Jens Sondergaard & Bob Rockwell • More Golson

 

Bob Rockwell (born May 1945, Miami, Oklahoma, USA) is an American jazz saxophonist who emigrated to Denmark in 1983 and has lived ever since.
Jens Søndergaard is an Danish saxophonist. Born 4th of february 1945 in Copenhagen. Begins to play jazz in 1961, first on the clarinet later changing instrument to alto-saxophone. Leads his first band in 1963. Joins Leonardo Pedersens Jazzkapel in 1967 and here plays with legends as Harry "Sweets" Edison, Wild Bill Davison, Eddie "Lockjaw" Davis.


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Dorothy Donegan • Live at the Floating Jazz Festival 1992

 

Dorothy Donegan (April 6, 1922 — May 19, 1998) was a classically trained jazz pianist primarily known for performing in the stride piano and boogie-woogie style - She also played bop, swing jazz, and classical music - Obituaries for her argued that her flamboyant personality, tendency to mix unrelated genres in the same concert, and willingness to do lounge music may have caused her to be undervalued in jazz circles.
The program presented on this CD runs like a typical concert performance - It sounds as if it was taken from a single concert - Great songs such as "When i Fall in Love", "Body and Soul", "Saga Stage Strut" are included on this album - This is how one would have heard Dorothy at a typical concert.

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Dorothy Donegan (6 de abril de 1922 — 19 de mayo de 1998) fue una pianista de jazz de formación clásica conocida principalmente por tocar el piano stride y el estilo boogie-woogie; también tocaba bop, swing jazz y música clásica.Los obituarios de ella argumentaban que su personalidad extravagante, su tendencia a mezclar géneros no relacionados en el mismo concierto y su disposición a hacer música lounge pueden haberla hecho infravalorada en los círculos del jazz.
El programa presentado en este CD funciona como una actuación típica de un concierto, suena como si hubiera sido tomado de un solo concierto, grandes canciones como "When i Fall in Love", "Body and Soul", "Saga Stage Strut" están incluidas en este álbum. Así es como uno habría escuchado a Dorothy en un concierto típico.

Sonny Clark • These Days

 

Conrad Yeatis "Sonny" Clark (July 21, 1931 – January 13, 1963) was an American jazz pianist who mainly worked in the hard bop idiom.

Clark was born and raised in Herminie, Pennsylvania, a coal mining town east of Pittsburgh. His parents were originally from Stone Mountain, Georgia. His miner father, Emory Clark, died of a lung disease two weeks after Sonny was born. Sonny was the youngest of eight children. At age 12, he moved to Pittsburgh.

When visiting an aunt in California at age 20, Clark decided to stay and began working with saxophonist Wardell Gray. Clark went to San Francisco with Oscar Pettiford and after a couple months, was working with clarinetist Buddy DeFranco in 1953. Clark toured the United States and Europe with DeFranco until January 1956, when he joined The Lighthouse All-Stars, led by bassist Howard Rumsey.

Wishing to return to the east coast, Clark served as accompanist for singer Dinah Washington in February 1957 in order to relocate to New York City. In New York, Clark was often requested as a sideman by many musicians, partly because of his rhythmic comping. He frequently recorded for Blue Note Records, playing as a sideman with many hard bop players, including Kenny Burrell, Donald Byrd, Paul Chambers, John Coltrane, Dexter Gordon, Art Farmer, Curtis Fuller, Grant Green, Philly Joe Jones, Clifford Jordan, Jackie McLean, Hank Mobley, Art Taylor, and Wilbur Ware. He also recorded sessions with Charles Mingus, Sonny Rollins, Billie Holiday, Stanley Turrentine, and Lee Morgan.

As a band leader, Clark recorded albums Dial "S" for Sonny (1957), Sonny's Crib (1957), Sonny Clark Trio (1957), with Paul Chambers and Philly Joe Jones, and Cool Struttin' (1958). Sonny Clark Trio, with George Duvivier and Max Roach was released in 1960.

Clark died in New York City; the official cause was listed as a heart attack, but the likely cause was a heroin overdose.

Close friend and fellow jazz pianist Bill Evans dedicated the composition "NYC's No Lark" (an anagram of "Sonny Clark") to him after his death, included on Evans' Conversations with Myself (1963). John Zorn, Wayne Horvitz, Ray Drummond, and Bobby Previte recorded an album of Clark's compositions, Voodoo (1985), as the Sonny Clark Memorial Quartet. Zorn also recorded several of Clark's compositions with Bill Frisell and George Lewis on News for Lulu (1988) and More News for Lulu (1992).

 

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Sonny Clark (Conrad Yeatis Clark, Herminie, de Pensilvania, 21 de julio de 1931 – 13 de enero de 1963) fue un pianista de jazz que principalmente desarrolló el idioma del hard bop.

Clark nació y fue criado en Herminie. A la edad de 12 años se mudó a Pittsburgh. Cuando estaba de visita en California, a los 20 años, decidió quedarse y comenzar a trabajar con el saxofonista Wardell Gray. Clark fue a San Francisco con Oscar Pettiford, y, luego de un par de meses, estaba trabajando con el clarinetista Buddy DeFranco en 1953. Clark recorrió los Estados Unidos y Europa con DeFranco hasta enero de 1956, cuando se unió a The Lighthouse All-Stars, orquesta de The Lighthouse Cafe de Hermosa Beach dirigida por el contrabajista Howard Rumsey.

Deseando volver a la costa este, Clark sirvió de acompañamiento de la cantante Dinah Washington en febrero de 1957 para reubicarse en la ciudad de Nueva York. Allí, Clark era requerido usualmente como acompañante por muchos músicos. Frecuentemente grabó para Blue Note Records tocando como acompañante de muchos músicos del hard bop, entre ellos Kenny Burrell, Donald Byrd, Paul Chambers, John Coltrane, Dexter Gordon, Art Farmer, Curtis Fuller, Grant Green, Philly Joe Jones, Clifford Jordan, Jackie McLean, Hank Mobley, Art Taylor y Wilbur Ware. También grabó sesiones con Charles Mingus, Sonny Rollins, Billie Holiday, Stanley Turrentine, y Lee Morgan.

Clark murió de un ataque al corazón en la ciudad de Nueva York.1 Algunos comentarios atribuyen su temprana muerte al abuso de las drogas y del alcohol.

Su amigo Bill Evans dedicó al fallecido una composición titulada con un anagrama de su nombre: NYC's No Lark (Sin alondra en Nueva York, tomando la alondra como símbolo del alba); la pieza se publicó en el álbum Conversations with Myself (1963).

John Zorn, Wayne Horvitz, Ray Drummond y Bobby Previte, con el nombre de The Sonny Clark Memorial Quartet, grabaron un álbum de composiciones de Clark: Voodoo (1985). Zorn también grabó varias de las composiciones de Clark con Bill Frisell y George Lewis en los álbumes News for Lulu (1988) y More News for Lulu (1992).

The Brian Setzer Orchestra • One Rockin Night - Live In Montreal

 

Biography by Stephen Thomas Erlewine
Every decade has its own retro craze spearheaded by a true believer who brings classic sounds and styles back into vogue. Brian Setzer performed this trick not just once but twice: first as the leader of the Stray Cats, the trio who brought rockabilly back into the charts during the '80s, and then as a figure who helped popularize the swing revival of the '90s with the Brian Setzer Orchestra. Both of these sounds were grounded in the '50s, which is when rockabilly was born, but it was also the heyday of the kind of jump blues Setzer loved, such as Louis Prima and Big Joe Turner. While the Stray Cats were purists of sorts, indebted to the big beat of Eddie Cochran and Gene Vincent, as a solo act Setzer wound up fusing these aesthetics together, playing rockabilly guitar to a swinging beat. With this jumping sound, he cultivated a loyal following -- consisting of not a few latter-day disciples -- that stretched well into the new millennium, developing the long-running, successful career that many of his idols never had. Though Setzer's first solo effort, 1986's The Knife Feels Like Justice, was a heartland rock album, his big step forward came with 1994's The Brian Setzer Orchestra, where his rockabilly/swing fusion first took hold, and with 1998's The Dirty Boogie, he took that sound to the pop charts. His work with the Orchestra and the occasional holiday-themed release dominated his solo career, but he took detours back to rockabilly, most notably on 2005's Rockabilly Riot, Vol. 1: A Tribute to Sun Records and 2021's Gotta Have the Rumble. 2023's The Devil Always Collects was recorded with a trio.

While the heroes of rockabilly's golden era -- Eddie Cochran, Gene Vincent, Elvis, and Carl Perkins -- loom large in Setzer's oeuvre, as a kid growing up in Long Island he initially fell for big-band jazz. His first instrument was the euphonium and he played brass in a variety of jazz bands while in school. He'd sneak into classic clubs like the Village Vanguard, but he also developed a taste for blues-rock and punk, which led him down the road to rockabilly. Picking up a guitar, he formed the Tomcats with drummer Gary Setzer and Bob Beecher in 1979, the latter was also a bandmate of Brian's in the Bloodless Pharaohs. As his infatuation with rockabilly intensified, Setzer devoted himself to the Tomcats, which evolved into the Stray Cats when bassist Lee Rocker and drummer Slim Jim Phantom entered the lineup in late 1979.

Sensing the U.S. wasn't quite ready for their rock & roll, the Stray Cats departed for London in June of 1980, hawking their instruments to get across the Atlantic. Within a few months, they earned the attention of roots rocker Dave Edmunds -- who just happened to appear in the 1973 film That'll Be the Day, playing in a band called the Stray Cats -- and he took them under his wing, producing their 1981 eponymous debut for Arista. Thanks to the singles "Rock This Town" and "Stray Cat Strut," the record was a hit; its 1982 sequel, Gonna Ball, didn't do as well, but highlights from the two LPs were culled for the American album Built for Speed. Thanks to those aforementioned singles, which both received heavy MTV airplay, Built for Speed turned the Stray Cats into stars in the U.S., paving the way for 1983's Rant n Rave with the Stray Cats, which had another major hit in the form of "(She's) Sexy + 17" and a minor one in the form of "I Won't Stand in Your Way."

Success came to the Stray Cats, but the group fractured in 1984 and Setzer responded by acting as a sideman for a variety of rockers, most prominently playing in Robert Plant's oldies band the Honeydrippers on a tour. Setzer launched a solo career in 1986 with The Knife Feels Like Justice, a record that found him right in line with the heartland rock of the mid-'80s but didn't generate any hits and, perhaps coincidentally, Setzer returned to the Stray Cats' fold that year for Rock Therapy, a reunion that also failed to stir sales. Next up was 1988's Live Nude Guitars, a record that moved him closer to Stray Cats territory but also failed to gain an audience. Another reunion with the Stray Cats followed, one that lasted for three albums over four years. First was 1989's Blast Off!, which they supported with a tour opening for Stevie Ray Vaughan, but the record reached no higher than 111 on Billboard and EMI dropped them in America. Undaunted, they teamed with Nile Rodgers in 1990 for Let's Go Faster!, a record that appeared on Liberation to little attention; they then returned to their roots for 1992's Choo Choo Hot Fish, a final album recorded with their original producer, Dave Edmunds.

This was the last go-round for the Stray Cats and it was time for a reset for Setzer. He found one with the Brian Setzer Orchestra, where he refashioned his rockabilly boogie for the neo-swing era. Their eponymous debut appeared on Hollywood in 1994 and it did OK on the charts, reaching 158; then corporate restructuring pushed him over to Interscope Records, which put out Guitar Slinger in 1996. That record failed to chart but it laid the groundwork for 1998's The Dirty Boogie, which was a smash hit thanks to a hit cover of Louis Prima's "Jump Jive & Wail." The single peaked at 23 and the record went all the way to nine on the Billboard 200, and if Setzer never scaled those heights again -- the 2000 follow-up, Vavoom!, reached 62 -- he nevertheless found his niche and ran with it, releasing all manner of swinging big-band records in the new millennium, ranging from a series of Christmas albums (there are at least five seasonal releases in his discography) to swinging covers of classical compositions (2007's Wolfgang's Big Night Out), most issued on SurfDog Records. 2004's The Ultimate Collection: Recorded Live was a solid document of this period; a two-album set, the first disc featured a show in Montreal from one of the Setzer Orchestra's early tours, while the second preserved a show in Japan after the band's commercial breakthrough, previously issued on its own in 2001 as Jumpin' East of Java: Live in Japan.

At times, Setzer would step outside of the Orchestra to return to his rockabilly roots, beginning with 2003's Nitro Burnin' Funny Daddy, running through Rockabilly Riot, Vol. 1: A Tribute to Sun Records in 2005, and extending to 2014's Rockabilly Riot! All Original. Another holiday album, Rockin' Rudolph, showed up in time for the Christmas season of 2015. Setzer celebrated the 25th anniversary of forming the Brian Setzer Orchestra with the release of 25 Live!, a limited-edition Record Store Day 45 of "Gene & Eddie" and "Let There Be Rock," in November 2017. In 2020, The Ultimate Collection: Recorded Live set from 2004 got a vinyl reissue in the form of two double-LP sets, with The Ultimate Collection Recorded Live, Vol. 1 featuring the Montreal concert and The Ultimate Collection Recorded Live, Vol. 2 containing the Japanese show. In 2021, Setzer issued his first solo outing in seven years, the rollicking, yet reflective Gotta Have the Rumble.

He returned to the studio with co-producer Julian Raymond, mixing engineer Chris Lord-Alge, and a cast of sidemen; he emerged with The Devil Always Collects. Released in September 2023, it showcased originals and covers, evidenced by lead single "Girl on the Billboard," a mid-'60s trucker's anthem closely associated with Del Reeves. Following its release, Setzer undertook the Rockabilly Riot Tour with an international trio that included bassist Australian bassist Chris D’Rozario and drummer Juan Laurios from Mexico City.
https://www.allmusic.com/artist/brian-setzer-mn0000519637#biography

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Biografía de Stephen Thomas Erlewine
Cada década tiene su propia locura retro encabezada por un verdadero creyente que vuelve a poner de moda los sonidos y estilos clásicos. Brian Setzer interpretó este truco no solo una vez, sino dos veces: primero como líder de The Stray Cats, el trío que devolvió el rockabilly a las listas de éxitos durante los años 80, y luego como una figura que ayudó a popularizar el renacimiento del swing de los 90 con la Orquesta de Brian Setzer. Ambos sonidos se basaron en los años 50, que es cuando nació el rockabilly, pero también fue el apogeo del tipo de jump blues que amaba Setzer, como Louis Prima y Big Joe Turner. Mientras que The Stray Cats eran puristas, en deuda con el gran ritmo de Eddie Cochran y Gene Vincent, como solista, Setzer terminó fusionando estas estéticas, tocando la guitarra rockabilly con un ritmo oscilante. Con este sonido de salto, cultivó seguidores leales, que consistían en no pocos discípulos de los últimos días, que se extendieron hasta bien entrado el nuevo milenio, desarrollando la carrera exitosa y de larga duración que muchos de sus ídolos nunca tuvieron. Aunque el primer esfuerzo en solitario de Setzer, The Knife Feels Like Justice de 1986, fue un álbum de rock del corazón, su gran paso adelante llegó con The Brian Setzer Orchestra de 1994, donde su fusión de rockabilly/swing se afianzó por primera vez, y con The Dirty Boogie de 1998, llevó ese sonido a las listas de éxitos. Su trabajo con la Orquesta y el lanzamiento ocasional de temas navideños dominaron su carrera en solitario, pero volvió al rockabilly, sobre todo en Rockabilly Riot, Vol. 1: Un tributo a Sun Records y Gotta Have the Rumble de 2021. The Devil Always Collects de 2023 fue grabado con un trío.

Mientras que los héroes de la era dorada del rockabilly, Eddie Cochran, Gene Vincent, Elvis y Carl Perkins, ocupan un lugar destacado en la obra de Setzer, cuando era niño y crecía en Long Island, inicialmente se enamoró del jazz de grandes bandas. Su primer instrumento fue el bombardino y tocó metales en una variedad de bandas de jazz mientras estaba en la escuela. Se colaba en clubes clásicos como Village Vanguard, pero también desarrolló un gusto por el blues-rock y el punk, lo que lo llevó por el camino del rockabilly. Cogiendo una guitarra, formó The Tomcats con el baterista Gary Setzer y Bob Beecher en 1979, este último también fue compañero de banda de Brian en the Bloodless Pharaohs. A medida que se intensificaba su enamoramiento por el rockabilly, Setzer se dedicó a los Tomcats, que se convirtieron en Stray Cats cuando el bajista Lee Rocker y el baterista Slim Jim Phantom ingresaron a la formación a fines de 1979.

Sintiendo que Estados Unidos no estaba listo para su rock & roll, The Stray Cats partieron hacia Londres en junio de 1980, vendiendo sus instrumentos para cruzar el Atlántico. En unos pocos meses, se ganaron la atención del rockero de raíces Dave Edmunds, quien casualmente apareció en la película de 1973 That'll be the Day, tocando en una banda llamada Stray Cats, y los tomó bajo su protección, produciendo su debut homónimo de 1981 para Arista. Gracias a los sencillos "Rock This Town" y "Stray Cat Strut", el disco fue un éxito; a su secuela de 1982, Gonna Ball, no le fue tan bien, pero los aspectos más destacados de los dos LP fueron seleccionados para el álbum estadounidense Built for Speed. Gracias a esos sencillos antes mencionados, que recibieron una gran difusión en MTV, Built for Speed convirtió a The Stray Cats en estrellas en los EE. UU., allanando el camino para Rant n Rave with the Stray Cats de 1983, que tuvo otro gran éxito en la forma de "(She's) Sexy + 17 "y uno menor en la forma de" I Won't Stand in Your Way."

El éxito llegó a The Stray Cats, pero el grupo se fracturó en 1984 y Setzer respondió actuando como acompañante de una variedad de rockeros, sobre todo tocando en la banda de viejos de Robert Plant, The Honeydrippers, en una gira. Setzer lanzó una carrera en solitario en 1986 con Knife Feels Like Justice, un disco que lo encontró justo en línea con el rock del corazón de mediados de los 80 pero que no generó ningún éxito y, quizás casualmente, Setzer regresó al redil de Stray Cats ese año para Rock Therapy, una reunión que tampoco logró impulsar las ventas. El siguiente fue Live Nude Guitars de 1988, un disco que lo acercó al territorio de Stray Cats pero que tampoco logró ganar audiencia. Siguió otra reunión con The Stray Cats, que duró tres álbumes durante cuatro años. ¡Primero fue Blast Off de 1989!, que apoyaron con una gira como teloneros de Stevie Ray Vaughan, pero el récord no superó los 111 en Billboard y EMI los dejó caer en Estados Unidos. Sin desanimarse, se unieron a Nile Rodgers en 1990 para Let's Go Faster!, un disco que apareció en Liberation con poca atención; luego regresaron a sus raíces para Choo Choo Hot Fish de 1992, un último álbum grabado con su productor original, Dave Edmunds.

Esta fue la última ronda para los Stray Cats y era hora de un reinicio para Setzer. Encontró uno con la Orquesta de Brian Setzer, donde remodeló su boogie rockabilly para la era del neo-swing. Su debut homónimo apareció en Hollywood en 1994 y le fue bien en las listas de éxitos, alcanzando el puesto 158; luego, la reestructuración corporativa lo empujó a Interscope Records, que lanzó Guitar Slinger en 1996. Ese disco no llegó a las listas, pero sentó las bases para The Dirty Boogie de 1998, que fue un gran éxito gracias a una versión exitosa de "Jump Jive & Wail" de Louis Prima."El sencillo alcanzó su punto máximo en 23 y el récord llegó hasta nueve en el Billboard 200, y si Setzer nunca volvió a escalar esas alturas the ¡el seguimiento de 2000, Vavoom!, llegó a 62 -- sin embargo, encontró su nicho y corrió con él, lanzando todo tipo de discos de big band oscilantes en el nuevo milenio, que van desde una serie de álbumes navideños (hay al menos cinco lanzamientos estacionales en su discografía) hasta versiones oscilantes de composiciones clásicas (Wolfgang's Big Night Out de 2007), la mayoría publicados en SurfDog Records. The Ultimate Collection: Recorded Live de 2004 fue un documento sólido de este período; un set de dos álbumes, el primer disco presentó un espectáculo en Montreal de una de las primeras giras de la Orquesta Setzer, mientras que el segundo conservó un espectáculo en Japón después del gran avance comercial de la banda, publicado previamente por su cuenta en 2001 como Jumpin' East of Java: Live in Japan.

A veces, Setzer salía de la Orquesta para volver a sus raíces rockabilly, comenzando con Nitro Burnin' Funny Daddy, de 2003, pasando por Rockabilly Riot, Vol. 1: ¡Un tributo a Sun Records en 2005, y que se extiende a Rockabilly Riot de 2014! Todo Original. Otro álbum navideño, Rockin ' Rudolph, apareció a tiempo para la temporada navideña de 2015. Setzer celebró el 25 aniversario de la formación de la Orquesta Brian Setzer con el lanzamiento de 25 Live!, una tienda de discos de edición limitada El Día 45 de "Gene & Eddie" y "Let There Be Rock", en noviembre de 2017. En 2020, The Ultimate Collection: Set grabado en vivo de 2004 recibió una reedición en vinilo en forma de dos sets de doble LP, con The Ultimate Collection Recorded Live, Vol. 1 presentando el concierto de Montreal y The Ultimate Collection Grabado en Vivo, Vol. 2 que contiene el espectáculo japonés. En 2021, Setzer emitió su primera salida en solitario en siete años, el alegre, pero reflexivo Gotta Have the Rumble.

Regresó al estudio con el coproductor Julian Raymond, el ingeniero de mezcla Chris Lord-Alge y un elenco de acompañantes; surgió con The Devil Always Collects. Lanzado en septiembre de 2023, mostró originales y versiones, evidenciado por el sencillo principal "Girl on the Billboard", un himno de camioneros de mediados de los 60 estrechamente asociado con Del Reeves. Tras su lanzamiento, Setzer emprendió la gira Rockabilly Riot con un trío internacional que incluía al bajista australiano Chris D'Rozario y al baterista Juan Laurios de la Ciudad de México.
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Bill Frisell • Good Dog, Happy Man

 

"Bill Frisell makes such consistently great records that it would be easy to take the guitarist for granted. That would be sad, since no one refracts age-old Americana through a cutting-edge prism with the warm-hearted, fleet-minded individuality of Frisell. With "Good Dog, Happy Man," he has crafted one of his earthiest essays yet - a sort of funky follow-up to his sublime "Nashville" album from 1997. Backed by an ultra-hip band - pedal-steel artisan Greg Leisz, bassist Viktor Krauss, organ grinder Wayne Horvitz, and drum legend Jim Keltner - Frisell has forged originals whose folky melodies and big-sky grooves make them seem like old friends in snazzy new clothes. Tellingly, the outfit channels the traditional "Shenandoah" with Ry Cooder in tow, and its sepia-toned melancholy pairs perfectly with Frisell's dusty ballads, like the gem "Cadillac 1959."
- Billboard

"As a composer, Frisell seems to have located his center. Once as eclectic and mercurial as downtown New York contemporaries like John Zorn, he now devotes himself to building seamless and personal collages of 20th-century Americana. The only cover on Good Dog is a shimmering meditation on "Shenandoah," performed here as a duet with an exceptionally introspective Ry Cooder, but all these tracks are derived from folk and folk-jazz and blues sources. And all of them glow."
- LA Weekly

"Frisell and company focus on the subtleties inherent in groove music, like the way textural variation can push a slow moving melodic line to another level without having to wait for the chords to change."
- Baltimore Sun

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"Bill Frisell hace discos tan consistentemente geniales que sería fácil dar por sentado al guitarrista . Eso sería triste, ya que nadie refracta la antigua Americana a través de un prisma de vanguardia con la individualidad cálida y veloz de Frisell. Con "Good Dog, Happy Man", ha elaborado uno de sus ensayos más terrenales hasta el momento, una especie de seguimiento funky de su sublime álbum "Nashville" de 1997. Respaldado por una banda ultra moderna: el artesano Greg Leisz, el bajista Viktor Krauss, el organillero Wayne Horvitz y la leyenda de la batería Jim Keltner, Frisell ha forjado originales cuyas melodías folk y ritmos de cielo grande los hacen parecer viejos amigos con ropa nueva y elegante. De manera reveladora, el atuendo canaliza el tradicional "Shenandoah" con Ry Cooder a cuestas, y su melancolía en tonos sepia combina perfectamente con las baladas polvorientas de Frisell, como la joya "Cadillac 1959."
- Cartelera

"Como compositor, Frisell parece haber localizado su centro . Alguna vez fue tan ecléctico y volátil como contemporáneos del centro de Nueva York como John Zorn, ahora se dedica a construir collages perfectos y personales de la cultura americana del siglo XX. La única versión de Good Dog es una meditación brillante sobre "Shenandoah", interpretada aquí a dúo con un Ry Cooder excepcionalmente introspectivo, pero todas estas pistas se derivan de fuentes de folk y folk-jazz y blues. Y todos ellos brillan."
- LA Weekly

"Frisell y compañía se enfocan en las sutilezas inherentes a la música groove, como la forma en que la variación de texturas puede llevar una línea melódica de movimiento lento a otro nivel sin tener que esperar a que cambien los acordes."
- Baltimore Sun


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