‘Cowboy Carter’ de Beyoncé: Todas las canciones clasificadas

Una versión acelerada de la canción homónima de 1971 de Chuck Berry, “Oh Lousina” honra aún más el legado de Berry y al mismo tiempo rinde homenaje a las raíces de la familia materna de Beyoncé.

Todo es más grande en Texas, ¡incluyendo sus leyendas! Veinte años después de lucir una camiseta con la imagen de Willie Nelson en la portada de Texas Monthly, Queen Bey invita al ícono del country a presentar “Texas Hold ‘Em”.

Antes de que Willie toma el micrófono, la canción recorre diferentes estaciones de radio que presentan fragmentos de “Grinnin’ In Your Face” de Son House, “Down by the River Side” de Sister Rosetta Tharpe, “Maybellene” de Chuck Berry y “Don’t Let Go” de Roy Hamilton, todas referencias a las influencias del blues y el rock que dan forma a Cowboy Carter como una exploración de la música afroamericana del sur más allá del country.

Una vez que aparece Willie — quien hace un saludo a la estación de radio que sustenta el concepto del álbum, KNTRY Radio, una referencia al KNTY News de la era de Renaissance — nos invita a enrollar uno y abrocharnos el cinturón para un viaje increíble. “Y si no quieres ir”, dice, “¡anda a buscar una rocola!”

Al mejor estilo de Beyoncé, la ubicación de este interludio es especialmente intencional. ¿Qué puede ser más grande que presentar tu canción country histórica (“Texas Hold ‘Em”) con el aval del músico country más emblemático de todos los tiempos?

Otro interludio, otra unión de dos leyendas de la música. En “Dolly P” la propia Sra. Dolly Parton presenta la siguiente canción de Cowboy Carter, que resulta ser una emocionante reedición de su seminal “Jolene”.

“Hola, señorita Honey B, soy Dolly P”, comienza Parton. “Tú sabes, esa libertina con buen pelo sobre la que cantas. Me recordó a alguien que conocí en el pasado, excepto que tiene mechones llameantes de cabello castaño rojizo. Bendito sea su corazón. ¡Solo el pelo de otro color pero duele igual!”

Haciendo un guiño a “Telephone” de 2009, que tenía un video musical de temática occidental, y a “Sorry” de 2016, Parton juega sin esfuerzo con la reciente inclinación de Beyoncé por lo autorreferencial. Más que la simple participación de otra leyenda de la música country, la aparición de Dolly Parton aquí es un guiño a cómo su composición ha influido en mujeres de todos los géneros, incluida la propia Beyoncé. Después de todo, Dolly señala claramente la conexión entre la escritura desgarradora del álbum Lemonade de Bey y sus propias canciones vulnerables.

“A veces no sabes lo que te gusta hasta que alguien en quien confías te ofrece algo realmente bueno. Y por eso, damas y caballeros, estoy aquí”.

Bien dicho, Willie Nelson. Bien dicho.

Linda Martell, la primera mujer negra de éxito comercial en la música country, es una leyenda en todos los sentidos de la palabra. Siguiendo la tendencia de que los íconos del country presenten cada uno de los capítulos del álbum, la propia Martell aparece aquí para presentar la siguiente secuencia de temas de Cowboy Carter.

“Esta melodía en particular abarca una variedad de géneros”, dice. “Y eso es lo que la convierte en una experiencia auditiva única”.

Aquí tenemos el primer interludio del álbum, que también parece una extensión espiritual de su predecesor, “Protector”. “Tantas rosas pero ninguna para ser recogida sin espinas/ Así que aprecia tus defectos, querida”, canta a través de una melodía oscilante que presenta ecos de música mexicana. Es un breve respiro antes de que Cowboy Carter abandone su inclinación introspectiva y pase a un territorio más alegre, pero sin duda es magnífico. Para una artista que ha estado perfeccionando su arte de los arreglos vocales desde su adolescencia, Beyoncé realmente se ha transformado en una nueva bestia con el trabajo armónico en Cowboy Carter, en especial en “My Rose”.

Beyoncé ha estado cantando-rapeando desde 1997. ¿Realmente esperabas que dejara esa parte de su perfil sonoro fuera de Cowboy Carter? En esta osada colaboración con la estrella del country Shaboozey, Beyoncé evita las magníficas interpretaciones vocales de la primera mitad del álbum para ofrecer uno de sus versos de rap más complejos hasta la fecha.

Antes de llegar allí, la leyenda del country Linda Martell presenta la tesis del álbum. “Los géneros son un pequeño concepto divertido, ¿no? Sí, lo son”, dice. “En teoría, tienen una definición sencilla y fácil de entender. Pero en la práctica, bueno, algunos pueden sentirse limitados”. Si el mensaje de Bey en Instagram no fuera suficiente, aquí está Martell explicando que Beyoncé es su propio género.

Apenas unos segundos después de mezclar country y ópera en “Daughter”, Queen Bey usa esas cuerdas para señalar un alegre híbrido country-rap. “Todos ustedes han sido engañados por el plagio, no voy a prestar mi atención a ninguna adicción a la influencia”, escupe. “No soy una cantante habitual, ahora ven a buscar todo lo que viniste a buscar”. El verso de Shaboozey se suma a la devoción de la canción por el espíritu del country forajido, posicionándolos sonoramente tanto a él como a Bey como bandoleros de la escena de la música country contemporánea.

De vuelta al sex bop, con una canción repleta de bajo que parece una posdata de “Plastic Off the Sofa” / “Virgo’s Groove” de Renaissance, “Desert Eagle” encuentra a Beyoncé retomando sus días de “Partition” con un amante en el asiento trasero. “Monta un show y hazlo desagradable/ Desert Eagle en el asiento trasero/ Todo más grande en Texas/ Cuerpo grande, ábrelo y te doy el desayuno”, canta.

No es nada que no hayamos escuchado de Bey antes, pero qué bien suena.

Si hay algo que Beyoncé conoce muy bien es el drama de ser juzgada por una portería en constante cambio. En “Alliigator Tears”, regresa a los reflexivos arreglos analógicos de las pistas anteriores del LP. “Dices mover una montaña/ Y me pondré mis botas/ Dices que detenga el flujo del río/ Construiré una represa o dos/ Dices cambiar de religión/ Ahora paso los domingos contigo/ Algo sobre esas lágrimas tuyas/ ¿Cómo se siente ser adorado?”, canta en el coro.

Aquí, se desliza en su falsete un poco más a menudo que en las pistas anteriores, evocando una sensación de mayor vulnerabilidad que agrega algunos matices interesantes a una canción aparentemente dirigida a sus detractores.

Todos la conocemos y la amamos, y todavía suena genial en el contexto completo de Cowboy Carter. Probablemente no habrá una canción tan histórica como esta en 2024, pero los logros de “Texas Hold ‘Em” no comienzan ni terminan en los charts de Billboard. Desde el valiente banjo de Rhiannon Giddens hasta la melodía bailable, “Texas Hold ‘Em” es el tipo de canción country-pop irresistible que se siente que se hizo sin esfuerzo, pero que requirió de verdadera habilidad. Los versos que fácilmente podrían ser cursis se vuelven divertidos gracias a la experta manipulación de Beyoncé de su timbre, y los silbidos y los “hey” de fondo se sentirían demasiado como de Mumford & Sons si no fuera por el estilo característico de Beyoncé que suena a lo largo de la canción.

Seguro, hay mejores canciones en Cowboy Carter, pero eso no significa que “Texas” no sea un hit.

Si no quedó claro antes, Cowboy Carter es un personaje como la Mother of the House of Chome/Renaissance, y es una tirana. “Cada vez que lo monto, cada vez que lo monto/ No me gusta sentarme en la montura, muchacho/ Solo relájate, puedo hacerlo, puedo montar a ese exótico/ Las caderas son tan hipnóticas, qué tirana soy”, canta rapeando sobre un ritmo sexy de trap cargado de violines cortesía de D.A. Got That Dope. Un sucesor espiritual de “Thique”, “Tyrant” es una emocionante adición al catálogo de sex jams de Bey.

En cierto modo, este tema también recuerda a “America Has A Problem”. Si el trasero de Bey fue el problema de Estados Unidos en esa canción de Renaissance, sus habilidades para montar es problema de todos en “Tyrant”.

El mismo día que Beyoncé lanzó su era de Cowboy Carter, la estrella en ascenso del country Tanner Adell publicó en X: “Como una de las únicas chicas negras en la escena de la música country, espero que Bey decida rociarme con una pizca de su magia para una colaboración”. Esa esperanza es ahora una realidad.

En “Blackbiird”, una magnífica reinvención del clásico de los Beatles, Beyoncé canta junto a cuatro estrellas negras emergentes del country: Adell, Reyna Roberts, Tiera Kennedy y Brittney Spencer. Esta particular unión de artistas es especialmente conmovedora, dado el ímpetu que generó el clásico escrito por Paul McCartney. En Paul McCartney: Many Years from Now, el Beatle explica: “Tenía en mente una mujer negra, en lugar de un pájaro. Eran los días del movimiento por los derechos civiles, que a todos nos importaba apasionadamente, así que esta fue realmente una canción mía para una mujer negra que experimenta estos problemas en Estados Unidos: Permíteme animarte a seguir intentándolo, a mantener tu fe; hay esperanza”.

Aplicadas al contexto de las mujeres negras que luchan por ocupar un espacio en la escena de la música country contemporánea, las elegantes armonías son tan lúgubres como desafiantes. El tono de Bey es el ancla aquí; la textura de su voz evoca calidez a través de su profundidad, a diferencia de la oscuridad con la que cantó en “Ameriican Requiem”. Y, por supuesto, hay un adorable momento de relevo en el que permite que Adell, también conocida como la “Beyoncé con un lazo”, tome la iniciativa en el verso final.

Criminalmente breve pero ridículamente buena, “Flamenco” encuentra a Beyoncé, una vez más, ofreciendo una de sus interpretaciones vocales más destacadas. Una canción de amor profundamente preocupada por la mortalidad en este plano de existencia, “Flamenco” presenta una versión bastante taciturna del flamenco, salpicada de algunos de los riffs y ejecuciones más vertiginosos de Bey.

Después de dos apariciones de Willie Nelson, otro Willie se une a la diversión. En “Just for Fun”, una balada líricamente existencialista que presenta una producción vibrante y relativamente simple, la estrella del country Willie Jones canta junto a Queen Bey.

Es un tema que devuelve el álbum a su punto inicial de introspección, con una letra que se siente como una versión desgarradora de la ansiedad que conlleva la fama. “Esperemos que esta noche me duerma profundamente/ Y solo tendré que superar esto/ Nacido en la oscuridad, ¿quién trae la luz?/ Y yo simplemente necesito superar esto”, cantan sobre un arreglo que fluye con el poder arraigado de la música góspel. Si bien la canción no suena como lo que su título pueda indicar, sigue siendo uno de los momentos vocales más hermosos del álbum y una colaboración que clama una secuela o dos.

Lanzada junto con “Texas Hold ‘Em” para iniciar la campaña de Cowboy Carter, “16 Carriages” representa los momentos más lastimeros del LP. Escrita por INK y Beyoncé y coproducida por Raphael Saadiq y Dave Hamelin, “16 Carriages” juega con la composición reflexiva y autobiográfica de Joni Mitchell y Tracy Chapman. “Han pasado treinta y ocho veranos y no estoy en mi cama/ En la parte trasera del autobús en una litera con la banda/ Haciendo todo lo posible, ahora extraño a mis hijos/ Con exceso de trabajo y abrumada”, canta antes del coro.

Con una interpretación vocal que equilibra la perseverancia innata con una mirada inquebrantable a los traumas únicos de crecer en el mundo del espectáculo, “16 Carriages” sigue siendo una canción destacada de Cowboy Carter, incluso en presencia de tantos otros jonrones.

Un tema común en la composición de canciones de música country es la dinámica entre padres e hijos, que también ha sido un tema fundamental para gran parte de la producción de Beyoncé desde su álbum sorpresa homónimo de 2013. “Protector”, en la que la hija menor de Bey, Rumi, sigue los pasos de su hermana mayor, Blue Ivy, es una tierna reflexión sobre la búsqueda de equilibrar el deseo innato de proteger a sus hijos y, al mismo tiempo, comprender cuándo es el momento de apoyarlos a medida que crecen y están listos para extender sus alas. A nivel lírico y temático The Lion King: The Gift puede sentirse a lo largo de “Protector”, mientras Beyoncé canta enfáticamente sobre el legado: “Vi por primera vez tu rostro en la mirada de tu padre/ Hay una larga fila de manos que llevan tu nombre, mm/ Alzándote arriba, así serás criada”.

Con el respaldo de poco más que una guitarra acústica, es realmente hermoso escuchar la prístina voz de Beyoncé en medio de una producción tan despejada; su enfoque conmovedor del country queda completamente al descubierto en su interpretación vocal perfectamente discreta. Esta sin duda conmoverá a padres novatos y veteranos.

¿Quién abre un álbum con una especie de miniópera rock y lo cierra con un himnario? Beyoncé, claro.

En “Amen”, el enérgico tema de cierre de Cowboy Carter, Beyoncé nos devuelve a la grandiosidad cinematográfica de abridora “Ameriican Requiem”, tanto sonora como literalmente. Al principio del álbum, no está claro cómo Cowboy Carter encaja en el mismo universo musical que Renaissance, pero cuando llega “Amen”, es obvio que los dos LP funcionan en conjunto.

Antes de que Beyoncé pueda cantar sobre su vida “antiestadounidense” y crear un nuevo mundo de brillo y cromo para ella en Renaissance, primero debe dominar su comprensión del país y abordar por qué es necesario un mundo nuevo. “Esta casa fue construida con sangre y huesos/ Y se derrumbó, sí, se derrumbó”, canta. “Las estatuas que hicieron eran hermosas/ Pero eran mentiras de piedra, eran mentiras de piedra”.

“Amen” cierra con un eco del verso final de “Ameriican Requiem”, consolidando a Cowboy Carter no solo como una odisea musical a través de la extensión del gran sur negro, sino también como un análisis de la dinámica entre la gente americana y negra en la lucha por un futuro más brillante e inclusivo. “Di una oración por lo que ha sido/ Seremos nosotros quienes purificaremos los pecados de nuestros padres”, canta. “Réquiem americano/ Esas viejas ideas están enterradas aquí/ Amén”.

Desde “9 a 5” hasta “Coat of Many Colors”, Dolly Parton es indudablemente una de las compositoras más prolíficas y reverenciadas en la historia de la música. Cuando haces una versión de una canción de Dolly, no tienes más remedio que dar lo mejor de ti. Al igual que Whitney Houston transformó “I Will Always Love You”, Beyoncé transforma completamente “Jolene”.

Para su versión del clásico de Dolly, Bey opta por un enfoque más feroz, reescribiendo la mayoría de la letra con una energía más explícitamente venenosa. “Jolene, Jolene, Jolene, Jolene/ Te estoy advirtiendo, no vengas por mi hombre/ Jolene, Jolene, Jolene, Jolene/ No aproveches la oportunidad porque crees que puedes”, canta en el estribillo reimaginado, su voz empapada de una actitud irónica y ruda. Sin embargo, lo que realmente hace que la versión de Bey se destaque es su empleo de un coro aparentemente todo masculino en el puente y el final. “Voy a estar junto a ella, ella estará junto a mí, Jolene”, cantan en armonía sagrada, prometiendo su lealtad a Beyoncé como ella lo ha hecho con ellos a lo largo de la canción.

Solo Beyoncé podría hacer que su versión de una canción tan amada se sienta tan singular e idiosincrásica. ¿Y qué puede superar oírla cantando “Jolene, sé que soy una reina, Jolene/ Todavía soy una perra criolla del barrio de Louisianne”?

Cambiando de country — tonalmente, el espíritu de Shania Twain en pleno efecto — Bey dirige su atención a las melodías suaves del surf rock de la costa oeste con este sensual número de tempo medio. “Cuéntame tus problemas/ Entiendo cómo te sientes/ Te muestro una salida/ Cuando estás inquieto yo tomo el volante”, canta en lo que suena como un tercer acto oculto que complementa “’03 Bonnie & Clyde” de 2002 y “Part II (On the Run)” de 2015.

Entre esas alusiones y la entrega vocal en “honey, honey” — que recuerda al ganador del Grammy “Love On Top” de 2011 — “Bodyguard” encaja perfectamente en las extensas colecciones de odas de Beyoncé a un amor tan fuerte que literalmente reconfigura su química cerebral. ¿Histriónico? Hasta cierto punto, sí. Pero se siente tan grandioso como debería ser una épica occidental, y al mismo tiempo suena como un éxito radial asegurado.

Por supuesto, también hay un “huevo de Pascua” en el hecho de que “Bodyguard” — que es el título de la película de Whitney Houston y la banda sonora acompañante que albergaba su icónica versión de “I Will Always Love You” de Dolly Parton — precede tanto a la canción que incluye a Parton “Dolly P” como al “Jolene” de Bey.

Aquí hay dos nombres que la mayoría jamás pensó que aparecerían juntos en una canción. Miss Honey B se ha vuelto realmente atrevida desde Destiny Fulfilled, por lo que no es sorpresa que haya traído algo de esa seducción al mundo de Cowboy Carter. “Me llamas cosita linda/ Y me encanta excitarlo/ Chico, te dejaré ser mis jeans Levi’s/ Para que puedas abrazar ese trasero todo el día”, canta en “Levii’s Jeans”, asistida por Post Malone.

Con Posty dejando atrás el Auto-Tune y empleando un tono sorprendentemente sexy para su verso, “Levii’s Jeans” emerge como una de las mejores apuestas de Cowboy Carter para un éxito en la radio después de “Texas”. La melodía es dulce para los oídos, la química vocal tan improbable como encantadora, y tiene un aire juguetón que la hace sentir atemporal.

Entre esta colaboración con Beyoncé y un dueto con Taylor Swift previsto para el próximo mes, Post Malone está coleccionando íconos pop como Pokémon.

Si Cowboy Carter tiene una canción con un título espiritual, podría ser esta. Comenzando esta mezcla híbrida de country-house con una interpolación del icónico “I Fall to Pieces” de Patsy Cline, Beyoncé prepara algo casi loco con “Sweet ★ Honey ★ Buckiin”.

Tras pasar la mayor parte del álbum explorando el pasado y el presente del country, Beyoncé pasa las últimas canciones de Cowboy Carter trazando un camino para el futuro del country. Con “Sweet ★ Honey ★ Buckiin”, se decide por una mezcla innovadora que actualiza la larga relación del country con la música de club para bailar. En la controvertida portada del álbum, Queen Bey luce un atuendo de reina del rodeo, y “Sweet ★ Honey ★ Buckiin” se presenta como el mejor gumbo sonoro apto para una reina de rodeo negra de Houston, Texas.

“Jiffy cornbread, booty corn-fed/ Body rolls at the rodeo/ I’m coming home”, canta, haciendo alusión al seminal Homecoming de 2019, mientras refuerza el tema general del álbum de preservar, respetar y agregar a su legado familiar. Después de pasar gran parte de su carrera explorando casi todas las facetas de la música popular y los medios, Beyoncé regresa a casa, y a sí misma, en Cowboy Carter.

Olvida “Bohemian Rhapsody”, Beyoncé comienza Cowboy Carter con lo que es esencialmente la “Rapsodia de Beyoncé”: una asombrosa amalgama de motivos de rock de los años 70 que caen en algún lugar entre Queen y Sly & the Family Stone. “Nada realmente termina/ Para que las cosas permanezcan igual, tienen que cambiar de nuevo/ Hola, mi viejo amigo/ Cambias tu nombre pero no tus maneras de fingir”, canta en el primer verso de la canción, un guiño a la “vida no americana” de la que canta en el tema de apertura de Renaissance “I’m That Girl”.

Más tarde, después de pasar a un dibujo lleno de brío y blues, canta: “Solían decir que hablaba demasiado country / Y vino el rechazo, dijeron que no era lo suficientemente country / Dijeron que no me pondría a la silla de montar, pero/ Si eso no es country, dime, ¿qué es?” Aquí no solo aborda el incidente de los CMAs de 2016 que sirvió como catalizador para la creación de Cowboy Carter, también explora cómo la percepción pública de su identidad ha evolucionado durante el curso de su carrera de dos décadas. Combinando sus característicos coros en capas con valientes rugidos y arreglos ambiciosos, “Ameriican Requiem” señala el comienzo de una verdadera épica. Es grandiosidad cinematográfica en su máxima expresión.

Así como lo demostró con “Church Girl” y “Family Feud” antes de esto, Beyoncé es realmente buena mezclando lo sagrado con lo secular. En “II Hands II Heaven”, Bey compara el escapismo consumidor de cosas relativamente mundanas con el poder del Espíritu Santo. “Diez mil pasos hacia el mejor momento de tu vida / Dos manos al cielo, mi whisky bien alto, oh / Pero solo Dios, solo Dios sabe por qué”, canta.

Aunque su interpretación vocal se mantiene firmemente en el universo de Cowboy Carter, el ritmo de fondo recuerda mucho a “My House” de 2023, una canción original grabada para Renaissance: A Film by Beyoncé que sirvió como cierre para la era del Acto I. Para cuando canta “I will carry on” (seguiré adelante) en la segunda estrofa, es bastante claro que “My House” es, en cierto modo, parte de “II Hands II Heaven”. Es como dar un paseo por un sendero y que el destino final sea un club nocturno.

Con su estructura cambiante y sus claros guiños a los dos modos sonoros dominantes del Acto I y el Acto II, “II Hands II Heaven” es posiblemente la canción más “Beyoncé” en Cowboy Carter. Cuando canta con melancolía “Baby, he estado esperando toda mi vida por ti”, el “ti” en cuestión podría ser su marido, su Dios o una versión de ella misma más sanada. Independientemente de a quién esté cantando realmente, el verso recuerda melódicamente al estilo góspel que proporciona una columna vertebral para gran parte de Cowboy Carter.

“Riiverdance” es donde Cowboy Carter comienza a ingresar al mundo de Renaissance. Combinando una vibra dance con la contundente línea de bajo que dominó la mayor parte de su álbum anterior, Beyoncé crea un ambicioso híbrido dance country que suena bastante diferente a cualquier cosa que cualquier género haya ofrecido en el mainstream. Y funciona.

Entre los versos cortos y el estribillo repetitivo de “rebota en esa mier…, baila”, hay una energía cíclica que se presta bien a los bailes coreografiados en cuadrilla. ¿Recuerdas lo que dijo Linda Martell sobre “Ya Ya?” Tal vez en realidad estaba hablando de “Riiverdance”, una oda contundente a lo que es posible cuando el proceso creativo puede fluir libremente sin las limitaciones del género.

Las dos potencias de Columbia Records unen fuerzas en esta balada deslumbrante que encuentra al dúo cual Thelma & Louise. Lo que en teoría parece una colaboración poco probable, funciona a la perfección en la práctica; sus voces sensuales combinan de manera hermosa, con sus rugidos gravales creando una mezcla excelente. “Seré tu copiloto hasta el día que muera/ Humo por la ventana volando por la 405/ Sí, seré tu bebé del asiento trasero, volviéndote loco/ Cada vez que quieras”, cantan en el coro.

Ambas vocalistas lo dejan todo en esta interpretación, lo que hace que cada elección — ya sea cuando el registro se convierte en un ligero yodel o la forma en que lanzan la nota a setenta pies de altura en “shotgun” — sea un jonrón. “II Most Wanted” universaliza los tropos occidentales en su exploración del amor eterno, pero esas interpretaciones vocales proporcionan una sensación de gravedad emocional que hace que todo parezca mucho más arriesgado, y eso es algo bueno. En pocas palabras, es todo un triunfo.

Una de las canciones más impresionantes en su catálogo, “Daughter” se destaca de inmediato en Cowboy Carter. Es una adición inquietante al repertorio de las canciones country sobre asesinatos (piensa en “Goodbye Earl” de The Chicks o “Two Black Cadillacs” de Carrie Underwood) que encuentra a Beyoncé mezclando ópera — interpreta una impresionante versión de “Caro Mio Ben”, en italiano — con una melancólica melodía de guitarra. Bey flota entre la realidad y la fantasía a lo largo de la pista, ambos modos enmarcados por el consejo que su padre le dio en “Daddy Lessons” de 2016, al que alude con los inquietantes versos “Si me traicionas, soy como mi padre/ Soy más fría que el agua del Titanic”.

Si Cowboy Carter es una nueva épica western, “Daughter” es una ópera en sí misma, devastadoramente macabra pero infinitamente atractiva.

¿Qué obtienes si tomas una muestra de “These Boots Are Made for Walkin’” de Nancy Sinatra, la mezclas con una interpolación de “Good Vibrations” de los Beach Boys y empapas toda la mezcla con la esencia de Tina Turner? Bueno, obtienes “Ya Ya”, por supuesto, la mejor canción de Cowboy Carter.

Una mezcla de funk vibrante, tambores de rock ‘n’ roll contundentes, soul implacable y buen canto y chillido, “Ya Ya” es la culminación de la misión de Cowboy Carter y la progenie del legado musical que Bey inició con “Work It Out” en 2002. Sí, su enfoque de samplear e interpolar es tan inventivo como siempre, pero realmente se empuja vocalmente de maneras que nunca ha hecho antes. De hecho, esta podría ser la grabación de estudio más cercana a capturar cuán bombásticos son las interpretaciones vocales en vivo de Beyoncé. Desde secuencias roncas que parecen seguir todas las notas del piano hasta una exploración juguetona de las profundidades más profundas del rango vocal, “Ya Ya” es una fuerza a tener en cuenta.

Por supuesto, “Ya Ya” es una canción que no sería posible sin la influencia de Tina Turner. Después de ver a Beyoncé interpretar una versión conmovedora de “River Deep – Mountain High” en casi todas las fechas de la gira Renaissance World Tour, “Ya Ya” llega como algo más que un tributo. Es tanto una carta de agradecimiento a la Sra. Turner por su impacto en el mundo, como un homenaje a la incomparable energía y brío del Sur Negro.