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El secreto de 'Aftersun', la película revelación de 2022 y uno de los mejores debuts de los últimos años, es su capacidad para crear una conexión emocional de las que perduran. La directora escocesa Charlotte Wells convierte sus recuerdos de infancia en unas vacaciones en Turquía suspendidas en el tiempo, donde un padre joven (Paul Mescal) y su hija de 11 años (Frankie Corio) lidian con las cosas que no se dicen y las heridas que no se curan. Una niña que descubre el mundo adulto y un adulto que se consume poco a poco por sus demonios. Y, al mismo tiempo, una mirada al pasado que explora las maneras en las que la memoria se mantiene viva a través de momentos, vídeos domésticos, canciones y fotos estilo polaroid que emergen lentamente para recordarnos todo aquello que olvidamos.
Este viernes 16 de diciembre se hablará mucho de 'Avatar 2: El sentido del agua', pero la verdadera joya imprescindible es 'Aftersun'. Pero, ¿qué la ha convertido en uno de los fenómenos del año? Desgranamos las claves principales de la película junto a su directora, con la que nos encontramos a su paso por el Festival de Cine Europeo de Sevilla. Wells ha escondido muchos secretos y capas de significado entre sus imágenes, desde su brillante puesta en escena hasta su reverencia de autoras como Chantal Akerman, y pasando por un clímax final al ritmo de 'Under Pressure' que la directora considera la mejor escena de la película. También la más desoladora. Y es que, como escribe Eulàlia Iglesias en la crítica de FOTOGRAMAS: "bajo la superficie luminosa de un film estival va emergiendo una de las películas más devastadoras de la temporada". Ojalá el público esté atento, y también los Oscars 2023.
1 - La historia real detrás de 'Aftersun'
Charlotte Wells ha definido la relación de 'Aftersun' con la realidad como "emocionalmente autobiográfica", de modo que se aleja de la idea de que la película recrea vivencias específicas de su infancia o de su relación con su padre. Sin embargo, esa es precisamente la inspiración que hay detrás de su origen y los recuerdos que han moldeado durante todo el proceso de escritura y rodaje lo que hoy vemos en la pantalla.
FOTOGRAMAS: ¿En qué momento la película se empieza a basar más en tu historia personal y tu relación con tu padre? Porque no fue así desde el principio.
CHARLOTTE WELLS: Es interesante: lo fue y no lo fue. Siempre fue la inspiración para la película, incluso cuando la idea original estaba estructurada de una manera más convencional y más obviamente ficcional en un sentido narrativo. Así que siempre estuvo ahí, solo que se volvió más personal, no en un sentido autobiográfico de que lo que pasa en la película es lo que yo viví, sino respecto a los sentimientos que estaba expresando a través de la película. Siempre estuvo dirigiéndose hacia lo que la película ha acabado siendo. Es a lo que he aspirado siempre. Ha sido un proceso de descubrimiento, y eso es lo que se refleja en el resultado final.
F: ¿Hay más ficción o más realidad en el corte final?
CW: Diría que todo es ficción. Es curioso, porque los momentos que están más fuertemente inspirados por experiencias personales se han quedado fuera del montaje final. Lo que pasa en la película es enteramente ficcional. Algunos momentos están más estrechamente inspirados por conversaciones o anécdotas de la realidad que otros, pero no hay nada en la película que refleje directamente una experiencia que yo haya tenido en unas vacaciones en ese lugar y tiempo específicos. Ahora bien, la expresión de la pérdida y el amor que hay en la película y en su final sí es mío.
F: Los vídeos domésticos a veces son piedras angulares en nuestras memorias de infancia. ¿Cómo encaja esta idea en la película y cómo ayuda a reconstruir recuerdos?
CW: Recuerdo el día que incorporé estos vídeos en la historia y no sé muy bien por qué. Hay un vídeo mío alrededor de aquella época y es increíblemente aburrido, como lo son la mayoría de vídeos domésticos (ríe). En cierto punto, empecé a jugar con ellos dentro del guion, y lo cierto es que ofrece puntos de anclaje para cosas que sí pasaron en la realidad. Incluso si son subjetivos, establece la diferencia entre lo que pasó y cómo se percibe ahora. Era importante tener estos recuerdos en vídeo como anclas de la memoria de modo que todo lo que hay en el medio es recordado o imaginado, y por tanto no es tan de fiar.
2 - Resolver un misterio... y la puesta en escena
La magia de 'Aftersun' es resultado de una perfecta sincronía entre una historia sencilla pero devastadora, unas interpretaciones emotivas pero sutiles, y sobre todo una puesta en escena increíblemente lírica y cargada de un lenguaje visual poderoso. Una Sophie adulta mira al pasado, a esas vacaciones en Turquía, para intentar entender el misterio de su padre. Esta voluntad de desentrañar esas incógnitas sobre nuestros padres está también en películas recientes como 'Petite Maman' y 'The Eternal Daughter', donde Céline Sciamma y Joanna Hogg apuestan por el fantástico para conseguir que sus protagonistas se acerquen a las sombras que rodean a sus padres. Para Wells, ese proceso está intrínsicamente ligado al punto de vista de la cámara, y a quién pertenece.
F: Da la sensación de que la película mira al personaje de Paul Mescal a través de diferentes filtros: cámaras, pantallas, espejos, mesas de cristal, el agua de la piscina… También le vemos habitualmente en planos desde atrás, sin ver su cara, o encuadres que lo relegan a los márgenes del plano. ¿Estabas intentando resolver un misterio?
CW: De alguna manera, sí. El director de fotografía Greg [Oke] y yo diseñamos la estrategia para rodar a Calum de todas las maneras que tú acabas de describir. Y es genial oírte articularlo de esa manera, porque ese era nuestro objetivo. No esperábamos que la gente lo entendiese mientras ve la película, pero esperábamos que ese entendimiento se fuese creando a medida que avanza la historia: que viesen que estamos guardando las distancias con Calum porque esas escenas corresponden a Sophie buscando aquellas cosas que se pudo haber perdido en esas vacaciones. Esta puesta en escena creó el marco de una especie de memoria, una mirada al pasado a través de estas vacaciones, y me llevó mucho tiempo entender los diferentes puntos de vista y perspectivas de la película, y realmente entender que el punto de vista de Sophie adulta es el punto de vista principal.
F: En esa misma estrategia, ¿qué papel jugaron los colores? Da la sensación que Calum siempre va acompañado de colores más fríos.
CW: ¡Exacto! Eres la primera persona que apunta eso. Absolutamente. La rave es un espacio muy frío, por ejemplo. Fue sugerencia de nuestra colorista [Kath Raisch] darle ese tono frío a todas las escenas con Calum, esos tonos azulados y grisáceos. Cuando lo ves el balcón fumando o en la cama al final, tiene una frialdad que no ves en la habitación de hotel que comparte con su hija. De hecho, trabajamos mucho para que la habitación fuese un espacio acogedor y cálido.
3 - Paul Mescal y Frankie Corio, una química extraordinaria
Hay una historia cargada de sentimientos reales, cuenta con una puesta en escena absolutamente arrebatadora y, como tercer pilar imprescindible, están las interpretaciones de Paul Mescal y Frankie Corio. Desde la primera escena se aprecia su química y el cariño que se profesan, y por separado consiguen, además, algunos momentos cautivadores. A Mescal lo descubrimos en la serie 'Gente normal', por la que recibió numerosos reconocimientos (y no nos extrañaría verle entre los nominados a Mejor Actor en los Oscars 2023 por este nuevo trabajo), y para Corio este supone su debut en la gran pantalla.
F: La química entre Paul Mescal y Frankie Corio es increíble. ¿Cuál ha sido el secreto para conseguirla?
CW: La química es algo imposible de predecir. Puedes reunir a dos personas esperando que haya alguna chispa, pero, sin el tiempo suficiente para ver cómo se desarrolla esa relación, no se puede saber. En este caso, Paul puso mucho esfuerzo en la relación, y también es cierto que todos nosotros disfrutamos mucho de nuestra compañía. Creo que incluso le sorprendió a Paul que Frankie se convirtiese en una amiga de verdad, realmente se llevaban muy bien. Ella es muy abierta y tiene una familia muy acogedora que abrió la puerta a Paul, y él trabajó muy duro para construir esa conexión. Y era mi trabajo darles el espacio para conseguirlo.
F: ¿Les diste alguna indicación específica, especialmente durante el rodaje o la preparación?
CW: Tuvimos dos semanas antes de empezar el rodaje en las que yo estuve haciendo preparación técnica, así que simplemente les dejé a los dos pasar tiempo juntos: ir a la playa, tomar helado, relajarse junto a la piscina…
F: Formar una conexión real.
CW: Exacto, y luego tuvimos seis semanas de rodaje. La escena que ocurre del aeropuerto al hotel, al principio de la película, cuando Frankie está en el regazo de Paul, esa fue una de las últimas escenas que rodamos. Y no creo que hubiésemos podido rodar una escena así en el primer día. Porque no solo tuvieron dos semanas para conocerse, sino además seis semanas de rodaje para coger confianza, así que estrecharon su relación mucho a lo largo del proceso y las cosas se hicieron mucho más fáciles.
4 - Una debutante en busca de su ¿estilo?
"Eso del estilo es algo interesante", reflexiona Wells, que no se ha planteado todavía si le encaja eso que en el mundo del cine llamamos "autoría". Lo que sí sabe es quiénes son los cineastas y películas que le han influido e inspirado, y no niega las conexiones que eso ha creado con su propio trabajo, no en términos de estilo, sino más bien con detalles y escenas concretas. Resuena 'Morvern Callar' de Lynne Ramsay en las escenas de la discoteca, 'Somewhere' de Sofia Coppola en las jornadas de una padre y una hija junto a la piscina, 'La Chambre' de Chantal Akerman en un movimiento de cámara sobre el eje de la cámara que recorre toda una habitación y 'Alicia en las ciudades' de Wim Wenders y los estiramientos corporales de una pareja improbable, además de nombres como Claire Denis y hasta la también escocesa Margaret Tait, que hace un cameo en modo de poemario junto a un televisor.
F: En 'Aftersun' pueden apreciarse muchas referencias en la película a otros cineastas. ¿Es una manera de rendir homenaje a los cineastas que te han inspirado?
CW: Cada persona tienen diferentes modos de relacionarse con sus referencias y de dónde toman la inspiración. Me he dado cuenta de que, cuando leo o veo algo que me gusta, algún detalle siempre encuentra su vía de entrada inmediatamente en mi trabajo, y luego encontrará una vía de salida. Quizás entre directamente a la página, pero se transforma durante el proceso hasta que casi no es ni siquiera reconocible. No estoy dispuesta a confesar todas mis referencias (ríe). Algunas son más obvias que otras, y otras son puras coincidencias. Siempre me ha interesado la intertextualidad, autores que se referencian constantemente, y no veo ninguna razón por la que el cine deba ser diferente. Si ves mucho cine acabas por absorber mucho cine, y soy consciente de cómo esas referencias encuentran un lugar en mis películas. Y lo disfruto.
F: ¿Es una manera de encontrar tu propio estilo como cineasta?
CW: Lo del estilo es algo interesante. Nunca he pensando en cuál es mi estilo. En los tres cortometrajes que he hecho siento que hay algo específico mío, imágenes que me obsesionan, una intimidad que me atrae… Mi colaboración Greg es muy interesante, porque compartimos un gusto muy parecido, aunque no idéntico, en las películas que nos gustan. Pero nuestros instintos son muy distintos a la hora de rodar: yo quiero acercarme, él quiere alejarse. Así que es una buena colaboración, porque decidimos juntos qué es lo mejor para cada escena. Nunca intento imitar el estilo de otros, eso es una receta para el desastre, especialmente cuando intentas imitar a un maestro, pero las referencias son algo inherente en tener un punto de vista y una inclinación visual.
5 - El clímax, 'Under Pressure' y el futuro
Entre los mejores finales de la historia del cine podemos contar ya el de 'Aftersun', que pone fin a su colección de memorias de verano con un clímax emocional al ritmo de 'Under Pressure', la canción de Queen y David Bowie. "This is our last dance, this is ourselves under pressure", reza la canción mientras Paul Mescal da el resto entre las luces parpadeantes de una discoteca imaginada, un pozo sin fondo del que su personaje ya no se ve capaz de salir. Charlotte Wells sabía que este tenía que ser uno de los momentos más importantes de la película. Y tenía que funcionar.
F: Quería preguntarte por la última escena en la discoteca. No paré de llorar.
CW: Lo siento (ríe).
F: Me pregunto cómo ves esa escena ahora después de tantos meses.
CW: Buena pregunta. Lo veo como un clímax y como una de las pocas cosas que he conseguido trasladar de forma exitosa desde el guion. Así es como funciona esto, raramente consigues ejecutar algo a la perfección, y es un caso extraño conseguir poner en imágenes algo exactamente como lo imaginabas. Quizás mejor de lo que imaginaba. Fue lo último que pusimos en el proceso de montaje porque responder a la pregunta de “¿Funcionará esta escena?” era aterradora. Porque si esa escena no funcionaba, la película no funcionaba. Toda la historia se construye hacia esa escena. Había mucha presión por ese momento. Por otro lado, creo que la escena podría haber funcionado sin ‘Under Pressure’ y aún hubiese sido emotiva, pero la canción añade algo muy especial.
F: ¿Ves cosas en la película que te hubiese gustado hacer de forma diferente?
CW: Es interesante… La producción fue dura, siempre lo es. No hicimos todo lo que queríamos. Muchos de los momentos más líricos de la película aparecieron como una forma de solucionar problemas narrativos durante el montaje. Y desde luego hay partes que me gustan más que otras, pero no paso mucho tiempo pensando en qué hubiese hecho diferente, porque la película acabó siendo lo que tenía ser. No hay nada que no haya en la película que hubiese querido que estuviese… más o menos (ríe). Sí que hay algunos vídeos domésticos con Paul y Frankie que me hubiese gustado incluir, pero no tenían lugar. No me quita el sueño, y eso es porque nuestro proceso fue muy exhaustivo y pasamos siete meses trabajando duro, analizando cada detalle. Mi editor sabe que así es cómo trabajo, tengo que responder todas las preguntas y al final sabemos que no habría otra versión de la película posible. Ahora, sí que hay algunas escenas que me hacen chirriar un poco, algún diálogo que no está del todo bien...
F: Tú eres la única que ve esos detalles.
CW: Eso es lo que dice la gente, así que debe ser verdad (ríe). Nunca seré capaz de experimentar la película como los espectadores. Es uno de los aspectos más tristes de hacer películas.
F: ¿Ya sientes la presión por hacer la segunda película?
CW: Soy consciente, sí, me ha pasado por la cabeza. Pero no es un lugar muy útil desde el que crear. Cuando ‘Aftersun’ ya no sea mi vida entera, el tema será crear un espacio en el que no pensar en ella y no sentirme atraída a la idea de perseguir el mismo tipo de recepción, porque no creo que deba empezar por ahí. Desde luego no fue desde donde empecé esta película. Es fácil quedarse en este momento, pero este momento no durará para siempre. La mejor manera de empezar a crear es tener algo interesante que contar.
Mireia es experta en cine y series en la revista FOTOGRAMAS, donde escribe sobre todo tipo de estrenos de películas y series de Netflix, HBO Max y más. Su ídolo es Agnès Varda y le apasiona el cine de autor, pero también está al día de todas las noticias de Marvel, Disney, Star Wars y otras franquicias, y tiene debilidad por el anime japonés; un perfil polifacético que también ha demostrado en cabeceras como ESQUIRE y ELLE.
En sus siete años en FOTOGRAMAS ha conseguido hacerse un hueco como redactora y especialista SEO en la web, y también colabora y forma parte del cuadro crítico de la edición impresa. Ha tenido la oportunidad de entrevistar a estrellas de la talla de Ryan Gosling, Jake Gyllenhaal, Zendaya y Kristen Stewart (aunque la que más ilusión le hizo sigue siendo Jane Campion), cubrir grandes eventos como los Oscars y asistir a festivales como los de San Sebastián, Londres, Sevilla y Venecia (en el que ha ejercido de jurado FIPRESCI). Además, ha participado en campañas de contenidos patrocinados con el equipo de Hearst Magazines España, y tiene cierta experiencia en departamentos de comunicación y como programadora a través del Kingston International Film Festival de Londres.
Mireia es graduada en Periodismo por la Universidad Autónoma de Barcelona (UAB) y empezó su carrera como periodista cinematográfica en medios online como la revista Insertos y Cine Divergente, entre otros. En 2023 se publica su primer libro, 'Biblioteca Studio Ghibli: Nicky, la aprendiz de bruja' (Editorial Héroes de Papel), un ensayo en profundidad sobre la película de Hayao Miyazaki de 1989.
