Las 25 mejores películas de Martin Scorsese, de peor a mejor

Querido e intrépido estudiante de cine: el día que salga el tema de Martin Scorsese en tu seminario de "Introducción al cine", y el profesor abra el turno de preguntas, debes saber que mencionar El tren de Bertha como lo mejor de Scorsese es la forma más rápida de convertirte en el imbécil de la clase. Esta película es una adaptación libre de Sister of the Road, que cuenta una historia de amor a lo Bonnie y Clyde entre dos ladrones de trenes. Por supuesto, se pueden extraer momentos de la película que muestran lo que Scorsese llegaría a ser más tarde, pero está repleta de criminales torturados y derramamiento de sangre (y no realmente, ya sabes, a la manera de pensar de Scorsese). -Brady Langmann

La década de los 70 llegaba a su fin y el movimiento de la llamada Nueva Ola Americana estaba al borde de la implosión total. Tras el espectacular éxito de Taxi Driver, Scorsese y De Niro se encontraban en la cima de su influencia. Scorsese, conocido cinéfilo y amante de los musicales de los años 50, decidió asumir el reto, aparentemente imposible, de actualizar el género musical para la era del cinema verité de los años 70. Y eso es exactamente lo que consiguió. Y eso es exactamente lo que resultó ser New York, New York: un neo-noir musical mitad Fred Astaire y mitad Malas calles. Es Ha nacido una estrella de Scorsese. Y mira que fue un desastre en su momento. Superando con creces el presupuesto, plagada de problemas de drogas en el rodaje y de escándalos, los historiadores del cine citan con frecuencia producciones como ésta como la catástrofe de autor autoindulgente que puso fin a la era del cine estadounidense en la que los directores, y no los productores, tenían la autoría completa de las producciones. Al final, New York, New York, una exhibición de fuerza para Liza Minelli, queda como uno de los experimentos más extraños de la historia del cine estadounidense. Te guste o no la película, ha demostrado ser perdurablemente relevante: la canción "Theme from New York, New York" fue escrita para esta película. -Dom Nero

Otra extraña elección de Scorsese en su carrera de los 80, El color del dinero es la única secuela del director. También es la única vez que el autor continuó la historia de otro cineasta. Pero eso no significa que no sea tan auténticamente Scorsese como cualquiera de las películas de esta lista. Protagonizada por Tom Cruise y Paul Newman, esta continuación del brillante billar noir, El buscavidas, se encuentra entre las películas más crueles y violentas del director. Pero no en el sentido de la sangre y las vísceras. Llena de cortes de percusión y montajes de bolas de billar, la batalla subtextual por el dominio alfa entre el veterano Newman y el joven Cruise podría ser la segunda película de boxeo de Scorsese. A diferencia de otros proyectos más atrevidos y experimentales de Scorsese, El color del dinero es muy divertida de ver. -Dom Nero

Tiene sentido que la carrera de Scorsese comience con una exploración tan directa de una teoría freudiana. Por decirlo claramente, los personajes masculinos de las películas de Scorsese, desde Jake LaMotta en Toro salvaje hasta Travis Bickle en Taxi Driver, carecen de la capacidad de mantener una relación funcional con las mujeres porque su deseo de tener una compañera sexualmente liberada (en términos de Freud, una "puta"), está en contradicción directa con su anhelo de una chica virginal (la Madonna, o Virgen Madre de Dios). El personaje católico de Harvey Keitel sufre al darse cuenta de que su novia había perdido la virginidad mucho antes de comenzar su relación. La película comenzó como un proyecto estudiantil en la Universidad de Nueva York, y se nota. Gran parte del material característico de Scorsese que se exhibe se siente fresco, experimental y poco refinado. Pero es un debut impresionante para una carrera que durará décadas. -Dom Nero

Aunque es posible que no recuerdes todos los cabos sueltos de esta extensa epopeya criminal de mediados del siglo XIX, es imposible olvidar casi todas las escenas en las que Daniel Day-Lewis aparece en la pantalla. Está su monólogo sobre el miedo mientras está envuelto en la bandera americana o su discurso sobre cómo matar mientras apuñala el cadáver de un cerdo colgado. Los decorados y el vestuario son hermosos, Leo es el clásico Leo de principios de los 2000, pero la película no funciona con la cohesión que sólo un maestro de la narración técnica como Scorsese suele aportar. Merece la pena volver a verla, pero mejor aún es encontrar algunas de las mejores escenas de Day-Lewis en YouTube. - Matt Miller

Hay una urgencia estimulante en Al límite, lo cual es aún más impresionante si se tiene en cuenta que es la historia de un paramédico (Nicolas Cage) que está en perpetuo movimiento mientras que, sin embargo, existe en un estado alucinatorio de purgatorio, a menudo sin poder hacer más que consolar a los heridos y moribundos que trata. Ambientada en el transcurso de tres días en la Cocina del Infierno de Nueva York, la joya no reconocida de Scorsese de 1999 es un remolino de luces rojas parpadeantes, vapor que sale de las tapas de las alcantarillas y los ojos hundidos de Cage, que lo percibe todo con empatía, miseria y desesperación a partes iguales. Trabajando a partir de un guión cortante e inquietante de Paul Schrader, Scorsese y Cage demuestran ser una pareja armoniosa, utilizando imágenes y gestos para sugerir un mundo infernal en el que el confort es raro y las respuestas son escasas, y en el que esforzarse por hacerlo lo mejor posible, durante el mayor tiempo posible, es el único camino a seguir. -Nick Schager

Aunque es el esfuerzo más abiertamente espiritual de Scorsese desde La última tentación de Cristo, Kundun no es exactamente una obra de acompañamiento, en la medida en que no trata a su sujeto -el decimocuarto Dalai Lama- como un individuo atormentado por las pasiones, las dudas y otras emociones relacionables, sino como una verdadera deidad (o, más bien, la reencarnación de un espíritu divino). Ese es, sin duda, el mayor defecto de esta película de 1997, que hace que su historia caiga en un terreno hagiográfico del que no puede escapar. El anhelo del director por la iluminación, y la conexión con Dios, es sincero y palpable en una serie de escenarios enriquecidos por la sublime fotografía de Roger Deakins y la partitura igualmente arrebatadora de Philip Glass. Sin embargo, es la rara película de Scorsese que carece de energía narrativa o de tensión, lo que la convierte en una epopeya muy bien montada que no logra causar un impacto duradero en la cabeza o el corazón. -Nick Schager

Después de décadas explorando a los gánsteres, las pistolas y los tipos duros torturados, Scorsese adoptó un nuevo tipo de héroe a principios de 2010: Hugo Cabaret, un niño de 12 años que es un manitas que se embarca en una aventura tras la muerte de su padre. Rodada en 3D (algo importante después de Avatar), La invención de Hugo es uno de los cambios más drásticos de Scorsese con respecto a su estilo habitual. Está repleta de cosas que no se asocian necesariamente con una película de Scorsese y, en este caso, es mucho mejor por ello: llena de maravillas infantiles, escenarios impresionantes y actuaciones alegres de sus protagonistas. Además, en el tráiler de esta película suena un himno de 30 Seconds to Mars. -Brady Langmann

Hacia el final de su cuarta década de actividad cinematográfica, Scorsese por fin ha puesto en marcha uno de sus proyectos más apasionados, y el resultado no se parece en nada a ninguna película del resto de su obra. Siempre ha sido un cineasta aventurero ante todo, el autor ya había asumido riesgos antes, con películas como La última tentación y Kundun, pero Silencio se sostiene por sí mismo. Protagonizada por Andrew Garfield en el papel de un sacerdote jesuita en Japón, la película comparte los pesados temas de Scorsese sobre el cristianismo, el sacrificio y el peso de la culpa católica. Pero, aparte de las conexiones temáticas, Silencio se aleja totalmente del sensacionalismo habitual del cine de Scorsese. Su ritmo es lento, con secuencias largas y meditadas, sin los cortes explosivos y los zooms que tanto caracterizan al director. Es el trabajo de un director más viejo y meditativo, que está más dispuesto a reflexionar sobre el panorama general que a perderse en las minucias cotidianas de las cosas de la calle. Aunque sólo sea por eso, demuestra que el director es tan consciente de que su relevancia está desapareciendo como sus críticos. -Dom Nero

Cambiando las sucias calles de los Cinco Barrios por los salones dorados de la Nueva York de 1870, Martin Scorsese sigue trazando los rituales y códigos de las subculturas rígidas en La edad de la inocencia, su adaptación magníficamente refinada de la famosa novela de Edith Warton de 1920. La historia de Newland Archer (Daniel Day-Lewis), comprometido con la decorosa May Welland (Winona Ryder), pero cautivado por el espíritu independiente de Ellen Olenska (Michelle Pfeiffer), trata de las costumbres sociales, la rebelión contra lo establecido y el poder destructivo de la pasión irresistible. Aunque no hay violencia manifiesta, hay un dolor y una tristeza inconmensurables, que Scorsese traza con una mano segura y delicada, revelando capas de anhelo, frustración y dolor a través de meticulosos arreglos formales. Además, consigue que Day-Lewis y Pfeiffer realicen unas interpretaciones que, marcadas por una agitación emocional tan específica como universal, sólo han mejorado con la edad. -Nick Schager

Una de las películas menos referenciadas de Scorsese es también una de las más entrañablemente humanas. A diferencia de las películas explosivamente violentas por las que se ha hecho conocido el director, Alicia ya no vive aquí, protagonizada por Ellen Burstyn, es íntima y tierna. La arriesgada historia de una madre soltera sin suerte con un hijo preadolescente en el suroeste de Estados Unidos, la película cuenta con un notable debut en la carrera de Kris Kristofferson. La interpretación de Burstyn, sorprendentemente progresista para su época, se encuentra entre las mejores de su carrera y le valió el Oscar a la mejor actriz en 1975. -Dom Nero

Scorsese ya había hecho Toro Salvaje. Había hecho Taxi Driver. Había tenido su gran musical deslumbrante en New York, New York. Y a mediados de los 80, el vorazmente prolífico director había empezado a perder su relevancia. Así que se atrincheró y volvió al tipo de producción que mejor sabía hacer: cosas neoyorquinas a nivel de calle. No el tipo de trabajo elevado y monótono que había hecho tres años antes en El rey de la comedia. ¡Jo, qué noche! fue el regreso de Scorsese al espíritu neoyorquino del cine. Con un reparto repleto de no-estrellas, y un guión chiflado y de alto voltaje de Joseph Minion, Scorsese demostró ser tan enérgico y explosivo como siempre. La película, un caleidoscópico recorrido por las calles del centro de Nueva York a mediados de los años 80, es tan divertida como transportadora a una época de la historia de Manhattan que desde entonces ha sido comprada por WeWork, Starbucks, y lujosos agentes inmobiliarios de gran altura al servicio de la desinfectada cultura de las start-ups de hoy -Dom Nero

La historia de Shutter Island sobre un alguacil federal (Leonardo DiCaprio) que, mientras busca a un paciente desaparecido, se ve asaltado en un hospital de una isla para criminales dementes, es relativamente ligera en comparación con las epopeyas de Scorsese. Sin embargo, este thriller consigue ser completamente aplastante, gracias a su claustrofóbica puesta en escena de manicomio acuático que produce una profunda ansiedad y a la actuación realmente devastadora de DiCaprio. El reparto, que incluye a Ben Kingsley y Mark Ruffalo, también es bastante perfecto. Y sí, hay un gran giro, ligeramente cursi, sobre el que pivota toda la película, pero no anula todo lo anterior ni hace que la película sea demasiado aburrida para un segundo visionado. Por el contrario, la hace aún más desgarradora. -Gabrielle Bruney

Robert De Niro se pone en marcha con su locura vengativa en el remake de Scorsese de 1991 del thriller de J. Lee Thompson de 1962, sobre un violador convicto que, al salir de la cárcel, se pone a aterrorizar al defensor público (Nick Nolte) al que culpa de su encarcelamiento. De Niro, con un cuerpo delgado y musculoso cubierto de tatuajes, es una figura amenazante que fuma puros, y Scorsese aumenta la tensión empapando la acción con florituras hitchcockianas (incluyendo una secuencia de créditos de Saul Bass y el uso de la partitura original de Bernard Hermann). La escaramuza final en la casa flotante es memorablemente apocalíptica, aunque la mayor fuente de suspense es la insana persecución de De Niro en un teatro vacío a la hija adolescente de Nolte, encarnada aquí por una Juliette Lewis nominada al Oscar con una mezcla de inocencia y dureza tan fascinante como cualquier otra de sus ilustres coprotagonistas. -Nick Schager

Una película sobre la vida del cineasta, magnate de las aerolíneas y enfermo de TOC Howard Hughes podría haber sido simplemente otro biopic de prestigio, algo así como El discurso del rey antes de que el rey hablara. En lugar de ello, Scorsese elevó este retrato del que fue la persona más rica de Estados Unidos por encima de las hordas biográficas de medio pelo. A ello contribuyó un reparto estelar e imposiblemente talentoso, con Cate Blanchett como Katharine Hepburn y John C. Reilly como Noah Dietrich, el lugarteniente de Hughes. Por supuesto, está Leo, que pasa de ser un ídolo adolescente con talento a un protagonista legendario con la ayuda de su triplete de Scorsese, Gangs of New York, El aviador e Infiltrados, devastadoramente encantador como Hughes en su apogeo y trágico como el magnate en declive. Toda la película es un festín, pero una secuencia es particularmente inolvidable. En ella, Hughes realiza un aterrizaje forzoso en Beverly Hills, atravesando los tejados de algunas casas y viviseccionando otras con el ala del avión antes de estrellarse en una ardiente explosión. En manos de Scorsese, el naufragio del pequeño biplaza parece tan trascendental como el de un Boeing 777. - Gabrielle Bruney

La quinta colaboración de Scorsese con Leonardo DiCaprio narra la vida de Jordan Belfort, un laborioso corredor de bolsa que explotó el sistema financiero de Estados Unidos para su propio y extravagante beneficio. Siguiendo el ascenso de su protagonista a las alturas de la industria (y a la inmensa riqueza) a través de un fraude descarado, El lobo de Wall Street es una variación de cuello blanco de las películas de gángsters de Scorsese, que describe primero la embriagadora prisa de hacer lo incorrecto por razones egoístas, y luego la merecida caída a la que esa conducta conduce invariablemente. La arrogancia de DiCaprio es muy divertida, incluso cuando funciona como una crítica mordaz de su personaje y de millones de personas como él. El director presenta su historia -a través de la forma y el contenido- como un ejemplo del exceso glotón estadounidense en su conjunto, toda la codicia amoral y las auto-justificaciones engreídas que son tan repugnantes como, en esta época, demasiado familiares. -Nick Schager

Olvidemos la rata por un segundo. Ya sabes, esa maldita rata roedora y mordedora de la escena final de Infiltrados. La que los fans incluso han eliminado de la versión perfecta de la película. Atraviesa la escena final, golpeándote en la cabeza con su obtuso simbolismo. Pero por ahora vamos a fingir que esa rata no existe, porque por lo demás, Infiltrados es un thriller criminal magistral. Es el Scorsese más enseñado: construye dos horas y media de tensión con actuaciones increíbles e impactantes de todos los que aparecen en pantalla. Jack Nicholson hace uno de sus trabajos más desquiciados y villanos desde El resplandor, mientras que Leo está atrapado y torturado de una manera que no hemos visto desde entonces. - Matt Miller

El director, católico, se enfrentó al catolicismo a lo largo de toda su carrera. Desde ¿Quién llama a mi puerta? hasta Silencio, la historia de Jesucristo ha estado presente en casi todas las películas de Scorsese, con el director buscando constantemente reconciliar la Crucifixión y el "pecado original" de la religión católica a través de sus torturados protagonistas masculinos. Ya nos había mostrado personajes autocastigados como Jake LaMotta y Travis Bickle, pero en 1988, Scorsese consiguió por fin clavar el clavo en la cruz real: en La última tentación, adaptó la historia de Jesucristo. Y a la iglesia católica no le hizo ninguna gracia. Esta producción subversiva, que había intentado realizar desde el principio de su carrera, fue objeto de agresivas protestas, e incluso se prendió fuego a una sala de cine de París por sus temas incendiarios. Sin embargo, La última tentación es una de las películas más piadosas que ha hecho Scorsese. A los católicos les molestó que Scorsese imaginara a la prostituta María Magdalena como amante de Jesús, lo que consideraron una blasfemia. Pero más que cualquier adaptación cinematográfica del mito católico, la película de Scorsese tiene el valor de presentar a Jesús como un ser humano real. Un hombre, que es tan sensible, enfadado y capaz de amar como el resto de nosotros. Pero resulta que también es el hijo de Dios. Como muestra La última tentación, la imperfección de la humanidad de Jesús, y no la infalibilidad de Dios, es lo que está en el corazón de la parábola del Nuevo Testamento. -Dom Nero

Scorsese vuelve a reunirse con De Niro y Pesci (y con el autor Nicholas Pileggi) para Casino, de 1995, pero tiene en mente algo más que un refrito de Uno de los nuestros. Una epopeya de tres horas de duración sobre la industria del juego en Las Vegas vista a través de los ojos del gran operador de casinos Sam "Ace" Rothstein (De Niro), es una historia sobre la avaricia, el poder y la traición impulsada por las fenomenales interpretaciones de sus dos protagonistas masculinos, así como de Sharon Stone en el papel de Ginger, la esposa corrupta de Rothstein, que no puede liberarse de su antiguo chulo Lester (James Woods). Una visión amplia de la vida criminal, la película cuenta con algunas de las mejores secuencias de dirección de la carrera de Scorsese, desde una escena inicial que sigue el movimiento del dinero desde el suelo del casino hasta la sala de recuento, hasta un final que ve cómo una forma de villanía sustituye a otra, todo ello rodado por Robert Richardson con la gracia y la electricidad de la Steadicam en constante movimiento. -Nick Schager

Antes de que se estrenara finalmente en otoño de 2019, llevábamos más de una década hablando de El irlandés. El proyecto de pasión de Martin Scorsese sobre el sicario de la mafia Frank Sheeran, Jimmy Hoffa y la familia del crimen Bufalino llevaba en desarrollo desde 2004, y no pudo conseguir financiación hasta que Netflix se gastó la friolera de 159 millones de dólares en la película. Entre todo ese bagaje se encontraba la conversación sobre una nueva técnica de des-envejecimiento digital que Scorsese utilizó para contar la vida de la que es una de las historias más convincentes de la historia del crimen estadounidense. Y, dadas las enormes expectativas, el presupuesto y los riesgos, Scorsese lo consiguió. El envejecimiento digital está bien. No distrae en absoluto, aunque es extraño que todos los personajes parezcan perpetuamente y de forma indeterminada envejecidos entre 40 y 80 años. Pero, en esta película, Scorsese es capaz de llegar al corazón emocional de lo que hace que estos hombres sean capaces de actos de violencia y corrupción tan increíbles. Esta es una historia enorme. Es una historia con docenas de actores, detalles granulares y grandes implicaciones sobre la oscuridad que acecha bajo -o más bien en la superficie- de Estados Unidos. Sin embargo, entre toda esta información, Scorsese es capaz de encontrar matices, humanidad y tragedia entre algunas de las mayores figuras de la cultura del siglo XX. - Matt Miller