Música clásica del sieglu XX
La música clásica del sieglu XX (tamién llamada música culta, académica, erudita, contemporánea, docta o seria) foi desaxeradamente diversa. Empezó cola continuación de los movimientos vixentes a finales del sieglu XIX tales como'l estilu románticu tardíu y posromántico de Sergéi Rajmáninov, Gustav Mahler y Richard Strauss, el impresionismu de Claude Debussy y Maurice Ravel, y los fervores del nacionalismu en Llatinoamérica, América del Norte, y Europa fuera d'Alemaña, Francia, ya Italia qu'apoderaron por sieglos la cultura musical del continente.
A partir de la segunda década del sieglu, la forma y llugar qu'ocupara la música mientres los pasaos trés sieglos na sociedá, camudaron pa siempres cola irrupción del modernismu musical, dando fin al periodu conocíu como práutica común, y entrando nuna nueva era musical de constante busca de lo orixinal, rompiendo permanentemente cola tradición. Esto xeneró una enorme diversidá de xéneros y movimientos de difícil categorización y definición, lo qu'escontra'l postreru cuartu del sieglu, depués de la decadencia de los ideales de la modernidá, dio pasu a la música contemporánea, siendo cada vez más complexa la so diferenciación d'otres músiques como'l jazz o'l art rock, por cuenta de la creciente globalización y masificación de los medios de comunicación y de la cultura popular.
Vivimos nun tiempu nel que creo que nun hai una corriente principal, sinón munches corrientes, o inclusive, si quier pensase nun ríu de tiempu, que lleguemos a un delta, pue que inclusive más allá d'un delta, a un océanu que s'estiende hasta'l cielu.
Reseña[editar | editar la fonte]
Nun principiu la música siguió la so práutica común, a partir de 1910 tomó diversos caminos d'alloñamientu del sistema tonal que yá veníen reparándose dende finales del sieglu pasáu con un usu cada vez más estendíu del cromatismu. A partir del entamu del modernismu diose pasu al atonalismu y la esperimentación, llegando a mundos sonoros tan distantes y diversos como'l primitivismu d'Igor Stravinsky y Bela Bartok, el dodecafonismu d'Arnold Schoenberg noriega y los sos pupilos, la música microtonal adoptada por Charles Ives y otros, el neoclasicismu de Dimitri Shostakovich y Sergéi Prokófiev mientres el realismu socialista na Xunión Soviética, la música concreta de Pierre Schaeffer y Edgar Varèse, el serialismu integral d'Olivier Messiaen, Pierre Boulez, y Luciano Berio ente otros, la música aleatoria de John Cage, el experimentalismu de Karlheinz Stockhausen, la micropolifonía de György Ligeti y Krzysztof Penderecki, o la repetición de notes de los compositores minimalistas como Steve Reich y Philip Glass, y un ensin númberu de movimientos y compositores que se movíen en nuevos estilos de forma simultanea.
El sieglu XX foi tamién una dómina na que les meyores teunolóxiques como la grabación y la radiodifusión camudaron les rellaciones social y económicu inherentes a la música. Una persona del sieglu XX nel mundu industrializáu tuvo accesu al gramófonu pa la reproducción de música grabada en disco, la radio, la televisión y, más tarde, a la música dixital colos discos compactos. El cine tamién tuvo un impautu importante na música y la cultura a partir de los años 30', con compositores tales como Max Steiner, Erich Wolfgang Korngold, Alfred Newman, Bernard Herrmann, Ennio Morricone, Jerry Goldsmith, y John Williams quien trabayaron en diversos estilu, gruesamente catalogaos dientro del neorromanticismu.
A mediaos del los años setenta considérase'l fin del modernismu musical, gracies a la decadencia de los sos valores y los cambeos socioculturales de la globalización y los medios de comunicación de mases, dando pie a lo que se conoz xeneralmente como música contemporánea o postmoderna, que contién otra serie de movimientos musicales tales como la nueva simplicidá, l'espectralismu, el poliestilismu, l'arte sonoro, la nueva complexidá, el art rock, o la música contemporánea llatinoamericana d'Egberto Gismonti y Astor Piazzolla.
La música docta tuvo tamién una intensa fertilización cruciada col jazz, munchos de los sos compositores fueron capaces de trabayar en dambos xéneros, como George Gershwin, o d'incluyir sonoridaes del jazz en música de conciertu. A partir de los años 70's asocedió daqué similar col rock y la música popular polo xeneral.
Tien De tenese en cuenta qu'esti artículu presenta una güeyada sobre la música clásica del sieglu XX, y munchos compositores mentaos dientro de distintos enclinos o movimientos pueden nun identificase en forma esclusiva con éstos y pueden ser consideraos como participantes de distintos movimientos. Por casu, en distintos momentos de la so carrera, Ígor Stravinski pue ser consideráu románticu, primitivista, neoclásicu y serialista.
Antecedentes y transición al sieglu XX (1880 - 1910)[editar | editar la fonte]
Nacionalismu[editar | editar la fonte]
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El Nacionalismu en música referir al usu de materiales que son reconocibles como nacionales o rexonales. Por casu, l'usu direutu de la música folclórica, y l'usu de melodíes, ritmos y harmoníes inspiraos pola mesma. El nacionalismu tamién inclúi l'usu del folclor como base conceptual, estética ya ideolóxica d'obres programátiques o óperes.
El nacionalismu ye comúnmente rellacionáu al estilu del romanticismu y Postromanticismu de mediaos del sieglu XIX hasta mediaos del sieglu XX, al cual incorpórense-y elementos locales o folclóricos, anque esisten evidencies del nacionalismu dende entamos del sieglu XVIII. El términu tamién ye usáu frecuentemente pa describir la música del sieglu XX de rexones non dominantes na música, sobremanera de Llatinoamérica, América del Norte y Europa Oriental. Históricamente'l nacionalismu musical del sieglu XIX foi consideráu como una reacción contra'l dominiu de la música romántica alemana.
Los países rellacionaos con muncha frecuencia al nacionalismu son: Rusia, Checoslovaquia, Polonia, Hungría, Noruega, Finlandia, Suecia, Grecia, Ucraína, España y Gran Bretaña n'Europa, y Estaos Xuníos, Méxicu, Brasil, Arxentina, Chile y Cuba n'América. Dalgunos de los compositores más importantes comúnmente acomuñaos al nacionalismu nel sieglu XX fueron: el brasilanu Heitor Villa-Lobos (el primer y más importante compositor llatinoamericanu en destacar nos círculos musicales d'Europa), el checu Leos Janacek, el finés Jean Sibelius, l'húngaru Bela Bartok, l'español Manuel de Falla, el mexicanu Montés Revueltes, o l'estauxunidense Aaron Copland, ente munchos otros.
Post-Romanticismu[editar | editar la fonte]
Particularmente na primer parte del sieglu, munchos compositores escribieron música que foi una estensión de la música romántica del sieglu XIX. La harmonía —salvu mayor complexidá— foi tonal, y los agrupamientos instrumentales tradicionales, como la orquesta o'l cuartetu de cuerdes, caltuviéronse como los más avezaos. Los músicos más representativos d'esti movimientu fueron Gustav Mahler, Richard Strauss y Sergey Rachmaninov sicasí munchos de los grandes compositores modernistes empezaron les sos carreres nesti estilu tales como Bela Bartok, Igor Stravinsky y Arnold Schoenberg.
Munchos compositores prominentes —ente ellos Dmitri Kabalevski, Dmitri Shostakóvich y Benjamin Britten— fixeron significatives meyores nel estilu y la téunica romántica mientres siguíen emplegando un llinguaxe melódicu, harmónicu, estructural y textural rellacionáu col del sieglu XIX, accesible al auditoriu permediu.
Impresionismu[editar | editar la fonte]
El Impresionismu musical ye un movimientu musical surdíu a finales del sieglu XIX y principios del XX sobremanera na música francesa. Nel Impresionismu musical dase muncha importancia a los timbres, colos que se consiguen distintos efeutos y tamién se caracteriza porque los tiempos nun son lliniales sinón que s'executen en socesión d'impresiones. Rellacionar d'esta manera col Impresionismu pictóricu, que consiguía les imáxenes por aciu pequeñes pincelaes de color. Foi encabezáu polos compositores franceses Claude Debussy y Maurice Ravel, anque'l so precursor foi Erik Satie.[2] El movimientu, influyíu polos pintores focu impresionistes franceses y pola poesía de Paul Verlaine, Charles Baudelaire y Stéphane Mallarmé, acentúa'l color tímbrico y l'humor en cuenta de estructures formales tales como la sonata y la sinfonía. Debussy, que tamién yera críticu musical, enfocó l'impresionismu como reacción tantu al interés formal del clasicismu de compositores como Wolfgang Amadeus Mozart y la vehemencia emocional del romanticismu en compositores como Robert Schumann y Franz Schubert. Pa la consecución d'esti fin Debussy combinó elementos innovadores y tradicionales. Per una parte, utilizó la escala de tonos enteros ya intervalos complexos qu'hasta esi momentu nun s'utilizaren, dende la novena d'equí p'arriba. Tamién recurrió a los intervalos de cuartes y quinta paraleles propios de la música medieval. Estos recursos téunicos apaecen nel tempranu poema sinfónicu Preludiu al pigazu d'un faunu de 1894, basáu nun poema de Mallarmé. La estensa obra pianística de Debussy riquió nueves téuniques interpretatives, qu'incluyíen un arrogante pero sensible usu de los pedales pa crear una riega indiferenciado de soníu.
La música impresionista francesa siguió la so evolución na obra de Maurice Ravel. Otros compositores d'esta escuela en Francia fueron Paul Dukas, Gabriel Fauré, Albert Roussel, Alexis Roland-Manuel, André Caplet y Florent Schmitt. Tamién influyó fuertemente nos compositores de la vecina España tales como Isaac Albeniz, Manuel de Falla, Joaquín Rodrigo y Enrique Granados quien-y dieron un toque nacional al estilu. L'impresionismu, concebíu por Debussy como enclín contrariu al romanticismu, foi vistu como la fase final de la música romántica.
Modernismu (1910 - 1975)[editar | editar la fonte]
Dase'l nome de modernismu a una serie de movimientos basaos nel conceutu de que, siendo'l sieglu XX una dómina de fundamentales cambeos sociales y teunolóxicos, l'arte tien d'adoptar y desenvolver estos principios como fundamentu estéticu. El modernismu toma l'espíritu progresista de fines del sieglu XIX y el so apegu pol rigor de la meyora teunolóxica, polo que lo desapiega de les normes y formalismos del arte de la dómina y la tradición. D'esta manera la carauterística principal del modernismu ye la pluralidá del llinguaxe, entendiendo que nengún llinguaxe musical en particular asumió una posición dominante.
Téunicamente falando'l modernismu musical tien trés carauterístiques principales que lo estremen de los periodos anteriores:
- La espansión o abandonu de la tonalidá.
- L'usu de les téuniques estendíes.
- La incorporación de soníos y ruios novedosos na composición.
Futurismu[editar | editar la fonte]
El futurismu foi unu de los movimientos iniciales de vanguardia na Europa del Sieglu XX. Esta corriente artística foi fundada n'Italia pol poeta italianu Filippo Tommaso Marinetti, quien redacta'l Manifiestu Futurista, y publicar el 20 de febreru de 1909 nel diariu Le Figaro de París.
Esti movimientu buscaba la rotura coles tradiciones artístiques del pasáu y los signos convencionales de la historia del arte. Intentó emponderar la vida contemporánea, esto per mediu de dos tarrezas principales: la máquina y el movimientu. El futurismu recurría a cualquier mediu d'espresión; artes plástiques, arquiteutura, poesía, publicidá, moda, cine y música; col fin de construyir de nuevu'l perfil del mundu.
Los primeros trabayos futuristes nel campu de la música empezaron en 1910, mesmu añu en que se robla'l Manifiestu de los músicos futuristes. Los principales compositores futuristes fueron los italianos Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo. Russolo concibe nesti manifiestu L'arte de los ruios de 1913, como una consecuencia a los estudios primeramente realizaos por Pratella. La música de ruios» foi darréu incorporada a les performances, como música de fondu o como una especie de partitura o guía pa los movimientos de los intérpretes, amás inventó una máquina de ruiu llamada Intonarumori o "entonador de ruios", que foi duramente criticada na so dómina. Ente les sos obres más significatives destaca Los Rescamplos de 1910.
Russolo foi l'antecedente de la música concreta, un llinguaxe sonoru nel cual utilizábase cualquier soníu, fora esti unu producíu pola naturaleza o pola téunica (téunica gutural, fueren pallabres o un llinguaxe inarticuláu).
Crisis de la tonalidá y atonalismu[editar | editar la fonte]
Los primeros antecedentes de la música europea ensin un centru tonal atópase en Franz Liszt col so Bagatella ensin tonalidá de 1885, periodu que yá se falaba d'una "crisis de la tonalidá". Esta crisis xenerar a partir del usu cada vez más frecuente d'acordes ambiguos, inflexones harmóniques menos probables, y les inflexones melódicu y rítmicu más inusuales posibles dientro de la música tonal. La distinción ente lo escepcional y lo normal fíxose más y más borrosa, y como resultancia, producióse un afloxamientu concomitante de los enllaces sintácticos al traviés de los cualos los tonos y harmoníes fueren rellacionaos ente sigo. Les conexones ente les harmoníes yeren inciertes, les rellaciones y les sos consecuencies volviéronse tan tenues qu'apenes funcionaben n'absolutu. A lo sumo, les probabilidaes del sistema tonal habíense vueltu demasiáu escures; nel peor de los casos, taben averándose a una uniformidá qu'apurren poques guíes pa la composición o la escucha. A principios del sieglu XX compositores como Claude Debussy, Aleksandr Skriabin, Béla Bartók, Paul Hindemith, Sergei Prokofiev, Carl Ruggles, Igor Stravinsky y Edgard Varèse, escribieron música que se describió, total o parcialmente, como atonal. Aleksandr Skriabin realizó un particular estilu d'impresionismu y atonalidad, basando obres como Mysterium, Poema del éxtasis o Prometeo: el poema de fueu nun acorde por cuartes y tritonos llamáu "acorde místicu", bien alloñáu de los habituales acordes de tríada formaos por intervalu de tercera.
La primer fase del atonalismu (antecesora del dodecafonismu), conocida como "atonalidad llibre" o "cromatismu llibre", implicó un intentu consciente d'evitar l'harmonía diatónica tradicional. Les obres más importantes d'esti periodu son la ópera Wozzeck (1917-1922) d'Alban Berg y Pierrot Lunaire (1912) d'Arnold Schoenberg. El primer periodu de pieces llibremente atonales de Schoenberg (de 1908 a 1923), tienen de cutiu como un elementu integrador a una célula interválica que, amás de la espansión puede tresformase nuna fila de tonos, y nel que les notes individuales pueden "funcionar como elementos fundamentales, pa dexar la superposición d'estaos d'una célula básica o la interconexón de dos o más célules básiques". Otros compositores n'Estaos Xuníos como Charles Ives, Henry Cowell y más palantre George Antheil, producieron música atanante pa l'audiencia de la dómina pol so despreciu de les convenciones musicales. Combinaron frecuentemente música popular con aglutinación o politonalidad, estremes disonancies, y una complexidá rítmica n'apariencia inejecutable. Charles Seeger enunció'l conceutu de contrapuntu disonante, una téunica usada por Carl Ruggles, Ruth Crawford-Seeger, y otros.
Primitivismu[editar | editar la fonte]
El primitivismu foi un movimientu de les artes que pretendía rescatar el folclor más arcaicu de ciertes rexones con un llinguaxe modernu. Similar al nacionalismu nel so enfotu por rescatar lo local, el primitivismu incorporó amás métriques y acentuaciones irregulares, un mayor usu de la percusión y otros timbres, escales modales, y harmonía politonal y atonal. Dientro de la música los dos xigantes d'esti movimientu fueron el rusu Igor Stravinsky y l'húngaru Bela Bartok, anque la obra de dambos devasa en demasía la denominación "primitivista".
El primeru de los periodos estilísticos mayores de Stravinski (escluyendo dellos trabayos menores tempranos) foi inauguráu polos trés ballets que compunxo pa Diáguilev. Estos ballets tienen delles carauterístiques compartíes: tán fechos pa ser interpretaos por orquestes por demás grandes; les temes y motivos argumentales basar nel folclor rusu; y lleven la marca de Rimski-Kórsakov tantu nel so desenvolvimientu como na so instrumentación. El primeru de los ballets, El páxaru de fueu (1910), ye notable pol so inusual introducción (tríos de cuerdes baxes) y barríu de la orquestación. Petrushka (1911), tamién s'anota distinto y ye el primeru de los ballets de Stravinski qu'utiliza la mitoloxía folclórica Rusa. Pero ye nel tercer ballet, La consagración de la primavera (1913), el que xeneralmente ye consideráu l'apoteosis del "Periodu Primitivista Rusu" de Stravinski. Equí, el compositor utiliza la brutalidá de la Rusia pagana, reflexando estos sentimientos na agresiva interpretación, harmonía politonal y ritmos abruptos qu'apaecen a lo llargo del trabayu. Hai dellos pasaxes famosos nesta obra, pero dos son de nota particular: la primer tema basada nos soníos del fagó coles notes na llende del so rexistru, casi fora de rangu; y l'ataque rítmicamente irregular (utilizando'l recursu típicu del periodu rusu stravinskiano de tomar una célula rítmica curtia y dir moviendo la so acentuación) de dos acordes superpuestos utilizando solo'l talón del arcu poles Preséu de cuerda cuerdes y faciendo más evidente la reorganización permanentemente cambiante del motivu inicial, doblando colos bronces los acordes que resulten acentuaos cada vez. La consagración ye xeneralmente considerada non yá la obra más importante del primitivismu o de Stravinsky, sinón que de tol sieglu XX, tantu pola so rotura cola tradición, como pola influencia en tol mundu.
Otres pieces destacaes d'esti estilu inclúin: El Ruiseñor (1914), Renard (1916), A Soldier's Story (1918), y Les bodes (1923), instrumentada pa la orixinal combinación de cuatro pianos y percusión, con participación vocal. Nestes obres el músicu llevó a la llende l'heriedu de la escuela nacionalista rusa hasta práuticamente escosala.
Bartók foi un músicu húngaru que destacó como compositor, pianista ya investigador de música folclórica de la Europa oriental (especialmente de los Balcanes). Bartók foi unu de los fundadores de la etnomusicología, basada nes rellaciones que xunen la etnoloxía y la musicoloxía. A partir de les sos investigaciones desenvolvió un estilu bien personal ya innovador.
A partir de 1905, afonda les sos conocencies na música tradicional y los cantares folclóricos maxares, en sintonía cola puxanza de los movimientos nacionalistes. Toma entós concencia de la necesidá de caltener la memoria musical tradicional del so país. Xunto con Zoltán Kodály, empezó a percorrer los pueblos de Hungría y Rumanía pa recoyer miles de melodíes y cantares que trescribieron y grabaron con un gramófonu. Estendieron depués esi llabor a bona parte de los pueblos de la Europa central y hasta Turquía. Enantes, pensábase que la música folclórica húngara basar en melodíes zíngaras. Pero Bartók afayó que les antigües melodíes húngares basar n'escales pentatónicas, al igual que la música asiática o la de Siberia. Bartók escribió una bona cantidá de pequeñes pieces pa pianu derivaes de la música folclórica, y creó acompañamientos pa cantares populares.
Nunca faló de la so téunica compositiva, sinón que foi'l musicólogu húngaru Ernö Lendvai quien dedicó gran parte de la so vida a afayar les bases d'esti sistema. Según Lendvai, la música de Bartók ta basada en gran parte nes sos investigaciones col folclor, cuantimás del húngaru, y podría estremase en dos grandes bloques, distintos tocantes a concepción pero complementarios ente sigo, llegando a alternase inclusive nuna mesma obra en distintes seiciones; son el sistema diatónicu, basáu na música folklórica, les sos maneres y ritmos, na escala acústica, y n'otros procedimientos que nun vamos entrar a valorar, y el Sistema cromáticu, influyíu tamién pol folclor, y que se basa per un sitiu nel Sistema axial, y por otru na Proporción áurea. La so obra más puramente "primitivista" sía probablemente Allegro Barbaro (1911), xunto con una gran cantidá de cantares y dances folclóriques que Bartok arrexuntó y musicalizó provenientes del oriente Européu. Esi mesmu añu escribió la que foi la so única ópera, El castiellu de Barba Azul. Mientres la Primer Guerra Mundial, escribió los ballets El príncipe de madera y El mandarín maraviyosu, siguíos por dos sonates pa violín y pianu, que son harmónica y estructuralmente unes de les sos más complexes pieces. El so enfotu d'esperimentación llevar a un estilu cada vez más únicu y xenial, con obres como la Música pa cuerda, percusión y celesta, la Sonata pa dos pianos y percusión, amás de 6 cuartetos de cuerda, la obra pa pianu Mikrokosmos, y los trés conciertos pa pianu y orquesta.
Microtonalismu[editar | editar la fonte]
El microtonalismu ye la música qu'utiliza microtonos (los intervalos musicales menores qu'un semitonu). El músicu estauxunidense Charles Ives definía a los microtonos de manera humorística como “les notes ente les tecles del pianu”. Esperimentando col violín en 1895, el mexicanu Julián Carrillo (1875-1965) estrema dieciséis soníos claramente distintos ente los llanzamientos de G y A emitida pola cuarta cuerda de violín. Llamó a estes distinciones microtonales Soníu 13 y escribió sobre la teoría de la música y la física de la música. Inventó un simple notación numbérica pa representar les escales musicales sobre la base de cualquier división de la octava, como tercios, cuartos, quintos, sestos, séptimos, y asina socesivamente (inclusive escribió, la mayoría de les vegaes, pa cuartos, octavos y dieciseisavos combinaos, la notación ye la intención de representar cualquier subdivisión imaxinable). Inventó nuevos preseos musicales, y otros afacer pa producir microintervalos. Compunxo una gran cantidá de música microtonal y grabó 30 de les sos composiciones. Nos años 1910 y 1920, los Cuartu de tonu cuartos de tonu y otres subdivisiones de la octava recibieron l'atención d'otros compositores como Charles Ives, Alois Fabona (1/4 y 1/6 de tonu), Ivan Wyschnegradsky (1/4, 1/6, 1/12 y escales non octabables), Ferruccio Busoni (quien fixo dellos esperimentos infructuosos na adautación d'un pianu de tercios de tonu), Mildred Couper y Harry Partch. Erwin Schulhoff dio clases de composición con cuartos de tonu nel Conservatoriu de Praga. Destacaos compositores microtonales o investigadores de los años 1940 y 1950 incluyeron a Adriaan Fokker (31 tonos iguales por octava), y a Groven Eivind. La música microtonal nunca tuvo demasiada aceptación y foi considerada d'equí p'arriba casi puramente polos músicos de Vanguardia.
Segunda Escuela Vienesa, dodecafonismu y serialismu[editar | editar la fonte]
Una de les más significatives figures na música del sieglu XX ye Arnold Schoenberg. Los sos primeros trabayos pertenecen al estilu románticu tardíu, influyíu por Richard Wagner y Gustav Mahler, pero a la fin abandonó'l sistema de composición tonal pa escribir música atonal. Col tiempu, desenvolvió la téunica del dodecafonismu, proponiéndola en 1923 en reemplazu de la organización tonal tradicional.
Los sos alumnos Anton Webern y Alban Berg tamién desenvolvieron y afondaron l'usu del sistema dodecafónico, y destacaron pol usu de tal téunica so regles propies. Los trés son conocíos, familiarmente, como La Trinidá Schoenberg, o la Segunda Escuela Vienesa. Esti nome crear pa resaltar qu'esta Nueva Música tuvo'l mesmu efeutu innovador que la Primer Escuela de Viena de Haydn, Mozart y Beethoven.
El dodecafonismu foi una forma de música atonal, con una téunica de composición na cual les 12 notes de la escala cromática son trataes como equivalentes, esto ye, suxetes a una rellación ordenada que (a diferencia del sistema mayor-menor de la tonalidá) nun establez xerarquía ente les notes. Lo que fixo'l fundador de la música dodecafónica, Schönberg, foi prohibir por estatutu usar una nota más qu'otra: la melodía dodecafónica tien de llevar les 12 notes qu'hai na escala cromática. Escríbese siguiendo'l principiu de que tolos dolce semitonos o notes son d'igual importancia. La rellación interna establecer a partir del usu d'una serie compuesta poles dolce notes. El compositor decide l'orde en qu'apaecen cola condición de que nun se repita nenguna hasta'l final.
La música de Schoenberg y la de los sos siguidores foi bien revesosa nos sos díes, y asina permanez inda en dalguna midida. Como escarez d'un sentíu de melodía definida, dellos oyentes atopar —ya inda la atopen— malo de siguir. A pesar d'ello, anguaño síguense interpretando, estudiando y escuchando obres como Pierrot Lunaire, ente que s'escaecieron otres composiciones contemporánees que nel so momentu considerábense más aceptables. En gran midida, la causa d'esto ye que'l so estilu pioneru resultó bien influyente, inclusive ente compositores que siguieron componiendo música tonal. A partir d'elles, munchos compositores escribieron música ensin basar na tonalidá tradicional.
El serialismu integral representa un pasu más palantre del dodecafonismu, y foi creada pol que foi discípulu de Schönberg, Anton Webern: establezse un orde non yá pa la socesión de los distintos altores, sinón pa la socesión de les distintes duraciones (les "figures", como la negra, corchea, etc.) y la socesión de les dinámiques (los niveles d'intensidá sonora), como tamién pa l'articulación. Toes estes series repitir mientres l'intre d'una obra. La téunica llamóse serialismu integral pa estremala del serialismu llindáu del dodecafonismu. Irónicamente, dempués d'años d'impopularidá, l'estilu puntillista de Webern —nel que los soníos individuales son cuidadosasmente allugaos na obra de manera que cada unu tien importancia— convertir en norma n'Europa mientres los años cincuenta y sesenta, y foi bien influyente ente compositores de la posguerra como Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Luciano Berio, Luigi Nonu, Karlheinz Stockhausen y Igor Stravinsky.
Neoclasicismu[editar | editar la fonte]
El neoclasicismu en música refier al movimientu del sieglu XX que retomó una práutica común de tradición tocantes a l'harmonía, a la melodía, la forma, los timbres y los ritmos, pero entemecida con grandes disonancies atonales y ritmos sincopados, como puntu de partida pa componer música. Ígor Stravinski, Paul Hindemith, Sergéi Prokófiev, Dmitri Shostakóvich y Béla Bartók son los compositores más importantes usualmente mentaos nesti estilu, pero tamién el prolíficu Darius Milhaud y los sos contemporáneos Francis Poulenc y Arthur Honegger.
El neoclasicismu nació coles mesmes que la torna xeneral a modelos racionales nes artes, en respuesta a la primer guerra mundial. Más pequeñu, más escasu, más ordenáu fueron los enclinos concebíos como respuesta a la saturación emocional que munchos sintieron emburriara a la xente a les trincheres. Teniendo en cuenta que los problemes económicos favorecíen grupos más pequeños, la busca por faer “más con menos se tornó en consecuencia una práutica obligada. Historia del soldáu de Stravinski ye por esta razón una grana de pieza neoclásica, como asocede tamién nel conciertu Los carbayos de Dumbarton, nel so Sinfonía pa instrumentos de vientu o na Sinfonía en do. La culminación neoclásica de Stravinski ye la so ópera El progresu del llibertín («Rake's Progress»), con llibretu del bien conocíu poeta modernista W. H. Auden.
Mientres un tiempu, l'alemán Paul Hindemith foi rival de Stravinski nel neoclasicismu, entemeciendo punchantes disonancies, polifonía y cromatismu llibre dientro d'un estilu utilitariu. Hindemith produció trabayos de cámara y orquestales nesti estilu, quiciabes el más famosu d'ellos sía Mathis der Maler. La so producción de cámara inclúi la so Sonata pa corno inglés y pianu, un trabayu espresionista llenu de detalles escuros y conexones internes.
El neoclasicismu atopó una audiencia comenenciuda n'EE.XX.; la escuela de Nadia Boulanger promulgó idees musicales basaes na comprensión de la música de Stravinski. Ente'l so estudiantes atopen músicos neoclásicos como Elliott Carter (na so primer dómina), Aaron Copland, Roy Harris, Darius Milhaud, Astor Piazzolla y Virgil Thomson.
La traza más oyible del neoclasicismu son melodíes qu'usen la tercera como intervalu fixu, y amiesten cromáticamente notes disonantes al ostinato, bloques harmónicos y amiestu llibre de polirritmos. El neoclasicismu ganó gran aceptación de l'audiencia con rapidez, y foi internalizado por aquellos opositores al atonalismu como la verdadera música moderna.
Nel contestu de la Xunión Soviética, particularmente mientres el gobiernu d'Josif Stalin, el neoclasicismu allugóse dientro del realismu socialista. Esta foi una corriente estética que'l so propósitu foi espandir la conocencia de los problemes sociales y les vivencies de los homes per mediu del arte. D'esta manera los prominentes compositores Serguéi Prokófiev y Dmitri Shostakóvich tuvieron que componer forzadamente nesti estilu, incorporando elementos nacionalistes y valores comunistes, pos cualquier tipu de vanguardia considerábase como parte de la decadencia de la burguesía d'occidente.
Música electrónica y concreta[editar | editar la fonte]
Les meyores teunolóxiques nel sieglu XX dexaron a los compositores utilizar medios electrónicos pa producir soníos. En Francia desenvolvióse la música concreta escuela que producía soníos esistentes nel mundu. Llámase concreta porque según Pierre Schaeffer, el so inventor, plantegaba que ta producida por oxetos concretos y non polos astractos que seríen los preseos musicales tradicionales. El primeru que dispunxo d'esos medios foi Edgar Varese, quien presentó Poème électronique nel pabellón Philips de la Esposición de Bruxeles en 1958. En 1951, Schaeffer, xunto a Pierre Henry, crearon el Grupu d'Investigación de Música Concreta en París. Llueu atraxo un gran interés, y ente los que s'averaron atopábense distintos compositores significativos como Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Jean Barraqué, Karlheinz Stockhausen, Edgard Varese, Iannis Xenakis, Michel Philippot y Arthur Honegger. La producción compositiva ente 1951 y 1953 entendió Étude I (1951) y Étude II (1951) por Boulez, Timbres-durées (1952) por Messiaen, Étude (1952) por Stockhausen, -y microphone bien tempéré (1952) y La voile d'Orphée (1953) por Henry, Étude I (1953) por Philippot, Étude (1953) por Barraqué, les pieces entemecíes Toute la lyre (1951) y Orphée 53 (1953) por Schaeffer/Henry, y la música pa película Masquerage (1952) por Schaeffer y Astrologie (1953) por Henry. En 1954 Varèse y Honegger visitaron l'estudiu pa trabayar nes partes en cinta de Déserts y La rivière endormie. N'Alemaña sicasí la forma d'usar la teunoloxía llamóse música electrónica, que ye aquella qu'utiliza solamente soníos producíos electrónicamente. El primer conciertu tendría llugar en Darmstadt en 1951, sicasí la primer obra d'importancia sería El cantar de los adolescentes de Karlheinz Stockhausen de 1956. En EE. UU., Milton Babbitt usó'l sintetizador RCA Mark II pa crear música. Otros compositores abandonaron los preseos convencionales, y usaron cintes magnétiques pa crear música, grabar soníos, y manipolialos de dalguna manera. Hymnen (de Stockhausen), Déserts (de Edgard Varése) y Sincronismos (de Mario Davidovsky) ufierten unos pocos exemplos. Esta posibilidá tomó munches formes: dellos compositores a cencielles incorporaron preseos electrónicos dientro de pieces relativamente convencionales. Olivier Messiaen, por casu, usó les Ondes Martenot en ciertu númberu de trabayos. Oskar Sala creó la pista non musical pa la película Los páxaros (d'Alfred Hitchcock) usando'l trautonium, un preséu electrónicu qu'él mesmu ayudó a desenvolver. Morton Subotnick aprovió la música electrónica pa 2001, una odisea del espaciu. Otros compositores como Luigi Russolo, Mauricio Kagel y Joe Meek tamién apurrieron a la investigación y esploración de la música electrónica.
Iannis Xenakis ye otru compositor modernu qu'usó ordenadores y preseos electrónicos (incluyíu unu inventáu por él) en munches composiciones. Dalgunos d'estos trabayos electrónicos son pieces selemente ambientadas, y otres amuesen una violenta y selvaxe sonoridá. Compositores como Alvin Lucier, Gordon Mumma y David Tudor crearon ya interpretaron música electrónica en vivu, de cutiu diseñando los sos propios preseos o usando cintes. Nel sieglu XX floriaron una cantidá d'instituciones especialices en música electrónica, siendo quiciabes l'IRCAM de París la más conocida.
Música aleatoria y vanguardismu radical[editar | editar la fonte]
Magar el modernismu en sí ye música de vanguardia, el vanguardismu dientro d'ella refierse a los movimientos más radicales y controversiales, onde'l conceutu de música llega hasta los sos llendes -si non yá los devasa- utilizando elementos como ruios, grabaciónes, el sentíu del humor, el azar, la improvisación, el teatru, el absurdu, el ridículu, o la sorpresa. Dientro de los xéneros xeneralmente allugaos dientro d'esta corriente radical atópase la música aleatoria, la música electrónica en vivu, el teatru musical, la música ritual, la composición de procesos, el happening musical, o la música intuitiva, ente munches otres. Ente los compositores más trascendentales que incursionaron nestes aventures atópase John Cage n'América y Karlheinz Stockhausen n'Europa.
La música aleatoria o d'azar ye una téunica compositiva musical basada nel recursu a elementos ensin regular por pautes establecíes y na qu'adquier un papel preponderante, ye la improvisación a partir de les secuencies non estructuradas. Tales traces improvisadores pueden afitase na creación del autor o nel desenvolvimientu de la mesma interpretación. Ye frecuente, arriendes d'ello, la composición de pieces aleatories nes que'l ejecutante determina la estructura final de la obra, por aciu la reordenación de caúna de les seiciones de la mesma, o inclusive por aciu la interpretación simultánea de delles d'elles.
El azar ye una traza definitoria d'esta téunica compositiva qu'algamaría un notable espardimientu a partir de la década de 1950. Les corrientes aleatories tuvieron dalgunes de les sos más significatives representaciones nes creaciones del estauxunidense John Cage con Music of Changes (1951) o 4′33″ (probablemente la obra más radical del sieglu XX, famosa por consistir na indicación de non tocar por 4 minutos y 33 segundos). Tamién foi notable l'usu del I Ching, un antiguu testu chinu clásicu sobre eventos cambiantes, que convirtióse na ferramienta compositiva habitual de Cage. Conocíu tamién pola invención del pianu preparáu, compunxo delles obres ente les que destaca Sonates ya interludios. L'alemán Karlheinz Stockhausen con Hymnen (1967), y l'electrónica Gesang der Jünglinge, fueron afitaos importantes. Otros compositores como los italianos Bruno Maderna y Franco Donatoni, el polacu Witold Llutosławski, el griegu Iannis Xenakis, l'húngaru Gyorgy Ligeti, l'español Luis de Pablo, los arxentinos Alberto Ginastera, y Mauricio Kagel y los franceses Edgar Varese y Pierre Boulez tamién fueron significativos.
Les más destacaes modalidaes nes que se plantega la creación aleatoria na música contemporánea son la forma móvil, qu'impon diverses soluciones interpretatives de rangu equiparable; la forma variable, na que predomina la improvisación; y el llamáu work in progress, que constitúi'l máximu grau d'azar na execución de la pieza. En toes elles suelen incorporase preseos clásicos, con especial atención al pianu, y medios d'execución electrónicos tales como sintetizadores, distorsionadores y cintes grabaes.
Micropolifonía y mases sonores[editar | editar la fonte]
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En pallabres de David Cope la micropolifonía tratar de «una simultaneidá de distintes llinies, ritmos y timbres».[3] La téunica foi desenvuelta por György Ligeti, quien la esplicó asina: «La complexa polifonía de les voces individuales ta enmarcada nun fluxu harmónicu-musical, nel que les harmoníes nun camuden sópitamente, sinón que se van convirtiendo n'otres; una combinación interválica discernible ye gradualmente faciéndose borrosa, y de esta nubosidad ye posible sentir qu'una nueva combinación interválica ta tomando forma». «La micropolifonía asemeyar a los clústers, pero difier d'ellos nel usu que fai de llinies más dinámiques qu'estátiques».[3] El primer exemplu de micropolifonía na obra de Ligeti producir nel segundu movimientu del so composición orquestal Apparitions.[4] Tamién son pioneres na aplicación d'esta téunica'l so siguiente trabayu pa orquesta Atmosphères y el primer movimientu del so Requiem, para sopranu, mezzosopranu, coru mistu y orquesta sinfónica. Esta última obra algamó gran popularidá por cuenta de que formó parte de la banda sonora de la película de Stanley Kubrick 2001: Una odisea del espaciu
La téunica de la micropolifonía ye más bono d'aplicar con agrupaciones más grandes o con preseos musicales polifónicos como'l pianu.[3] Anque'l Poème Symphonique pa 100 metrónomos crea «micropolifonía d'una complexidá ensin comparanza».[5] Munches de les pieces pa pianu de Ligeti son exemplos de micropolifonía aplicaos a esquemes rítmicos derivaos del complexu "minimalismu" de Steve Reich y de la música de los pigméos.
Intrínsecamente rellacionada cola micropolifonía esta la masa de soníu o masa sonoro que ye una testura musical que la so composición, en contraste con otres testures más tradicionales, «embrive la importancia de les altores musicales individuales pa preferir la testura, el timbre y la dinámica como principales formadores del xestu y l'impautu».[6]
Esta téunica foi desenvuelta partiendo de los clústers utilizaos pol modernismu musical y dempués estendióse a la escritura orquestal escontra finales de los años 1950 y 60. La masa sonoro «difumina la frontera ente'l soníu y el ruiu».[6] Una testura puede disponese de tal manera que «tea bien próxima al status de conxuntu fundíu de timbres d'un únicu oxetu, por casu el formosu acorde Northern lights, nuna distribución bien interesante d'altores, produz un soníu fundíu que se sofita nun doble de platillo suspendíu.»[7]
Otros de los compositores más importantes d'esta téunica fueron el polacu Krzysztof Penderecki cola so obra Treno a les víctimes d'Hiroshima y el griegu Iannis Xenakis cola so obra Metástasis.
Minimalismu[editar | editar la fonte]
Dellos compositores de la década de los sesenta empezaron a esplorar lo qu'agora llamamos minimalismu. La más específica definición de minimalismu refier al dominiu de los procesos en música onde los fragmentos se superponen en capes unos a otros, de cutiu repitir, pa producir la totalidá de la trama sonora. Exemplos tempranos inclúin In C (de Terry Riley) y Drumming (de Steve Reich). La primera d'estes obres fizo que Riley fuera consideráu por munchos el padre del minimalismu; ye una pieza formada por celdes melódiques estruyíes, que cada intérprete nun conxuntu toca al so propiu tempo. La onda minimalista de compositores —Terry Riley, Philip Glass, Steve Reich, El Monte Young, John Adams y Michael Nyman, pa nomar los más importantes— deseyaben faer la música accesible pa los oyentes comunes, espresando cuestiones específiques y concretes de la forma dramática y musical, ensin despintales so la téunica, sinón más bien faciéndoles esplícites, volviendo a les triaes mayor y menor de la música tonal, pero ensin utilizar la funcionalidad harmónica tradicional.
Una estrema clave ente'l minimalismu y la música previa ye l'usu de distintes celdes "fora de fase", a gustu de los intérpretes; compare esto cola obertura de L'oru del Rin de Richard Wagner, onde a pesar del usu de triaes de celdes, cada parte ta controlada por un mesmu impulsu y muévese a la mesma velocidá.
La música minimalista resulta revesosa pa oyentes tradicionales. El so críticos atopar demasiáu repetitiva y vacida, ente que los sos defensores argumenten que los elementos fixos que de cutiu son permanentes producen mayor interés nos pequeños cambeos. De toes formes, el minimalismu inspiraron ya influyeron a munchos compositores davezu non etiquetaos como minimalistas (como Karlheinz Stockhausen y György Ligeti). Compositores como Arvo Pärt, John Tavener y Henryk Górecki, que la so Sinfonía Nᵘ 3 foi l'álbum clásicu más vendíu nos años noventa, atoparon gran ésitu no que se dio en llamar “minimalismu feliz” n'obres de fondu sentíu relixosu.
La siguiente fola de compositores que incursionaron nesti estilu nun son llamaos minimalistas por dalgunos, pero sí por otros. Por casu, el compositor d'ópera John Adams, y el so alumnu Aaron Jay Kernis. La espansión del miminalismu d'un sistema musical a música dependiente de la testura p'acompañar el movimientu xeneró una diversidá de composiciones y compositores.
Influencies del jazz[editar | editar la fonte]
Dende principios del sieglu la música afroamericana y el jazz influyó notablemente a compositores dientro y fora d'Estaos Xuníos. Dientro del país americanu destacó Charles Ives y por sobre toos George Gershwin. Sicasí compositores afroamericanos más venceyaos al jazz tamién incursionaron n'obres que taben nuna llende poca claru ente dambes músiques. Compositores tales como Will Marion Cook, Scott Joplin y Duke Ellington tuvieron una influencia indiscutida na música docta d'Estaos Xuníos. Dalgunes de les obres más importantes de principios de sieglu que combinaron elementos del llinguaxe del jazz con estilos clásicos fueron Rhapsody in Blue de George Gershwin, Children's Corner de Claude Debussy, los conciertos pa pianu en Re y en Sol de Maurice Ravel, el Ragtime pa 11 preseos d'Ígor Stravinski, o la Suite pa pianu 1922 de Paul Hindemith, ente munches otres.
Na segunda metá del sieglu XX surdió'l movimientu llamáu Third Stream, lliteralmente Tercer corriente, aplicáu a un estilu de faer música que nos años 50 y 60 pretendió ufiertar una vía de desenvolvimientu qu'integraba les téuniques tantu del jazz como de la música clásica. El términu Third Stream foi acuñáu pol compositor y solista de trompa, Gunther Schuller, a finales de los años 50, pa describir la música que taben desenvolviendo dalgunos artistes intentando establecer una ponte ente les disciplines y formes musicales europees y l'espíritu y la téunica del jazz. A tal fin, Schuller fundó un "Third Stream Department", nel Conservatoriu de Nueva Inglaterra. En sentíu ampliu, la tercer corriente ye parte d'un procesu xeneral d'abolición de barreres musicales ente les distintes clases de música.[8] L'orixe del estilu suel afitase na evolución xenerada a partir de los postulaos del Cool y el West Coast jazz, lo qu'asitia a munchos otros músicos na frontera ente dambos. El trombonista y violonchelista David Baker, el pianista Ran Blake, o'l saxofonista y arreglista Bob Graettinger, fueron dalgunos de los músicos más implicaos na busca d'una verdadera third stream, anque na redolada d'esti estilu moviéronse un importante númberu de músicos de pesu na historia del jazz: Modern Jazz Quartet, Gil Evans, Don Ellis, Bill Russo, George Russell, ensin necesidá de dise a fusiones muncho más evidentes, como los arreglos de Jacques Loussier sobre la música de Bach.
Les opciones menos pretenciosas d'esta corriente, acaben xenerando l'apaición d'un xéneru típicamente européu, asitiáu en sellos como ECM, que se conformen en grupos inusuales, dúos o solistes, que prescinden d'un gran númberu de los elementos que caracterizaren el jazz de los años 40 y 50: Esplosiva enerxía, durez, espresividá, intensidá, éxtasis y aceptación de la feúra, pa impulsar una estetización del jazz.[9] Escontra finales del sieglu XX el jazz européu contemporaneu y la música clásica contemporánea atópense un estáu d'indiferenciación casi absoluta.
Música cinematográfica[editar | editar la fonte]
Dende la llegada del cine sonoru a principios de la década de los 30', la música cumplió un rol crucial na industria y l'arte del cine. Munchos de los grandes compositores de la década tales como los rusos Prokófiev y Shostakovich, incursionaron tamién nesta área. Sicasí llamen l'atención ciertu compositores que se dedicaron casi puramente a trabayar al traviés del cine. Anque les musicalización de llargumetraxes mientres los años 1940 taben arrezagaes décades detrás de les innovaciones téuniques nel campu de la música de conciertu, la década de 1950 vio la puxanza de la música pal cine modernista. El direutor Elia Kazan foi abiertu a la idea de les influencies del jazz y les obres disonantes y trabayó con Alex North, que la so partitura de A Streetcar Named Desire (1951) combina la disonancia con elementos de blues y jazz. Kazan tamién s'averó a Leonard Bernstein para musicalizar On the Waterfront (1954) y la resultancia foi una reminiscencia de les primeres obres d'Aaron Copland y Igor Stravinsky, coles sos "jazz basaos n'harmoníes y emocionantes ritmos aditivos". Un añu dempués, Leonard Rosenman, inspiráu por Arnold Schoenberg, esperimentó cola atonalidad nes sos calificaciones d'al Este del Edén (1955) y Rebalbu ensin causa (1955). Nos sos diez años de collaboración con Alfred Hitchcock, Bernard Herrmann esperimentó con idees en Vertigo (1958), Psycho (1960) y Los páxaros (1963). L'usu de la música non-diegética de jazz foi otra innovación modernista, como la musicalización de la estrella del jazz Duke Ellington a la obra d'Otto Preminger Anatomy of a Murder (1959).
Dientro de les grandes obres musicales del cine atópense Max Steiner con; The Informer (1935), Now, Voyager (1942), y Since You Went Away (1944), King Kong (1933), Little Women (1933), Jezebel (1938), Casablanca (1942), y Gone with the Wind (1939). Erich Wolfgang Korngold con; The Adventures of Robin Hood. Alfred Newman con; How the West Was Won,The Greatest Story Ever Told. Bernard Herrmann con; North by Northwest, The Man Who Knew Too Much, Citizen Kane, The Ghost and Mrs. Muir, y Taxi Driver. Ennio Morricone; The Good, The Bad And The Ugly (1966), Once Upon a Time in the West, The Mission (1986), The Untouchables (1987), y Cinema Paradiso. Jerry Goldsmith; Planet of the Apes, Chinatown, The Wind and the Lion, The Omen, Alien, Poltergeist. John Williams con; los dos triloxíes de Star Wars, Jaws, Superman, Indiana Jones, E.T. the Extra-Terrestial, Hook, Jurassic Park, Schindler's List, y Harry Potter ente bien de otres. Otros de los grandes compositores, especialmente del postreru cuartu de sieglu d'equí p'arriba fueron Danny Elfman, Nino Rota, Vangelis, Howard Shore, James Horner, Alan Silvestri, , Hans Zimmer y Henry Mancini.
Música contemporánea (1975 - actualidá)[editar | editar la fonte]
Nacencia del posmodernismu[editar | editar la fonte]
El posmodernismu pue ser consideráu una respuesta al modernismu que defende los productos de l'actividá humana —particularmente los manufacturados o artificiales— como'l suxetu central del arte mesma, y l'idea de que'l propósitu del arte ye focalizar l'atención del públicu sobre oxetos pa la so contemplación, tal como'l críticu Steve Hicken esplicar.
Esta teoría del modernismu vuelve a la Escuela dadaísta ejemplificada por Duchamp, y al colax de música concreta, según los esperimentos con música electrónica d'Edgard Varèse y otros. Sicasí, el posmodernismu defende qu'ésti foi la manera primixenia d'esistencia humana, un bucéu individual nel mar de producción del home.
John Cage ye una figura prominente na música del sieglu XX; la so influencia foi creciendo mientres la so vida, y güei ye recordáu por munchos como'l fundador de la música postmoderna. Cage cuestionó la mesma definición de música nes sos pieces, y aportunó na filosofía de que tolos soníos son esencialmente música. Nel so 4'33” confronta al oyente cola so idea de que los soníos non intencionales son tan músicalmente válidos como los aniciaos por un preséu. Cage tamién usó notablemente música aleatoria, y soníos topaos coles mires de crear un estilu de música interesante y distinta. La so música non solamente básase nel argumentu de que nun hai “música” o “ruiu” sinón namái “soníu”, y que les combinaciones de soníos topaos constitúin eventos musicales, sinón tamién na importancia de focalizar l'atención y na invención” como esenciales al arte.
Cage, sicasí, foi catalogáu por dalgunos como demasiao vanguardista nel so enfoque; por esta razón, munchos atopen la so música antipática. Resulta interesante analizar que l'aparente oposición al indeterminismu de Cage, la música sobrestructurada de los serialistas, produció pieces de sonoridá similar, inclusive munchos serialistas como por casu Pierre Boulez o Karlheinz Stockhausen utilizaron procedimientos aleatorios. Michael Nyman diz en música esperimental que'l minimalismu foi una reacción xenerada por y contra el serialismu y l'indeterminismu.
El posmodernismu atopó a la música y la pintura en momentos bien similares; per un sitiu la sobriedá, pureza, amor pola mecánica, astracción y la trama na que munchos traces modernistes fueron calteníos, como la énfasis sobre l'estilu personalizáu y l'esperimentación. Sicasí, los posmodernistas refugaron la instancia hermenéutica del modernismu (la necesidá de tar nel ambiente del modernismu). En llugar d'ello, el posmodernismu toma lo popular y amenorgar a la so guía estética. Unu de los primeros movimientos que rompió col modernismu inspirar nel trabayu de Cage, y la so énfasis nos soníos por capes: el minimalismu.
Poliestilismu[editar | editar la fonte]
Poliestilismu ye l'usu de múltiples estilos o téuniques musicales, y ye consideráu una carauterística posmoderna qu'empieza a finales del sieglu XX y acentúase nel sieglu XXI. Ye importante estremar ente l'actitú ecléctica, que ye la de quien recueye material de distintes fontes de manera pasiva y l'actitú poliestilista, que ye la de quien funde les fontes de manera coherente, apostáu y propiu. El compositor poliestilista nun emplega necesariamente'l so canon d'estilu y téunica nun solu trabayu sinón que nel conxuntu la so obra alviértese distintes "estilos". Esta corriente, magar ser antemanada nun tempranu enclín qu'unificaba elementos de folk o de jazz en trabayos clásicos, desenvuélvese realmente dende finales del sieglu XX, y mientres más y más estilos entren en xuegu nel nuevu sieglu, el movimientu faise cada vez más importante y diversu. Los compositores poliestilistas han usualmente empezáu la so carrera nuna corriente pa movese a otra al empar que guardando elementos importantes de l'anterior.
Compositores poliestilísticos son, por casu, Llera Auerbach, Luciano Berio, William Bolcom, Sofia Gubaidulina, Hans Werner Henze, George Rochberg, Arturo Rodas, Magaly Ruiz, Frederic Rzewski, Alfred Schnittke, Dmitri Silnitsky, Valentín Silvestrov, Santiago Sosa Rolón, Ezequiel Viñao, Frank Zappa o John Zorn.
Nueva simplicidá[editar | editar la fonte]
La Nueva Simplicidá foi un enclín estilísticu surdida ente dalgunos de los componentes de la xeneración más nueva de compositores alemanes d'empiezos de los ochenta del sieglu XX, y que supunxo una reacción non solamente contra la vanguardia musical europea de les décades de los cincuenta y sesenta, sinón tamién contra la más ampliu enclín escontra la oxetividá d'empiezos de sieglu.
Polo xeneral, esti compositores defendieron una inmediatez ente l'impulsu creativu y la so resultancia musical (en contraste cola ellaborada planificación precompositiva carauterística del vanguardismu), col enfotu de crear una comunicación más fácil coles audiencies. En dellos casos, ello significó una vuelta al llinguaxe tonal del sieglu XIX según a les formes musicales (sinfonía, sonata) y a les combinaciones instrumentales (cuartetu de cuerda, tríu con pianu) tradicionales, que fueren evitaes na so mayor parte pola vanguardia. Pa otros compositores, significó trabayar con testures más simples o l'empléu d'harmoníes triádicas en contestos non tonales. D'ente los compositores identificaos d'una forma más cercana con esti movimientu, solamente Wolfgang Rihm consiguió una reputación significativa fuera d'Alemaña.
Otru autores, de mayor edá y/o d'otres nacionalidaes, como Hans Abrahamsen, Alfred Janson, Aaron Kernis, Wilhelm Killmayer, Ladislav Kupkovic, György Kurtág, Roland Moser, Arvo Pärt, Alfred Schnittke, Kurt Schwertsik y Howard Skempton fueron rellacionaos dacuando colos “nuevos simplicistas”. Siquier dos autores fueron entá más lloñe al asegurar qu'unu de los compositores vanguardistas contra'l que se remontara más ostensiblemente la Nueva Simplicidá, Karlheinz Stockhausen, antemanaríase a les sos posiciones cola simplificación radical del so estilu que se produció ente 1966 y 1974.
Espectralismu[editar | editar la fonte]
La música espectral, nun sentíu restrictivu, básase principalmente nel descubrimientu de la naturaleza del timbre musical y na descomposición espectral del soníu musical, nel orixe de la perceición del timbre. El espectralismu aniciar en Francia na década de los setenta alredor d'un grupu de compositores arrexuntaos en redol al Ensemble l'Itinéraire (Gérard Grisey, Tristan Murail, Hughes Dufourt y Michael Levinas). N'Alemaña tuvo repercusión y formóse un grupu d'investigación lideráu polos compositores Johannes Fritsch, Mesias Maiguashca, Peter Eötvös, Claude Vivier, y Clarence Barlow. En Rumanía esistió un movimientu importante d'esti enclín lideráu por Ştefan Niculescu, Horatiu Radulescu, y Iancu Dumitrescu.
Anguaño compositores como Julian Anderson, Ana-Maria Avram, Joshua Fineberg, Jonathan Harvey, Fabien Lévy, Magnus Lindberg, y Kaija Saariaho permanecen desenvolviendo idees espectrales. El compositor de jazz Steve Lehman introdució téuniques espectrales nel campu de la música improvisada. El movimientu foise enanchando ya inflúi nes más importantes enclinos contemporáneos de composición y en munchos de los compositores más nuevos: Philippe Hurel, Philippe Leroux, Marc-André Dalbavie, Jean-Luc Hervé, Fabien Lévy o Thierry Blondeau, en Francia; Kaija Saariaho o Magnus Lindberg en Finlandia; George Benjamin o Julian Anderson nel Reinu Xuníu: Marcu Stroppa n'Italia; y Joshua Fineberg, n'EE.XX., por citar dalgunos.
Llibre improvisación[editar | editar la fonte]
La improvisación llibre ye música improvisada ensin regles previes establecíes, secuencies d'acordes o melodíes primeramente alcordaes. Dacuando los músicos realicen un esfuerciu activu pa evitar referenciar a xéneros musicales reconocibles. El términu ye en dalguna forma paradóxicu en tantu pue ser consideráu como una téunica (emplegada por cualesquier músicu que quier escaecese de xéneros ríxidos y formes) y como xéneru reconocible en sí mesmu. La improvisación llibre, como estilu de música, desenvolver n'Europa y EE. XX. na metá y fines de la década de 1960 en respuesta o inspiráu pol movimientu del free jazz según pola música clásica contemporánea. Ente los artistes más reconocíos dientro d'esti estilu tán los saxofonistas Evan Parker y Peter Brötzmann, el guitarrista Derek Bailey, y el grupu improvisacional británicu AMM.
Nueva complexidá[editar | editar la fonte]
La Nueva Complexidá ye una corriente dientro del escenariu contemporaneu surdida na década de los años 1980 nel Reinu Xuníu que puede definir lo "complexu" como; "de múltiples capes d'interacción de los procesos evolutivos qu'asoceden simultáneamente en toles dimensiones del material musical". Ye bien astracta, disonante y atonal, carauterizada pol usu de téuniques que lleven hasta la llende les posibilidaes de la escritura musical. Esto inclúi l'usu de téuniques estendíes, testures complexes ya inestables, microtonalidad, contorna melódica altamente discontinuu y complexos ritmos de capes, cambeos sópitos na testura, y asina socesivamente. Tamién se caracteriza, a diferencia de la música de los serialistas darréu posteriores a la Segunda Guerra Mundial, pola dependencia frecuente de los sos compositores en concepciones poétiques, bien de cutiu implicaos nos títulos de les obres individuales y nos ciclos de trabayu de cada compositor.
Ente los compositores más importantes atópense Brian Ferneyhough, Michael Finnissy, Chris Dench, James Dillon, Roger Redgate y Richard Barrett.
Arte sonoro[editar | editar la fonte]
Arte sonoro entiende un diversu grupu de práutiques artísticu que tienen como principal oxetivu distintos nociones del soníu, la escucha y l'audición. Esisten de normal distintes rellaciones ente los ámbitos visual y auditivo del arte lo mesmo que de la perceición polos artistes del soníu.
Como munchos xéneros del arte contemporáneo, l'arte sonor ye interdisciplinariu por naturaleza, tomáu formes híbrides. L'arte sonoro ocúpase frecuentemente d'aspeutos como l'acústica, la psicoacústica, la electrónica, el noise, los medios d'audiu y la teunoloxía (tantu analóxica como dixital), el soníu atopáu o ambiente, la esploración del cuerpu humanu, la escultura, la película o'l videu y un abanicu de temes creciente
Dende'l puntu de vista de la tradición occidental, los primeros exemplos d'esti arte inclúin a Luigi Russolo y el so Intonarumori, y los esperimentos que de siguío realizaron los dadaistas, surrealistes y situacionistas. Dada la diversidá del arte sonoro, esiste de cutiu un alderique sobre si l'arte sonoro cai dientro y/o fuera tantu del arte visual como de la música esperimental. L'arte sonoro tamién ta rellacionáu col arte conceptual, el minimalismu, el spoken word, la poesía avant garde y el teatru esperimental.
Música contemporánea llatinoamericana[editar | editar la fonte]
La música de tradición europea en Llatinoamérica foi por demás diversa y complexa, tantu musicalmente como tamién en cuanto al llugar qu'ésta ocupa na sociedá. Unu de les principales torgues fueron les dificultaes económiques de la rexón mientres casi la totalidá del sieglu, per una parte, y la falta d'accesu ya interés de la mayoría de la población a la música docta, pola otra. Dende'l puntu de vista musical y estilísticu siempres se xeneró un bracéu ente producir correutamente'l legáu de la música docta europea, y desenvolver elementos orixinalmente llatinoamericanos y nacionales na mesma. Ye por esto que munchos de los compositores d'esta rexón fueron catalogaos como pertenecientes al nacionalismu musical, independientemente del estilu o téunica que'l compositor utilizara. La música contemporánea llatinoamericana, más qu'un estilu, entiende una inmensa diversidá d'obres, conceutos, téuniques y estilos que s'ellaboraron na rexón desque se propunxo la música docta como un desafió creativu, por sobre la noción de música docta como la mera asimilación cultural repetitiva de la música culta europea.
Mientres el sieglu XX un grupu significativu de compositores d'América Llatina algamaron la reconocencia internacional. Alberto Ginastera, Carlos López Buchardo, Carlos Guastavino, Luis Gianneo, y Astor Piazzolla d'Arxentina; Heitor Villalobos, Camargo Guarnieri, Luciano Gallet y Francisco Mignone, Ricardo Santoro y Osvaldo Lacerda de Brazil; Luis Humberto Salgado d'Ecuador; Antonio Lauro, Juan Bautista Plaza , Antonio Estévez y Inocente Carreño de Venezuela; Manuel Ponce, Carlos Chávez, y Montés Revueltes de Méxicu; Domingo Santa Cruz, Pedro Humberto Allende, Carlos Isamitt y Juan Orrego-Salas de Chile; Guillermo Uribe-Holguín, Luis Antonio Escobar, Roberto Pineda Duque, Antonio María Valencia, Francisco Zumaqué, Blás Emilio Atehortúa, Jesús Pinzón Urrea de Colombia; Teodoro Valcárcel de Perú; Roque Cordero de Panamá, Eduardo Caba de Bolivia, Ernesto Lecuona de Cuba y Héctor Tosar y Eduardo Fabini d'Uruguái. Ente que mientres el postreru terciu de sieglu'l compositores destacaos amontáronse destacando amás: Mario Davidosky y Osvaldo Golijov d'Arxentina; Leo Brouwer, Aurelio de la Vega y Tania León de Cuba; Gabriela Ortiz y Mario Lavista de Méxicu; Héctor Campos-Parsi y Roberto Sierra de Puertu Ricu; Juan Carlos Núñez y Paul Desene de Venezuela; Gustavo Becerra Schmidt de Chile; José Serebrier y Miguel del Águila d'Uruguái; Edino Krieger, Egberto Gismonti y Marlos Nobre de Brasil, quien son reconocíos a nivel mundial por calidá artística.
Otros estilos y conceutos musicales[editar | editar la fonte]
Otros estilos y conceutos xeneralmente acomuñaos a la música contemporánea son el conceptualismu, el post-minimalismu, el neorromanticismu, el neotonalismu, la música esperimental, la tonalidá postclasicista, la música electrónica, el art rock, el jazz contemporaneu, la música del mundu, la música postmodernista, la música computacional, el historicismu musical, etc.
Ver tamién[editar | editar la fonte]
- Música
- Música modernista
- Modernismu y modernidá
- Vanguardismu
- Música académica contemporánea
- Música esperimental
- Música
- Historia de la notación na música occidental
- música clásica canadiense
Enllaces esternos[editar | editar la fonte]
- IRCAM.fr (institutu d'investigación parisiense)
- UDayton.edu/~Music/Faculty/Magnuson/Microcosms/Index.html (Microcosmos: A Simplified Approach to Musical Styles of the Twentieth Century, de Phillip Magnuson).
- 'Disonancia y emancipación: comodidá en/de delles estétiques musicales del sieglu XX', por Miguel Álvarez-Fernández.
- Dolmetsch.com/MusicTheory40.htm (música del sieglu XX, n'inglés)
- WikiLearning.com/Comunidá_Musicologia-xkcom-599.htm (comunidá de musicoloxía en Wiki-learning).
- ArtOfTheStates.org (la nueva música de los Estaos Xuníos, n'inglés).
- Disonancia (llista de corréu dedicada al espardimientu y crítica de la creación musical contemporánea, con una atención especial escontra'l casu español).
- Modisti.com (redolada virtual interactivo nel que circula información alrodiu d'actividaes de distintu tipu nel ámbitu de la música esperimental).
Editoriales[editar | editar la fonte]
- Boosey.com (editorial de música Boosey & Hawkes).
- BabelScores Espardimientu y Promoción de la Música Contemporánea.
- PERIFERIA Sheet Music (Editorial de música contemporánea).
- Schott-music.com (editorial Schott Music International).
- (editorial Suvini Zerboni de Milán).
- http://www.uemusic.at/ (enllaz rotu disponible n'Internet Archive; ver l'historial y la última versión). (editorial Universal Edition de Viena)
- Verlag433.de (4' 33” München Musikverlag, n'alemán).
Referencies[editar | editar la fonte]
- ↑ El Ruiu Eterno, Alex Ross, pag425
- ↑ . «his idees anticipated Impressionism, Neoclassicism, Minimalism, and Ambient Music, and influenced many composers.»
- ↑ 3,0 3,1 3,2 Cope, 1997, p.101.
- ↑ Steinitz, 2003, p. 103.
- ↑ Griffiths, 2001.
- ↑ 6,0 6,1 Edwards 2001, páxs. 326-327
- ↑ Erickson, 1975, páxs. 166, 168
- ↑ Clayton & Gammond: Op. Ref., páx. 281
- ↑ Berendt, Joachim Y.: Op. Ref., páx. 70
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