鋼琴初學者請進！！！鋼琴入門基礎知識

跟我學鋼琴：
　　 在音樂藝術中，鋼琴具有其它樂器不可取代的地位。從1709年，第一台鋼琴的出現經過了約三百年的曆程，在這期間，鋼琴發生了許多變化，其音色亮麗、動人，擅長演奏各種風格的音樂，其演奏風格也日趨豐富和完善，現在，讓我們一起來學習彈奏鋼琴。

一、熟悉鋼琴簡譜：
　 由上下兩行簡譜合並而成。 

 

二、鍵盤與音符 ：
　　牢記中央七個音符的位置。
 

三、手指符號：
　　手指用漢字的一二三四五來標示。 

四、鋼琴彈奏時的坐姿和手的狀態：
1：坐姿
 

 

2：彈奏時手的狀態 
 

  
　   

五：鋼琴彈奏
1：鋼琴的基本練法
（1） 鋼琴的基本練法就是慢練。
　　 慢練尤如"大鏡"，把樂曲中的一切細節都擴大了。慢練的最大優點是來得及根據視覺，聽覺得到的反饋信息調整和修正缺點和毛病。慢練的方法之一是用節拍器。即使在作品練習成熟之後，也不應忽視適當得慢速練習。

（2）有計劃、有目的地學習：
　　 冰凍三尺，非一日之寒。練鋼琴需要的是持之以恒的態度。鋼琴曲目繁多、演奏技法多樣。初學者應制定一個遠期學習目標和近期學習計劃，從基礎著手，循序漸進地學習，才能目的。

（3）以良好的心態學習鋼琴：
　　 學琴過程中，可能會遇到情緒起伏不的情況。應調節情緒，適當減輕學習難度，充分激發學琴興趣、緩解學琴緊張感。

2：鋼琴彈奏中自然重量的運用
　　 關于自然重量的運用的要求是整只手臂的放松自如，從肩部的舒展下垂，到整個手臂的協調下垂，通過放松靈活的手腕調節，然後由手指把手臂重量傳入鍵盤。
（1）：認識體會到手臂的自然重量
　　 以前傾上身的坐姿，把兩只手臂完全放松地垂下去。此時手臂好像是從肩部自然垂挂下來的物體。在空氣中隨意擺動，晃動，而血都湧向了手掌，通向了指尖。體會到手臂的自然重量後，我們就要把這個自然重量用到彈琴上去。接下來手指就要發揮它的功能和作用了。

（2）：手指要承受並支撐整只手臂的重量
　　 手指的三個小關節微微凸起，尤其是處于手掌部位的指根關節（以下簡稱"掌關節"）必須要作爲一個力量的支持點。手臂的自然重量落下來，要求每一個手指都能支撐住。我們用斷奏入門的方法練習：先分別一個手指一個手指地在鋼琴上站好，結合手臂的自然重量。經過一個階段，在每個手指都能自如地彈出飽滿的聲音後，再漸漸進入連奏的練習。進一步我們就可以調節重量的輕重

3：彈奏鋼琴時身體的協調
　　 身體的的協調牽涉到鋼琴彈奏的基本坐姿和體位等方面，開始就要明確，隨著程序的深化，又要不斷發展和更好地運用。
（1）保證身體協調的根本：
　　 保證身體協調的根本是根據自己的身體條件進行調節正確合理的坐姿。隨著程度的提高，對力度、速度、音樂情緒和色彩的變化提出了越來越多的要求，所以身體的參與和調節也越來越重要。

（2）坐姿的基本要求：
　　 臀部要穩定而固定地坐在琴凳中部，爲了便于靈活用力，不要坐滿，坐一半即可。而且爲了照顧到高低音，要坐在鋼琴中部，不要隨意挪動，而兩條腿放在踏板兩旁，在強奏時左腿可後撤作爲全身力量支點。這是坐姿的基本要求。

（3）身體的左右調節：
　　 身體的左右調節主要依據音的高低。以音階爲例，弱低音區時，身體重心放到左腿方面去；彈中音區時，身體重心兩面擺平；彈到高音時，身體重心側往右腿方面。

（4）身體的前後調節：
　　 身體的前後調節可以根據音量的大小、力量的強弱來確定。一般規律是，較弱的力度時，身體可處在較正的位置，力度越強，身體可越向前傾一些。整個身體臆後活動的範圍以坐直爲基准，隨音量加大而逐漸前傾。反之，隨著音量減小從前傾的位置逐漸回到身體的坐直位置。前後調節，應是靈活、協調，並隨時變化的。

4： 手指的能力與訓練
（1）手指的能力：
手指的能力是指每個手指是否有獨立活動的能力，是否靈活和有力。表現在彈奏上則是清晰度、均勻度和流暢度。

（2）手指的訓練：
A：指根關節練習
　　 訓練應從指根關節入手，即掌關節的主動性和靈活性。一般來說，在結束斷奏練習進入連奏的訓練後，就應明確：連奏時每個手指都要主動，絕對不允許在連奏中每彈一個音手腕往下壓一次。

B:"快下放松"--手指能力練習
　　 在經過一個階段，就可通過音階、哈農等練習，來專門訓練手指的獨立性和能力。練習方法，簡稱"快下放松"。如圖1練習：

　
圖1

C:"要帖鍵"--手指快速練習
　　 在經過"快下放松"的練習後，隨著速度的逐漸加快，要逐漸縮小手指的動作，越彈得快動作要越精煉，越小。正式彈奏時，手指要用最精簡、最節約的動作。我們將這種彈法簡稱爲"要貼鍵"，即手指尖貼 合理的小動作，以達到快速。

D:均勻度的練習：
　　在練習中需要注意的是均勻度的問題。 a要踏實慢練；b "要聽" ，聽聲音是否均勻，速度是否平均；c對弱指要加強訓練。 E:流暢度的練習：
　　流暢度是一個綜合了多方面要求的問題，首先要求手指的獨立和靈活，同時也要結合臂腕的協調和重量的調節，又牽涉到音樂的表情和感覺以及節奏的分組和律動。 要慢練。注意手指手臂手腕和手指協調配合，明確感受樂曲或樂段的節奏。體現出節奏的律動。增加音之間的流動感。

5:手腕與手臂的活動和調節
　　手腕是保證手指能有效並自如地去適應彈奏中千變萬化的關鍵部位。

（1） 手腕的三種活動方向：
A手腕的上下動作：
　　手腕的上下動作分成兩種：

a"落滾"式的動作：
　　由整個手臂協調帶動上下動作，被稱之爲 "落滾"式的動作。如在兩個音的小連線時，第一個音彈之前，手腕結合手臂先提起來，把手指帶動起來，然後指尖沖著鍵盤落下去，一發出聲音後，手就立刻放松，保持正確手型，在琴鍵上站一會兒，再根據音符的時值向第二個音。在第一音至第二音時，手腕安靜不亂動而彈完第二音後，手腕結合手臂提起來，使手指柔和地離開鍵盤。這種落滾式動作的練習，使手腕變得靈活柔和自如，並與手臂很好地協調起來，使得手指更好地與手臂重量結合，彈出連線和樂句，彈出更優美豐滿的聲音。

b手腕獨立動作的上下動作：
　　這種動作用于手腕動作的跳音。前臂是指從手臂到手肘的這一段，放松地放桌面上不動，這時讓手部作拍皮球的動作。此時手掌處于拱形，手指尖觸及桌面，這樣反複地上下動作。實際上動作的關節是手腕，由于手臂是不動的，所以可明確地意識並體會到的和腕的主動。

B、手腕的左右動作
　　手腕左右動作是一種非常必要，而且是時時處處都要運用的動作。即是，每一個手指彈的時候手腕必須左右調節位置，以使手指處于何種最有利于彈奏的方位。

a手腕的合理調節的原則：
　　手臂要想配合手指必須通過手腕才能起作用，而手腕調節的原則在于每個手指彈奏時，要讓手指處于基本直對著鍵盤的方向，這種角度和方向最容易把手臂上傳下來的重量自然地送進鍵盤去。

C、手腕的上下和左右結合的綜合動作
　　綜合動作中，常見的手腕圓圈式的動作，一般用于一些規律性分組的技術性段落式伴奏音型段落。像車爾尼299的第六首，就是每拍四個音，根據音的高低和手的左右位置，打一個手腕的扁圓圈動作。這個好像劃一個圓圈的手腕動作即是手腕的上下和左右結合來完成的。

6：鋼琴演奏中的促鍵：
（1）：指力觸鍵
　　與前臂肌肉相連的肌腱將手指往下拉，就完成了下鍵的動作。當肌腱松會時，手指和琴鍵就回複到原來的位置。 練習方法：（如圖2）：

圖2
 

讓右手處于正常的彈奏姿勢，手背和腕背幾乎在同一水平面上，手指貼住鍵盤，處于C音到g音的位置。手腕在擡高和放下的幾次動作中始終放松，手指始終貼鍵，手指穩固而略呈彎曲。

例一：斷奏： 如圖3：

 圖３

每彈一個音符，手指都迅速按下鍵，並在發出 聲音的那一刻松開，縮回到鍵上。手腕始終保持平穩。
　　
圖4 如斷奏一樣，每個音都要彈出保持住。手指所用的壓力只需阻止琴鍵彈回即可。再向下一個音進行時，前臂略向右轉動。這樣，當一個鍵松開時，另一個鍵正好發出聲音。

圖４

 

（2）：手力觸鍵：
　　 手力觸鍵的主要特點是手朝下動作。在各類觸鍵方式中運用最廣。手腕的向上彈起的傾向成爲手力觸鍵的一個不可改變的標志。
練習方法：如圖：
 
 

 

 

圖５

右手放在鋪例一所示的鍵盤位置上。手腕放松，手指穩固。拇指舉起離琴鍵約1/4寸高，手朝C音的鍵上和鍵裏用力，使拇指擊下琴鍵。這時手腕會立即向上拱起1寸高，然後立即放松，回到原來的位置。只樣就形成了斷奏的效果。左右兩手都可以用這個方式來練習譜例3。在每個下鍵動作中都要強調手腕的向上運動。

也可以用同樣的方式來練習譜例(圖4)中的連奏，但手朝下面的一個音的方向稍微轉動，手腕每次向上拱起後，應立即回到原先的位置。
圖4

手腕放松和手指穩定是觸鍵中最難達到的要求。手指觸鍵有廣泛的用途，如演奏各種音階、琶音以及其他複雜音型的快速樂段等。也常常用在弦及八度的彈奏中。


（3）：臂落觸鍵
臂落觸鍵是突然落下前臂或全臂，以使所要彈的那個鍵或那幾個鍵在這個下落動作中被推下。最終的姿勢是如圖B所示的，手和手臂都從鍵盤上往下垂挂著。臂落觸鍵可以彈出斷奏的效果，只要手指在聲音發出後立即放松。臂落觸鍵最好用于音的保持或連奏效果。

練習方法：如圖6

 

 

 　圖6

在彈奏圖6中的各音時，先擡高手腕以使指尖幾乎貼住鍵盤。然後突然放松手臂。隨著手臂的下落，以便聽到所要彈的音。手指按住這個音，手腕則低于鍵盤。然後再回到高手腕的姿勢，以便彈奏下一個音，在整個練習過程中，手腕都是放松的。 手力與臂落相結合的觸鍵 這兩種觸鍵的交替運用在分句表現上極爲重要。以帶連線的兩音音組爲例，先有臂落觸鍵彈出第一個音，奠定一個基礎，再由手力觸鍵按所要求的輕巧程度或斷奏程度彈出第二個音。

練習：（如圖7）

 

 

 圖7

按照圖7來練習。每一組的第一個音用臂落觸鍵（D=放低手腕）彈出，第二個音用手力觸鍵（U=擡高手腕）彈。


帶連線的左右手各自獨立的音組可以通過獨立使用這兩種觸鍵的方法來練習， 如圖8：






圖8



對于帶連線的輕巧的音階，可以臂落觸鍵彈第一個音，讓手腕逐漸擡高（手力觸鍵）。 當順勢彈完最後一個音時，手腕便懸在半空中。如圖9：

圖9

各種音階、左右手分開的練習：如圖10

 

 

圖10 

注意：拇指總是用臂落觸鍵。其余手指除了彈奏音階的起始音（無論上行或下行），一律用手力觸鍵。兩種觸鍵的交替使用在八度連奏中應用教多，在黑鍵上總是用手力觸鍵，而緊跟在黑鍵後的白鍵則用臂落觸鍵。

半音階八度尤其能說明這幾個原則：如圖11


圖11


（4）：全臂觸鍵
　　這種觸鍵的特點是：上前臂、手腕、手和手指密切地結合在一起運動。
練習方法：

（1） 右手放在正常的彈奏位置。手腕和手指保持穩固，然後盡可能高地聳起肩部，整個手臂和手也隨之擡起。這樣手指便可以離開約2、3寸遠。接著肩部突然放松，使拇指猛地擊響一個C音後又立即放松，形成一個響亮的斷奏音。然後手重新回到正常的彈奏位置上。

（2） 右手放在正常的彈奏位置上。肌肉保持穩固。手指貼住鍵盤，拇指反複地用斷奏彈出C音，並且用從弱（P）到（F）的各種層次的粒度彈奏。手臂動作的幅度應當減小。肌肉運動的感受主要在肩部。聲音一旦發出，肌肉立即放松。

（3） 用連奏彈時，也用相同的方式來下鍵。但在緊接而來的放松之中需保持足夠的分量按住鍵不使它彈回。

7：踏板的正確使用
　　鋼琴踏板的使用是彈奏方法中重要的內容，是最具個性的部分。踏板使用得好壞，直接影響到彈奏的聲音、色彩和風格。不同的演奏者踏板法運用不同，甚至同一個演奏家也會在一次演奏中使用不同的踏板法。 在演奏中，踏板的正確使用應遵循其作品的和聲、織體等基本要素。

（1）腳的運用 ：
　　在演奏時，我們的腳應放在壓力點最大的位置--前腳掌部位，腳跟不要離開地面，尤其在換踏板時，腳跟一定要穩定。常用的練習有兩種：
（A）：快下慢放。
（B）：慢下快放。

（2）鋼琴踏板的最基本的功能：
A：右踏板
（A）右踏板的介紹：
　　右踏板是延長音踏板，一踩下去，鋼琴裏的制音器全部打開，所有彈到的音全會延長。當腳一擡起來，制音器又壓在琴弦上，音的延長就中止。

（B）：右踏板的用法：
　　右踏板最常用也最重要，當我們踩下右踏板時，制音器就打開了。在演奏中，運用右踏板，不但可使已彈下的音繼續鳴響，同時也讓被解放的空弦也與之産生共鳴，聲音更爲洪亮。右踏板在運用中不應濫用，否則會影響了演奏的效果。

（C）：右踏板運用的幾種形式

a、直接踏板法：
　　是在一個和弦，一個動機或一個樂句的範圍內踩下，放開踏板。它只用于、只起作用于一段音樂範圍內，並不是整段音樂都用

b、 切分踏板法：
　　也叫連音踏板法，用以連接音樂（旋律、和聲、節奏）能加強對後面的音樂的傾向性。鋼琴的聲音具有歌唱性，連音踏板起了重要作用。
在練習這種"切分"踏板法，有以下幾個步驟：
（a）彈奏同進踩踏板，接著彈下一個和弦。
（b）放開踏板，手指按住琴鍵時，重新踩下踏板。
（c）仔細聽，要讓和弦清楚，沒有以前的和聲留在其中。
（d）每個新的和弦重複以上過程。

c、踏板的部分更換
　　在鋼琴演奏中換踏板時，聲音突然完全制止，有時可以從前面一個音或部分音中帶過來一部分聲音。在換踏板時制音器應在重新擡起之前瞬間觸及琴弦。

d、抖動踏板法
　　抖動踏板法是一種快速而淺的換踏板動作。它使制音器碰觸琴弦，達到即不讓聲音完全止住，又使琴弦不能完全振動的效果。 （D）：具體介紹

a：節奏踏板
　　右踏板是加強節奏，使聲音宏亮的踏板。這種節奏踏板用法較簡單，哪一個音需加強，需潤色，腳按節奏與手同時下去。比如一首圓舞曲，需加強三拍子中的第一拍，那麽第一拍左手彈低音的同時腳踩下去，根據需要，踩一拍或兩拍再放開。

b：連音踏板
　　這種踏板目的是爲了讓右踏板幫助手把音都連起來，所以稱爲連音踏板 也稱爲切分踏板。在使用時，右腳下去，是在手上的音彈出來之後。在踏板總是在拍子的後面踩下，如切分音一般。這種切分的踏板用法由于手腳不能同步，需要很好地協調配合，因此必須有一個練習和熟練習慣的過程。在連音踏板中，手腳的動作千萬不能同上同下，而應手先彈，腳隨後踩下。

B：左踏板
（A）左踏板的介紹：
　　左踏板是弱音踏板，在家用立式鋼琴上，踩下左踏板，琴槌整個往前挪一些，離琴弦的距離就縮短了，聲音相應就弱了。在演奏用的三角鋼琴上，一旦踩下左踏板，則是整個鍵盤向右稍挪動。左踏板在演奏琴上能作出這樣的力度和音色的變化。

（B）左踏板的運用：
　　左踏板的作用常被運用增加聲音的柔和度、去掉音質中的雜質。它使弦音減弱，音色也有不同。在立式琴上，左踏板踩下，可使小槌向琴弦靠近些，叩弦的力量就輕了。在三角平台琴上，則是小槌向一側偏移，小槌在擊弦時只能叩擊每一組弦中的兩根或一根弦。

C：中踏板
（A）中踏板的介紹：
　　踩下中踏板，會使擊弦機上方一塊厚絨降下來，擋在琴槌與琴弦之間，這樣彈出來的聲音就小得只有自己聽得見。而真正現代演奏琴上的中踏板，是只延長低音部分的持續音踏板，踩下中踏板能有效地延長低音，但不延長中音和高音。

（B）:中踏板的運用
　　中踏板常見有兩種形式：
a：踩下這個中踏板，把一條絨布類的東西隔在弦上，當小槌叩擊時只能透過絨布叩在弦上，聲音變得更輕、更發悶了。
b：延音作用，可以控制制音器，讓彈過的音延續下去。但是中踏板只讓彈奏過的那個鍵的制音器打開。因此，中踏板只按需要延長某幾個音，而不致于造成聲音混濁。

（3）踏板的藝術性 ：
　　踏板作爲鋼琴的靈魂，包含了許多的技巧。演奏者在掌握一定的基本踏板法的前提下才可獲得技巧的藝術性。當踏板藝術應用不同風格不同的作品時，加以不同的處理。而運用踏板的最終指導者是耳朵。只有敏銳的音樂耳朵，才是演奏者最終最可靠的指導。 掌握好使用踏板的技巧，可增強鋼琴演奏的表現力、感染力，使樂曲更具生命力。

（4）跟練踏板（踏瓣）：
　　腳應隨時准備好放在踏板上或是移近踏板，以便在使用踏板時去除一切無用的和不自然的動作。右腳放在踏板上時絕不要施加任何的壓力，否則會造成聲音的混響。使用踏板時，用腳腕的動作是迅速地將踏板全部踩下，松開踏板時也同樣地松掉腳腕壓在踏板上的力量。
練習方法：如圖12：
 
圖12


　　所有的音符均用一個手指彈。每音數兩拍，發音要清楚。踏板總是在第二拍上踩下，並在下一個音發出時立即松開。手指等踏板完全踩下後便可離開鍵盤，這樣可以得到完美地連奏效果。

8:音階練習
　　音階練習，對于初學鋼琴者是重要的基本功訓練.。練習好音階，需要注意幾個方面：
（1）. 練音階的重要性： 練習音階很重要，一方面可以提高控制和運用手指的能力，二是可以熟悉指法，鞏固記憶；三是可以熟悉鍵盤位置，熟悉調試及其轉換，提高演奏能力。

（2）. 樹立明確的目標： 練音階，首先解決的是一個"立"字，解決五指不立和掌關節發緊，只有苦練才能達到目標。二是學會一個"慢"字。只有會慢練，才能逐漸加強力度，增加耐力，並爲以後的加速打下基礎。

（3）.防止一個"混"字： Ａ大調，＃f小調，g小調，Ｃ小調，這幾套關系大小調，易混淆，指法易錯，只有經過反複訓練，直練到准確無誤爲止。

（4）： 采取分組練習法： 將學過的音階分爲四組，每次練琴時先彈兩組音階，再彈樂曲，而後再彈音階，交叉進行，每組慢練五次，快練一次，逐漸增加次數，來調動練琴的積極性。

9：怎樣練好一首樂曲
　　在練習過程中，可分三階段；視譜、分練、組合。

（1） 視譜階段：
　　學習一首新曲子時，要養成先花1～2 分鍾看看譜子，記住調號、拍子、節奏型等，然後再並始用手彈的習慣。視譜能力強是學習進展快的主要因素之一。

（2）分練階段：
　　能准確地視譜彈奏後，接著就要分句、分段、分手練習，有困難的地要抽出來反複練。要有針對性地分句、分段或分手練。

（3）組合階段：
　　第三階段需要的是思維能力與表達能力。當音符，拍子、指法、分句等問題都解決後，就要動腦筋注意音色與觸鍵的選擇，力度的層次，節奏的靈活性，音樂的結構等等。

10：彈奏鋼琴時的表情處理：
（1） 聲部程次：
　　鋼琴和管風琴一樣，必須同時奏出幾個聲部並常常模擬整個樂隊的效果。因此，要使一首鋼琴樂曲在演奏處理上表現得當，就應讓各個聲部在整體中形成一定的位置關系。因此演奏者應善于隨機運用各種觸鍵的方式。

A：對位性音樂中的聲部層次
　　這些聲部的結合和對比方式應根據具體樂曲而定。凡是專門的主題性素材都應爲主要聲部。以巴赫的三聲部賦格中的片段爲例（見譜13）。
 

 

 

譜13

此處低聲部的主要主題最重要。而中聲部的對題（2）和競相出現的、閃現在高聲部的短小音型（3）應處于陪襯的地位。

B：和聲性音樂中的聲部層次
　　最簡單的形式是由和弦支持的旋律或經過句。可分出三個不同的層次：主旋律、低音進行以及插入其中的和弦組成。通常在這三個層次之外還可以加上第四個與旋律部分有關的層次。如肖邦《華麗圓舞曲》中的一個片段：（如圖14）
 

圖14
 

 

在此，高聲部的持續A音應當用全臂觸鍵彈，低音用臂落觸鍵彈，而流動的旋律和伴奏和弦則用手力觸鍵彈。

這種四個層次組成的整體，在各類旋律及和聲的組合中都回存在。以舒曼的《浪漫曲》爲例，此處旋律的二重奏是由雙手的拇指用全臂觸鍵奏出的。左右兩手的伴奏音型通過指力或手力觸鍵，可以得到柔和的音色。如圖例15

 

圖15

而李斯特的《愛之夢》之三。其中四個聲部的層次分明。演奏時必須將四種觸鍵全用上：主旋律用全臂觸鍵；低音的對位旋律用臂落觸鍵；高音和弦用手力觸鍵；分解和弦用指力觸鍵。如例16

 

圖16


（2）：音樂中的脈動
A：節拍
　　 音樂生命力首先在于不斷重複的脈動，又叫節拍。音樂的性格也是由演奏者所體現的音樂脈動的重音、規整性和速度決定。 節拍的組合形式最小單位是小節。其基本結構不外乎雙拍子或三拍子。 應當嚴格地區分以小節線劃分的小節單位和真正的樂句小節單位。前者的長度就是兩條小節線之間的距離；後者的長度則是有規律地從某一點起到下一小節中相應的那一點爲止。以肖邦的《前奏曲》爲例： （如圖17）

 

 

 

 圖17


　　 這裏每一個樂句小節在脈動的強度上都顯然含有一"起"一"伏"，因此節拍進行的順序是：弱強弱、強弱強，等等。
B：重音
　　 重音一般分爲兩大類：

a：力度型或強力型重音
　　 演奏者只需要在所強調的那個音上彈得比後面的音重一些即可，這類重音總用來表現生機勃勃的音樂形象。如肖邦的《軍隊波羅乃茲》就要求在每一小節的第一拍上加一個強有力的力度型重音。如圖18。

 

圖18

b：延音型或時間型重音
　　 演奏時可通過延長時值來突出某個音。凡是感情細膩的樂曲用此種重音。

(3)樂句及其組合：
　　 通常，一個樂句小節只包含一種音型。而當這一音型與下一小節的音型相接時，成爲一完整的動機。以肖邦的《前奏曲》爲例，兩種音型組成一個兩小節的動機：如圖19

 

圖19
　　

在一首比較複雜的樂曲中，作曲家通常通過擴展樂句或縮減樂句的手法來打破絕對均衡的樂句所造成的單調。以舒柏特的《奏鳴曲》第二樂章開始處爲例：（如圖20）

圖20
這兩個樂句都是不規則的樂句。因爲每個樂句只有三小節半之長，而不是通常的四小節。但是第一樂句省略的僅僅是三個不重要的引子音，而第二樂句卻在音樂進行中過早地刪去了一拍半。
 

（4） 不規則的重音
使演奏富于變化的一個重要的手段是運用一個特殊重音來與小節中的規則重音相沖突。以莫什科夫斯基的《瑪祖卡》爲例（如圖21）


圖21
 

 

第一拍用延音重音，構成全曲的基本節奏。而在第三拍上則加上一個力度重音以形成強烈的對比。

A：不規則的節奏
假定規則的節奏是指強拍的時值與弱拍的時值同樣長或更長些，那麽顯然較長的音出現在弱拍位置上，這種規律就被打破了。以沙爾溫卡的波蘭舞曲爲例：（如圖22）


圖22

　　

 

爲了更加恰當地表現舞曲的特點，在前兩節中這個反常規的重音出現在第二拍上，在後兩小節中出現在第三拍上。
 

在節奏強烈的音樂中，這類長音通常需要用尖銳的重音奏出，而在抒情的音樂中，應微妙細致地處理，因爲延音重音本身的時值就可以産生重音的效果。如舒柏特的《即興曲》第一拍的小節重音就比第二拍上較長的音顯得格外重要。（如圖23）






圖23
 

B：切分音
　　 長音如緊接在小節音後面出現，可對這個重音起反射或加強的效果。如舒柏特的《主題與變奏》（如圖24）




圖24

　　

在節奏規整的樂段中，切分是打破音樂單調性的一個好方法。如舒曼的《奇想》（如圖25）




C：特別重音
　　 有時，作曲家引用一個特別的重音來改變連續平穩的節奏或是來制造一種意外的效果。如貝多芬早期的奏鳴曲使用弱拍上的三個"突強音"引出第一樂章的結尾。（如圖26）

 

圖26

（5） 力度對比
A：情緒對比
依靠強烈的力度對比來表現的樂曲主要是那些沙龍式的作品，這類作品中往往樂段之間就用"弱"和"強"來進行對比。如威柏的《邀舞》（如圖27），
 


圖27

 

 

先以一個動人的浪漫風格的引子開始，後面跟著這個堂皇的圓舞曲主題：一個柔和的樂段出現，先是以一連串情緒變化的小樂段開始，逐漸發展到高潮，然後在溫文而雅的後奏中漸趨平靜。
 

B：細節的對比
　　 音和音群之間有直接的對比： 如貝多芬的《奏鳴曲》第二章第45小節（如圖28）
 




圖28

是奏鳴曲的快板樂章的展開部的例子。

在同一樂章中還有"回聲"效果的例子。如莫紮特的作品（如圖29）。




圖29


 

C：直接反複
　　 通常一個短小的樂段被要求反複時，都要做一些變化。如拉威爾的小奏鳴曲的第二樂章：（如圖30）






圖30

 

（6） 力度的細致變化
　　 強烈的力度對比只要用來表現激情和戲劇性的效果。但一般演奏時，應多用一些幅度教小而層次細膩的變化。如貝多芬的《奏鳴曲》上對正確和錯誤的力度變化有標注：（如圖31）

 

圖31
A：高潮的各種幅度
　　 無窮的力度變化可以用在各個具體的樂句中。演奏者以樂曲的結構爲依據，亦可以相應地改變漸強和漸弱記號所持續的長度。有時侯高潮由力度的猛然增長形成，有時是某種力量的逐漸聚合。

B：音高變化的影響
　　 原則是：音高上升時要求音量漸強，音高下降時要求音量減弱。運用到線條曲折的旋律中則會得到音量不斷變化的效果。如肖邦的《bE大調夜曲》中（如圖32）

圖32

 

C：被中斷的高潮
　　 有時候，漸強後面預料要出現的高潮會突然被一個輕柔的和弦所中斷。如貝多芬的《田園奏鳴曲》的行板樂章中：（如圖33）

 

圖33 

D：裝飾音的生命
　　 每當一個樂段乏味時，只要恰倒好處地運用一些"漸強"或"漸弱"手段，就回聲色不少。

（7） 速度：
A：速度的變化
　　 基本節奏的穩定並不是刻板。一些富強調結構規整的作品，對速度的要求相當嚴格。一般來說，結尾處的速度變化無論是古典還是現代音樂都被許可。

B：自由節奏
　　 用了自由節奏，鋼琴家就可以模仿歌唱家的抑揚呼吸來演奏抒情的旋律。如肖邦的《B大調夜曲》中的第一句：（如圖34）

 圖34
　　

有時候自由節奏用于渲染強烈的戲劇性效果。如上首樂曲中的另一個樂句：（如圖35）



圖35
　　

自由節奏特別適用的是歌唱性的華彩樂句。如肖邦 的#F大調夜曲的一個例子：（如圖36）


圖36


 

（8） 風格
　　風格由三個因素組成的，每個因素都是優秀的演奏不可缺少的條件：
A：表達樂譜音符時的准確性
B：對作曲家創作意圖的忠實性。
C：演奏者自己的個性體現。
 

11：音樂感的培養
　　每個人的先天素質的確有很大差異，但是通過後天的意識的培養，勤學苦練，就會做到有音樂感的演奏。
（1）創造一個音樂的環境： 學鋼琴首先要有一個音樂的環境。必須多聽，多感受，潛移默化地接受了音樂的熏陶；逐步對音樂語言、形象、氣氛、音色等，有了感性的認識。
 

（2）注重教材的熟悉和模仿： 初學者還應著重對自己所學教材的熟悉和模仿。學生通過熟悉、模仿，逐步到有自己的獨立音樂見解。
 

12：提高鋼琴演奏的表現力
　　在各門藝術中，沒有什麽比音樂更能直接打動人的內在情感。在人類生活中，也沒有什麽比音樂更能生動地表達人的心聲。從某種意義上來說，我們演奏一首鋼琴曲，不單單只爲表現出音符來，更重要的是把這首樂曲演奏得有血有肉、有內容有意境，讓人們聽了能受到感動和振憾，産生一種共鳴。
要提高鋼琴演奏中的音樂表達能力應注意以下幾點：
（1）正確的讀譜：
　　正確的讀譜，音符的正確、節奏的正確是不夠的。還有許多重要的標記，都直接影響對樂曲的理解、表現對樂曲風格的處理。 A音樂術語：
　　包括樂曲情緒、表情、音樂的性質、速度等等。這些術語提示初學者，樂曲是歡快的或抒情的、是快板還是行板或慢板，這直接關系到對整個作品的風格把握。
 

B具體的力度標記：
　　在古典音樂中，一般從pp到ff之間就有p、mp、mf、f的六個不同層出現。而浪漫樂派及後期作品從pppp到ffff，幅度更加寬。還有sf、sfz或crese、dim等等。這些具體的力度標記，同樣關系到了樂曲演奏中音樂的表現。
C速度的不同變化：
　　如：放寬 (Allargando)、減慢漸弱(Calando)、加快 (Accelerando)、逐漸加快(Stringendo)等等。不同的速度變化直接影響樂曲的效果。
 

（2）:音樂表現力的基本要素：
A抓住音樂特性是表現音樂的關鍵：
　　音樂特性指音樂內容、情緒、形象意境等所決定的音樂的局部特性和總體風格。 音樂特性是音樂的實質，是領會音樂把握音樂的基本要素。它決定我們用什麽方式、什麽手法、什麽情感去表現音樂。所以，我們講表現音樂，首先要把握樂曲音樂特性。
 

B分析作品的音樂性質：
　　音樂是通用的語言，是可以融入人的情感而存入人心靈之中。在表現某部作品時，首先要分清樂曲的特性。可以憑直覺來體驗，或是標題、標記來確認，或以分析作品來感覺。 分析作品音樂特性是爲通過把握不同音樂特征，結合自身音樂感覺把作品生動地表現出來。同時還要掌握一定演奏技巧。只有把音樂目標和技術手段完美結合起來，我們才會有比較完美的音樂表演。
 

13：個人音樂修養的提高
　　提高個人修養是提高音樂表現力的前提。 要提高音樂表現力，通過提高個人音樂素養、文化修養以使更好表達作品是非常重要的。
（1）了解中外文學作品：練習者應多讀關于音樂史書籍，了解作品的時代以及特點 ，了解作曲家生平、背景。

（2）了解中外文學作品：通過多讀中文學作品開拓思路，提高表達能力。

（3）多看繪畫：藝術是相通的，通過多好的作品(繪畫)，可以提高鋼琴練習者的想象力。

（4）欣賞音樂作品：爲開闊音樂視野，應多聽音樂會、聽音帶，珍惜接觸音樂的每一次機會，讓練習者提高個人綜合素養，有利于提高作品演奏技巧，更好地表達音樂作品。 

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  tucky

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  2019-12-01 16:00:16  回复