho de que la vida del artista llegaría a su fin demasiado pronto, poco después de su realización.
Menos recargado y visualmente denso que muchos de sus cuadros anteriores, Riding with Death presenta un campo marrón texturizado sobre el que Basquiat ha representado una figura africana montando un esqueleto. El esqueleto se arrastra a cuatro patas hacia el lado izquierdo de la imagen, mientras que el jinete, representado con menos detalle que los huesos sobre los que se asienta, se retuerce o agita los brazos.
La calavera mira al espectador, sus proporciones caricaturescas y su amplia expresión sugieren el grafiti gestual que siguió siendo una influencia estilística fundamental en la pintura de Basquiat. La simplicidad del fondo y el tema recuerdan también al arte rupestre prehistórico, así como al arte tribal africano posterior. La cabeza de la figura africana es indistinta, sus rasgos están oscurecidos por garabatos negros, aparte de un único ojo en la frente.
Las figuras centrales, aunque enmarcadas con sencillez, están cargadas de simbolismo. La pareja sugiere un nihilismo o un viaje hacia la muerte que se hace más conmovedor por la dependencia de Basquiat de la heroína y otras drogas en la época en que se pintó.
Aunque la figura africana cabalga sobre el esqueleto y, por lo tanto, podría interpretarse como una posición de dominio, la posición asertiva del esqueleto sugiere, en cambio, que tiene el control, quizás arrastrando al jinete hacia el otro lado del cuadro. Junto con la distinción de color entre los dos (un esqueleto blanco y un jinete negro), esta pareja podría leerse como una metáfora de la represión y la destrucción de las sociedades africanas por parte de las potencias coloniales, así como de las desigualdades que existían en la América de los años ochenta para la gente de color.
Esta obra es un excelente ejemplo de los complejos significados que Basquiat era capaz de comunicar y sugerir a través de un complejo lenguaje visual que los críticos suelen calificar de «primitivo» o «ingenuo». Como muestra esta conmovedora imagen, la obra de Basquiat era, de hecho, muy sofisticada y mucho más lograda técnicamente de lo que se suele atribuir.
