Quentin Tarantino: biografía, filmografía y características
Quentin Tarantino es sin duda, uno de los mejores directores de Hollywood de todos los tiempos. Las películas de Quentin Tarantino, a menudo se caracterizan por su violencia, su narración no lineal y la mezcla de distintos géneros cinematográficos, que van desde el cine de Bruce Lee al cine de Sergio Leone. Por lo tanto, es uno de los directores contemporáneos que gozan de mayor popularidad; solo su nombre puede vender una película.
En muchas ocasiones, Tarantino ha sido acusado de manera un tanto disparatada, de enarbolar la violencia a través de su obra. Algunos lo pueden considerar excesivo, pero en ningún momento se puede responsabilizar al realizador de las posibles consecuencias que pueden acarrear sus películas, en determinados grupos sociales.
La violencia en el cine de Tarantino resulta divertida, porque en ningún momento deja de ser tremendamente absurda. Eso hace que el espectador se desligue de los actos violentos que llegan a realizar sus personajes, porque el espectador comprende en todo momento que es ficción.
Quentin Tarantino nos ha regalado innumerables personajes, que a día de hoy, son considerados como iconos de la cultura pop. El cine de Tarantino ha sido capaz de convencer tanto a la crítica, como al amplio público, ya que su cine se caracteriza por su gran calidad cinematográfica, a la vez que ofrece al espectador, altas dosis de buen entretenimiento.
Breve biografía
Tarantino en una entrevista
Tarantino nació en Knoxville (Tennessee), el 27 de Marzo de 1963. Es el hijo de Connie McHugh Tarantino, una enfermera nacida en Knoxville y Tony Tarantino, un actor y músico aficionado nacido en Queens, Nueva York. Su padre, Tony Tarantino, siempre había soñado con convertirse en un actor exitoso, algo que nunca llegó a ser.
Un hecho que marcaría desde niño a Quentin, fue el divorcio de sus padres, cuando él todavía era un crío. Después del divorcio, su madre llevó al joven Quentin a Los Ángeles, donde creció rodeado de la atmósfera de Hollywood y la cultura cinematográfica, algo que se convertiría prácticamente en su vida.
Desde muy temprana edad, Tarantino mostró interés en el cine, escribiendo su primer guion a los catorce años. No solo eso, también comenzó a participar en el Torrance Community Theatre de Los Ángeles, donde realizó algunas obras de teatro.
La madre de Tarantino le permitió abandonar la escuela a los 17 años, para asistir a clases de actuación a tiempo completo. Luego, comenzó a trabajar como acomodador en un cine porno, con el fin de costearse las clases de interpretación que estaba cursando por aquel entonces.
Un trabajo que le marcaría de por vida, fue cuando trabajó en Video Archives, un videoclub del centro de la ciudad, donde pudo disfrutar de innumerables películas; de hecho fue en ese periodo, donde el director adquirió todo su conocimiento cinematográfico. Cuando se encontraba trabajando en Video Archives, Tarantino llegó a conocer al productor de cine Lawrence Bender, la primera persona que le alentó a escribir su propio guion y adentrarse en la industria del cine.
Otra de las influencias más importantes durante los inicios de Quentin Tarantino, fue Cathryn James, la que llegó a ser la manager que impulsó la carrera del director. En 1986, Tarantino había obtenido su primer trabajo formal en Hollywood como asistente de producción para Roger Avary, con quien trabajaría más tarde en proyectos como Pulp Fiction (1994).
Más tarde en ese mismo año, comenzó a trabajar en lo que se convertiría en su primer proyecto, una película que coescribió, dirigió y en la que actuó, titulada El cumpleaños de mi mejor amigo (1986), una historia simple que sirvió más que nada, para que el director se introdujera en el mundo de la dirección.
Es notable de ver como espectador, que en cada película que ha dirigido o escrito Tarantino, contaba con innumerables homenajes y referencias del cine y la literatura que le marcaron siendo joven.
Sergio Leone
Tarantino siempre ha mostrado su admiración hacia la obra del gran director italiano, Sergio Leone. El director creció viendo los spaghetti westerns de Sergio Leone, y siempre se ha referido a ellos como su mayor fuente de inspiración cinematográfica. Recientemente, Tarantino se refería a Leone de la siguiente manera, en un artículo publicado en el periódico británico The Telegraph.
“Sergio Leone es mi cineasta favorito. No hay otro director del que haya tomado tanto. La película que me hizo desear convertirme en cineasta fue Hasta que llegó su hora (1968), la película que me mostró todo lo que un director puede llegar a realizar”.
De hecho es tal la admiración de Tarantino por Leone, que en su más reciente película le rindió un homenaje a través del título de la cinta. El título de la obra de Leone, llevó el título en ingles de Once Upon a Time in the West, a lo que Tarantino tituló su última cinta como Once Upon a Time in Hollywood.
Probablemente, la mayor influencia que ha tenido Sergio Leone en la obra de Quentin Tarantino, esté relacionada con como construye sus personajes. En las películas de Tarantino, no hay buenos ni malos, más bien antihéroes. Pasaba exactamente lo mismo, con los personajes de los spaghetti westerns, donde los protagonistas eran seres despiadados, que muchas veces mostraban su lado más violento.
Se sabe que Tarantino es un melómano empedernido, sobre todo de las bandas sonoras provenientes de los spaghetti westerns de Leone. El director americano, sentía una completa fascinación por la figura de Ennio Morricone, tanto es así, que le encargó que compusiera la banda sonora de su película Los odiosos ocho (2015).
Sergio Leone
Brian de Palma
Tarantino ha citado frecuentemente a Brian de Palma, como una de sus mayores influencias cinematográficas. En particular por la película Carrie (1976), que es una de sus películas favoritas de todos los tiempos. Podemos suponer fácilmente que el derramamiento de sangre de la película, presentado por una mujer silenciosa y tranquila pero subestimada, ayudó a allanar el camino para la eventual creación de la Novia de Kill Bill (2003). Se puede decir que los dos directores tuvieron comienzos similares, dentro de la industria del cine. Ambos directores fueron criticados, por su excesiva violencia fílmica. Películas como Carrie (1976), El precio del poder (1983) o Doble cuerpo (1984), fueron muy criticadas en su momento, por contener mucha violencia.
Tarantino tenía una percepción de la violencia en el cine, muy similar a la de Brian de Palma. De hecho, tuvieron una conversación ambos directores, en el que discutían su visión personal acerca de este tema.
“Como cineasta, cuando tratas con violencia, te penalizan por hacer un buen trabajo”
Quentin Tarantino
“El cine es, como hemos dicho mil veces, un medio visual y estamos interesados en secuencias visuales fabulosas y muchas de ellas son violentas”.
Brian de Palma
Por lo que podemos decir, que ambos directores tenían una visión cinematográfica similar, a la hora de exponer cierto tipo de violencia en sus obras. No solo en cuanto a la violencia se refiere, sino también al tipo de historias que querían contar a través del cine.
Howard Hawks
Quentin Tarantino se ha declarado fan muchas veces del gran director de westerns, Howard Hawks. Existe una clara similitud con Hawks, en la forma en que maneja sus escenas y sus diálogos. Un ejemplo lo podemos ver en Reservoir Dogs (1992), donde gran parte de la acción gira en torno a la relación de un grupo de hombres que parecen tener poco en común, excepto que tienen un objetivo común que les une.
Ambos directores, les encanta explorar la dinámica de grupo, que es una fuerza impulsora en Río Bravo (1959) o en Reservoir Dogs (1992). En Río Bravo (1959), las interacciones impredecibles, violentas y cómicas entre John Wayne, Dean Martin, Ricky Nelson y Walter Brennan son la verdadera acción, un aspecto que también se repite en las películas de Tarantino.
“Recuerdo cómo descubrí la obra de Howard Hawks; Vi su película Luna nueva (1940) y pensé que era la mejor película que había visto. Mi objetivo es que dentro de 50 años, un niño tenga la misma experiencia con mis películas, como la que tuve yo con la obra de Hawks”
Tarantino es un apasionado defensor de las «hangout movies«. En Jackie Brown (1997), marcó un cambio dramático en la manera de desarrollar sus personajes. Se denota que el director, está más preocupado por darle espacio al espectador, con el fin de que pueda conocer mejor al elenco del film. A diferencia de sus dos primeras películas, Jackie Brown (1997) tiene menos que ver con la violencia impactante y más con la vida de este grupo de perdedores en el extremo inferior del mundo criminal.
Jackie Brown (1997)
Toshiya Fujita
Cuando Tarantino realizó Kill Bill (2003) y Kill Bill 2 (2004), admitió que se vio inspirado por numerosas referencias cinematográficas, pero principalmente por aquellas palpables en el cine asiático de los años setenta. Como es bien sabido por todos, Tarantino siente una gran fascinación por el cine de kung-fu. Por un lado tenemos las películas de Bruce Lee, pero Tarantino se vio más influenciado en otro tipo de cine asiático.
Para hacer la saga de Kill Bill, Tarantino se inspiró directamente en la obra maestra de Toshiya Fujita, Lady Snowblood (1973).
“Tenía una lista completa de películas de venganza, especialmente películas femeninas como Lady Snowblood”
Toshiya Fujita estaba, en cierto modo, haciendo exactamente lo que Tarantino hace ahora: tomar los estilos existentes y llevarlos al extremo. Al hacerlo, creó algo propio e inspiró a una nueva generación de cineastas para superar los límites del estilo, la violencia y la caracterización. Tarantino es el resultado moderno del trabajo de Fujita, pero se podría argumentar que gran parte del movimiento cinematográfico de los 70, se vio influenciado por la película Lady Snowblood (1973).
La banda sonora mezcla instrumentos japoneses tradicionales con jazz y pistas inspiradas directamente en las bandas sonoras de Ennio Morricone, todos elementos con los que Tarantino se vio inspirado al realizar Kill Bill.
Toshiya Fujita
Jean-Luc Godard
Quentin Tarantino también se vio influenciado por la obra de Godard. La crítica de cine estadounidense Pauline Kael describió la técnica cinematográfica de Godard en Banda aparte (1964) como: «Es como si un par de franceses locos por el cine tomaran una novela criminal estadounidense y escribieran la poesía que leían entre líneas«. En respuesta a eso, Tarantino dijo lo siguiente:
«Cuando leí eso, literalmente pensé que eso era lo que quería hacer… Lo que quería dar a las películas. Nunca antes había escuchado a nadie describirlo tan bien”
Quentin Tarantino admiraba la versatilidad de Godard, a la hora de encontrar nuevas fuentes de creación artística. De alguna manera, Tarantino se vio inspirado por los directores de la nouvelle vague. Directores que quisieron dominar los cánones cinematográficos, para después romper completamente con ellos. Esa idea de romper con lo establecido, es algo que Tarantino siempre ha tenido presente en su cine. También la idea de que para hacer una buena película, no necesitas de un gran presupuesto para llevarla a cabo.
Esta es una característica común de la nouvelle vague, que hizo darse cuenta al director, de que podía realizar sus propios films. Sin ir más lejos, Reservoir Dogs (1992) tuvo un presupuesto de alrededor de 1,2 millones de dólares. Hay un momento en todo director, donde llega a tener el suficiente valor como para llevar a cabo su primer film. Godard fue la figura que de algún modo, le hizo pensar al joven Quentin Tarantino, que podría convertirse en un director de cine. Es tal la gratitud y admiración de Tarantino por Godard, que su productora se llama Band Apart, en clara referencia a la película de Godard, Banda aparte (1964).
Características y estilo de Tarantino
El estilo de escritura de Quentin Tarantino es una clave importante dentro de su cine y lo que hace en gran parte que hoy en día sea un director tan exitoso, pero más que eso, es su puesta en escena la que hace que el público, se vea más inmerso en sus películas . Tarantino, usa la cámara como su herramienta de narración más poderosa. Para que resulte más esquemático y claro, vamos a enumerar uno por uno los rasgos estilísticos más importantes del director estadounidense.
- El uso de grandes planos generales
Cuando Tarantino quiere mostrar un personaje en relación con su entorno, o cuando quiere que el público aprecie el alcance completo de la situación de un sujeto dentro de ese entorno, hace uso de grandes planos generales. El mismo Tarantino dijo una vez: “Quiero superar las expectativas. Quiero hacerte volar”. Sus tomas panorámicas hacen exactamente eso, lo que no sorprende de un hombre que ama tanto los spaghetti westerns.
Sus grandes planos, permiten al espectador ver cada detalle del mundo que ha construido alrededor. Ya sea que la Novia esté luchando contra la pandilla Crazy 88 en Kill Bill o Django inspeccionando una casa quemada, Tarantino entiende el poder visual que puede ofrecer un plano de este tipo, no solo para crear tensión, sino también para utilizar el entorno para revelar los deseos de sus personajes.
Por ejemplo, Tarantino hace uso de este recurso en su película Django desencadenado (2012), donde el personaje protagonista tiene un momento de acción con un esclavista. Quentin Tarantino usa este plano general para golpear a la audiencia, así como al oponente inmediato de Django, con todo el poder del personaje.
Escena de Django desencadenado
El brillante atuendo de Django, burlado anteriormente en la escena, de repente parece majestuoso e imponente, como el uniforme de un superhéroe. Y aquí la dirección de Tarantino, no se conforma con simplemente presentar una toma panorámica estática en un trípode. No, para obtener el máximo efecto, Tarantino hace uso de un pequeño travelling en determinado momento de la escena. Es heroico y destaca, por qué esta película trata principalmente sobre la figura de Django.
- El uso de la música
La música es una parte importante de todas las películas de Tarantino. El director usa la música a menudo para crear un estado de ánimo o tono en sus películas, pero confía en ella mucho más de lo que es habitual en otros directores. Tarantino tiene buen ojo para elegir canciones atípicas para usar en sus películas, en lugar de confiar en muchas composiciones originales. La selección de música pone más énfasis en el tono y la emoción de la historia o el escenario de la película.
Esta yuxtaposición llama la atención debido a que la elección es inesperada y le da a las películas una actitud diferente. Además, la repetición del tema musical y la melodía suele ser atipica. Esto le da a las películas una textura variada que evoluciona de escena en escena. Durante la inquietante escena de tortura en Reservoir Dogs, cuando hace uso de «Stuck in the Middle With You«, que a priori consideraríamos como una canción alegre más que inquietante.
En Django desencadenado (2012) Tarantino usa canciones de hip hop para crear un tono rebelde, en lugar de usar canciones que encajarían en el escenario de una película de principios del siglo XIX. En Malditos bastardos (2009), también hace uso de algún tema de la cultura pop, lo que nuevamente no encaja en el escenario de la Segunda Guerra Mundial de la película.
Escena con Stuck in the middle with you
- Estructurar la obra en capítulos
La mayoría de las películas de Tarantino no tienen lugar en orden cronológico. En cambio, usa flashbacks para explicar un personaje o su motivo. También hay momentos en que Tarantino hará un salto en el tiempo, con el fin de mostrar al espectador, un hecho importante. Estos saltos temporales pueden crear mucha confusión. Por esta razón, una forma en que Tarantino organiza su narración es con los intertítulos.
Sirven para explicar en pantalla una ubicación, un segmento de la película o incluso los propios personajes. Estos capítulos no se presentan en orden cronológico, por lo que tener los intertítulos para explicar la ruptura entre un punto en el tiempo con otro, ayuda a que la narración sea un poco más fácil de seguir para el público. Por ejemplo en Reservoir dogs, usa intertítulos para mostrar los nombres de los personajes a medida que se presentan más a fondo a la audiencia.
- Uso de primerísimos primeros planos
Quentin Tarantino es uno de los directores que mayor uso hace de primerísimos primeros planos. Tarantino suele usar este recurso cinematográfico, para transmitir la gravedad de una situación particular o la fuerza manipuladora del vicio de un personaje. Algunos expresan poder, algunos expresan debilidad y otros simplemente se ven elegantes. A lo largo de sus nueve largometrajes, Tarantino ha hecho uso de este tipo de planos en innumerables ocasiones. Por ejemplo en el inicio de Kill Bill, el director nos ofrece uno de los mejores primerísimos planos de su filmografía.
Vemos a la Novia, apunto de ser disparada por el personaje de Bill, en donde Tarantino lo usa como una especie de preludio, que da paso a los títulos de crédito inicial. Sin embargo, los primerísimos planos que suelen abundar más en la obra de Quentin Tarantino, son aquellos que podríamos catalogar como plano detalle.
Es bien sabido por todos, el fetichismo de Tarantino con los pies. Es asombroso, la cantidad de planos de pies podemos llegar a ver en todas sus películas. Esto lo puede hacer por diferentes razones, ya sea por mostrar la sensualidad de un personaje o simplemente como presentación de ella. Otro plano detalle que abunda en su cine, es el de un plano detalle de labios. Por ejemplo, lo vemos en Jackie Brown (1997) o en Malditos Bastados (2009), por nombrar un par.
Escena de Kill Bill Vol I
¿Ha habido algo más estresante y emocionante de ver que a la Novia «menear su dedo gordo del pie» en Kill Bill? Quentin Tarantino suele brindar estos planos, con el fin de mostrar con más detalle algo inusual.
- Uso del plano subjetivo
Otro de los planos que predominan en su cine, viene siendo el plano subjetivo. Normalmente, viene siendo un plano subjetivo desde un maletero. Este plano es conocido como “Trunk shot”, que es un plano de cámara utilizado en el cine cuando uno o más personajes necesitan recuperar algo o alguien del baúl de un automóvil.
Tarantino popularizó este tipo de plano, que aparece en Reservoir Dogs, Pulp Fiction, Jackie Brown y Kill Bill. En Death Proof (2006), el plano tradicional de Tarantino que mira a los actores desde el maletero de un automóvil, es reemplazado por uno que mira desde debajo del capó. En Malditos Bastardos (2009) Tarantino lo usa dos veces cuando el personaje de Brad Pitt se agacha sobre un nazi capturado con uno de sus soldados, marcando una esvástica en la frente de su víctima (El plano en este caso, es el punto de vista de la víctima).
- Uso del zoom rápido (Crash zoom)
El zoom rápido es otro de los planos más típicos, usados por Tarantino en sus películas. El zoom rápido es cuando la distancia focal de la lente de una cámara se ajusta para dar la ilusión de acercarse o alejarse del sujeto. Los planos de zoom, se realizan con un tipo de objetivo fotográfico con lente de zoom, que tiene distancias focales variables. Los tipos de zoom de cámara más típicos son el «acercamiento» y el «alejamiento», pero también se pueden combinar con una captura de plataforma para crear un «zoom de plataforma».
En Django desencadenado, podemos ver un claro ejemplo del zoom rápido, en la escena en que nos presentan al personaje de Calvin Candie, interpretado por Leonardo DiCaprio. El uso del zoom en las películas de Tarantino se usa a menudo para llamar la atención del público hacia una parte específica de la pantalla de manera consciente; otro ejemplo de esto se ve a través del entrenamiento de La Novia en Kill Bill Vol.2 (2004). El uso del zoom rápido en esta escena da la sensación de una película de ‘kung-fu’ de la década de los 70. Es una técnica cinematográfica bastante antigua, pero como todas las facetas clásicas del cine, Tarantino ha intentado que sea genial de nuevo.
Uso del Crash Zoom en Tarantino
- Mexican Standoff
El “Mexican Standoff” hace referencia a las típicas escenas de tiroteos, pertenecientes a los “spaghetti westerns”. Tarantino ha utilizado la idea del “Mexican Standoff” con frecuencia a lo largo de su carrera. Reservoir Dogs, Pulp Fiction y Malditos Bastardos, cuentan con un enfrentamiento mexicano en alguna parte de sus guiones. Un “Mexican Standoff” a menudo se compone de tres partes. El oponente A puede disparar al oponente B. Sin embargo, mientras el oponente A está ocupado haciendo eso, un oponente C puede disparar al oponente A y así ganar el conflicto. Esto se demostró icónicamente en El bueno, el feo y el malo (1966), donde ocurre una escena icónica de este modo.
Aunque Tarantino utiliza este concepto con bastante frecuencia, nunca parecen terminar de la misma manera. La tensión siempre la maneja de una forma excelente, por lo que el público tiene tiempo suficiente para apreciar la tensión de la escena y comenzar a adivinar qué sucederá después. En Pulp Fiction, el “Mexian Standoff” se produce entre Samuel L. Jackson, Tim Roth y su esposa en la película, Amanda Plummer. En esa escena tensa, el enfrentamiento aumenta, cuando Vincent regresa del baño y apunta con un arma a Honny Bunny. Al final de este enfrentamiento, Jules, interpretado por Samuel L. Jackson, deja que Honny Bunny y Pumpkin se vayan con el dinero porque lo único que realmente le importaba era la misteriosa maleta.
Aunque su debut como director fue con su película, El cumpleaños de mi mejor amigo (1987), sus fans e incluso él mismo no la consideran dentro de su filmografía de largometrajes porque a pesar de que originalmente tenía una duración de 69 minutos, un incendio hizo que se perdiera parte del metraje. Finalmente se recuperaron y se montaron 35 minutos, por lo que es un cortometraje.
Reservoir Dogs (1992)
La mayoría de los directores, se conformarían con hacer una película tan buena como Reservoir Dogs, en toda su filmografía. Reservoir Dogs tiene todas las características distintivas por las que Tarantino se haría conocido. Tarantino empieza a desarrollar su propio sello narrativo, mostrándonos una dinámica cinematográfica enfocada en el poder, la masculinidad y la autodestrucción. Por supuesto, esos elementos no los llegamos a reconocer en un principio. Lo que vemos son hombres carismáticos vestidos de traje, que hablan como hablaríamos en la vida real, con nuestros amigos.
Escena de Reservoir Dogs
La película funciona de maravilla porque en lugar de mostrar a su grupo de ladrones como personas que se salen con la suya, Tarantino pretendía más bien derribarlos. No es un error que la película se abra con los chicos riendo, bromeando, lanzando líneas graciosas y en la siguiente escena uno de ellos este llorando de dolor y sangrado.
Detrás de los diálogos ingeniosos, la excelente puesta en escena y las excelentes actuaciones, Tarantino nos reitera que lo que estamos viendo no es una comedia, sino que es la historia de un grupo de delincuentes a sueldo. Son personajes que rozan lo trágico y lo grotesco, por lo que no quiere que el público empatice con ellos.
La escena entre Sr. Blanco (Harvey Keitel), que no cree que los policías cuenten como «personas reales», y el Sr. Rubio (Michael Madsen), que está dispuesto a torturar a un policía solo por diversión, es un claro ejemplo de ello.
Pulp Fiction (1994)
La película que convirtió a Tarantino en uno de los directores más exitosos de la última época, sigue siendo un hito cinematográfico, que ha sabido envejecer bien. En muchos sentidos, parece que Tarantino refina y amplía el talento que mostró en Reservoir Dogs. Todavía vemos criminales con trajes negros, cometiendo actos criminales. Sin embargo, hay más profundidad y matices en los personajes que Tarantino nos presenta.
Pulp Fiction es una delirante mezcla posmoderna de emociones neo-noir, humor negro y toques de cultura pop. Es una cinta totalmente descarada, que con sus diferentes tramas, consiguen un resultado excepcional de entretenimiento. Es muy impredecible a primera vista, constantemente dando giros narrativos inesperados. Tarantino tomó el consejo del legendario director de cine Jean-Luc Godard, uno de sus ídolos, quien dijo que «Una historia debe tener un comienzo, un medio y un final, pero no necesariamente en ese orden«.
Tarantino sabía exactamente lo que quería hacer y no se impuso límites, a la hora de impulsar su estilo. La narrativa fluye de manera perfecta, con una estructura no lineal que usaría en la mayoría de sus historias. La belleza de Pulp Fiction reside, en cómo las historias confluyen de una manera tan sensacional. Pulp Fiction cambió la forma en que el público estadounidense en general veía el cine independiente. La narración no lineal desafió cómo el público se involucró con la imagen. Es el tipo de película que será recordada en las próximas décadas, analizada constantemente a medida que la gente encuentre nuevas interpretaciones de la misma.
Fotograma de Pulp Fiction
Jackie Brown (1997)
Jackie Brown es probablemente la película más subestimada de Tarantino, lo cual es una lástima porque merece mucho más reconocimiento. Tarantino revitalizó la carrera de Pam Grier, tal y como lo vimos anteriormente con John Travolta. Jackie Brown, es una adaptación de la novela Rum Punch de Elmore Leonard. Sobre todo, es una atractiva historia de amor entre la protagonista y el agente de finanzas. Si bien la mayoría de las películas de Quentin Tarantino se centran en antihéroes desagradables, el personaje de Jackie Brown podría considerarse una excepción.
Es la película más particular de toda la filmografía de Quentin Tarantino, pero eso no la hace menos disfrutable. Su nivel de moderación es ventajoso, para poder contar la historia de amor entre esos dos personajes de una manera más realista. Lo que se nota inmediatamente de Jackie Brown es cómo Tarantino reajusta todo su estilo porque en lugar de mostrar “antihéroes”, en su lugar nos muestra a una protagonista desvalida que pese a ello, se convertirá en el personaje más formidable de toda la cinta. Los créditos iniciales de la película dicen mucho, casi te cuentan la historia de la vida de Jackie sin una sola línea de diálogo mientras la llevan.
Kill Bill Vol.1 (2003)
Kill Bill Vol.1 es una cinta de gran entretenimiento repleta de momentos sangrientos, que en todo momento funcionan de manera brillante. Kill Bill Vol.1 es sin duda la película de Quentin Tarantino, en la que el director explotó en mayor medida, todas las referencias cinematográficas de las que ha ido nutriéndose a lo largo de los años. Si hay algo que hemos aprendido sobre Quentin Tarantino como guionista y director es que nunca debemos esperar de él, una película típica que se ajuste exactamente a los estereotipos marcados por el género en el que indaga.
La fotografía de la película es en todo momento muy llamativa, lo que hace que la cinta quede grabada en el imaginario fílmico del espectador. El film cuenta con una historia magistralmente tejida, con personajes carismáticos y complejos en su trasfondo. El acierto de Tarantino con esta obra suya, es que en ningún momento se limita artísticamente.
Kill Bill es más que una historia de venganza, es una de las películas contemporáneas, más desenfadas y desacomplejadas que se han llevado a cabo. Es una exploración cinematográfica, que va desde el cine de Hitchcock hasta el anime más sangriento de la actualidad. La película de Tarantino, que funciona con mayor perfección en el plano visual y en la puesta en escena.
Kill Bill Vol.2 (2004)
Tarantino contempló como una sola película las dos partes de la saga Kill Bill; algo que fue impuesto por los productores de la cinta, que veían exagerada la duración completa del largometraje. Podemos decir que la primera parte, era más espectacular cinematográficamente, pero eso no significa que el Volumen 2, pierda fuelle respecto a su antecesora. Tarantino da mayor protagonismo a los diálogos y a la construcción de los personajes. Podemos decir que en esta segunda parte, el director se vuelve mucho más introspectivo.
Las relaciones entre personajes, se consolidan de una manera excepcional, sobre todo entre el personaje de la Novia y Bill. Entendemos en mayor medida, sobre el pasado de los distintos personajes. En el Vol.2, Tarantino nos muestra las intenciones reales de sus diferentes personajes, por qué son como son y porque actúan de ese modo. Es una cinta que complementa a la perfección al Volumen.1. La historia consigue mantenerse en un balance perfecto entre la acción desenfrenada del primer volumen y la profundidad narrativa que ofrece el segundo. Tarantino no deja nada en el tintero, la saga de Kill Bill no es solo una obra fílmica de pura acción, sino que está construida narrativamente de una manera exquisita, desde su trama principal hasta sus diferentes personajes.
Escena de Kill Bill Vol.2
Death Proff (2007)
Originalmente lanzada como la mitad de la obra Grindhouse (2007) junto con Planet Terror (2007) de Robert Rodríguez. Death Proof (2007) es una cinta peculiar y subestimada, dentro de la obra de Quentin Tarantino. Es un filme con mucha violencia sangrienta, que es un homenaje claro a las películas de cara-B. En términos de estilo, esta es una de las cintas más genuinas de Tarantino. La película trata sobre un especialista, Mike (Kurt Russell) al que le gusta llevar mujeres desprevenidas a situaciones que rozan la psicopatía.
Death Proof tiene mucho dialogo, que en algunos momentos flojean, aunque la película trae suficiente acción y grandes actuaciones, que permiten que la cinta mantenga al espectador entretenido en todo momento. Es considerada popularmente como la peor película de toda la filmografía de Tarantino, algo con lo que el propio director estaba de acuerdo:
“Death Proof puede que sea la peor película que he realizado. Parte de la razón por la que pienso esto, es por el hecho de que considero que la cinta cae narrativamente en su último tercio”
Malditos bastardos (2009)
Hay algo notable que el director pudo lograr con Malditos bastardos. Tarantino muestra una notable madurez sin dejar de mantener su voz y estilo. La escena de apertura con Hans Landa y el granjero lechero es una de las mejores escenas de suspense jamás rodadas. La película tiene mucho que decir sobre la guerra y la dinámica del poder. Sin embargo, también es un testimonio del legado perdurable del cine.
Escena de Malditos Bastardos
Por otro lado, Tarantino ofrece grandes momentos de entretenimiento con este grupo antinazi, comandado por Brad Pitt; en una de las mejores actuaciones de dicho actor, como el teniente Aldo Raine. Sin embargo, el corazón de la película es Shoshanna (Mélanie Laurent), una mujer judía que se hace pasar por una dueña de un cine en Paris.
La escena en el cine es simplemente magistral, donde Tarantino hace su propia reinterpretación de la historia, matando a Hitler de la manera más cruda posible. Esta escena refleja, como concibe el medio cinematográfico, ya no solo como un medio de entrenamiento, sino también un medio contestatario. Para Tarantino, no hay símbolo más potente que usar el arte para derrotar a la barbarie y dejar que ese legado perdure en el tiempo.
Django desencadenado (2012)
Django desencadenado es la primera película que Tarantino hizo sin su editora de toda la vida, Sally Menke, quien falleció tristemente en 2010. A pesar de ello, Django desencadenado es una de las películas más sofisticadas de Tarantino, que aborda temas relacionados con la dinámica del poder racial en la sociedad estadounidense. Maneja estos temas dentro del contexto de un spaghetti western de la vieja escuela, en el que un esclavo liberado se dispone a rescatar a su esposa, que todavía está esclavizada por Calvin Candie; personaje interpretado por el gran Leonardo Dicaprio.
Es una cinta que explora como los diferentes subconjuntos de la sociedad estadounidense, desde la élite hasta el proletariado, se beneficiaban con la esclavización del pueblo afroamericano. Django (Jamie Foxx) es un personaje revolucionario porque se mueve fuera de los límites establecidos por la sociedad en la que le ha tocado vivir. Mientras que el resto de los personajes se mueven en la mediocridad de la sociedad estadounidense, queriendo aferrarse al estilo de vida al que se han llegado a acostumbrar. Por eso Django se convierte en una figura icónica, excepcional para todos los estándares y quién sabe que la única forma de lidiar con una sociedad tan corrupta, es simplemente quemándola.
Los odiosos ocho (2015)
Los odiosos ocho (2015), es la película más mezquina y cínica de Tarantino con diferencia. La parte sombría de la cinta lo podemos ver, en como los distintos personajes se intentan destruir entre sí, y como la única confianza entre ellos, se debe a un interés mutuo. No hay compasión, empatía o confianza, solo el interés propio, lo que crea un mundo frío y pequeño, que Tarantino elige representar con 70 mm por alguna extraña razón.
El alcance épico, tanto visual como en términos de narrativa, termina trabajando en contra de la pequeña narrativa mezquina que Tarantino inventa, convirtiendo lo que debería ser un thriller impactante en una cinta que llega a resultar demasiado larga. Sin embargo, la película cuenta con un reparto excepcional. Samuel Jackson interpreta al cazar recompensas Marquis Warren, que queda atrapado en una tormenta de nieve en el camino a Red Rock y pide viajar en una diligencia con otro cazador, John Ruth (Kurt Russell) y su prisionera, Daisy (Jennifer Jason Leigh).
Érase una vez en Hollywood (2019)
De todas las películas de Quentin Tarantino, Érase una vez en Hollywood es la que carece más de tensión narrativa. En otras palabras, los personajes no tienen prisa por ir a ninguna parte. En cambio, vemos el desvanecimiento de la estrella del oeste Rick Dalton. La historia está perfectamente diseñada para establecer uno de los mejores finales de la obra del director. Tanto Brad Pitt como Leonardo Dicaprio, están soberbios en sus respectivas actuaciones.
Por otro lado, Tarantino recrea magistralmente la ciudad de Los Ángeles en los años 60, ofreciéndonos la que posiblemente sea la película más divertida y nostálgica de su carrera. Es definitiva, podemos decir que es una “hangout-movie” de principio a fin, que resulta tremendamente divertida, pese a tener un ritmo más lento que las otras obras de Tarantino. Pero sobre todo, es una carta de amor al cine y un viaje nostálgico por el Hollywood de los 60.
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