Las 10 obras de arte más famosas de Piet Mondrian

Pieter Cornelis Mondriaan, después de 1906 Piet Mondrian fue un pintor y teórico del arte holandés considerado uno de los más grandes artistas del siglo XX. Es conocido por ser uno de los pioneros del arte abstracto del siglo XX, ya que cambió su dirección artística de la pintura figurativa a un estilo cada vez más abstracto, hasta llegar a un punto en el que su vocabulario artístico se redujo a simples elementos geométricos.

El trabajo de Mondrian tuvo una enorme influencia en el arte del siglo XX, influyendo no solo en el curso de la pintura abstracta y numerosos estilos y movimientos artísticos importantes (por ejemplo, pintura de campo de color, expresionismo abstracto y minimalismo), sino también en campos fuera del dominio de la pintura, como el diseño. , Arquitectura y moda.

niood enumera las 10 obras de arte más famosas de Piet Mondrian:

1. Composition with Red, Yellow and Blue (1942)

El interés de Mondrian radicaba en la calidad abstracta de la línea, pero en 1914 casi había eliminado la línea curva de su trabajo. En 1916 había suprimido cualquier sentido de tema. Más tarde, desarrolló una nueva forma de abstracción rigurosa llamada Neoplasticismo en la que se limitó a líneas rectas, horizontales y verticales y colores primarios básicos. Por lo general, sus composiciones no eran simétricas, pero difícilmente podrían ser más puras en sus elementos. Sintió que este arte reflejaba una verdad universal más grande más allá de la apariencia cotidiana.

2. Composition II in Red, Blue, and Yellow (1930)

Hacia 1930, el arte de Mondrian alcanzó un punto culminante de pureza y sobriedad, para lo cual se habían preparado las bases en las pinturas de los años anteriores, la Composición de 1929, por ejemplo. En realidad, la Composición II en rojo, azul y amarillo, 1930 es una variación de la imagen del año anterior, al menos en lo que respecta al marco lineal. Pero por esa misma razón las sutiles diferencias en la obra, como la subdivisión de la franja izquierda del cuadro en tres rectángulos desiguales, uno de los cuales es el cuadrado azul, son aún más notables. Demuestran que en Mondrian nunca se puede cuestionar un patrón preconcebido para una composición, sino que cada obra surge de una asociación cuidadosa y minuciosa con los elementos de la pintura, que deben resolverse de nuevo en cada obra.

3. Tableau I, Lozenge with Four Lines and Gray (1926)

En 1918, Mondrian creó sus primeras pinturas “losangique”, como la posterior Composición nº 1: Rombos con cuatro líneas, inclinando un lienzo cuadrado 45 grados. La mayoría de estas obras en forma de diamante se crearon en 1925 y 1926 tras su ruptura con el grupo De Stijl por la introducción de la diagonal por parte de Theo van Doesburg. Mondrian sintió que al hacerlo, Van Doesburg había traicionado los principios fundamentales del movimiento, perdiendo así la inmutabilidad estática lograda a través de verticales y horizontales estables. Mondrian afirmó, sin embargo, que sus propios lienzos rotados mantuvieron el equilibrio deseado de la cuadrícula, mientras que el giro de 45 grados permitió líneas más largas.

4. New York City I (1942)

New York City I, o más bien la serie de obras reunidas posteriormente bajo el título New York City, marca el inicio de una nueva etapa en la obra de Mondrian. Las líneas negras han desaparecido junto con los rectángulos de color primario, que desde la Composición: Planos de color con contornos grises de 1918 habían formado una totalidad plana sólida con las líneas y el blanco que anteriormente había sido el fondo. En cambio, las líneas en los colores primarios, amarillo, pero también rojo y azul, atraviesan el lienzo cuadrado, entrelazándose entre sí.

En su mayor parte, las líneas amarillas se cruzan con las de los otros colores, pero aquí y allá, de la manera más sutil, las líneas rojas y azules cruzan el amarillo. Sin embargo, este estilo no da lugar a un espacio ilusorio; las bandas de colores se superponen y se superponen unas a otras en la superficie, ante los ojos del espectador. Es bastante razonable aceptar la sugerencia de Michel Seuphor y atribuir este efecto de cruzar y entrelazar al método de Mondrian de concebir y elaborar estas imágenes: usó tiras de papel de colores y las movió sobre el lienzo para obtener el efecto que quería. De esta manera, introdujo casi automáticamente los cruces y la sugerencia de bandas de colores entrelazadas.

5. Composition with Large Red Plane, Yellow, Black, Gray and Blue (1921)

En la década de 1920, Mondrian comenzó a crear las pinturas abstractas definitivas por las que es más conocido. Limitó su paleta al blanco, negro, gris y los tres colores primarios, con la composición construida a partir de líneas horizontales y verticales gruesas, negras que delimitaban los contornos de los diversos rectángulos de color o reserva. La simplificación de los elementos pictóricos fue esencial para la creación de Mondrian de un nuevo arte abstracto, distinto del cubismo y el futurismo. Los bloques surtidos de color y las líneas de diferente ancho crean ritmos que fluyen y refluyen a través de la superficie del lienzo, haciéndose eco del ritmo variado de la vida moderna. La composición es asimétrica, como en todas sus pinturas maduras, con un gran bloque de color dominante, aquí rojo, equilibrado por la distribución de los bloques más pequeños de amarillo, gris azulado y blanco a su alrededor. Este estilo ha sido citado por muchos artistas y diseñadores en todos los aspectos de la cultura desde la década de 1920.

6. Broadway Boogie Woogie (1943)

La doctrina estética del neoplasticismo de Mondrian restringió al pintor a los tipos más básicos de línea, es decir, a horizontales y verticales rectas, y a una gama de colores igualmente limitada, la tríada primaria de rojo, amarillo y azul más blanco, negro, y los grises en el medio. Pero Broadway Boogie Woogie omite el negro y divide las barras de color una vez uniformes de Mondrian en segmentos multicolores. Rebotando entre sí, estos pequeños bloques de color parpadeantes crean un ritmo vital y palpitante, una vibración óptica que salta de intersección en intersección como el tráfico en las calles de Nueva York. Al mismo tiempo, la imagen está cuidadosamente calibrada, sus colores intercalados con bloques grises y blancos.

La apreciación de Mondrian por el boogie-woogie puede haber surgido en parte del hecho de que veía sus objetivos como análogos a los suyos: “destrucción de la melodía, que es la destrucción de la apariencia natural; y construcción a través de la oposición continua de medios puros: ritmo dinámico “.

7. Victory Boogie Woogie (1944)

Victory Boogie-Woogie, una pintura que Mondrian concibió a la espera de la victoria en la Segunda Guerra Mundial y que quedó inconclusa con motivo de su muerte el 1 de febrero de 1944, se suma inconmensurablemente a las innovaciones de su período americano. Incluso en su estado a medio terminar, la pintura muestra un enorme enriquecimiento sobre el dibujo de 1943 que contiene un primer diseño para la obra. Es notable ver cómo Mondrian, que ya tenía más de setenta años, era capaz de una vivacidad, una receptividad a las nuevas impresiones, una flexibilidad en el manejo de su propio enfoque, todo en total contradicción con la reputación de dogmatismo que lo rodeaba y que él mismo tenía. avanzó en los años posteriores a 1925, en su controversia dialéctica con Theo van Doesburg. Modrian no era doctrinario en ningún sentido del término, pero fue constantemente más allá en su propio camino, y los cambios que tuvieron lugar en su trabajo no fueron desviaciones de una política dogmática, sino consecuencias de las percepciones y experiencias derivadas de sus ojos y su “pensar con los ojos”, como dijo Paul Cezanne. Victory Boogie-Woogie es un ejemplo fascinante y convincente de este desarrollo.

8. The Gray Tree (1912)

La obra llegó en un momento en que Mondrian comenzaba a experimentar con el cubismo: sus elementos de primer plano y de fondo parecen entremezclarse, y la paleta es muy restringida. El árbol tiene una forma sutilmente ovalada, siguiendo otra práctica cubista vista en las obras de Pablo Picasso y Georges Braque. El óvalo de Mondrian se volvió explícito, enmarcando la obra, en pinturas que siguieron durante los siguientes tres o cuatro años. Apple Tree in Flower, también de 1912, es una composición de tamaño similar. Aunque el contorno del “manzano” recuerda al de Gray Tree, el trabajo es significativamente más facetado y abstracto.

9. The Red Tree (1910)

Esta pintura muestra el período luminista del artista, donde pintó de manera realista pero con colores más brillantes que los reales y contornos simplificados. Esta pintura es un cruce a su estilo más rectangular y analítico. Mondrian pintó este cuadro en la localidad costera de Zelanda de Domburg, en ese momento una colonia de artistas populares en los meses de verano. Sus árboles ilustran su cambio hacia el cubismo abstracto.

Durante su primera estancia en Domburg, según los informes, Mondrian hizo bocetos de un manzano en el jardín de Villa Loverendale, el hogar de Marie Tak van Poortvliet y su amigo, el pintor Jacoba van Heemskerck. La pintura se completó durante una visita posterior a Domburg.

10. Composition No. 10 (Pier and Ocean, 1915)

En la Composición número 10, Mondrian había alcanzado el pleno desarrollo de su forma neoplástica y no representativa. Muchas de sus pinturas contenían los elementos básicos de una cuadrícula entrelazada de líneas negras y bloques de los tres colores primarios. Aunque los elementos fueron pocos, cambió la estructura de cada uno de los elementos de tal manera que fue capaz de crear una estética diferente de cada uno. Fue en este último período de su trabajo que Mondrian trabajó hasta que se le ampollaron las manos o se hizo llorar. Durante este tiempo, también estaba reorganizando y pintando su apartamento estudio en Manhattan con un patrón similar de cuadrícula y bloque, que cambió y volvió a pintar al completar ciertos lienzos o proyectos.