Armando Reverón (Caracas, 1889-1954) es uno de los artistas venezolanos más destacados de la primera mitad del siglo. Su persona y su obra quedan determinadas por la construcción de su identidad artística desde la noción del “buen salvaje”.
Acabada su formación académica, Reverón viaja a Barcelona y Madrid en 1911 y unos años después se marcha a París. Allí su interés no es la trasgresión al lenguaje y la represtación académica propuesta por la vanguardia cubista, sino retomar la senda del postimpresionismo y la pintura de paisaje sustentada en principios lumínicos. De vuelta a Caracas, el alejamiento de los círculos artísticos se materializa en el retiro voluntario a los márgenes de los centros cívicos y sociales. Así, a partir de 1923, su rancho-taller en Macuto se convierte en el principal escenario de su pintura.
Alfredo Boulton divide la obra de Reverón en tres períodos: azul (1919-1924), blanco (1924-1934) y sepia (1935-1954), en los cuales no solo el pigmento dominante marca la diferencia, sino que también se advierten cambios estilísticos y técnicos. El sentido de acabado que se advierte en la primera etapa con obras como La cueva (1920c) y Los baños de Macuto (1921); se diluye progresivamente hasta la trascripción de detalles en los cuales predominan los elementos lumínicos más destacados, tal como se aprecia en Uveros (1927) o en Cocoteros (1931), a la vez que empieza a usar palos de punta roma para aplicar el color. En palabras de Boulton, esta “libertad de interpretación técnico-pictórica supuso el inicio de la ruptura con el pasado de concepción figurativa y realista de la imagen (Cocotero, 1944)”.
Por sus temas (retratos, grupos de bañistas, paisajes, marinas) y por su vocabulario, Reverón se presenta como un pintor equiparable a Henri Matisse y a Pierre Bonnard. La crítica afín sostiene que llega a las mismas conclusiones y logros pictóricos que estos dos artistas, tal como se puede apreciar en obras como Juanita en traje de baño rojo (1933) o Figura con abanico (1947) aun sin conocer la obra de estos pintores franceses. Por otro lado, el desarrollo del tema de la maja y la recuperación del gesto en la pincelada a finales de los años treinta -visible en Dama con mantilla (1939)- permite a la crítica señalar cierta vena goyesca en su pintura.
Los dos episodios nerviosos que sufre en 1936 y 1945 agudizan su ya de por sí extravagante actitud social. Así, la imposibilidad de lograr modelos, le lleva a confeccionar muñecas y maniquíes. De su última etapa son también diversas figurillas de alambre Esqueleto y máscaras realizadas con papel, que denotan un viraje hacia el arte infantil y naif.
Datos de la exposición
Publicaciones del Museo Reina Sofía
