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En el monumento a Cervantes de la plaza de España de Madrid, no podía faltar la mención en lugar destacado de sus dos personajes más célebres, Don Quijote de la Mancha y Sancho Panza. Aquí podemos ver sus imágenes, realizadas en bronce por el escultor Lorenzo Coullaut-Valera, situadas delante de la del escritor y algo separadas de ella, como si aún estuvieran recorriendo los campos de La Mancha, al igual que llevan haciéndolo desde hace cuatrocientos años, no llevando más acompañantes que el noble idealismo de Don Quijote y el más práctico realismo de Sancho Panza.

***

In the monument to Cervantes in the Plaza de España in Madrid, mention could not be made of his two most famous personalities, Don Quixote de la Mancha and Sancho Panza. Here we can see his images, made in bronze by the sculptor Lorenzo Coullaut-Valera, located in front of the writer's and something separated from it, as if they were still crossing the fields of La Mancha, as they have been doing for four hundred years, not carrying more companions than the noble idealism of Don Quixote and the more practical realism of Sancho Panza.

 

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PORTFOTOLIO

 

En la Catedral de San Antolín en Palancia, llamada también "La Bella Desconocida", la cual data en su parte más antigua del Siglo VII, se puede observar claramente una gárgola que es una figura con una máquina antigua de fotografía... ¿Cómo es posible?

Según la versión oficial se realizó en una reforma que sufrió la Catedral a finales del siglo XIX y principios del XX, y el arquitecto Jerónimo Arroyo quiso recordar a José Sanabria, un popular personaje que realizó gran número de fotografías sobre el patrimonio artístico palentino.

Según ciertas leyendas, puede ser el punto desde el que se precipitó al vacío un fotógrafo que estaba realizando fotografías desde ese lugar.

Según otras leyendas, la gárgola original se desprendió y en la caída mató a un fotógrafo que pasaba por ese lugar.

De ahí la gárgola en homenaje a dicho fotógrafo.

Pienso que debemos quedarnos con la versión oficial, aunque cada uno puede hacerse sus propias conclusiones o investigar por Internet.

Paseando por la feria de Mataderos encontré algunos bellos “personajes” gente que me parece interesante para fotografiar.

 

(La Feria de Mataderos, oficialmente Feria de las Artesanías y Tradiciones Populares Argentinas, se halla en el barrio de Mataderos de la ciudad de Buenos Aires, Argentina.

La misma posee unos 300 puestos en los que se venden comidas y artesanías gauchescas y todo tipo de productos artesanales argentinos de la zona pampeana mayormente.

Se encuentra en la recova del viejo mercado, siendo este sitio el núcleo de la feria que se instala usualmente los días domingos.)

 

Copyright © Derechos Reservados Marina Inamar, Argentina 2020.

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para informarse acerca de copias, permisos o inclusión en blogs.Gracias.

  

En promenant à la foire de Matadores, j'ai rencontré quelques beaux "personnages " qui m'ont semblé intéressants à photographier

 

(La Foire de Matadores officiellement Fête des Artisanats et Traditions Populaires Argentines , se trouve dans le quartier de Mataderos de la ville de Buenos Aires

Elle a également quelques 300 places où sont vendus nourriture , et des produits artisanaux argentins de la zone de la Pampa majoritairement

On la rencontre dans le vieux marché , celui-ci étant le noyau de la feria qui s'installe habituellement tous les dimanches )

 

El regreso de Ícaro con tabla de Surf, es una sorprendente escultura de bronce, realizada por la artista plástica Esperanza d’Ors, en el año 1999. Y para situar este personaje en un lugar acorde a su historia, es por lo que se ha elegido el Puerto de Alicante. Sobre las aguas flota esta escultura, y en épocas en que el mar está crecido, pareciera que Ícaro surgiera del agua. Es un espectáculo imponente. Y si conoceis la historia de este personaje, sabreis que Ícaro era el hijo de Dédalo que soñaba con volar. Ideó unas alas que unidas con cera le permitieran huir de Creta en donde estaba preso.

Como veréis, esta escultura es una visión moderna de Ícaro, que ha reemplazado sus alas por una tabla de Windsurf. Además en la escultura se muestra a Ícaro con una notable desproporción de hombros y cabeza.

¡Verdaderamente alucinante!

 

English:

 

The Return of Icarus with surfboard, is a striking bronze statue, made by artist Esperanza d'Ors, in 1999. And to put this character in a place appropriate to its history, is that we have chosen the port of Alicante. Floats on the water this sculpture, and in times when the sea rises, it seems that Icarus emerge from the water. It is an impressive sight. And if you know the history of this character, know that Icarus is the son of Daedalus who dreamed of flying. Devised wings attached with wax to allow him to escape from Crete, where he was imprisoned.

As you can see, this sculpture is a modern vision of Icarus, who has replaced his wings for a windsurfer. Also in the sculpture shows a marked disproportion Icarus with shoulder and head.

Truly amazing!

 

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Western (genre)

 

Western is a genre of fiction set primarily in the latter half of the 19th century in the Western United States, which is styled the "Old West". Its stories commonly center on the life of a nomadic cowboy or gunfighter armed with a revolver and a rifle who rides a horse. Cowboys and gunslingers typically wear Stetson hats, neckerchief bandannas, vests, spurs, cowboy boots, and buckskins. Recurring characters include the aforementioned cowboys, Native Americans, Spaniards, Mexicans, bandits, lawmen, bounty hunters, outlaws, gamblers, soldiers, and settlers.

 

Westerns often stress the harshness of the wilderness and frequently set the action in an arid, desolate landscape of deserts and mountains. Often, the vast landscape plays an important role, presenting a "mythic vision of the plains and deserts of the American West."

  

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El wéstern o películas del Oeste es un género de ficción ambientado principalmente en la segunda mitad del siglo XIX en el oeste de los Estados Unidos, que se conoce como el "Viejo Oeste". Sus historias generalmente se centran en la vida de un vaquero nómada o pistolero armado con un revólver y un rifle que monta a caballo. Los vaqueros y los pistoleros suelen usar sombreros Stetson, pañuelos de pañuelo, chalecos, espuelas, botas de vaquero y pieles de ante. Los personajes recurrentes incluyen los vaqueros, nativos americanos, españoles, mexicanos, bandidos, hombres de la ley, cazarrecompensas, forajidos, jugadores, soldados y colonos.

 

Los westerns a menudo enfatizan la dureza del desierto y con frecuencia establecen la acción en un paisaje árido y desolado de desiertos y montañas. A menudo, el vasto paisaje juega un papel importante, presentando una "visión mítica de las llanuras y desiertos del oeste americano".

  

Monument Valley, Utah, United States

September 2016

  

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El reloj Anker (en alemán Ankeruhr) es un reloj localizado en Viena, la capital de Austria. Se encuentra situado en Hoher Markt, la plaza más antigua de la ciudad, siendo una popular atracción turística.1 Una de sus particularidades es que cada mediodía doce figuras que lleva incorporadas desfilan juntas mientras suena música clásica vienesa.2

La construcción fue encargada por la Anker Insurance Company, que da nombre al reloj, para decorar un puente que une a dos oficinas de su propiedad.2

Fue diseñado en bronce y cobre por el pintor y escultor Franz Matsch y se finalizó en el año 1914.1 Está inspirado en el estilo del Art nouveau.

El reloj en sí está decorado con adornos de mosaico y, en el trascurso de 12 horas, doce personajes históricos o parejas de figuras se mueven a través de él,3 los cuales son:

•Hora I: Marco Aurelio

•Hora II: Carlomagno

•Hora III: Leopoldo VI

•Hora IV: Walther von der Vogelweide

•Hora V: Rodolfo I de Habsburgo y esposa

•Hora VI: Hans Puchsbaum (arquitecto gótico)

•Hora VII: Maximiliano I de Habsburgo

•Hora VIII: Johann Andreas von Liebenberg (alcalde vienés)

•Hora IX: Ernst Rüdiger von Starhemberg (comandante de la Armada Vienesa durante las guerras habsburgo-otomanas)

•Hora X: Eugenio de Saboya

•Hora XI: María Teresa I de Austria

•Hora XII: Joseph Haydn

es.wikipedia.org/wiki/Reloj_Anker

  

This clock (built 1911 - 1914) was created by the painter and sculptor Franz Matsch and is a typical Art Nouveau design.

It forms a bridge between the two parts of the Anker Insurance Company‘s building. In the course of 12 hours, twelve historical figures or pairs of figures move across the bridge. Every day at noon, all of the figures parade, each accompanied by music from its era. During the Advent season daily at 5 and 6 p.m. Christmas Carols.

 

www.wien.info/en/sightseeing/sights/from-a-to-z/anker-clock

 

El reloj Anker (en alemán Ankeruhr) es un reloj localizado en Viena, la capital de Austria. Se encuentra situado en Hoher Markt, la plaza más antigua de la ciudad, siendo una popular atracción turística.1 Una de sus particularidades es que cada mediodía doce figuras que lleva incorporadas desfilan juntas mientras suena música clásica vienesa.2

La construcción fue encargada por la Anker Insurance Company, que da nombre al reloj, para decorar un puente que une a dos oficinas de su propiedad.2

Fue diseñado en bronce y cobre por el pintor y escultor Franz Matsch y se finalizó en el año 1914.1 Está inspirado en el estilo del Art nouveau.

El reloj en sí está decorado con adornos de mosaico y, en el trascurso de 12 horas, doce personajes históricos o parejas de figuras se mueven a través de él,3 los cuales son:

•Hora I: Marco Aurelio

•Hora II: Carlomagno

•Hora III: Leopoldo VI

•Hora IV: Walther von der Vogelweide

•Hora V: Rodolfo I de Habsburgo y esposa

•Hora VI: Hans Puchsbaum (arquitecto gótico)

•Hora VII: Maximiliano I de Habsburgo

•Hora VIII: Johann Andreas von Liebenberg (alcalde vienés)

•Hora IX: Ernst Rüdiger von Starhemberg (comandante de la Armada Vienesa durante las guerras habsburgo-otomanas)

•Hora X: Eugenio de Saboya

•Hora XI: María Teresa I de Austria

•Hora XII: Joseph Haydn

es.wikipedia.org/wiki/Reloj_Anker

  

This clock (built 1911 - 1914) was created by the painter and sculptor Franz Matsch and is a typical Art Nouveau design.

It forms a bridge between the two parts of the Anker Insurance Company‘s building. In the course of 12 hours, twelve historical figures or pairs of figures move across the bridge. Every day at noon, all of the figures parade, each accompanied by music from its era. During the Advent season daily at 5 and 6 p.m. Christmas Carols.

 

www.wien.info/en/sightseeing/sights/from-a-to-z/anker-clock

 

El reloj Anker (en alemán Ankeruhr) es un reloj localizado en Viena, la capital de Austria. Se encuentra situado en Hoher Markt, la plaza más antigua de la ciudad, siendo una popular atracción turística.1 Una de sus particularidades es que cada mediodía doce figuras que lleva incorporadas desfilan juntas mientras suena música clásica vienesa.2

La construcción fue encargada por la Anker Insurance Company, que da nombre al reloj, para decorar un puente que une a dos oficinas de su propiedad.2

Fue diseñado en bronce y cobre por el pintor y escultor Franz Matsch y se finalizó en el año 1914.1 Está inspirado en el estilo del Art nouveau.

El reloj en sí está decorado con adornos de mosaico y, en el trascurso de 12 horas, doce personajes históricos o parejas de figuras se mueven a través de él,3 los cuales son:

•Hora I: Marco Aurelio

•Hora II: Carlomagno

•Hora III: Leopoldo VI

•Hora IV: Walther von der Vogelweide

•Hora V: Rodolfo I de Habsburgo y esposa

•Hora VI: Hans Puchsbaum (arquitecto gótico)

•Hora VII: Maximiliano I de Habsburgo

•Hora VIII: Johann Andreas von Liebenberg (alcalde vienés)

•Hora IX: Ernst Rüdiger von Starhemberg (comandante de la Armada Vienesa durante las guerras habsburgo-otomanas)

•Hora X: Eugenio de Saboya

•Hora XI: María Teresa I de Austria

•Hora XII: Joseph Haydn

es.wikipedia.org/wiki/Reloj_Anker

  

This clock (built 1911 - 1914) was created by the painter and sculptor Franz Matsch and is a typical Art Nouveau design.

It forms a bridge between the two parts of the Anker Insurance Company‘s building. In the course of 12 hours, twelve historical figures or pairs of figures move across the bridge. Every day at noon, all of the figures parade, each accompanied by music from its era. During the Advent season daily at 5 and 6 p.m. Christmas Carols.

 

www.wien.info/en/sightseeing/sights/from-a-to-z/anker-clock

 

Marbella, Málaga (Spain).

 

ENGLISH

Puerto José Banús, more commonly known as Puerto Banús is a marina in Marbella, Spain on the Costa del Sol. It was built in 1970 by José Banús, a local property developer, as a luxury marina and shopping complex for the jet-set and the super rich.

 

The lavish opening of the complex in May 1970 was attended by, amongst others, the Aga Khan, film director Roman Polanski, Playboy founder Hugh Hefner, Dr. Christian Barnard (pioneer of the heart transplant), and Prince Rainier and Princess Grace of Monaco. A youthful Julio Iglesias was contracted to sing for the guests for the enormous sum of 125,000 pesetas. An army of 300 waiters from Seville served 50 pounds of Beluga caviar to the 1,700 guests.

 

The focal point of Puerto Banus is the marina. It has berths for 915 boats, including those of the King of Saudi Arabia and several of the world's wealthiest individuals. Behind the harbour lie streets filled with bars, boutiques and nightclubs. Behind the main square is a vast El Corte Inglés department store.

 

The marina has 915 slips for boats and ships from 8 to 50 meters. Its surface area is 15 hectares, and its depth ranges from 3 to 6 meters within the marina, with 7.5 meters at its entrance. There is beach on each side of the marina. Many of the yachts moored within can enjoy an unobstructed view of La Concha mountain, one of the coast's landmarks.

 

José Banús himself was a developer with real estate holdings all along the coast. He was an intimate of Francisco Franco's and was called el constructor del régimen ("the regime's builder").

 

Although the superstars have moved to more private destinations, visitors to 'The Port' (as it is known by locals) tend to be extremely wealthy tourists from northern Europe (especially UK and Germany) as well as holiday-making Spaniards. Moreover, the city continues to be a hot destination for Europe's biggest "jetsetters." Recent personages spotted in "el puerto" have included multiple Saudi princes, as well as a famed healthcare economist and a great Taoist philosopher.

 

Source: en.wikipedia.org/wiki/Puerto_Ban%c3%bas

 

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CASTELLANO

Puerto José Banús es un puerto deportivo de lujo, situado en la zona denominada Nueva Andalucía, al oeste de Marbella, en España, cerca de otro núcleo de población de Marbella denominado San Pedro de Alcántara.

 

Este enclave turístico se ha convertido, desde que fue concebido hace 40 años, en el mayor centro de entretenimiento de la Costa del Sol.

 

Su excepcional localización geográfica y la visita de numerosos personajes populares la convierten en un atractivo destino veraniego, especialmente nocturno.

 

José Banús fue el promotor más importante de complejos de turismo residencial de la Costa del Sol. Amigo íntimo de Francisco Franco fue llamado «el constructor del Régimen».

 

Fuente: es.wikipedia.org/wiki/Puerto_Ban%c3%bas

Goupil le Renard (Vulpes vulpes)

 

Maman Renard et son petit...

 

La mythologie populaire a peu de personnages aussi complet que le Renard , le rusé , le malin . Goupil ancien nom du Renard au moyen-âge.

 

Mama Fox , the FoxLady and her little ...

 

Popular mythology has few characters as complete as the Fox, the cunning, the clever. Goupil former name of the Fox in the Middle Ages.

La mitología popular tiene pocos personajes tan completos como el Zorro, la astucia, el ingenioso. Goupil antiguo nombre de Fox en la Edad Media.

 

Focus distance : 23.7 m

La ópera china es el nombre que recibe el teatro tradicional en China. El director Wang Yida, definió el teatro chino como "arte que sintetiza actuación, acrobacia, artes marciales, bellas artes, música y poesía".1

Se remonta a la dinastía Tang con el Emperador Xuanzong (712-755), fundador del "Jardín de los Perales" (梨园), la primera compañía documentada en China, y casi exclusivamente al servicio de los emperadores.nota 1 Durante la dinastía Yuan (1279-1368), se introdujeron en la ópera las variedades como el Zaju (杂剧), con actuaciones basadas en esquemas de rima y personajes tipo: "Dan" (旦, femenino), "Sheng" (生, masculino) y "Chou" (丑, payaso). En el siglo XXI, las profesiones de la ópera son todavía llamadas Disciplinas del Jardín de los Perales (梨园子弟).

es.wikipedia.org/wiki/Ópera_china

 

La Ópera de Pekín (en chino: 京剧 jīngjù o 京戏 jīngxì), es una clase de Ópera China que se inició a mediados del siglo XIX y que se hizo extremadamente popular entre la corte de la dinastía Qing. Está considerada como una de las máximas expresiones de la cultura de China.

El 16 de noviembre de 2010, la Unesco declaró la Ópera de Pekín como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad1

La ópera de Pekín tiene cuatro tipos diferentes de personajes, tres masculinos y uno femenino:

Jing: Personaje masculino dotado de una gran fuerza de voluntad. Se le reconoce con facilidad ya que

siempre lleva un maquillaje excesivo.

Sheng: Personaje masculino que presenta tres variantes diferentes; el Sheng Guerrero, el Sheng joven y el Sheng mayor.

Ch’ou: Personaje masculino. Es el bufón de la obra.

Tan: Personaje femenino. Este personaje tiene también distintas variantes: Tan mayor, Tan flor (una joven alegre y un tanto descarada), Tan verde (mujer joven y de gran rectitud) y Tan del caballo y la espada (una mujer que domina tan bien la caligrafía como el arte de la guerra).

Es importante también el color del vestuario que utilizan los actores. Así el color negro representa un carácter atrevido; el blanco sirve para representar a una persona mentirosa; el azul indica a un personaje frío y calculador; y el rojo se utiliza para personajes valientes y leales. Los colores dorados y plateados se utilizan para representar a dioses.

Los argumentos de la ópera de Pekín son muy variados y van desde las intrigas de la corte hasta hazañas militares. Importa tanto la música como los gestos, las acrobacias y los cantos. Algunas representaciones pueden durar hasta seis horas.

es.wikipedia.org/wiki/Ópera_de_Pekín

Yueju Opera (Chinese: 越剧),is a Chinese opera popular in China. It originated in Shengxian County(namely Shengzhou). The word "Yue" in Chinese means Zhejiang province and the regions around it. "ju" means (Chinese) opera. At present, Yueju Opera is the second most popular opera in China, after the Beijing Opera.

simple.wikipedia.org/wiki/Yueju_Opera

 

Traditional Chinese opera (Chinese: 戲曲; pinyin: xìqǔ; Jyutping: hei3 kuk1), or Xiqu, is a popular form of drama and musical theatre in China with roots going back to the early periods in China. It is a composite performance art that is an amalgamation of various art forms that existed in ancient China, and evolved gradually over more than a thousand years, reaching its mature form in the 13th century during the Song Dynasty. Early forms of Chinese theater are simple, but over time they incorporated various art forms, such as music, song and dance, martial arts, acrobatics, as well as literary art forms to become traditional Chinese opera.[1]

There are numerous regional branches of traditional Chinese opera, including the Beijing opera, Shaoxing opera, Cantonese opera and kunqu and Lvju.

 

en.wikipedia.org/wiki/Chinese_opera

 

Peking opera, or Beijing opera (Chinese: 京剧; pinyin: Jīngjù), is a form of Chinese opera which combines music, vocal performance, mime, dance and acrobatics. It arose in the late 18th century and became fully developed and recognized by the mid-19th century.[1] The form was extremely popular in the Qing dynasty court and has come to be regarded as one of the cultural treasures of China.[2] Major performance troupes are based in Beijing and Tianjin in the north and Shanghai in the south.[3] The art form is also preserved in Taiwan (Republic of China), where it is known as Guójù (traditional Chinese: 國劇; simplified Chinese: 国剧; "National theatre"). It has also spread to other countries such as the United States and Japan.[4]

The roles on the Peking Opera stage fall into four major roles-Sheng (生), Dan (旦), Jing (净), Chou (丑).[44]

Sheng (生): refer to men, divided into Laosheng (老生),Xiaosheng (小生),Wusheng (武生)

Dan (旦): refer to women, divided into Zhengdan (正旦), Laodan (老旦), Huadan (花旦), Wudan (武旦), Daomadan (刀马旦)

Jing (净): refer to painted-face role, know popularly as Hualian, divided into Zhengjing (正净), Fujing (副净), Wujing (武净), Maojing (毛净)

Chou (丑): refer to painted-face role, know popularly as Xiao hualian, divided into Wenchou (文丑), Wuchou (武丑), Nüchou (女丑)

The Dan (旦) refers to any female role in Peking opera. Dan roles were originally divided into five subtypes. Old women were played by laodan, martial women were wudan, young female warriors were daomadan, virtuous and elite women were qingyi, and vivacious and unmarried women were huadan. One of Mei Lanfang's most important contributions to Peking opera was in pioneering a sixth type of role, the huashan. This role type combines the status of the qingyi with the sensuality of the huadan.[54] A troupe will have a young Dan to play main roles, as well as an older Dan for secondary parts.[49] Four examples of famous Dans are Mei Lanfang, Cheng Yanqiu, Shang Xiaoyun, and Xun Huisheng.[55] In the early years of Peking opera, all Dan roles were played by men. Wei Changsheng, a male Dan performer in the Qing court, developed the cai qiao, or "false foot" technique, to simulate the bound feet of women and the characteristic gait that resulted from the practice. The ban on female performers also led to a controversial form of brothel, known as the xianggong tangzi, in which men paid to have sex with young boys dressed as females. Ironically, the performing skills taught to the youths employed in these brothels led many of them to become professional Dan later in life.[56]

en.wikipedia.org/wiki/Peking_opera

 

Está construido con muros de cantería por tres lados, ocupa el espacio comprendido por la cuarta y quinta bóvedas de la nave central y el frontal se cierra con una reja de estilo renacentista terminada en 1523 por Francisco de Salamanca.La sillería consta de 127 sitiales con los respaldos realizados en marquetería de diversas maderas para dar un colorido especial a su ornamentación, con bajos relieves de escenas del Antiguo y Nuevo Testamento y con representaciones de personajes grotescos en los brazos de las sillas y misericordias donde también hay escenas de juegos. En los tablones mayores de entrada al coro se encuentran elementos ojivales con la separación hecha con columnas que terminan en pináculos. Los tres sitiales correspondientes al arzobispo y sus ayudantes son los que muestran un gran trabajo escultórico. En uno de los sitiales se encuentra una inscripción que dice: «Este coro lo hizo Nufro Sánchez entallador... 1475», no fue sin embargo el único tallista que trabajó en el coro, pues a su muerte, se hizo cargo su hijo por poco tiempo y después el maestro Pedro Dancart de los Países Bajos tomó el cargo de seguir con la obra, su fallecimiento en 1494 hizo que continuara su discípulo Juan Alemán. Se acabó la sillería hacia 1511.

 

It is built with stone walls on three sides, the space occupied by the fourth and fifth arches of the nave and the front gate is closed with a Renaissance style completed in 1523 by Francisco de Salamanca.La seating consists of 127 stalls with backups made ​​in marquetry of various woods to give a special color to their ornamentation, with bas-reliefs of scenes from the Old and New Testaments and grotesque representations of characters in the arms of the chairs and compassion where there are also scenes of games. On the boards over entry to the choir are pointed to the separation elements made ​​columns ending in pinnacles. The three stalls for the Archbishop and his aides are showing a large sculptural work. In one of the stalls is an inscription that reads: "This choir did Nufro Sánchez carver ... 1475 ', was not however the only carver who worked in the choir, since his death, took his son for a short time and then the teacher Pedro Dancart of the Netherlands took over to continue the work, his death in 1494 was to continue his disciple Juan Alemán. No more stalls to 1511.

 

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El reloj Anker (en alemán Ankeruhr) es un reloj localizado en Viena, la capital de Austria. Se encuentra situado en Hoher Markt, la plaza más antigua de la ciudad, siendo una popular atracción turística.1 Una de sus particularidades es que cada mediodía doce figuras que lleva incorporadas desfilan juntas mientras suena música clásica vienesa.2

La construcción fue encargada por la Anker Insurance Company, que da nombre al reloj, para decorar un puente que une a dos oficinas de su propiedad.2

Fue diseñado en bronce y cobre por el pintor y escultor Franz Matsch y se finalizó en el año 1914.1 Está inspirado en el estilo del Art nouveau.

El reloj en sí está decorado con adornos de mosaico y, en el trascurso de 12 horas, doce personajes históricos o parejas de figuras se mueven a través de él,3 los cuales son:

•Hora I: Marco Aurelio

•Hora II: Carlomagno

•Hora III: Leopoldo VI

•Hora IV: Walther von der Vogelweide

•Hora V: Rodolfo I de Habsburgo y esposa

•Hora VI: Hans Puchsbaum (arquitecto gótico)

•Hora VII: Maximiliano I de Habsburgo

•Hora VIII: Johann Andreas von Liebenberg (alcalde vienés)

•Hora IX: Ernst Rüdiger von Starhemberg (comandante de la Armada Vienesa durante las guerras habsburgo-otomanas)

•Hora X: Eugenio de Saboya

•Hora XI: María Teresa I de Austria

•Hora XII: Joseph Haydn

es.wikipedia.org/wiki/Reloj_Anker

  

This clock (built 1911 - 1914) was created by the painter and sculptor Franz Matsch and is a typical Art Nouveau design.

It forms a bridge between the two parts of the Anker Insurance Company‘s building. In the course of 12 hours, twelve historical figures or pairs of figures move across the bridge. Every day at noon, all of the figures parade, each accompanied by music from its era. During the Advent season daily at 5 and 6 p.m. Christmas Carols.

 

www.wien.info/en/sightseeing/sights/from-a-to-z/anker-clock

 

El reloj Anker (en alemán Ankeruhr) es un reloj localizado en Viena, la capital de Austria. Se encuentra situado en Hoher Markt, la plaza más antigua de la ciudad, siendo una popular atracción turística.1 Una de sus particularidades es que cada mediodía doce figuras que lleva incorporadas desfilan juntas mientras suena música clásica vienesa.2

La construcción fue encargada por la Anker Insurance Company, que da nombre al reloj, para decorar un puente que une a dos oficinas de su propiedad.2

Fue diseñado en bronce y cobre por el pintor y escultor Franz Matsch y se finalizó en el año 1914.1 Está inspirado en el estilo del Art nouveau.

El reloj en sí está decorado con adornos de mosaico y, en el trascurso de 12 horas, doce personajes históricos o parejas de figuras se mueven a través de él,3 los cuales son:

•Hora I: Marco Aurelio

•Hora II: Carlomagno

•Hora III: Leopoldo VI

•Hora IV: Walther von der Vogelweide

•Hora V: Rodolfo I de Habsburgo y esposa

•Hora VI: Hans Puchsbaum (arquitecto gótico)

•Hora VII: Maximiliano I de Habsburgo

•Hora VIII: Johann Andreas von Liebenberg (alcalde vienés)

•Hora IX: Ernst Rüdiger von Starhemberg (comandante de la Armada Vienesa durante las guerras habsburgo-otomanas)

•Hora X: Eugenio de Saboya

•Hora XI: María Teresa I de Austria

•Hora XII: Joseph Haydn

es.wikipedia.org/wiki/Reloj_Anker

  

This clock (built 1911 - 1914) was created by the painter and sculptor Franz Matsch and is a typical Art Nouveau design.

It forms a bridge between the two parts of the Anker Insurance Company‘s building. In the course of 12 hours, twelve historical figures or pairs of figures move across the bridge. Every day at noon, all of the figures parade, each accompanied by music from its era. During the Advent season daily at 5 and 6 p.m. Christmas Carols.

 

www.wien.info/en/sightseeing/sights/from-a-to-z/anker-clock

 

La obra mundialmente conocida de Diego Velazquez "Las Meninas" ha servido de inspiración para la creación de 80 esculturas en forma de Meninas ideadas por Antonio Azzato y customizadas por personajes populares como el cantante Alejandro Sanz o el modista Lorenzo Caprile bajo la denominación de "Meninas Madrid Gallery" y que adornanarán hasta el mes de julio algunas de las calles de Madrid .

y por si alguien tiene curiosidad puede visitarlas en

 

drive.google.com/open?id=1DoK2jwmlJ3NG4IUZQ1Zi7VlnWdLmKS-...

 

The world-famous work of Diego Velazquez "Las Meninas" has served as inspiration for the creation of 80 sculptures in the form of Meninas devised by Antonio Azzato and customized by popular figures such as the singer Alejandro Sanz or the dressmaker Lorenzo Caprile under the name of "Meninas Madrid Gallery "and that they will adorn until the month of July some of the streets of Madrid

  

Las minas de sal de Wieliczka.

Están en la ciudad polaca de perteneciente al área metropolitana de Cracovia. Han sido explotadas sin interrupción desde el siglo XIII, y aún hoy en día siguen produciendo sal de mesa. Alcanzan una profundidad de 327 metros y su longitud supera los trescientos kilómetros. Reciben el sobrenombre de "la catedral subterránea de la sal de Polonia".

Es una de las minas de sal activas más antiguas del mundo. La más antigua está en Bochnia, también en Polonia, a veinte kilómetros de Wieliczka. (Wikipedia)

Estas minas incluyen un recorrido turístico de 3,5 kilómetros que contiene estatuas de personajes míticos e históricos, esculpidas en la roca de sal por los mineros. Incluso los cristales de los candelabros están hechos de sal. También hay cámaras y capillas excavadas en la sal, un lago subterráneo y exposiciones que ilustran la historia de la minería de la sal. Recibe unos 800.000 visitantes al año.

A lo largo de los siglos, célebres personajes han visitado las minas, entre los que cabe citar a Nicolás Copérnico, Johann Wolfgang von Goethe, Alexander von Humboldt, Dimitri Mendeleyev, Ignacy Jan Paderewski, Robert Baden-Powell, Karol Wojtyła, Bill Clinton, así como muchas testas coronadas.

Durante la Segunda Guerra Mundial, los alemanes usaron las minas como almacén de guerra.

Las galerías laberínticas de las minas inspiraron al escritor polaco Bolesław Prus varias escenas de su novela histórica Faraón (1895).

En 1978 las minas de sal de Wieliczka fueron declaradas Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. (Wikipedia)

 

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La meva ciutat. Mi ciudad. Castelló de la Plana.

 

CAT:

En Tombatossals és segons la mitologia castellonenca un gegant de bona ànima que amb l'ajuda dels seus amics va fer possible la fundació de la ciutat de Castelló de la Plana. Aquest personatge convertit en un referent cabdal de la mitologia castellonenca, està present en moltes situacions durant les festes de Castelló i fins i tot té dedicat un monument a l'Avinguda de Lledó de la capital de la Plana. Les aventures d'en Tombatossals i els seus companys, son narrades en la rondalla homònima de l'autor castellonenc Josep Pasqual Tirado.

De l'heroi mític s'explica que va nèixer fruit de l'amor sorgit entre la Penyeta Roja i el Tossal Gros durant una forta tempesta produïda per en Bufanúvols a petició del segon. En aquella tempesta, tots els vents excepte la Tramuntana per eixelebrada i perillosa foren convocats, i s'arremolinaren en el cel descarregant un gran xàfec que arrossegà un munt de còdols cap a la vall que els separava. Del munt de pedres i còdols, s'alçà amb els primers raig del sol, el seu estimat fill Tombatossals, que com el seu nom indica, tenia la força suficient com per alçar o ensorrar els turons i les muntanyes.

Amb el temps va arreplegar una bona colla d'amics també gegants establint-se tots a La Cova de les Maravelles. Així en Tombatossals, el seu gran amic Cagueme, en Bufanúvols i l'Arrancapins van viure com a bons germans dins la cova fins que els fills del Rei Barbut en van sol·licitar el seu ajut per arreglar els assumptes agraris del regne, però la cosa es complicà i tots ells es van veure embolicats en una gran aventura.

 

ESP:

Tombatossals es el título de la novela del autor castellonense Josep Pasqual Tirado que tiene como protagonista a un gigante mítico llamado Tombatossals. En torno a dicho personaje giran cierto número de leyendas, las cuales se han convertido en un referente popular de la mitología castellonense, hasta el punto que está presente en multitud de ocasiones durante sus Fiestas de la Magdalena e incluso tiene dedicada una escultura gigante en la Avenida Lledó de la capital de la Plana.

Tombatossals es un gigante bueno que con la ayuda de sus amigos hace posible la fundación de la ciudad de Castelló de la Plana. Nace fruto del amor entre la Penyeta Roja y el Tossal Gros durante una fuerte tempestad producida por Bufanúvols a petición del segundo. En aquella tempestad, todos los vientos excepto la Tramuntana por alocada y peligrosa fueron convocados, y se arremolinaron en el cielo descargando una tempestad que arrastró una gran cantidad de piedras montaña abajo, hacia el valle que les separaba. Del montón de piedras se levanta, con los primeros rayos de sol, su querido hijo Tombatossals, que como su nombre indica, tenía la fuerza suficiente para levantar o tumbar las montañas.

Con el tiempo hará un montón de amigos también gigantes, estableciéndose todos en La Cova de les Maravelles. Así Tombatossals, su gran amigo Cagueme, Bufanúbols y el Arrancapins vivieron como buenos hermanos dentro de la cueva hasta que los hijos del Rei Barbut solicitaron su ayuda para arreglar los asuntos agrarios del reino, pero la cosa se complicó y todos se vieron envueltos en una gran aventura.

En honor de Tombatossals se convoca anualmente en Castelló un premio de literatura infantil ilustrada.

Jan Alojzy Matejko (Cracovia, 28 de junio de 1838 — Ibíd., 1 de noviembre de 1893) fue un pintor polaco. Considerado como el mejor pintor de historia polaco de todos los tiempos, es célebre por sus obras en que representa los grandes personajes y acontecimientos de la historia polaca, como por ejemplo la Batalla de Grunwald.

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El centro sobre el que gira la composición es la figura yacente de Cristo, ya muerto, ha sido descendido de la cruz. A su alrededor seis figuras más se disponen a embalsamarlo y llorar su muerte. Cerca del espectador, en la cabeza de Cristo, José de Arimatea sostiene con gesto teatral una espina que le acaba de retirar de la cabeza, tras él Salomé sostiene la corona de espinas y un paño. En la esquina contraria María Magdalena, que lleva un ánfora y un paño, aparece hablando con Nicodemo. Las dos figuras centrales que aparecen tras el cuerpo del yacente son María, la Madre de Dios, y San Juan, el discípulo amado. La Virgen cae sobre el cuerpo de su hijo muerto en un gesto de profunda tristeza y dolor, mientras San Juan trata de consolarla y erguirla.

Las figuras son de mayor tamaño que el natural y están tratadas de manera monumental con una gran corporeidad. La fuerza que desprende cada uno de los personajes nos remite a la terribilitá miguelangelesca que Juan de Juni podría haber conocido en Italia. La monumentalidad de las figuras está remarcada por los ampulosos pliegues redondeados de sus vestiduras y sus posturas son teatrales, en algunos casos con potentes escorzos y muy torsionadas. Así el escultor pretende trasmitir al espectador el sentimiento de dolor y tensión del momento.

El entierro de Cristo es una obra maestra del escultor de origen francés y afincado en Valladolid (comunidad autónoma de Castilla y León, España), Juan de Juni. Fue realizada entre 1541-1545. Es el primer grupo escultórico documentado que Juan de Juni hace para la ciudad de Valladolid, según se reseña en su primer testamento redactado en Salamanca. Fray Guevara le encargó el conjunto escultórico para colocarlo en el retablo de su capilla funeraria recién edificada en el desaparecido convento de San Francisco. Demolido en 1836, esa obra fue resguardada por el Estado.

Es pieza muy destacada del Museo Nacional de Escultura, en Valladolid, en cuya colección se hallan otras obras valiosas de Juni. No se conserva la arquitectura del retablo donde estaba instalado el grupo.

El Santo Entierro, escultura en madera policromada, que perteneció al retablo de la capilla del Sepulcro o del Obispo de Mondoñedo en el claustro del desaparecido convento de San Francisco en Valladolid, actualmente en el Museo Nacional de Escultura, en Valladolid, España.

Juan de Juni (Joigny, Francia, 1506-Valladolid, 10 de abril de 1577) fue un escultor franco-español.

Junto con Alonso Berruguete, Juni formó la gran escuela de la escultura castellana, con una gran y extensa obra realizada mayormente en los más de treinta años que permaneció en Valladolid. Eso le ha valido su presencia destacada en el Museo Nacional de Escultura, especialmente, y en el Museo Diocesano y Catedralicio de Valladolid, entre otros lugares de la ciudad.

Presentó un gran dominio en los materiales escultóricos como el barro cocido, la piedra y la madera y un perfecto conocimiento de la anatomía humana.

Su oficio fue el de escultor, también denominado como «maestro de hacer imágenes» o como entallador que por misión tenía el hacer los elementos decorativos de fachadas, portadas o retablos, así también se dedicó a la construcción y al montaje de la arquitectura de los retablos a quienes se les llamaba ensamblador y como prueba de su oficio de arquitectura se sabe que realizó en el año 1565, en Valladolid, el Arco para recibir a la reina Isabel de Valois, conservándose aún el diseño de dicha obra (Wikiepedia) .

  

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La mythologie populaire a peu de personnages aussi complet que le Renard , le rusé , le malin . Goupil ancien nom du Renard au moyen-âge.

Popular mythology has few characters as complete as the Fox, the cunning, the clever. Goupil former name of the Fox in the Middle Ages.

La mitología popular tiene pocos personajes tan completos como el Zorro, la astucia, el ingenioso. Goupil antiguo nombre de Fox en la Edad Media.

 

Es un monumento situado en Cracovia en el Plantach, lado oeste del Barbacan frente a la ASP, en la zona donde hasta 1997 año fue un monumento a los soldados del ejército soviético. Representa a Jan Matejka sentado en una silla, colocada en el marco de la imagen. La figura de bronce se coloca sobre un zócalo de granito rojo. En el pedestal están tallados, en inscripción de color blanco: Jan Matejko 1838-1893.

El iniciador y creador del monumento fue el profesor Stanislao Pytko de Cracovia AGH. La decisión de conmemorar al artista fue decidida por el ayuntamiento en 2008, pero sólo al cabo de cinco años hubo dinero para para la realización del proyecto seleccionado en el concurso. El monumento, cuyo proyecto fue realizado por el profesor de Cracovia ASP Jan fue inaugurado el 12 de noviembre de 2013 por el presidente de Cracovia Jacek Majchrowski en el 175 aniversario del nacimiento y 120 el aniversario de la muerte del artista. (Wikipedia)

Jan Alojzy Matejko (Cracovia, 28 de junio de 1838 — Ibíd., 1 de noviembre de 1893) fue un pintor polaco. Considerado como el mejor pintor de historia polaco de todos los tiempos, es célebre por sus obras en que representa los grandes personajes y acontecimientos de la historia polaca, como por ejemplo la Batalla de Grunwald.

Su padre, Franciszek Ksawery Matejko, era originario de Hradec Králové, en la actual República Checa, y se instaló en Galitzia como maestro de música, trasladándose luego a Cracovia, donde contrajo matrimonio con Joanna Karolina Rossberg, nacida en una rica familia germano-polaca.

Jan fue el octavo de los once hijos del matrimonio. Desde su más tierna edad desarrolló un talento fuera de lo común para las artes plásticas, lo que le permitió continuar en la escuela a pesar de sus carencias en otras materias. Nunca aprendió ninguna lengua extranjera e incluso tuvo dificultades con el polaco. Por ello, le molestaba efectuar apariciones en público.

Jan Matejko sobrevivió al bombardeo de Cracovia por los austríacos en 1848, al igual que a la llamada Insurrección de enero, en la que no pudo tomar parte por motivos de salud, aunque apoyó monetariamente y transportó armas para los rebeldes a Goszcza. Las derrotas sufridas por Polonia le empujaron a abandonar la pintura religiosa, su vocación inicial, en favor exclusivamente de la pintura de tema histórico.

A pesar de la oposición de su padre, entra en 1852 en la Escuela de Bellas Artes de Cracovia, en la que estudia hasta 1858. En 1864, se casó con Teodora Giebułtowska, con la que tuvo cuatro hijos: Beata, Helena, Tadeusz y Jerzy. Su última hija, Regina, falleció con muy corta edad.

Es el creador del imaginario histórico polaco, y en sus cuadros aparecen a menudo personajes que en realidad no participaron en los acontecimientos retratados (como Hugo Kołłątaj o el general Wodzicki en la batalla de Raclawice). Matejko se esforzaba por alcanzar una síntesis histórica y filosófica antes que por pintar simplemente los hechos históricos.

Está enterrado en el Cementerio Rakowicki de Cracovia. (Wikipedia)

 

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El centro sobre el que gira la composición es la figura yacente de Cristo, ya muerto, ha sido descendido de la cruz. A su alrededor seis figuras más se disponen a embalsamarlo y llorar su muerte. Cerca del espectador, en la cabeza de Cristo, José de Arimatea sostiene con gesto teatral una espina que le acaba de retirar de la cabeza, tras él Salomé sostiene la corona de espinas y un paño. En la esquina contraria María Magdalena, que lleva un ánfora y un paño, aparece hablando con Nicodemo. Las dos figuras centrales que aparecen tras el cuerpo del yacente son María, la Madre de Dios, y San Juan, el discípulo amado. La Virgen cae sobre el cuerpo de su hijo muerto en un gesto de profunda tristeza y dolor, mientras San Juan trata de consolarla y erguirla.

Las figuras son de mayor tamaño que el natural y están tratadas de manera monumental con una gran corporeidad. La fuerza que desprende cada uno de los personajes nos remite a la terribilitá miguelangelesca que Juan de Juni podría haber conocido en Italia. La monumentalidad de las figuras está remarcada por los ampulosos pliegues redondeados de sus vestiduras y sus posturas son teatrales, en algunos casos con potentes escorzos y muy torsionadas. Así el escultor pretende trasmitir al espectador el sentimiento de dolor y tensión del momento.

El entierro de Cristo es una obra maestra del escultor de origen francés y afincado en Valladolid (comunidad autónoma de Castilla y León, España), Juan de Juni. Fue realizada entre 1541-1545. Es el primer grupo escultórico documentado que Juan de Juni hace para la ciudad de Valladolid, según se reseña en su primer testamento redactado en Salamanca. Fray Guevara le encargó el conjunto escultórico para colocarlo en el retablo de su capilla funeraria recién edificada en el desaparecido convento de San Francisco. Demolido en 1836, esa obra fue resguardada por el Estado.

Es pieza muy destacada del Museo Nacional de Escultura, en Valladolid, en cuya colección se hallan otras obras valiosas de Juni. No se conserva la arquitectura del retablo donde estaba instalado el grupo.

El Santo Entierro, escultura en madera policromada, que perteneció al retablo de la capilla del Sepulcro o del Obispo de Mondoñedo en el claustro del desaparecido convento de San Francisco en Valladolid, actualmente en el Museo Nacional de Escultura, en Valladolid, España.

Juan de Juni (Joigny, Francia, 1506-Valladolid, 10 de abril de 1577) fue un escultor franco-español.

Junto con Alonso Berruguete, Juni formó la gran escuela de la escultura castellana, con una gran y extensa obra realizada mayormente en los más de treinta años que permaneció en Valladolid. Eso le ha valido su presencia destacada en el Museo Nacional de Escultura, especialmente, y en el Museo Diocesano y Catedralicio de Valladolid, entre otros lugares de la ciudad.

Presentó un gran dominio en los materiales escultóricos como el barro cocido, la piedra y la madera y un perfecto conocimiento de la anatomía humana.

Su oficio fue el de escultor, también denominado como «maestro de hacer imágenes» o como entallador que por misión tenía el hacer los elementos decorativos de fachadas, portadas o retablos, así también se dedicó a la construcción y al montaje de la arquitectura de los retablos a quienes se les llamaba ensamblador y como prueba de su oficio de arquitectura se sabe que realizó en el año 1565, en Valladolid, el Arco para recibir a la reina Isabel de Valois, conservándose aún el diseño de dicha obra (Wikiepedia) .

  

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Antigua Universidad e Iglesia de San Juan Evangelista (s. XVI)

Este gran edificio de la arquitectura civil, buen representante del manierismo de la ciudad, fue realizado por orden del Administrador y Canónigo Don Pedro Fernández de Córdoba en el solar del convento franciscano de San León, cedida en 1571. Las obras finalizaron en 1593, a excepción de la fachada y la Capilla Mayor, que se terminaron en el siglo XVII. El traslado definitivo de la Universidad a su nueva sede tuvo lugar en 1595. En 1609, mediante una Real Provisión de Felipe III, fueron aprobados los estatutos. En 1630, Felipe IV, a petición de la Universidad de Baeza, impidió la materialización de la de Jaén. En 1667 por Real Cedula se produce el hermanamiento entre las Universidades de Baeza y Salamanca. A partir de este momento en el edificio se impartieron clases de latín y primera enseñanza; posteriormente fue colegio de humanidades e Instituto libre, y desde 1875 ha venido siendo Instituto de Bachillerato. Ejercieron como profesores el doctor Vicens Vives, el poeta Antonio Machado, que impartió clase de Francés desde 1912 a 1919, la historiadora Mª Encarnación Álvarez, etc. Aquí aprendieron el político de Alfonso XIII José Yaguas Messías, el catedrático de Arte Láinez Alcaraz, el historiador Tuñón de Lara, el juez Baltasar Garzón, etc. A partir de 1979 el edificio se vincula nuevamente a la enseñanza universitaria, albergando la sede de la Universidad de Verano «Antonio Machado», hasta su traslado en el año 1992, que pasa al Seminario y al Palacio de Jabalquinto. Destaca el aula museo, en el que el poeta Antonio Machado explicó gramática francesa, así como el Paraninfo, de planta cuadrada, con gradas de madera adosadas a las paredes, y dos cátedras de madera labrada, con dos escudos. El techo es un artesonado de madera, de par y nudillo con tirantes. De sus muros cuelgan tres cuadros de interés histórico que representan a otros tantos personajes relacionados con esta Universidad: a Rodrigo López, a San Juan de Ávila, y a Diego Pérez de Valdivia, posiblemente de la escuela granadina del siglo XVII al XVIII. También hay una pintura copia del siglo XIX de La Trinidad de Ribera. En su bien dotada biblioteca se encuentran las bulas, fundacional y confirmatorias, y un archivo histórico. La Iglesia de San Juan Evangelista fue la capilla de la antigua Universidad. A la portada de la cuesta de las Escuelas se accede a través de una lonja cerrada por una cancela de forja, entre pilares cuadrados de piedra. A los pies del templo hay un coro alto, con baranda de balaustres de madera. En el Altar Mayor está centrado el Cristo de la Misericordia, renacentista. Su cruz tal vez sea la más antigua de la ciudad, pues en el mástil se halla la fecha y la firma del orfebre que la labró: 1504. (Wikipedia)

  

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La ópera china es el nombre que recibe el teatro tradicional en China. El director Wang Yida, definió el teatro chino como "arte que sintetiza actuación, acrobacia, artes marciales, bellas artes, música y poesía".1

Se remonta a la dinastía Tang con el Emperador Xuanzong (712-755), fundador del "Jardín de los Perales" (梨园), la primera compañía documentada en China, y casi exclusivamente al servicio de los emperadores.nota 1 Durante la dinastía Yuan (1279-1368), se introdujeron en la ópera las variedades como el Zaju (杂剧), con actuaciones basadas en esquemas de rima y personajes tipo: "Dan" (旦, femenino), "Sheng" (生, masculino) y "Chou" (丑, payaso). En el siglo XXI, las profesiones de la ópera son todavía llamadas Disciplinas del Jardín de los Perales (梨园子弟).

es.wikipedia.org/wiki/Ópera_china

 

La Ópera de Pekín (en chino: 京剧 jīngjù o 京戏 jīngxì), es una clase de Ópera China que se inició a mediados del siglo XIX y que se hizo extremadamente popular entre la corte de la dinastía Qing. Está considerada como una de las máximas expresiones de la cultura de China.

El 16 de noviembre de 2010, la Unesco declaró la Ópera de Pekín como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad1

La ópera de Pekín tiene cuatro tipos diferentes de personajes, tres masculinos y uno femenino:

Jing: Personaje masculino dotado de una gran fuerza de voluntad. Se le reconoce con facilidad ya que

siempre lleva un maquillaje excesivo.

Sheng: Personaje masculino que presenta tres variantes diferentes; el Sheng Guerrero, el Sheng joven y el Sheng mayor.

Ch’ou: Personaje masculino. Es el bufón de la obra.

Tan: Personaje femenino. Este personaje tiene también distintas variantes: Tan mayor, Tan flor (una joven alegre y un tanto descarada), Tan verde (mujer joven y de gran rectitud) y Tan del caballo y la espada (una mujer que domina tan bien la caligrafía como el arte de la guerra).

Es importante también el color del vestuario que utilizan los actores. Así el color negro representa un carácter atrevido; el blanco sirve para representar a una persona mentirosa; el azul indica a un personaje frío y calculador; y el rojo se utiliza para personajes valientes y leales. Los colores dorados y plateados se utilizan para representar a dioses.

Los argumentos de la ópera de Pekín son muy variados y van desde las intrigas de la corte hasta hazañas militares. Importa tanto la música como los gestos, las acrobacias y los cantos. Algunas representaciones pueden durar hasta seis horas.

es.wikipedia.org/wiki/Ópera_de_Pekín

Yueju Opera (Chinese: 越剧),is a Chinese opera popular in China. It originated in Shengxian County(namely Shengzhou). The word "Yue" in Chinese means Zhejiang province and the regions around it. "ju" means (Chinese) opera. At present, Yueju Opera is the second most popular opera in China, after the Beijing Opera.

simple.wikipedia.org/wiki/Yueju_Opera

 

Traditional Chinese opera (Chinese: 戲曲; pinyin: xìqǔ; Jyutping: hei3 kuk1), or Xiqu, is a popular form of drama and musical theatre in China with roots going back to the early periods in China. It is a composite performance art that is an amalgamation of various art forms that existed in ancient China, and evolved gradually over more than a thousand years, reaching its mature form in the 13th century during the Song Dynasty. Early forms of Chinese theater are simple, but over time they incorporated various art forms, such as music, song and dance, martial arts, acrobatics, as well as literary art forms to become traditional Chinese opera.[1]

There are numerous regional branches of traditional Chinese opera, including the Beijing opera, Shaoxing opera, Cantonese opera and kunqu and Lvju.

 

en.wikipedia.org/wiki/Chinese_opera

 

Peking opera, or Beijing opera (Chinese: 京剧; pinyin: Jīngjù), is a form of Chinese opera which combines music, vocal performance, mime, dance and acrobatics. It arose in the late 18th century and became fully developed and recognized by the mid-19th century.[1] The form was extremely popular in the Qing dynasty court and has come to be regarded as one of the cultural treasures of China.[2] Major performance troupes are based in Beijing and Tianjin in the north and Shanghai in the south.[3] The art form is also preserved in Taiwan (Republic of China), where it is known as Guójù (traditional Chinese: 國劇; simplified Chinese: 国剧; "National theatre"). It has also spread to other countries such as the United States and Japan.[4]

The roles on the Peking Opera stage fall into four major roles-Sheng (生), Dan (旦), Jing (净), Chou (丑).[44]

Sheng (生): refer to men, divided into Laosheng (老生),Xiaosheng (小生),Wusheng (武生)

Dan (旦): refer to women, divided into Zhengdan (正旦), Laodan (老旦), Huadan (花旦), Wudan (武旦), Daomadan (刀马旦)

Jing (净): refer to painted-face role, know popularly as Hualian, divided into Zhengjing (正净), Fujing (副净), Wujing (武净), Maojing (毛净)

Chou (丑): refer to painted-face role, know popularly as Xiao hualian, divided into Wenchou (文丑), Wuchou (武丑), Nüchou (女丑)

The Dan (旦) refers to any female role in Peking opera. Dan roles were originally divided into five subtypes. Old women were played by laodan, martial women were wudan, young female warriors were daomadan, virtuous and elite women were qingyi, and vivacious and unmarried women were huadan. One of Mei Lanfang's most important contributions to Peking opera was in pioneering a sixth type of role, the huashan. This role type combines the status of the qingyi with the sensuality of the huadan.[54] A troupe will have a young Dan to play main roles, as well as an older Dan for secondary parts.[49] Four examples of famous Dans are Mei Lanfang, Cheng Yanqiu, Shang Xiaoyun, and Xun Huisheng.[55] In the early years of Peking opera, all Dan roles were played by men. Wei Changsheng, a male Dan performer in the Qing court, developed the cai qiao, or "false foot" technique, to simulate the bound feet of women and the characteristic gait that resulted from the practice. The ban on female performers also led to a controversial form of brothel, known as the xianggong tangzi, in which men paid to have sex with young boys dressed as females. Ironically, the performing skills taught to the youths employed in these brothels led many of them to become professional Dan later in life.[56]

en.wikipedia.org/wiki/Peking_opera

 

El entierro de Cristo es una obra maestra del escultor de origen francés y afincado en Valladolid (comunidad autónoma de Castilla y León, España), Juan de Juni. Fue realizada entre 1541-1545. Es el primer grupo escultórico documentado que Juan de Juni hace para la ciudad de Valladolid, según se reseña en su primer testamento redactado en Salamanca. Fray Guevara le encargó el conjunto escultórico para colocarlo en el retablo de su capilla funeraria recién edificada en el desaparecido convento de San Francisco. Demolido en 1836, esa obra fue resguardada por el Estado.

Es pieza muy destacada del Museo Nacional de Escultura, en Valladolid, en cuya colección se hallan otras obras valiosas de Juni. No se conserva la arquitectura del retablo donde estaba instalado el grupo.

El Santo Entierro, escultura en madera policromada, que perteneció al retablo de la capilla del Sepulcro o del Obispo de Mondoñedo en el claustro del desaparecido convento de San Francisco en Valladolid, actualmente en el Museo Nacional de Escultura, en Valladolid, España.

Juan de Juni (Joigny, Francia, 1506-Valladolid, 10 de abril de 1577) fue un escultor franco-español.

Junto con Alonso Berruguete, Juni formó la gran escuela de la escultura castellana, con una gran y extensa obra realizada mayormente en los más de treinta años que permaneció en Valladolid. Eso le ha valido su presencia destacada en el Museo Nacional de Escultura, especialmente, y en el Museo Diocesano y Catedralicio de Valladolid, entre otros lugares de la ciudad.

Presentó un gran dominio en los materiales escultóricos como el barro cocido, la piedra y la madera y un perfecto conocimiento de la anatomía humana.

Su oficio fue el de escultor, también denominado como «maestro de hacer imágenes» o como entallador que por misión tenía el hacer los elementos decorativos de fachadas, portadas o retablos, así también se dedicó a la construcción y al montaje de la arquitectura de los retablos a quienes se les llamaba ensamblador y como prueba de su oficio de arquitectura se sabe que realizó en el año 1565, en Valladolid, el Arco para recibir a la reina Isabel de Valois, conservándose aún el diseño de dicha obra (Wikiepedia) .

 

El centro sobre el que gira la composición es la figura yacente de Cristo, ya muerto, ha sido descendido de la cruz. A su alrededor seis figuras más se disponen a embalsamarlo y llorar su muerte. Cerca del espectador, en la cabeza de Cristo, José de Arimatea sostiene con gesto teatral una espina que le acaba de retirar de la cabeza, tras él Salomé sostiene la corona de espinas y un paño. En la esquina contraria María Magdalena, que lleva un ánfora y un paño, aparece hablando con Nicodemo. Las dos figuras centrales que aparecen tras el cuerpo del yacente son María, la Madre de Dios, y San Juan, el discípulo amado. La Virgen cae sobre el cuerpo de su hijo muerto en un gesto de profunda tristeza y dolor, mientras San Juan trata de consolarla y erguirla.

Las figuras son de mayor tamaño que el natural y están tratadas de manera monumental con una gran corporeidad. La fuerza que desprende cada uno de los personajes nos remite a la terribilitá miguelangelesca que Juan de Juni podría haber conocido en Italia. La monumentalidad de las figuras está remarcada por los ampulosos pliegues redondeados de sus vestiduras y sus posturas son teatrales, en algunos casos con potentes escorzos y muy torsionados. Así el escultor pretende trasmitir al espectador el sentimiento de dolor y tensión del momento.

  

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La obra mundialmente conocida de Diego Velazquez "Las Meninas" ha servido de inspiración para la creación de 80 esculturas en forma de Meninas ideadas por Antonio Azzato y customizadas por personajes populares como el cantante Alejandro Sanz o el modista Lorenzo Caprile bajo la denominación de "Meninas Madrid Gallery" y que adornanarán hasta el mes de julio algunas de las calles de Madrid .

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The world-famous work of Diego Velazquez "Las Meninas" has served as inspiration for the creation of 80 sculptures in the form of Meninas devised by Antonio Azzato and customized by popular figures such as the singer Alejandro Sanz or the dressmaker Lorenzo Caprile under the name of "Meninas Madrid Gallery "and that they will adorn until the month of July some of the streets of Madrid

  

Antigua Universidad e Iglesia de San Juan Evangelista (s. XVI)

Este gran edificio de la arquitectura civil, buen representante del manierismo de la ciudad, fue realizado por orden del Administrador y Canónigo Don Pedro Fernández de Córdoba en el solar del convento franciscano de San León, cedida en 1571. Las obras finalizaron en 1593, a excepción de la fachada y la Capilla Mayor, que se terminaron en el siglo XVII. El traslado definitivo de la Universidad a su nueva sede tuvo lugar en 1595. En 1609, mediante una Real Provisión de Felipe III, fueron aprobados los estatutos. En 1630, Felipe IV, a petición de la Universidad de Baeza, impidió la materialización de la de Jaén. En 1667 por Real Cedula se produce el hermanamiento entre las Universidades de Baeza y Salamanca. A partir de este momento en el edificio se impartieron clases de latín y primera enseñanza; posteriormente fue colegio de humanidades e Instituto libre, y desde 1875 ha venido siendo Instituto de Bachillerato. Ejercieron como profesores el doctor Vicens Vives, el poeta Antonio Machado, que impartió clase de Francés desde 1912 a 1919, la historiadora Mª Encarnación Álvarez, etc. Aquí aprendieron el político de Alfonso XIII José Yaguas Messías, el catedrático de Arte Láinez Alcaraz, el historiador Tuñón de Lara, el juez Baltasar Garzón, etc. A partir de 1979 el edificio se vincula nuevamente a la enseñanza universitaria, albergando la sede de la Universidad de Verano «Antonio Machado», hasta su traslado en el año 1992, que pasa al Seminario y al Palacio de Jabalquinto. Destaca el aula museo, en el que el poeta Antonio Machado explicó gramática francesa, así como el Paraninfo, de planta cuadrada, con gradas de madera adosadas a las paredes, y dos cátedras de madera labrada, con dos escudos. El techo es un artesonado de madera, de par y nudillo con tirantes. De sus muros cuelgan tres cuadros de interés histórico que representan a otros tantos personajes relacionados con esta Universidad: a Rodrigo López, a San Juan de Ávila, y a Diego Pérez de Valdivia, posiblemente de la escuela granadina del siglo XVII al XVIII. También hay una pintura copia del siglo XIX de La Trinidad de Ribera. En su bien dotada biblioteca se encuentran las bulas, fundacional y confirmatorias, y un archivo histórico.

 

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La ópera china es el nombre que recibe el teatro tradicional en China. El director Wang Yida, definió el teatro chino como "arte que sintetiza actuación, acrobacia, artes marciales, bellas artes, música y poesía".1

Se remonta a la dinastía Tang con el Emperador Xuanzong (712-755), fundador del "Jardín de los Perales" (梨园), la primera compañía documentada en China, y casi exclusivamente al servicio de los emperadores.nota 1 Durante la dinastía Yuan (1279-1368), se introdujeron en la ópera las variedades como el Zaju (杂剧), con actuaciones basadas en esquemas de rima y personajes tipo: "Dan" (旦, femenino), "Sheng" (生, masculino) y "Chou" (丑, payaso). En el siglo XXI, las profesiones de la ópera son todavía llamadas Disciplinas del Jardín de los Perales (梨园子弟).

es.wikipedia.org/wiki/Ópera_china

 

La Ópera de Pekín (en chino: 京剧 jīngjù o 京戏 jīngxì), es una clase de Ópera China que se inició a mediados del siglo XIX y que se hizo extremadamente popular entre la corte de la dinastía Qing. Está considerada como una de las máximas expresiones de la cultura de China.

El 16 de noviembre de 2010, la Unesco declaró la Ópera de Pekín como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad1

La ópera de Pekín tiene cuatro tipos diferentes de personajes, tres masculinos y uno femenino:

Jing: Personaje masculino dotado de una gran fuerza de voluntad. Se le reconoce con facilidad ya que

siempre lleva un maquillaje excesivo.

Sheng: Personaje masculino que presenta tres variantes diferentes; el Sheng Guerrero, el Sheng joven y el Sheng mayor.

Ch’ou: Personaje masculino. Es el bufón de la obra.

Tan: Personaje femenino. Este personaje tiene también distintas variantes: Tan mayor, Tan flor (una joven alegre y un tanto descarada), Tan verde (mujer joven y de gran rectitud) y Tan del caballo y la espada (una mujer que domina tan bien la caligrafía como el arte de la guerra).

Es importante también el color del vestuario que utilizan los actores. Así el color negro representa un carácter atrevido; el blanco sirve para representar a una persona mentirosa; el azul indica a un personaje frío y calculador; y el rojo se utiliza para personajes valientes y leales. Los colores dorados y plateados se utilizan para representar a dioses.

Los argumentos de la ópera de Pekín son muy variados y van desde las intrigas de la corte hasta hazañas militares. Importa tanto la música como los gestos, las acrobacias y los cantos. Algunas representaciones pueden durar hasta seis horas.

es.wikipedia.org/wiki/Ópera_de_Pekín

Yueju Opera (Chinese: 越剧),is a Chinese opera popular in China. It originated in Shengxian County(namely Shengzhou). The word "Yue" in Chinese means Zhejiang province and the regions around it. "ju" means (Chinese) opera. At present, Yueju Opera is the second most popular opera in China, after the Beijing Opera.

simple.wikipedia.org/wiki/Yueju_Opera

 

Traditional Chinese opera (Chinese: 戲曲; pinyin: xìqǔ; Jyutping: hei3 kuk1), or Xiqu, is a popular form of drama and musical theatre in China with roots going back to the early periods in China. It is a composite performance art that is an amalgamation of various art forms that existed in ancient China, and evolved gradually over more than a thousand years, reaching its mature form in the 13th century during the Song Dynasty. Early forms of Chinese theater are simple, but over time they incorporated various art forms, such as music, song and dance, martial arts, acrobatics, as well as literary art forms to become traditional Chinese opera.[1]

There are numerous regional branches of traditional Chinese opera, including the Beijing opera, Shaoxing opera, Cantonese opera and kunqu and Lvju.

 

en.wikipedia.org/wiki/Chinese_opera

 

Peking opera, or Beijing opera (Chinese: 京剧; pinyin: Jīngjù), is a form of Chinese opera which combines music, vocal performance, mime, dance and acrobatics. It arose in the late 18th century and became fully developed and recognized by the mid-19th century.[1] The form was extremely popular in the Qing dynasty court and has come to be regarded as one of the cultural treasures of China.[2] Major performance troupes are based in Beijing and Tianjin in the north and Shanghai in the south.[3] The art form is also preserved in Taiwan (Republic of China), where it is known as Guójù (traditional Chinese: 國劇; simplified Chinese: 国剧; "National theatre"). It has also spread to other countries such as the United States and Japan.[4]

The roles on the Peking Opera stage fall into four major roles-Sheng (生), Dan (旦), Jing (净), Chou (丑).[44]

Sheng (生): refer to men, divided into Laosheng (老生),Xiaosheng (小生),Wusheng (武生)

Dan (旦): refer to women, divided into Zhengdan (正旦), Laodan (老旦), Huadan (花旦), Wudan (武旦), Daomadan (刀马旦)

Jing (净): refer to painted-face role, know popularly as Hualian, divided into Zhengjing (正净), Fujing (副净), Wujing (武净), Maojing (毛净)

Chou (丑): refer to painted-face role, know popularly as Xiao hualian, divided into Wenchou (文丑), Wuchou (武丑), Nüchou (女丑)

The Dan (旦) refers to any female role in Peking opera. Dan roles were originally divided into five subtypes. Old women were played by laodan, martial women were wudan, young female warriors were daomadan, virtuous and elite women were qingyi, and vivacious and unmarried women were huadan. One of Mei Lanfang's most important contributions to Peking opera was in pioneering a sixth type of role, the huashan. This role type combines the status of the qingyi with the sensuality of the huadan.[54] A troupe will have a young Dan to play main roles, as well as an older Dan for secondary parts.[49] Four examples of famous Dans are Mei Lanfang, Cheng Yanqiu, Shang Xiaoyun, and Xun Huisheng.[55] In the early years of Peking opera, all Dan roles were played by men. Wei Changsheng, a male Dan performer in the Qing court, developed the cai qiao, or "false foot" technique, to simulate the bound feet of women and the characteristic gait that resulted from the practice. The ban on female performers also led to a controversial form of brothel, known as the xianggong tangzi, in which men paid to have sex with young boys dressed as females. Ironically, the performing skills taught to the youths employed in these brothels led many of them to become professional Dan later in life.[56]

en.wikipedia.org/wiki/Peking_opera

 

El entierro de Cristo es una obra maestra del escultor de origen francés y afincado en Valladolid (comunidad autónoma de Castilla y León, España), Juan de Juni. Fue realizada entre 1541-1545. Es el primer grupo escultórico documentado que Juan de Juni hace para la ciudad de Valladolid, según se reseña en su primer testamento redactado en Salamanca. Fray Guevara le encargó el conjunto escultórico para colocarlo en el retablo de su capilla funeraria recién edificada en el desaparecido convento de San Francisco. Demolido en 1836, esa obra fue resguardada por el Estado.

Es pieza muy destacada del Museo Nacional de Escultura, en Valladolid, en cuya colección se hallan otras obras valiosas de Juni. No se conserva la arquitectura del retablo donde estaba instalado el grupo.

El Santo Entierro, escultura en madera policromada, que perteneció al retablo de la capilla del Sepulcro o del Obispo de Mondoñedo en el claustro del desaparecido convento de San Francisco en Valladolid, actualmente en el Museo Nacional de Escultura, en Valladolid, España.

Juan de Juni (Joigny, Francia, 1506-Valladolid, 10 de abril de 1577) fue un escultor franco-español.

Junto con Alonso Berruguete, Juni formó la gran escuela de la escultura castellana, con una gran y extensa obra realizada mayormente en los más de treinta años que permaneció en Valladolid. Eso le ha valido su presencia destacada en el Museo Nacional de Escultura, especialmente, y en el Museo Diocesano y Catedralicio de Valladolid, entre otros lugares de la ciudad.

Presentó un gran dominio en los materiales escultóricos como el barro cocido, la piedra y la madera y un perfecto conocimiento de la anatomía humana.

Su oficio fue el de escultor, también denominado como «maestro de hacer imágenes» o como entallador que por misión tenía el hacer los elementos decorativos de fachadas, portadas o retablos, así también se dedicó a la construcción y al montaje de la arquitectura de los retablos a quienes se les llamaba ensamblador y como prueba de su oficio de arquitectura se sabe que realizó en el año 1565, en Valladolid, el Arco para recibir a la reina Isabel de Valois, conservándose aún el diseño de dicha obra (Wikiepedia) .

  

Alonso González Berruguete (Paredes de Nava, c.1490-Toledo, 1561) fue un escultor español, hijo del pintor Pedro Berruguete y uno de los referentes fundamentales de la escultura española del Renacimiento. También realizó obras pictóricas.

La colección más importante de su obra se encuentra en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid.

Como hijo de un pintor afamado, aprendió pintura y escultura en el taller familiar; sus obras de entonces evidencian el contacto con los escultores activos en Castilla, fundamentalmente en Burgos, Ávila, Valladolid y Palencia.

Desde 1507 estuvo en Italia ampliando sus conocimientos de pintura, principalmente en Florencia, donde debió llegar hacia 1512. Allí es citado varias veces por Vasari en sus Vidas de artistas, quien constata sus contactos con Bramante, Miguel Ángel y Leonardo da Vinci. Estuvo entre los manieristas toscanos discípulos de Andrea del Sarto y hay quien afirma que participó activamente en la génesis del Manierismo pictórico florentino. Ejemplos de ello son tres curiosas pinturas: un tondo de La Virgen con el Niño y san Juanito (Florencia, Palazzo Vecchio), una Salomé (Galería de los Uffizi) y una Alegoría de la Templanza, de concepto similar a la obra anterior y que era inédita hasta fecha reciente. Ha sido adquirida por el Museo del Prado en 2017, pasando a ser el primer ejemplo del artista en la pinacoteca madrileña [1].

Copió el Laocoonte y sus hijos recién descubierto en Roma por encargo de Bramante, y eso hace suponer que se alineaba en el grupo rival de Miguel Ángel. Vasari lo nombra al hablar de la vida de Sansovino que estuvo en Roma a partir de 1506. (Wikipedia)

 

El centro sobre el que gira la composición es la figura yacente de Cristo, ya muerto, ha sido descendido de la cruz. A su alrededor seis figuras más se disponen a embalsamarlo y llorar su muerte. Cerca del espectador, en la cabeza de Cristo, José de Arimatea sostiene con gesto teatral una espina que le acaba de retirar de la cabeza, tras él Salomé sostiene la corona de espinas y un paño. En la esquina contraria María Magdalena, que lleva un ánfora y un paño, aparece hablando con Nicodemo. Las dos figuras centrales que aparecen tras el cuerpo del yacente son María, la Madre de Dios, y San Juan, el discípulo amado. La Virgen cae sobre el cuerpo de su hijo muerto en un gesto de profunda tristeza y dolor, mientras San Juan trata de consolarla y erguirla.

Las figuras son de mayor tamaño que el natural y están tratadas de manera monumental con una gran corporeidad. La fuerza que desprende cada uno de los personajes nos remite a la terribilitá miguelangelesca que Juan de Juni podría haber conocido en Italia. La monumentalidad de las figuras está remarcada por los ampulosos pliegues redondeados de sus vestiduras y sus posturas son teatrales, en algunos casos con potentes escorzos y muy torsionados. Así el escultor pretende trasmitir al espectador el sentimiento de dolor y tensión del momento.

 

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Los fotógrafos minuteros estuvieron presentes durante el siglo pasado en todas las ciudades y pueblos de importancia. Practicaron un oficio tradicional que a día de hoy se encuentra prácticamente extinto en España, sostenido por un puñado de fotógrafos que luchan por su reconocimiento con no pocos esfuerzos.

Con sus cámaras de cajón, construidas por ellos mismos, se instalaban en parques y plazas, y allí tomaban sus fotografías ante la expectación de la gente, que veía al fotógrafo maniobrar dentro de esa extraña caja y sacar a los pocos minutos un retrato ya revelado, como un auténtico prestidigitador.

Los Vallisoletanos, cuentan con la suerte de tener como personaje recordado y valorado en su ciudad, al fotógrafo del Campo Grande, Vicente Muñoz.

El Campo Grande es el parque más querido por los vallisoletanos y pulmón verde de la ciudad y donde se disponen las casetas de la Feria del Libro Antiguo y Ocasión.

El Campo Grande es un gran parque público de la ciudad de Valladolid. Tiene forma triangular y uno de sus lados hace tres quebraduras; cuenta con 93 406 000 m² de superficie y está limitado por la Calle de la Acera de Recoletos, el Paseo de los Filipinos y el Paseo de Zorrilla. El total de la zona considerada como Campo Grande no comprende solamente los extensos jardines rodeados por una verja sino los tres paseos o salones paralelos a la Acera de Recoletos. El del centro se conoce como Paseo Central del Campo Grande. El acceso principal a los jardines se encuentra en la Plaza de Zorrilla, a través de una puerta moderna; a su lado se halla un escudo de la ciudad diseñado con flores. Los jardines están cerrados por una sencilla verja que sirve de protección en las horas nocturnas y que tiene puertas en todos sus lados. Dentro de esta verja no se incluyen los tres paseos, el Central y los dos laterales.

Su origen como parque o como zona ajardinada, se remonta a 1787, aunque ya desde el siglo xv hay que considerarlo como un espacio urbano de gran importancia. Un aspecto notable del parque es la abundante población avícola. Repartidos por su superficie se encuentra una faisanera, una pajarera y un palomar, perteneciente al Club Colombófilo de Castilla, que hacen que los pavos reales, faisanes y palomas sean muy numerosos (además de tórtolas, gallinas enanas, periquitos y cacatúas) y se hayan convertido en los auténticos habitantes del parque. Tiene una gran variedad de árboles que constituyen un verdadero jardín botánico.

En algunos momentos de su historia se denominó Campo de la Verdad y posteriormente Campo de Marte, pero finalmente se consolidó el nombre de Campo Grande. (Wikipedia)

 

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El entierro de Cristo es una obra maestra del escultor de origen francés y afincado en Valladolid (comunidad autónoma de Castilla y León, España), Juan de Juni. Fue realizada entre 1541-1545. Es el primer grupo escultórico documentado que Juan de Juni hace para la ciudad de Valladolid, según se reseña en su primer testamento redactado en Salamanca. Fray Guevara le encargó el conjunto escultórico para colocarlo en el retablo de su capilla funeraria recién edificada en el desaparecido convento de San Francisco. Demolido en 1836, esa obra fue resguardada por el Estado.

Es pieza muy destacada del Museo Nacional de Escultura, en Valladolid, en cuya colección se hallan otras obras valiosas de Juni. No se conserva la arquitectura del retablo donde estaba instalado el grupo.

El Santo Entierro, escultura en madera policromada, que perteneció al retablo de la capilla del Sepulcro o del Obispo de Mondoñedo en el claustro del desaparecido convento de San Francisco en Valladolid, actualmente en el Museo Nacional de Escultura, en Valladolid, España.

Juan de Juni (Joigny, Francia, 1506-Valladolid, 10 de abril de 1577) fue un escultor franco-español.

Junto con Alonso Berruguete, Juni formó la gran escuela de la escultura castellana, con una gran y extensa obra realizada mayormente en los más de treinta años que permaneció en Valladolid. Eso le ha valido su presencia destacada en el Museo Nacional de Escultura, especialmente, y en el Museo Diocesano y Catedralicio de Valladolid, entre otros lugares de la ciudad.

Presentó un gran dominio en los materiales escultóricos como el barro cocido, la piedra y la madera y un perfecto conocimiento de la anatomía humana.

Su oficio fue el de escultor, también denominado como «maestro de hacer imágenes» o como entallador que por misión tenía el hacer los elementos decorativos de fachadas, portadas o retablos, así también se dedicó a la construcción y al montaje de la arquitectura de los retablos a quienes se les llamaba ensamblador y como prueba de su oficio de arquitectura se sabe que realizó en el año 1565, en Valladolid, el Arco para recibir a la reina Isabel de Valois, conservándose aún el diseño de dicha obra (Wikiepedia) .

  

Alonso González Berruguete (Paredes de Nava, c.1490-Toledo, 1561) fue un escultor español, hijo del pintor Pedro Berruguete y uno de los referentes fundamentales de la escultura española del Renacimiento. También realizó obras pictóricas.

La colección más importante de su obra se encuentra en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid.

Como hijo de un pintor afamado, aprendió pintura y escultura en el taller familiar; sus obras de entonces evidencian el contacto con los escultores activos en Castilla, fundamentalmente en Burgos, Ávila, Valladolid y Palencia.

Desde 1507 estuvo en Italia ampliando sus conocimientos de pintura, principalmente en Florencia, donde debió llegar hacia 1512. Allí es citado varias veces por Vasari en sus Vidas de artistas, quien constata sus contactos con Bramante, Miguel Ángel y Leonardo da Vinci. Estuvo entre los manieristas toscanos discípulos de Andrea del Sarto y hay quien afirma que participó activamente en la génesis del Manierismo pictórico florentino. Ejemplos de ello son tres curiosas pinturas: un tondo de La Virgen con el Niño y san Juanito (Florencia, Palazzo Vecchio), una Salomé (Galería de los Uffizi) y una Alegoría de la Templanza, de concepto similar a la obra anterior y que era inédita hasta fecha reciente. Ha sido adquirida por el Museo del Prado en 2017, pasando a ser el primer ejemplo del artista en la pinacoteca madrileña [1].

Copió el Laocoonte y sus hijos recién descubierto en Roma por encargo de Bramante, y eso hace suponer que se alineaba en el grupo rival de Miguel Ángel. Vasari lo nombra al hablar de la vida de Sansovino que estuvo en Roma a partir de 1506. (Wikipedia)

 

El centro sobre el que gira la composición es la figura yacente de Cristo, ya muerto, ha sido descendido de la cruz. A su alrededor seis figuras más se disponen a embalsamarlo y llorar su muerte. Cerca del espectador, en la cabeza de Cristo, José de Arimatea sostiene con gesto teatral una espina que le acaba de retirar de la cabeza, tras él Salomé sostiene la corona de espinas y un paño. En la esquina contraria María Magdalena, que lleva un ánfora y un paño, aparece hablando con Nicodemo. Las dos figuras centrales que aparecen tras el cuerpo del yacente son María, la Madre de Dios, y San Juan, el discípulo amado. La Virgen cae sobre el cuerpo de su hijo muerto en un gesto de profunda tristeza y dolor, mientras San Juan trata de consolarla y erguirla.

Las figuras son de mayor tamaño que el natural y están tratadas de manera monumental con una gran corporeidad. La fuerza que desprende cada uno de los personajes nos remite a la terribilitá miguelangelesca que Juan de Juni podría haber conocido en Italia. La monumentalidad de las figuras está remarcada por los ampulosos pliegues redondeados de sus vestiduras y sus posturas son teatrales, en algunos casos con potentes escorzos y muy torsionados. Así el escultor pretende trasmitir al espectador el sentimiento de dolor y tensión del momento.

 

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Las minas de sal de Wieliczka.

Están en la ciudad polaca de perteneciente al área metropolitana de Cracovia. Han sido explotadas sin interrupción desde el siglo XIII, y aún hoy en día siguen produciendo sal de mesa. Alcanzan una profundidad de 327 metros y su longitud supera los trescientos kilómetros. Reciben el sobrenombre de "la catedral subterránea de la sal de Polonia".

Es una de las minas de sal activas más antiguas del mundo. La más antigua está en Bochnia, también en Polonia, a veinte kilómetros de Wieliczka. (Wikipedia)

Estas minas incluyen un recorrido turístico de 3,5 kilómetros que contiene estatuas de personajes míticos e históricos, esculpidas en la roca de sal por los mineros. Incluso los cristales de los candelabros están hechos de sal. También hay cámaras y capillas excavadas en la sal, un lago subterráneo y exposiciones que ilustran la historia de la minería de la sal. Recibe unos 800.000 visitantes al año.

A lo largo de los siglos, célebres personajes han visitado las minas, entre los que cabe citar a Nicolás Copérnico, Johann Wolfgang von Goethe, Alexander von Humboldt, Dimitri Mendeleyev, Ignacy Jan Paderewski, Robert Baden-Powell, Karol Wojtyła, Bill Clinton, así como muchas testas coronadas.

Durante la Segunda Guerra Mundial, los alemanes usaron las minas como almacén de guerra.

Las galerías laberínticas de las minas inspiraron al escritor polaco Bolesław Prus varias escenas de su novela histórica Faraón (1895).

En 1978 las minas de sal de Wieliczka fueron declaradas Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. (Wikipedia)

 

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Goupil le Renard (Vulpes vulpes)

 

Maman Renard en chasse....

 

La mythologie populaire a peu de personnages aussi complet que le Renard , le rusé , le malin . Goupil ancien nom du Renard au moyen-âge.

 

Mama Fox , the FoxLady hunting....

 

Popular mythology has few characters as complete as the Fox, the cunning, the clever. Goupil former name of the Fox in the Middle Ages.

La mitología popular tiene pocos personajes tan completos como el Zorro, la astucia, el ingenioso. Goupil antiguo nombre de Fox en la Edad Media.

 

Focus distance : 23.7 m

Entre la multitud de lugares interesantes, podemos apreciar en En un rincón del Mercado de la Cuidad Vieja ("Rynek Staromiejski") un singular personaje que llamó mi atención. A la sombra del ayuntamiento un violinista de bronce se afana en tocar una imaginaria melodía, observado por una multitud de ranas doradas a su alrededor.

Podría ser una estatua cualquiera en medio de la ciudad, pero su melodía callada esconde la leyenda de un héroe, que salvó a Torun de una plaga de ranas tocando el violín, embelesándolas hasta conducirlas lejos, muy lejos, más allá de las imponentes murallas de la villa.

Quizá fue un primo del flautista de Hamelín, o quizá éste aprendió a tocar el violín... o puede ser que nunca existiese un flautista…

(Wikipedia)

 

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Historia de la catedral de Zúrich

Fue fundada por Carlomagno, después de que su caballo se detuviera sobre la tumba de tres personajes mártires cristianos antiguos.

Así pues, Félix, Regula y Exuperancio llegaron a Zúrich, donde fueron torturados y asesinados.

Según la tradición que se mantenía en la época, fueron sumergidos en aceite hirviendo y obligados a beber plomo fundido.

Aun así, se negaron a renunciar a su fe. Antes de su ejecución, con las escasas fuerzas restantes ¿¿--¿?, se encargaron de cavar sus propias tumbas en la colina donde fueron enterrados.

Fue allí donde en 1090 se inició la construcción de Grossmünster y se completó en 1230.

Así pues, la iglesia fue dedicada a estos tres personajes convertidos en santos patrones de Zúrich. Los restos de los mártires se encuentran divididos entre la iglesia de Andermatt y de San Félix y Régula.

La torre del lado norte que se encarga de sostener las campanas, era más alta que la del sur y no fue hasta en el siglo XV cuando se elevó la torre del lado sur para lograr así que coincidieran.

La iglesia se volvió más relevante gracias a un hombre llamado Huldrych Zwingli (1484-1531); uno de los líderes más grandes de la reforma.

La ciudad de Zúrich se convirtió en un centro religioso que llamó la atención a teólogos y estudiantes de distintos lugares.

Ya en el año de 1529 ciudades como San Galo, Berna y Bariela se habían adoptado a esta Reforma.

Durante una guerra en Kappel entre católicos y protestantes fue asesinado Huldrych, en 1531.

No quedaron reliquias y su cadáver fue descuartizado y quemado. En el sitio donde murió se encuentra una inscripción que dice “Puedes matar el cuerpo pero no el alma”. Wikipedia.

 

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Goupil le Renard (Vulpes vulpes)

 

La mythologie populaire a peu de personnages aussi complet que le Renard , le rusé , le malin . Goupil ancien nom du Renard au moyen-âge.

Popular mythology has few characters as complete as the Fox, the cunning, the clever. Goupil former name of the Fox in the Middle Ages.

La mitología popular tiene pocos personajes tan completos como el Zorro, la astucia, el ingenioso. Goupil antiguo nombre de Fox en la Edad Media.

 

Focus distance : 29.9 m

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La vie est probablement ronde

 

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La vida probablemente sea redonda

 

Gaston Bachelard (Fr., 1884 – 1962)

 

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Foto : Campan, muñeca popular. Este pueblo del Pirineo central francés ha guardado esta tradiciób, que consiste en reproducir personajes (aquí, la bruja), en diferentes dimensiones y exponerlas de diversas maneras.

 

*

 

Photo : Mounaque de Campan déguisée en sorcière à une fenêtre . Les mounaques (poupées) sont une des traditions vivantes du village. Des mounaques de différentes tailles sont exposées dans le village, en été notamment

Fachada

Palacio de la Música Catalana,

Barcelona,

Cataluña,

España.

 

La fachada principal se encuentra ubicada en la calle Sant Pere més Alt, único acceso hasta el año 1989, hace esquina con la calle Amadeu Vives, que se resuelve con la inclusión del grupo escultórico "La cançó popular catalana" (La canción popular catalana), del artista Miquel Blay, donde están representados un San Jorge, sobre una figura femenina en el centro como un gran mascarón de proa, que es una alegoría de la música, rodeada de un grupo de personajes que representan al pueblo de Cataluña. Está considerada la obra cumbre del escultor Blay, con una sensibilidad social y un conjunto de gran armonía. La complejidad de la fachada angular a dos calles estrechas hace difícil la visión completa del conjunto.

Según consta en una inscripción al pie de la escultura, ésta fue pagada por el marqués de Castellbell (Joaquim de Cárcer y de Amat), y se inauguró el día 8 de septiembre de 1909.

 

Facade

Catalan Music Palace,

Barcelona,

Catalonia,

Spain.

 

The main facade is located on Sant Pere més Alt street, the only access until 1989, on the corner of Amadeu Vives street, which is resolved with the inclusion of the sculptural group "La cançó popular catalana" (Catalan popular song) , by the artist Miquel Blay, where a Saint George is represented, on a female figure in the center as a great figurehead, which is an allegory of music, surrounded by a group of characters representing the people of Catalonia. It is considered the masterpiece of the sculptor Blay, with a social sensitivity and a set of great harmony. The complexity of the angular façade on two narrow streets makes it difficult to see the whole complex.

According to an inscription at the foot of the sculpture, it was paid for by the Marquis of Castellbell (Joaquim de Cárcer and de Amat), and it was inaugurated the September 8, 1909.

  

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© héctoRcondE

Foto: Javier Lumbreras. Mayo. 1979.

Archivo José Luis Pajares.

ÁLBUM JAVIER LUMBRERAS: www.flickr.com/photos/avilas/albums/72157624932527288

"Panín", popular personaje abulense de la época, es el muchacho que sostiene la partitura.

Color original. Si la miras en GRANDE sobre negro verás por qué ese título.

  

Actuación de "Els DIMONIS DE MANCOR DE LA VALL"

en el Velódromo PALMA ARENA durante el acto de clausura de los XIII Jocs de les Illes,

que reunió durante varios días a atletas de 16 islas europeas.

  

Más "dimonis", en mi galería: www.flickr.com/photos/maytevidri/tags/dimonis/

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Original color and light. If you look it HERE On Black you will understant the title.

 

The devil is part of many popular festivals on the Balearic Islands, representing evil defeated by good, personified in some saint. These characters are much more than a representation of evil, they are the playful aspect of the party to whom is almost everything allowed, thus they become the real main characters of the festival.

Dances and performances of devils, are a tradition deeply rooted in the Catalan-speaking lands, as elsewhere in the Mediterranean. Is believed to have their origin in plays of the Middle Ages.

 

blog.mca-hotels.com/uk/2009/02/05/the-demons-devils-and-b...

 

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Un "intento de traducción" del texto anterior:

El demonio ("dimoni") forma parte de muchas fiestas populares en las Islas Baleares, representando el mal derrotado por el bien, personificado en algún santo. Estos personajes son mucho más que una representación del mal, ellos son el aspecto juguetón de la fiesta a los que está casi todo permitido, así se convierten en los verdaderos protagonistas de la fiesta. Las danzas y las actuaciones (con pirotecnia) de los demonios, son una tradición profundamente arraigada en las tierras de Catalano-parlantes, y alguna otra zona del Mediterráneo. Se cree que tienen su origen en la las Edad Media.

 

Baile de diablos - es.wikipedia.org/wiki/Ball_de_diables

Ball de diables - ca.wikipedia.org/wiki/Ball_de_diables

Demonios de Mallorca www.musicanostra.com/CULTURAPOPULAR/DIMONIS/DIMONISLLL.htm

   

El reloj Anker (en alemán Ankeruhr) es un reloj localizado en Viena, la capital de Austria. Se encuentra situado en Hoher Markt, la plaza más antigua de la ciudad, siendo una popular atracción turística.1 Una de sus particularidades es que cada mediodía doce figuras que lleva incorporadas desfilan juntas mientras suena música clásica vienesa.2

La construcción fue encargada por la Anker Insurance Company, que da nombre al reloj, para decorar un puente que une a dos oficinas de su propiedad.2

Fue diseñado en bronce y cobre por el pintor y escultor Franz Matsch y se finalizó en el año 1914.1 Está inspirado en el estilo del Art nouveau.

El reloj en sí está decorado con adornos de mosaico y, en el trascurso de 12 horas, doce personajes históricos o parejas de figuras se mueven a través de él,3 los cuales son:

•Hora I: Marco Aurelio

•Hora II: Carlomagno

•Hora III: Leopoldo VI

•Hora IV: Walther von der Vogelweide

•Hora V: Rodolfo I de Habsburgo y esposa

•Hora VI: Hans Puchsbaum (arquitecto gótico)

•Hora VII: Maximiliano I de Habsburgo

•Hora VIII: Johann Andreas von Liebenberg (alcalde vienés)

•Hora IX: Ernst Rüdiger von Starhemberg (comandante de la Armada Vienesa durante las guerras habsburgo-otomanas)

•Hora X: Eugenio de Saboya

•Hora XI: María Teresa I de Austria

•Hora XII: Joseph Haydn

es.wikipedia.org/wiki/Reloj_Anker

  

This clock (built 1911 - 1914) was created by the painter and sculptor Franz Matsch and is a typical Art Nouveau design.

It forms a bridge between the two parts of the Anker Insurance Company‘s building. In the course of 12 hours, twelve historical figures or pairs of figures move across the bridge. Every day at noon, all of the figures parade, each accompanied by music from its era. During the Advent season daily at 5 and 6 p.m. Christmas Carols.

 

www.wien.info/en/sightseeing/sights/from-a-to-z/anker-clock

 

Entre la multitud de lugares interesantes, podemos apreciar en En un rincón del Mercado de la Cuidad Vieja ("Rynek Staromiejski") un singular personaje que llamó mi atención. A la sombra del ayuntamiento un violinista de bronce se afana en tocar una imaginaria melodía, observado por una multitud de ranas doradas a su alrededor.

Podría ser una estatua cualquiera en medio de la ciudad, pero su melodía callada esconde la leyenda de un héroe, que salvó a Torun de una plaga de ranas tocando el violín, embelesándolas hasta conducirlas lejos, muy lejos, más allá de las imponentes murallas de la villa.

Quizá fue un primo del flautista de Hamelín, o quizá éste aprendió a tocar el violín... o puede ser que nunca existiese un flautista…

(Wikipedia)

  

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Cementerio Novodévichi, Moscú - Novodevichy Cemetery, Moscow - Новоде́вичье кла́дбище, Москва

 

El Cementerio Novodévichi (en ruso Новодевичье кла́дбище, Novodévichiye kládbishche) es el cementerio más famoso de Moscú, Rusia. Forma parte del conjunto conventual del Monasterio Novodévichi, que data del siglo XVI, declarado en 2004 Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

Fue inaugurado en 1898, cuando ya existían muchos enterramientos en los muros del monasterio. Uno de los primeros personajes notables en ser enterrado en el cementerio fue Antón Chéjov, cuya tumba es obra de Fiódor Shéjtel.

El cementerio alberga más de 27 000 tumbas, entre las que se encuentran las de distinguidos escritores, actores, poetas, científicos, líderes políticos y militares. Se asemeja a un parque, con pequeñas capillas y grandes conjuntos escultóricos. Es un lugar más para visitar en Moscú. Existe la posibilidad de solicitar un plano en la oficina del cementerio.

 

es.wikipedia.org/wiki/Cementerio_Novodévichi

 

Novodevichy Cemetery (Russian: Новоде́вичье кла́дбище, Novodevichye kladbishche) is the most famous cemetery in Moscow. It lies next to the southern wall of the 16th-century Novodevichy Convent, which is the city's third most popular tourist site.

The cemetery was designed by Ivan Mashkov and inaugurated in 1898. Its importance dates from the 1930s, when the necropoleis of the medieval Muscovite monasteries (Simonov, Danilov, Donskoy) were scheduled for demolition. Only the Donskoy survived the Joseph Stalin era relatively intact. The remains of many famous Russians buried in other abbeys, such as Nikolai Gogol and Sergey Aksakov, were disinterred and reburied at the Novodevichy.

A 19th-century necropolis within the walls of the Novodevichy convent, which contained the graves of about 2000 Russian noblemen and university professors, also underwent reconstruction. The vast majority of graves were destroyed. It was at that time that the remains of Anton Chekhov were moved outside the monastery walls. His grave served as the kernel of the so-called "cherry orchard" – a section of the cemetery which contains the graves of Constantin Stanislavski and the leading actors of his company.

Under Soviet rule, burial in the Novodevichy Cemetery was second in prestige only to burial in the Kremlin Wall Necropolis. Among the Soviet leaders, only Nikita Khrushchev was buried at the Novodevichy rather than at the Red Square. Since the fall of the Soviet Union, the Kremlin Wall is no longer used for burials and the Novodevichy Cemetery is used for only the most symbolically significant burials. For example, in April 2007, within one week both the first President of the Russian Federation Boris Yeltsin and world-renowned cellist Mstislav Rostropovich were buried there.

Today, the cemetery holds the tombs of Russian authors, musicians, playwrights, and poets, as well as famous actors, political leaders, and scientists. More than 27,000 are buried at Novodevichy. There is scant space for more burials. A new national cemetery is under construction in Mytishchi north of Moscow.

The cemetery has a park-like ambience, dotted with small chapels and large sculpted monuments. It is divided into the old (Divisions 1–4), new (Divisions 5–8) and newest (Divisions 9–11) sections; maps are available at the cemetery office.

en.wikipedia.org/wiki/Novodevichy_Cemetery

en.wikipedia.org/wiki/Burials_at_the_Novodevichy_Cemetery

 

Las minas de sal de Wieliczka.

Están en la ciudad polaca de perteneciente al área metropolitana de Cracovia. Han sido explotadas sin interrupción desde el siglo XIII, y aún hoy en día siguen produciendo sal de mesa. Alcanzan una profundidad de 327 metros y su longitud supera los trescientos kilómetros. Reciben el sobrenombre de "la catedral subterránea de la sal de Polonia".

Es una de las minas de sal activas más antiguas del mundo. La más antigua está en Bochnia, también en Polonia, a veinte kilómetros de Wieliczka. (Wikipedia)

Estas minas incluyen un recorrido turístico de 3,5 kilómetros que contiene estatuas de personajes míticos e históricos, esculpidas en la roca de sal por los mineros. Incluso los cristales de los candelabros están hechos de sal. También hay cámaras y capillas excavadas en la sal, un lago subterráneo y exposiciones que ilustran la historia de la minería de la sal. Recibe unos 800.000 visitantes al año.

A lo largo de los siglos, célebres personajes han visitado las minas, entre los que cabe citar a Nicolás Copérnico, Johann Wolfgang von Goethe, Alexander von Humboldt, Dimitri Mendeleyev, Ignacy Jan Paderewski, Robert Baden-Powell, Karol Wojtyła, Bill Clinton, así como muchas testas coronadas.

Durante la Segunda Guerra Mundial, los alemanes usaron las minas como almacén de guerra.

Las galerías laberínticas de las minas inspiraron al escritor polaco Bolesław Prus varias escenas de su novela histórica Faraón (1895).

En 1978 las minas de sal de Wieliczka fueron declaradas Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. (Wikipedia)

 

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