por Carlos Javier Ramírez Valdés
El espacio museográfico surgió con el objetivo de salvaguardar la obra artística a través del tiempo. Con el paso de los años, los museos se convirtieron en espacios públicos para la difusión cultural, lo que tuvo como consecuencia que la obra de arte perdiera su intención artística y transmutara a un banal objeto de consumo. Al “vulgarizar” de cierta manera la obra, los museos se convirtieron en recintos para dar cabida a interpretaciones carentes de fundamentos por parte del espectador, lo que denigra la intención del artista.
Aunado a lo anterior, surgieron entre la década de los sesenta y setenta “artistas” que pretendían romper los paradigmas clásicos de la construcción del arte, ¡un grave error! Entre este séquito de personajes estadounidenses de contracultura exit, destacó Andy Warhol1.
Warhol se hizo de una reputación por su creación de pinturas de objetos de consumo y su serigrafía, lo que tuvo como resultado el surgimiento del llamado Pop Art. Lo propiciado por Warhol, más que una corriente artística, fue la tecnificación del arte. Warhol hizo de la pintura una especie de fotografía de las estrellas de Hollywood y comestibles enlatados, lo que conllevó a una inminente reproducción en masa de las pinturas.
Sin conciencia de lo provocado, Warhol destrozó el valor estético de la obra de arte. Las pinturas fueron despojadas de su esencia metafísica, es decir, la obra artística dejó de ser un vínculo con lo transcendente para convertirse en un consumible propiciador de estatus social. Warhol contribuyó a que el único medio no natural por el cual los hombres gozan del júbilo de la experiencia estética se cosificara.
El hermeneuta italiano Gianni Vattimo describe en su obra, El fin de la modernidad (1986), el inminente ocaso provocado por la obra de Warhol. En su libro hace hincapié sobre la muerte de la obra como valor ontológico del ser humano; la pintura pareciese ser un cascarón vacío que en cualquier momento se vuelve desechable. La obra de arte no tiene un principio ni un final, no tiene destino alguno, ni mucho menos objetivo para con el hombre. Es este el momento donde el arte muere. Pese a lo anterior, Warhol sigue siendo una alusión en la pintura del siglo XX; museos en todo el mundo exhiben su obra como referente artístico.
Causa un despojo saber que el reflejo de la condición actual del arte y los recintos en donde se aloja ha perdido toda percepción de la condición humana. Warhol es el arquetipo de la posmodernidad inminente de nuestra actualidad. El deber del artista es hacer partícipes a los hombres del goce de lo transcendente, sin provocar el ocaso de la experiencia estética.
La muerte del arte, como valor estético que se vincula con lo divino, solo es un síntoma del inevitable ocaso de miseria en el que se ha sumergido el hombre. Sin arte, el humano no es más que una bestia que no distingue ya entre las formas divinas y la tecnificación de la banalidad.
Notas
[1] Andy Warhol (1928 – 1987) fue un artista plástico y actor estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art.
Imagen | Wikipedia
Cita este artículo (APA): Ramírez, C. (2024, 29 de abril). La muerte del arte. Filosofía en la Red. https://filosofiaenlared.com/2024/04/la-muerte-de-arte¡Apóyanos a seguir llevando la filosofía a la red!
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