Por qué 'Con la muerte en los talones' es la película más Hitchcock de Hitchcock

Si el genio inglés tenía una trama predilecta era esa que situaba a un hombre corriente en una situación extraordinaria. Aunque el ejemplo más claro es ‘Falso culpable’, a nadie le pasan más cosas extraordinarias que al publicista que interpreta Cary Grant en esta película, al que confunden con un Agente de la CIA llamado Kaplan que ni si quiera existe. Hitchcock contó a Truffaut que este terror recurrente provenía de su infancia, cuando su padre le hizo estar unos segundos en una celda solo para que viese cómo era. El asustadizo Alfred quedó para siempre marcado con la idea y el miedo en la cabeza de acabar, aunque fuera sin merecerlo, en una. Quizás por eso, una de las cosas que más le cabreaba era la cantinela que insiste en la influencia que tuvo esta película en la aparición cinematográfica de James Bond. Aunque los parecidos en la trama son evidentes y estamos seguros de que Cary Grant hubiese sido un 007 inmejorable, se nos olvida lo principal, lo único que le importaba de la historia a su director. El pobre Roger Thornhill es un hombre corriente, normal, y el interés de la trama viene de ver a alguien así en situaciones tan extraordinarias. Justo lo contrario a la seguridad, preparación y confianza ante el peligro de todo un agente con licencia para matar.

Dicen que, tras una jornada de rodaje, Cary Grant pidió explicaciones a Hitchcock. Llevaban ya filmada casi la mitad de la historia y el actor aseguró a su director que no tenían ningún sentido y que aún no tenía ni la más mínima idea de todo lo que le pasaba a su personaje. Aunque la estrella siguió convencida, hasta el exitoso estreno, de la que la película sería un desastre, dicen que Hitchcock era perfectamente consciente de esa confusión. Los maestros son maestros por algo, y si la trama era confusa de por sí, el director intentaba que su protagonista lo estuviera aún más. Sabía que eso favorecería la interpretación de un hombre que no para de improvisar ante todas las sorpresas que le llegan lo mejor que puede.

Cary Grant estaba atravesando una situación personal algo difícil ya que su esposa le acababa de pedir el divorcio. Sabiendo la situación tiene aún más gracia cuando, en pleno Monte Rushmore, su nuevo amor le pregunta por sus anteriores matrimonios y el personaje de Grant responde “Mis esposas se divorciaron de mí, se quejaban de que mi vida era monótona”. Aunque la MGM quería a Gregory Peck ya que Grant, con 55 años, no daba la edad, finalmente Hitchcock tuvo al actor que deseó. De nuevo, tenemos que rendirnos al cineasta de Londrés. Pocos actores, por no decir ninguno, tienen una carrera a la altura de Cary Grant. Bien, pues este papel tan confuso, para el que no daba la edad y para que el que querían a otro, es su interpretación más icónica. Cary Grant siempre será Roger Thornhill en un traje gris ¿O era Kaplan?

Hitchcock solo le dijo al guionista Ernst Lehman que tenía ganas de rodar algo en el Monte Rushmoure. A partir de ahí y con la premisa tan querida por Hitchcock del “wrong’s man thriller” se desarrolló una trama llena de viajes, secuestros y situaciones estrambóticas ,que no hubiese tenido sentido en manos de cualquier otro cineasta. Hitchcock recordó la historia de un espía inexistente en la Segunda Guerra Mundial y, a partir de ahí, surgió la idea de la confusión que da forma a la película. En busca del invisible Señor Kaplan partirá nuestro pobre publicista en unos líos que le llevarán a la ONU, le harán encontrarse con la seductora Eve Kendall (que resultará ser una agente doble), tratará de rescatar a “El profesor” (Leo G. Carroll) y tendrá que enfrentarse a los malvados Phillip Vandamm (James Mason) y Leonard (Martin Landau). En definitiva, el ejemplo más bestia de Macguffin, ese elemento (ahora más de uno) que Hitchcock utilizaba para hacer mover la trama y a sus personajes pero que no era lo que debería importar al público. La trama, ese accesorio sobrevalorado.

En realidad no sabemos si la madre real de Hitchcock se acerca al nivel de las que retrató en sus películas. Aunque alguna vez ha desmentido que haya una relación directa es evidente que el cineasta inglés tiene fijación con las madres posesivas, celosas e infantilizadoras de y hacia sus hijos. La madre de Claude Rains en ‘Encadenados’, la de Rod Taylor en ‘Los pájaros’ o la “madre” de Anthony Perkins en ‘Psicosis’ son solo la punta del iceberg de una filmografía que dividía siempre a sus personajes femeninos entre la chica de interés amoroso y la madre o amiga no atractiva. En este caso podemos decir que la que interpreta Jessie Royce Landis es de lo mejorcito, no solo porque es tremendamente graciosa si no por su capacidad para infantilizar a un personaje que estaba interpretado por un actor solo 7 años menor que ella. Quedémonos con la condescendencia con la que, en la escena del ascensor, le pregunta a los perseguidores de su hijo: ¿Ustedes señores no intentarán en serio matar a mi hijo, verdad?

Dicen que la MGM quería para el papel a Cyd Charisse, que Cary Grant pidió a Sophia Loren y Hitchcock, pues quería a una rubia. Lo intentó con Grace Kelly (ya princesa), Vera Miles y Kim Novak. Ya había trabajado con ellas pero con ninguna pudo ser. El papel llegó a otra joven intérprete que cumplía de sobra el perfil físico del director. La rubia elegante, seductora y misteriosa de esta película es Eva Marie Saint. La actriz de ‘La ley del silencio’ bordó el papel de la agente doble Eve Kendall y nunca vimos con más razón esa frase que le dice Roger Thornhill en la habitación de hotel: “Apuesto a que podrías llevar a un hombre a la muerte casi sin proponértelo, así que deja de proponértelo.” Hitchcock no solo elegía a las actrices de un perfil determinado sino que además controlaba su aspecto al milímetro. Todo el diseño de vestuario del estudio no fue de su agrado, así que él mismo le compró toda la ropa que usó en la película, en la Bergdorf Goodman de Nueva York.

El cine de Hitchcock siempre ha sido un arte de los espacios, un planteamiento esencialmente visual. Aunque a veces le gustaban los lugares anodinos no dejó nunca de interesarse en los terrenos y edificios más reconocibles que podía. Por eso, tras rodar una oda a cada lugar de postal de San Francisco en ‘Vértigo’, le confesó a Ernest Lehamn que siempre había querido hacer una persecución en los rostros del Monte Rushmore. Pero la cosa no fue tan fácil. El gobierno le prohibió filmar en el monumento e incluso en decorados no tenía permitido hacer que los actores se moviesen más arriba de las barbillas de los rostros presidenciales. El tema se llegó a debatir en el Senado y fue un escándalo nacional. La prensa acusaba a Hitchcock, inglés, de no rodar nada encima de la cara de su Reina. Menos mal que, entonces, no sabían que la gran idea de Hitchcock era hacer que Cary Grant se metiese por la nariz de Lincoln. Tal era su fijación con esa imagen que durante el rodaje llamaba al proyecto “El hombre en la nariz de Lincoln”.

Sus problemas con las localizaciones no acabaron ahí. Las naciones unidas tampoco le permitieron rodar en su edificio. Aunque el interior que se ve en la película es un decorado, la escena de Cary Grant subiendo las escaleras hacia el edificio fue grabada por Hitchcock, con una cámara oculta, desde el otro lado de la calle del verdadero edificio de las Naciones Unidas.

Si Hitchcock es uno de los grandes artistas del siglo XX no es por su gusto por los actores, las actrices, las tramas o los monumentos. Hitchcock es un maestro del séptimo arte por su dominio de la técnica, la tensión y el tempo en escenas como la del avión. Mítica secuencia de 7 minutos sin diálogos de pura tensión y manejo del ritmo. El maestro no cae en el recurso fácil de acelerar el montaje e ir acortando los planos, sabe que su tensión será mayor si alarga la imagen de ese avión que cada vez estaba más y más cerca, ese que “está fumigando cosechas donde no las hay”. La escena fue filmada con un avión real volando hacia Thornhill, a excepción del momento en el que se estrella contra el camión de gasolina, realizado con maquetas.

Poca gente recuerda que tras cada gran obra maestra del genio hay varios nombres detrás que se repiten una y otra vez. Hitchcock no es el mejor Hitchcock si la película no la monta George Tomasini o no la filma Robert Bucks. Tampoco sin un gran guion llevado a su terreno en la sombra por su mujer Alma Reville. Pero hay dos profesionales, quizás los dos nombres más grandes de su campo en toda la historia, que tuvieron a bien trabajar muy habitualmente con el inglés. Las películas de Hitchcock no serían películas de Hitchcock sin los diseños y créditos de Saul Bass y la música del gran Bernard Herrmann. Quizás el mejor trabajo de los tres había sido solo un año antes, en ‘Vértigo’, un año después trabajarían en ‘Psicosis’. En este hicieron nada más y nada menos que lo que veis en el vídeo de arriba. Años dorados de todo un Dream Team.

Boris Izaguirre le dedicó un libro entero, titulado ‘El armario secreto de Hitchcock’, a rescatar el elemento homosexual en todas las películas del inglés. Más allá del ama de llaves de ‘Rebeca’, aquí es bastante fácil notar la tensión sexual entre los malos de Martin Landau y James Mason. En numerosas entrevistas, Martin Landau aseguró que fue suya la decisión de interpretar al personaje de Leonard como un gay enamorado de Phillip Vandamm (Mason). En una entrevista con Devin Faraci en 2012, Landau dijo que eligió darle un matiz homosexual sutil para justificar mejor que su personaje quisiera deshacerse del de Eva Marie Saint como venganza. Aseguraba también que Mason no tuvo nada que ver, pero que respetó su decisión de darle ese matiz al personaje aunque eso afectará al suyo, insinuando una bisexualidad por parte de su Vandamm. “Landau tomó una decisión y no era algo sobre lo que yo pudiese hacer nada” aseguró Mason. Por su parte, Landau también afirmó que Hitchcock y el guionista Lehman “apoyaron mucho la idea, incluso añadieron una línea que no estaba en el guion original y era muy atrevida para un hombre en la época. Un hombre no decía cosas así entonces”. Landau se refiere a su famosa frase “llámalo mi intuición femenina”.

El final es un auténtico torrente en el que en menos de un minuto los dos protagonistas pasan de estar a punto de morir en el Monte Rushmore a hacer el amor en un tren como pareja de recién casados. Es de sobra conocida la afición de Hitchcock por hacer palpitar de subtexto sexual todas las situaciones de sus películas. A veces, incluso, es todo lo directo que permite una alegoría para pasar la censura. Si la escena de los fuegos artificiales y Grace Kelly en ‘Atrapa un ladrón’ tiene un doble sentido descarado aquí es aún más directo. Lehman aseguró que su guion origina acababa con “el tren se aleja en la distancia” por lo que el pequeño pero picante cambio fue idea total del inglés. Por si no os acordáis, cuando los protagonistas al fin se besan y, entendemos, se disponen a hacer el amor en el tren, la película finaliza con la imagen de la locomotora adentrándose en un túnel… Chu, Chuuu.