Las 36 mejores películas tristes para llorar a gusto pero con calidad

Estrenada en España en 2024, la película del italiano Matteo Garrone es un descorazonador relato de supervivencia y esperanza. La historia es simple, dos jóvenes senegaleses quieren llegar a Italia con el sueño de convertirse en músicos. El camino, sin embargo, estará lleno de una enorme y portal pesadilla. Las muertes del desierto, las mafias estafadoras y torturadoras, esclavitud, heridas incurables, un mar asesino. Yo, capitán no nos dice nada que no sepamos de la crisis de los refugiados, pero lo hace mejor que nunca, y con una vena tan poética como cruel que equipara el conjunto. Además, nunca está de más pasar el mal rato de que nos recuerden que esto está pasando en nuestro mundo a la cara.

La película con la que más he llorado en los últimos años. Es que es acordarme y… Lukas Dhont, el director belga que arrasó con Girl, compone una sinfonía del despertar adolescente a través de la relación de dos amigos íntimos de toda la vida, pero es que lo hace con una sensibilidad, una delicadeza y unos matices (pese a como suena esta frase, no es cursi en absoluto) que, cuando la trama da un giro, lo que le pasa al espectador por dentro es muy fuerte. En la sala de cine donde la vi hubo que compartir clínex, hecho real. Una película maravillosamente dolorosa e magnéticamente interpretada por dos chavales, Eden Dambrine y Gustav de Waele, que le habla de tú a tú al niño que fuiste con amor y desolación.

Empieza como un retrato ligero y cool-dosmilero sobre la relación de un joven padre separado con su hija adolescente durante unas vacaciones en Turquía. Bien, bonito, atractivo. Pero es que como espectador empiezas a superponer capas sutiles, vas hilando pequeños cabos sueltos, vas adentrándose en las cabezas de ese padre y esa hija… y lo que comprendes irremediablemente (los más intuitivos lo harán a mitad de película, los más despistados al final) te parte el alma. De verdad que es una obra maestra a la hora de analizar la conexión entre la infancia y el adulto que serás, los vacíos y la salud mental, un amor que pese a ser el más grande posible no puede solucionarlo todo. Es imposible transmitirlo mejor que Paul Mescal y Frankie Corio, los protagonistas.

Azul, como el Blue Monday, es el planeta que se estrella contra la tierra en este peliculón de Lars Von Trier (así empieza, no es spoiler). Una propuesta extraña dividida en dos partes muy diferenciadas: en la primera se celebra una decadente boda en un castillo maravilloso, con movimientos de cámara frenéticos y tramas más o menos normales; en la segunda, todos esos protagonistas, con una magnética Kirsten Dunst como hipnótico centro de gravedad, se preparan para el fin de la humanidad. Te recuerda que tú también te vas a morir, que todos estamos solos y que es absurdo revolverse contra esa aplastante verdad.

Si aún te queda un poco de esperanza después de verla, márcate una sesión triple con Rompiendo las olas y Bailando en la oscuridad y acuérdate de mentar a Von Trier en tu epitafio.

Cuánta rabia y desesperación siente el espectador, que no la protagonista, ante esta durísima historia sobre una niña con un cáncer terminal y su familia del Opus Dei. 6 Goyas, incluido Mejor Película, Director, Guión y las dos actrices protagonistas, elevaron a los cielos a un drama incómodo, polémico, basado en hechos reales. Duele y deprime ver cómo se intenta instrumentalizar la agonía de esta niña. Aunque la mirada de Nerea Camacho es pura luz, cuando terminas de verla te sientes rodeado por una oscuridad pegajosa y falaz.

No es la mejor película de Isabel Coixet, ni la más dura (La vida secreta de las palabras se lleva la palma, pero tiene algo de luz). Pero Mi vida sin mí es como un clásico moderno de la tristeza. La historia es sencilla: una joven descubre que padece una enfermedad mortal y monta un plan para que su marido y sus hijos queden de la mejor manera posible cuando ella no esté. Es lúcida, es poética, es sutil (Sarah Polley es una superdotada para transmitir melancolía) y, si te pilla en un día tonto, es perfecta como catarsis para tirar de la cadena y que se vayan las aguas turbias que se enganchan al estómago.

Si estás en crisis existencial con tu pareja, esta es la película perfecta para atormentarte maravillosamente. Historia de un matrimonio, además de una de las mejores películas de 2019, si no la mejor, es un ejemplo vívido y lleno de verdad de que el amor no siempre puede con todo. Un compendio de todo lo que se puede interponer en una pareja por mucho que el afecto, el cariño y la admiración estén presentes. Al final provoca un llanto bonito, pero de fondo queda un poso de incertidumbre ante el compromiso por muy fuerte que este sea.

Jota Bayona es un jinete de las emociones. Se sube a nuestro lomo y nos lleva donde le da la santa gana. En El Orfanato cabalgó por nuestros miedos, en Lo imposible saltó al galope por nuestra angustia… Y en Un monstruo viene a verme hace cabriolas sobre la tristeza más profunda: asumir que tienes que perder a quien más quieres. La película es una maravilla visual que te echa raíces ya desde la primera media hora, te mantiene rígido durante el tronco y, al llegar a las ramas, verás que sobre tu cara hay más lágrimas que hojas. ¿Efectista? A tope. ¿Consigue lo que busca? Más que ninguna otra.

En el diccionario, junto a la definición de "dramón", aparece un fotograma de esta película. En algunos tramos podría pasar por película de Antena 3 de después de comer –cuando la programan en televisión siempre es en esa franja–, pero Susan Sarandon y Julia Roberts suben mucho el nivel. La trama se plantea como un dramita sentimental –los conflictos entre una mujer con la madre de los hijos de su pareja– pero la enfermedad de la segunda cambia totalmente la perspectiva. Esta peli es perfecta si quieres llorar pero rodeado de sentimientos bonitos, no de mal rollo.

Entre Ciudadano Kane, Vértigo y Cuentos de Tokio parece que está el debate entre cuál es la mejor película de la historia del cine. En la última gran encuesta, según los cineastas, es esta obra universal de Ozu. De primeras es simple, una visita paterna a la ciudad, a las casas de sus hijos, deja muy claro el paso del tiempo, el abandono de la generación pasado en pos de la futura. Un relato que no es ni más ni menos que la vida y, por tanto, la muerte.

El Oscar al Mejor Guión y Mejor Actor (para el hermanísimo Casey Affleck) dan nivelazo a esta película bastante durita de ver. El punto de partida no es demasiado original (un tipo solitario que tiene que volver a su pueblo natal para hacerse cargo de su sobrino huérfano), pero el desarrollo es tan gris, húmedo, rasposo y deprimente, y todo con profunda calidad, que no podía faltar en esta lista. Para helarte los sentimientos, si es que tienes.

Fue un caso muy sorprendente. La tercera parte de Toy Story toca una tecla, la del asumir que las cosas cambian, que parece muy sencilla, pero quizá el cine nunca la había mostrado de una forma tan brillante y efectiva. Sí, es una película de animación en principio dirigida a los niños, pero ese giro tan profundamente emotivo logra encogerte el corazón. Pero de forma literal. Se te estruja dentro del pecho. Claro que es Pixar y que la moraleja final es positiva, pero durante esos minutos en que Woody está hundido en la mierda, todos somos un muñeco de trapo.

Extra: al nivel de esa escena están los primeros minutos de Up, una de las historias de amor más bonitas, condensadas y tristes que existen.

Vamos a endulzar un poco la lista. Mi chica parte de una premisa que podría ser oscura –una niña obsesionada con la muerte–, pero el desarrollo es luminoso, romántico, encantador. Es solo el giro final lo que le permite entrar en esta clasificación. Esta peli resérvala para días muy, muy tontos, a poder ser con mal de amores, para soltar un poquito de lastre.

Obra maestra del minimalismo cotidiano. Y droga dura, que no queremos engañar a nadie. La película, ganadora del Goya, retrata con una lentitud abrumadora que acaba calando hasta los huesos la vida de dos mujeres normales a las que no les pasa nada llamativo. Es esa cadencia, esa duración extrema de los planos inanes, la que acaba por generar una sensación única en el espectador que esté dispuesto a entrar en ella. Si te toca, te tumba.

Es la antipelícula de superación, como el lado oscuro de Karate Kid. La relación entre maestro y aprendiz tiene en Million Dollar Baby muchas más sombras que luces. La decepción tiene más fuerza que la alegría. El sinsentido golpea más duro que la confianza. El destino te deja KO, no alza tu brazo en señal de victoria. Clint Eastwood alcanzó el cénit de su cine seco y contundente dirigiendo delante y detrás de las cámaras a la fiera de Hillary Swank. Su final es el gancho perfecto para que termines el día mordiendo la lona.

Con Haneke pasa como con Lars Von Trier: su filmografía entera cabría en esta lista. La cinta blanca, Caché… Nos quedamos con Amor por la catetada de que triunfó en los Oscar y, ya en serio, porque probablemente es el más triste y certero retrato que el cine ha hecho jamás de la decadencia humana. De la inevitable decrepitud. Pero también del compromiso, de la unión y de lo que anuncia el título. A nuestro entender, ganan los primeros retratos, y por eso es la obra maestra de la tristeza.

Como Camino, hablamos del siempre desolador relato de un cáncer infantil. Sin embargo, la virtud de la película es que no deja de ser un musical de lo más cañero y una gran historia de amor. Por supuesto, la pareja no sobrevive a la enfermedad de su retoño pero es en los restos de ese amor destrozado donde la cinta se gana tus lágrimas.

La desolación postbélica de Berlín hace que Rossellini se fije en los siempre inocentes niños. El protagonista aquí, sin embargo, acaba cometiendo un acto terrible tras otro, por equivocación, por ignorancia, por confusión ante el mundo tan cruel y desolado que le rodea. Pocos finales más áridos, tristes y dramáticos que este.

Una mujer, separada de sus hijos, convertida en prostituta y con los tendones de las rodillas cortados tras varios intentos de escapar, se arrastra hasta un acantilado costero para llamar a sus hijos, con la esperanza de que el viento arrastre su lamento. Estos, por su lado, crecen en un sistema esclavista, entre palizas y trabajos forzados. Solo os hemos dado dos pinceladas pero si hay un melodrama que representa todo lo mejor que puede darnos el género, la elegancia de la emoción desbocada, lo sublime de una lágrima, es esta película.

El final más descorazonador de la historia del cine cierra esta tortura disfrazada de musical en la que Bjork encarna a una inocente inmigrante checa que está a punto de quedarse ciega. Su obsesión es ahorrar el suficiente dinero para que su hijo pueda operarse y tener un futuro distinto. Por supuesto, todo se tuerce cuando un amigo le roba el dinero… Y encima tienen los bemoles de repetir una y otra vez “en los musicales nunca pasa nada malo”. Ironía, claro.