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La storia e l'evoluzione della musica elettronica (e dei suoi sottogeneri)

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La storia e l'evoluzione della musica elettronica

Dopo aver subito una ricaduta finanziaria nel 2020 a causa della pandemia nota come Covid-19, l'industria globale della musica elettronica sembra stia vivendo una rinascita dopo il ritorno alle esibizioni dal vivo. Nel 2021, il valore dell'industria ha superato i 6 miliardi di dollari, con i musicisti EDM nella lista dei creatori più richiesti. Questa guida è dedicata alla storia della musica elettronica, alle sue caratteristiche e agli artisti più significativi di uno dei generi musicali più ampi e diversificati.

Caratteristiche della musica elettronica

La musica elettronica può essere caratterizzata come un genere musicale creato e prodotto utilizzando strumenti elettronici ed elettromeccanici, vari strumenti digitali o la cosiddetta tecnologia musicale basata sui circuiti. Gli strumenti musicali elettronici includono un oscillatore elettronico, un theremin o un sintetizzatore, mentre gli strumenti elettromeccanici comprendono l'organo Hammond, il pianoforte elettronico o la chitarra elettrica.

In generale, la musica elettronica può essere realizzata con un'ampia varietà di risorse sonore, dagli oscillatori elettronici di base alle diverse installazioni complesse di computer e software, fino ai microprocessori. Questi suoni vengono registrati e modificati su nastro e poi trasformati in una forma permanente che viene riprodotta con altoparlanti, da soli o in combinazione con normali strumenti musicali.

La storia della musica elettronica

Fine del 19esimo/inizio del 20esimo secolo

Sviluppo dei primi strumenti elettronici

1870s/1880s

Invenzione del fonografo

1925

Introduzione della registrazione elettronica

1930-1935

Invenzione del nastro audio e primo registratore audio pratico in Germania

1948

Creazione del primo registratore audio a nastro per uso commerciale negli Stati Uniti e invenzione della "Musique Concrète" in Francia.

1952

Sviluppo di "Elektronische Musik" a Colonia, Germania

1959

Formazione del Centro di musica elettronica Columbia-Princeton

1960s

Diffusione di studi di musica elettronica in tutta Europa e negli Stati Uniti e ascesa della musica elettronica popolare

Anni '70 - fine anni '80

Crescita della disco e affermazione di altri sottogeneri, ad esempio synth-pop, house, techno, acid house, trance, ecc.

1983

Invenzione dell'interfaccia digitale per strumenti musicali (MIDI)

1990s

Il fiorire della scena internazionale dei "rave" fino a diventare ciò che è oggi

2001

Creazione di Ableton Live, una workstation audio digitale

2000s-2010

Aumento dei festival elettronici commerciali su larga scala, come Tomorrowland, Weekend Festival, Ultra Music Festival, ecc.

2020

Un'enorme ricaduta finanziaria dell'industria musicale elettronica mondiale a causa di Covid-19

2021

Aumento del valore del settore del 71%, raggiungendo i 6 miliardi di dollari.

Fine del 19esimo/inizio del 20esimo secolo

Sebbene alcuni sostengano che il primo strumento musicale elettrico, il Golden Dionysus, sia stato forse sviluppato nel 1748, segnando la nascita della musica elettronica, è più probabile che il genere abbia avuto origine, in senso lato, a cavallo tra il XIX e il XX secolo. In quel periodo, l'elettronica emergente permetteva di sperimentare con i suoni e, successivamente, con i dispositivi elettronici. Di conseguenza, furono sviluppati diversi strumenti elettronici, tra cui il Telharmonium (un organo elettrico sviluppato nel 1896) e più tardi, negli anni '20 e '30, l'organo Hammond (un organo elettronico), l'Ondes Martenot (un primo dispositivo elettronico suonato con tastiere o con un anello lungo un filo), il Trautonium (un primo sintetizzatore elettronico) o il theremin (un'invenzione elettronica sviluppata nel 1930).

Queste prime innovazioni furono utilizzate inizialmente per dimostrazioni ed esibizioni pubbliche, poiché nella maggior parte dei casi erano troppo complesse, poco pratiche e incapaci di creare un suono di una certa ampiezza e profondità. In seguito, con l'invenzione delle valvole, fu possibile sviluppare strumenti più piccoli, amplificati e pratici, che vennero gradualmente inseriti nelle nuove composizioni.

Un punto di svolta per l'industria musicale nel suo complesso fu l'invenzione del fonografo (più tardi noto come grammofono) da parte di Thomas Alva Edison ed Emile Berliner, indipendentemente, intorno agli anni 1870/1880. I fonografi furono il primo mezzo di registrazione e riproduzione di file audio (i suoni potevano essere catturati e salvati per un uso futuro) e segnarono l'inizio dell'industria discografica che conosciamo oggi.

grammofono imusician

Un fonografo, oggi conosciuto come grammofono

I giradischi divennero lentamente un tipico oggetto domestico, con l'introduzione delle registrazioni elettriche, oggi note come dischi fonografici, nel 1925.

record player imusician

Un giradischi

Negli anni Trenta seguirono altri esperimenti con i giradischi e innovazioni che portarono allo sviluppo della tecnologia di regolazione della velocità del suono e del suono su pellicola, nonché alla creazione di collage sonori e suoni grafici. Queste tecnologie furono poi utilizzate per la composizione delle prime colonne sonore cinematografiche, soprattutto in Germania e in Russia. Nel 1935 fu inventato il primo nastro audio, che costituì un punto essenziale nello sviluppo storico della musica elettronica.

audio tape imusician

Nastro audio

Registratori a nastro negli anni '40 e '50

Sebbene sia stata inventata a metà degli anni Trenta, è stato necessario apportare ulteriori sviluppi e miglioramenti alla tecnologia di registrazione su nastro. Le prime registrazioni di prova in stereo furono sviluppate nel 1942 in Germania, ma vennero portate negli Stati Uniti subito dopo la Seconda Guerra Mondiale, e il primo registratore a nastro per uso commerciale fu ultimato nel 1948. I compositori utilizzarono questo nuovo strumento per ulteriori sperimentazioni musicali nel corso degli anni Cinquanta. L'attenzione principale dell'epoca era rivolta allo sviluppo della tecnica e degli stili musicali, con una forte influenza sugli stili e sulla musica d'avanguardia. Dopo che musicisti e artisti ebbero acquisito una certa familiarità con il registratore a nastro, nacquero molte composizioni storicamente importanti, seguite dall'utilizzo del mezzo nelle esecuzioni dal vivo.

Registratore a nastro imusician

Registratore a nastro

Lo sviluppo degli studi di musica elettronica

Musique concrète

Dopo che i registratori a nastro ebbero ottenuto il riconoscimento e il sostegno finanziario in Europa, nacquero i primi studi di musica elettronica ben avviati, per lo più in strutture di trasmissione di proprietà del governo e da esso sostenute. Solo nel 1958 gli innovatori americani riuscirono a mettersi al passo con i loro colleghi europei per quanto riguarda gli studi di registrazione e le ulteriori innovazioni musicali, sia dal punto di vista tecnologico che artistico.

Nel 1948, la musica concreta (musique concrète), una pratica e un tipo di composizione musicale unica nel suo genere, fu inventata a Parigi da due compositori francesi, Pierre Schaeffer e Pierre Henry, nello Studio d'Essai della Radiodiffusion Française (RDF). La tecnica della Musique concrète riguardava la creazione di collage di nastri o montaggi di suoni registrati. Tutti questi suoni - ad esempio effetti sonori, frammenti musicali, voci e altri suoni o rumori prodotti da un individuo e dal suo ambiente - venivano considerati come materie prime "concrete" prese da mezzi e situazioni "concrete". Pertanto, la musica concreta si opponeva all'uso degli oscillatori in quanto considerati "artificiali", "anti-umanistici" e quindi non fonti sonore "concrete".

Più che uno stile o un movimento musicale, la musique concrète può essere vista come un insieme di metodi per trasformare il suono e creare musica, utilizzando tecniche e manipolazioni del nastro come l'alterazione e la variazione della velocità (chiamata anche pitch shifting), la piombatura del nastro, la riproduzione dei nastri al contrario o i loop di feedback del segnale. La prima grande composizione di musique concrète fu la Symphonie pour un homme seul(Sinfonia per un uomo solo) scritta nel 1950 da Schaffer e Henry. L'altra opera significativa del movimento fu la partitura del balletto di Henry, Orphée, del 1953.

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Elektronische Musik

Karlheinz Stockhausen, che lavorò per poco tempo nello studio di Schaeffer nel 1952, aveva un'idea diversa dei modi in cui i suoni e la musica potevano essere trasformati e alterati e quindi si unì allo Studio per la Musica Elettronica della WDR di Colonia fondato da Herbert Einer. Piuttosto che i suoni "concreti", Stockhausen enfatizzò i suoni puri generati elettronicamente e si concentrò sulle modifiche elettroniche del suono piuttosto che sulla manipolazione del nastro. Quello che voleva ottenere, attraverso alterazioni del suono come il filtraggio e la modulazione, erano autentiche composizioni elettriche e acustiche, cioè strumentazioni acustiche alterate e accompagnate da suoni modificati e prodotti elettronicamente.

Nasce così la Elektronische Musik, una branca tedesca della musica elettronica che, in contrapposizione alla musique concrète, enfatizza la grandezza e la "purezza" dei suoni elettronici e la necessità di combinare la musica elettronica con una composizione seriale che utilizza ritmi, gruppi ordinati di altezze e altri elementi musicali.

Sia lo Studio d'Essai che lo Studio di Colonia costituirono un esempio per gli studi di musica elettronica dell'epoca e furono quindi ampiamente imitati in tutta Europa. Questa tendenza continuò per tutti gli anni Sessanta, con la creazione di molti altri studi in tutti i principali centri urbani d'Europa, prima di raggiungere la cultura degli Stati Uniti.

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La scena musicale elettronica americana

La nascita della musica elettronica negli Stati Uniti risale probabilmente al 1939, quando un musicista, John Cage, pubblicò la sua composizione, Imaginary Landscape, No. 1, utilizzando vari mezzi e fonti sonore come due giradischi a velocità variabile, registrazioni in frequenza, pianoforte muto e cimbali. Per la composizione non sono stati utilizzati mezzi di produzione elettronici. In generale, tuttavia, la produzione di musica elettronica negli Stati Uniti era piuttosto semplice e sporadica, e ciò durò fino al 1958 circa.

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L'unico lavoro significativo sulla musica elettronica rimasto nel Paese era costituito da due progetti intrapresi da Cage e da due compositori della Columbia University, Otto Luening e Vladimir Ussachevsky. Tra il 1942 e il 1958, Cage completò Williams Mix (1952) e Fontana Mix (1958) e compose altri 5 Imagery Landscapes, scritti principalmente per i dischi di prova della RCA e per gli ensemble di percussioni. Insieme ad altri compositori e membri della Scuola di New York, tra cui Earle Brown, Christian Wolff, David Tudor e Morton Feldman, forma il Music for Magnetic Tape Project. L'enfasi del progetto era sulla sperimentazione della registrazione di suoni elettronici e naturali, combinandoli con la musica strumentale, la danza e le arti visive.

L'obiettivo del progetto guidato da Luening e Ussachevsky era quello di creare uno studio professionale su nastro che dimostrasse le capacità e le possibilità musicali del nastro come medium. Insieme a Milton Babbitt, i due compositori fondarono nel 1959 il Columbia-Princeton Electronic Music Center (oggi noto come Computer Music Center o CMC), che è diventato il più antico centro di ricerca sulla musica elettronica e informatica degli Stati Uniti. Dopo il 1958, furono creati altri studi in tutta la regione del Nord America, tra cui l'Experimental Music Studio dell'Università dell'Illinois e lo Studio dell'Università di Toronto nel 1959. La creazione di queste strutture ha permesso di far evolvere e progredire sia la produzione che l'educazione alla musica elettronica.

Anche l'attrezzatura degli studi di musica elettronica si stava sviluppando e modificando, includendo varie sorgenti sonore (onde sinusoidali, onde quadre, microfoni, ecc.), monitor e apparecchiature per il controllo della qualità (analizzatore di spettro, oscilloscopio, amplificatori di potenza), sistemi di registrazione e riproduzione, circuiti di routing e molto altro ancora. Con queste apparecchiature da studio, musicisti e compositori erano in grado di registrare suoni, sia elettronici che microfonati, e di eseguire operazioni come la modulazione, il riverbero e il filtraggio, e modificarli di conseguenza.

L'influenza degli strumenti giapponesi

Negli anni '50, gli strumenti musicali elettronici giapponesi iniziarono ad avere una forte influenza sull'industria musicale internazionale. Diversi produttori giapponesi, come AceTone, Korg, Matsushita, Roland e Yamaha, svilupparono le proprie versioni di dispositivi musicali elettronici. Tra questi vi erano strumenti a percussione, i Mini Pop (le prime drum machine), organi elettrici (ad esempio lo Yamaha Electone) o sintetizzatori.

In particolare, i sintetizzatori e le drum machine sviluppati dalla Roland Corporation hanno avuto una grande influenza nei decenni successivi e l'azienda stessa è stata uno degli attori più importanti nel plasmare e formare la musica popolare e la musica elettronica in quello che è oggi. Un altro ruolo importante nello sviluppo della musica elettronica è stato svolto dall'azienda Matsushita (oggi Panasonic), che ha inventato e sviluppato i primi giradischi a trazione diretta che hanno portato alla nascita del turntablism, l'arte di manipolare e formare i suoni e di creare nuova musica, effetti sonori, mix e altri ritmi. La versione successiva dei giradischi Matsushita (Technics SL-1200) fu ampiamente sviluppata dagli artisti Hip Hop e fu uno dei giradischi più popolari nella cultura dei DJ. Inoltre, i primi sintetizzatori completamente digitali sono stati rilasciati dall'azienda Yamaha nel 1983.

Dalla fine degli anni '60 all'inizio degli anni '80

La fine degli anni '60 ha visto l'ascesa della musica elettronica popolare e la sua fusione con altri generi musicali, in particolare il pop e il rock, che ha portato alla creazione di nuovi generi. Musicisti famosi dell'epoca, come i Beatles o i Beach Boys, iniziarono a integrare nel loro sound strumenti elettronici, come il theremin o il Mellotron. Generi come il rock elettronico e l'elettronica sono stati introdotti dal duo americano Silver Apples e da gruppi rock sperimentali, come White Noise e United States of America, noti per l'aggiunta di oscillatori e sintetizzatori al loro sound psichedelico. Negli anni Settanta, il rock elettronico è stato prodotto anche da alcuni musicisti giapponesi, come Isao Tomita o Osamu Kitajima.

I sintetizzatori modulari divennero particolarmente popolari tra i gruppi di rock progressivo, tra cui Pink Floyd, Genesis, Yes ed Emerson, Lake & Palmer. Un nuovo sottogenere di rock progressivo, il krautrock (noto anche come kosmische Musik), nacque nella Germania occidentale tra la fine degli anni '60 e l'inizio degli anni '70, rappresentato da artisti di spicco come Tangerine Dream, Can, Faust e, soprattutto, Kraftwerk.

La musica new-age e la musica ambient, in particolare l'ambient dub, si sono sviluppate all'inizio e alla metà degli anni Settanta grazie all'impatto della nascente musica elettronica artistica. La musica new-age è stata fortemente influenzata da vari artisti, per lo più di origine europea, tra cui il compositore francese Jean Michel Jarre, il musicista tedesco Klaus Schulze o il cantautore greco Vangelis. L'ambient dub è stato pioniere di diversi musicisti giamaicani come King Tubby, e in seguito è stato adottato da altri artisti internazionali come Dreadzone, The Orb o Ott.

Dopo la grande popolarità della disco (per un periodo piuttosto breve) negli anni Settanta, la fine degli anni Settanta e l'inizio degli anni Ottanta hanno visto l'emergere e il crescente successo del synth-pop, caratterizzato dal sintetizzatore come strumento musicale dominante. Il sottogenere è stato introdotto e influenzato da musicisti come gli Ultravox con la canzone "Hiroshima Mon Amour" (1977), i Depeche Mode con il brano "Dreaming of Me" (1980) e i New Order con la canzone "Ceremony" (1981). Tra gli altri artisti di spicco figurano Eurythmics, Duran Duran, Yazoo e Spandau Ballet.

In seguito, il synth-pop divenne ampiamente noto in tutto il mondo presentando nuovi promettenti artisti, come Lime e Men Without Hats dal Canada; Propaganda, Sandra e Modern Talking dalla Germania o Yello dalla Svizzera e Telex dal Belgio. Il suono del synth-pop divenne anche la caratteristica distintiva dell'italo-disco. I sintetizzatori a tastiera si diffusero a tal punto che anche i gruppi rock heavy metal li inserirono nella loro musica. Gruppi come i Van Halen con il brano "Jump" (1983) e gli Europe con la nota canzone "The Final Countdown" (1986) ottennero un grande successo mondiale.

Un'altra tappa importante degli anni '80 fu l'invenzione del Musical Instrument Digital Interface (MIDI), uno standard tecnico che descrive e standardizza un protocollo di comunicazione, l'interfaccia digitale e i connettori elettrici tra vari strumenti musicali elettronici, software per computer e altri gadget audio correlati per la registrazione, l'editing e la riproduzione di musica. Il MIDI è stato finalizzato nel 1983 e la tecnologia ha reso molto più semplice lo sviluppo di un suono puramente elettronico.

Fine anni '80 - anni '90

L'ampio successo del synth-pop continuò per tutto il decennio 1980 avvicinandosi sempre più alla musica dance, con gli artisti più importanti come Pet Shop Boys, Erasure e The Communards. Tuttavia, gli anni '80 sono stati definiti soprattutto dallo sviluppo e dalla crescente popolarità della musica dance elettronica (EDM) e, gradualmente, dei suoi sottogeneri, come house, techno, acid house, trance e molti altri.

Alla fine degli anni '80, l'EDM si guadagnò la reputazione di drug music e il genere, oggi usato come termine ombrello per altri sottogeneri, venne adottato nei club e in molti luoghi underground, centri fitness, campi o magazzini, in tutta Europa. Nel 1987, un DJ britannico, Danny Ramplimg, iniziò a organizzare un party settimanale, chiamato Shoom, in uno dei fitness club di Londra, e ben presto tali feste, che spesso si svolgevano illegalmente, si diffusero in altri Paesi europei, in particolare in Germania. Lì, nella città di Francoforte, nacque un altro importante sottogenere, la trance.

Alla fine degli anni Novanta, la scena dei "rave" assomigliava a quella odierna e il graduale sviluppo dell'EDM e dei suoi sottogeneri ha permesso allo stile musicale di progredire e di diventare una parte essenziale dell'industria musicale mainstream come mai prima d'ora. Anche l'electronica, un termine che racchiude i generi elettronici destinati all'ascolto piuttosto che al ballo, divenne popolare sulla scena musicale britannica. Gli artisti più famosi di queste sottoculture sono stati, ad esempio, Astralwerks, The Chemical Brothers, Fatboy Slim, DJ Keoki e Sims.

La musica elettronica negli anni 2000, 2010 e oggi

Il genere della musica elettronica negli anni 2000 e 2010 è stato fortemente plasmato dai progressi tecnologici e dall'invenzione e maggiore accessibilità della tecnologia informatica e del software musicale. Non solo sono state introdotte molte innovazioni tecnologiche nel nuovo millennio, come i CD o i DVD (che hanno sostituito i dischi in vinile), ma sono emersi sul mercato anche altri prodotti rilevanti, come la workstation audio digitale (DAW) Ableton Live (2001) o l'emulazione di uno studio musicale sotto il nome Reason (2000). Questi dispositivi hanno fornito alternative meno complesse, più economiche e valide agli studi di produzione tradizionali basati sull'hardware e, di conseguenza, è diventato possibile produrre musica di alta qualità semplicemente utilizzando poco più di un computer portatile. In particolare Ableton Live è considerato una delle prime applicazioni musicali in grado di eseguire automaticamente il beat-matching di una canzone ed è stato ampiamente utilizzato dai DJ per spettacoli e altre performance dal vivo, oltre che per comporre, registrare e masterizzare un disco.

La popolarità della musica elettronica e dei suoi sottogeneri è stata in continua crescita durante il primo decennio del XXI secolo. Musicisti e produttori come David Guetta, Daft Punk, Tiësto o Skrillex hanno ricevuto consensi internazionali e, alla fine degli anni 2000, tutti i DJ più famosi si esibivano regolarmente nei più grandi stadi degli Stati Uniti (soprattutto a Los Angeles) e d'Europa. Inoltre, gli anni 2000 e 2010 hanno visto l'ascesa di festival e feste commerciali su larga scala, come Tomorrowland in Belgio, il Weekend Festival in Estonia, l'Ultra Music Festival in Florida e l'Electric Daisy Carnival a Las Vegas.

Ad oggi, in particolare nel 2022, l'industria della musica elettronica sembra essere di nuovo in fermento, anche dopo aver subito un'enorme perdita finanziaria nel 2020. Il valore del settore è cresciuto in un totale di 16 Paesi, grazie all'aumento delle quote di mercato soprattutto nel Regno Unito e in Germania. Inoltre, la musica elettronica registrata è cresciuta fino al 18%, con un aumento delle vendite del formato fisico per la prima volta in 20 anni e un aumento dei guadagni di artisti e DJ del 111%.

Sottogeneri della musica elettronica

Come già detto, la musica elettronica è uno dei generi musicali più ampi che esistano e può essere usata come termine contenitore per più di 300 sottogeneri. Di seguito analizzeremo alcuni dei sottogeneri più noti della musica elettronica.

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2-Step

Genere di musica elettronica e sottogenere della musica garage britannica, il 2-step, noto anche come 2-step garage, è caratterizzato da un ritmo irregolare che manca di un pattern di cassa molto frequente in altri stili elettronici con un ritmo regolare noto come four-on-the-floor.

Il suono del 2-step, invece, può essere caratterizzato da una cassa sincopata che salta un battito, da un ritmo irregolare o dall'uso di tempi dispari o terziari che si fondono con altri elementi percussivi. Un'altra caratteristica abituale del 2-step è l'uso di voci femminili.

Artisti di riferimento: Craig David (feat. Artful Dodger), Dem 2, Dreem Teem

Acid

L'acid house, nota anche semplicemente come acid, è un sottogenere sviluppato dalla musica house a metà degli anni Ottanta dai DJ di Chicago, negli Stati Uniti. Lo stile è definito da un suono morbido e dalla linea di basso di un sintetizzatore-sequencer elettronico Roland (Roland TB-300).

L'acid house divenne particolarmente popolare nel Regno Unito, dove era una parte essenziale delle scene rave locali. Alla fine degli anni '80, l'acid house è diventata mainstream nel Regno Unito e in seguito ha avuto una forte influenza su vari stili pop e dance, tra cui trance, hardcore, jungle, techno e trip-hop.

Artisti di riferimento: DJ Pierre, Sleezy D

Musica ambient

La musica ambient è un genere musicale che mette in risalto il tono e l'atmosfera sonora piuttosto che la struttura musicale e il ritmo tradizionali. Può quindi mancare di una composizione netta, di un ritmo e di una melodia strutturata. Sebbene sia un po' diversa da altri generi elettronici, la musica ambient si è sviluppata negli anni '60 e '70, quando nuovi strumenti musicali, come i sintetizzatori, sono stati introdotti sul mercato.

Con il suo sviluppo e, soprattutto, l'integrazione con altri generi, sono nati molti sottogeneri derivati, tra cui ambient techno, ambient pop e ambient industrial.

Breakbeat

Il breakbeat ha debuttato negli anni '70 (soprattutto negli Stati Uniti e nel Regno Unito) ed è noto per l'uso di campioni provenienti dalle prime registrazioni di hip hop, jazz, R&B e funk. Non esiste una velocità fissa per i breakbeat e il genere è piuttosto caratterizzato da un ritmo ballabile e da vari effetti audio, come i filtri hi-pass.

A partire dagli anni '80, il breakbeat è stato integrato in generi diversi dall'hip hop e negli anni '90 ne sono derivati nuovi sottogeneri, tra cui il breakbeat hardcore, il breakbeat psichedelico e il nu-skool break.

Artisti di riferimento: The Chemical Brothers, Fatboy Slim, The Prodigy, Death By Vegas

Chill-out

La musica chill-out descrive uno stile di musica popolare piuttosto rilassato, caratterizzato da tempi lenti e da uno stato d'animo rilassato e "chill". In generale, si riferisce alla musica moderna destinata a un facile ascolto. Generi come EDM, downtempo, dance, jazz, ambient, lounge o hip hop sono spesso associati al chill-out.

Artisti di riferimento: DJ Alex Petterson, DJ Jimmy Cauty

Eurodance

Sottogenere dell'EDM, l'Eurodance è nata, come dice il nome, in Europa alla fine degli anni Ottanta. È nota per la sua enfasi sull'uso di voci ricche, spesso con versi rappati. Il genere è inoltre caratterizzato da sintetizzatori all'avanguardia, forti ganci melodici e intensi ritmi di basso. L'eurodance combina anche elementi di altri generi, come la musica house, la techno, l'hip hop e l'euro disco.

Artisti di riferimento: Snap!, Jam and Spoon, Intermission

Dance-pop

Il dance-pop descrive un sottogenere musicale popolare sviluppatosi a cavallo tra gli anni Settanta e Ottanta. In generale, si riferisce alla musica uptempo destinata sia al ballo nei locali notturni sia all'ascolto nelle radio di successo contemporanee. Inoltre, il dance-pop può essere caratterizzato da strutture semplici, ritmi marcati, melodie orecchiabili e forti melodie di successo.

Al giorno d'oggi, il dance-pop è uno stile musicale mainstream popolare e, pertanto, ci sono molti musicisti e gruppi che creano e si esibiscono in questo genere. Tra questi, Katy Perry, Paula Abdul, Cher, Madonna, Michael Jackson, Backstreet Boys e molti altri.

Disco

La disco è un genere di musica da ballo noto in tutto il mondo, nonché una sottocultura, che ha debuttato a New York negli anni Settanta. È stato il primo genere che ha introdotto il concetto di musica da ballare nei club per tutta la notte. La disco è definita da un tipico ritmo four-on-the-floor, sezioni d'archi, fiati, piano elettrico, sintetizzatori, linee di basso sincopate e chitarre elettriche.

Nel corso degli anni '70, il genere ha acquisito una grande popolarità sia negli Stati Uniti che in Europa, con artisti di spicco come ABBA, Donna Summer, Bee Gees, Chaka Khan, Boney M e molti altri.

Altri artisti di rilievo: Giorgio Moroder, Village People, Sister Sledge, Thelma Houston

Drum & Bass

Drum & Bass (D&B) e jungle sono generi di musica dance che si sono sviluppati a partire dalla scena rave del Regno Unito e dalla cultura dei sound system negli anni Novanta. Entrambi gli stili possono essere caratterizzati da breakbeat molto veloci, persino frenetici, di 150-200 BPM (165-185 BPM per la D&B), linee di basso da sub-pesanti a pesanti, campioni vocali ed effetti sintetizzati.

Mentre la jungle si è evoluta in due rami principali - ragga jungle e jump-up -, il D&B ha tre sottogeneri principali: heavy D&B, light e mainline.

Artisti di riferimento: Leviticus, DJ Hype, Aphrodite, Blondie, Pendulum

Dubstep

Si dice che il dubstep sia nato all'inizio degli anni 2000 nel sud di Londra e che sia quindi considerato un ramo piuttosto recente della musica elettronica. Tuttavia, i primi elementi del dubstep potevano già essere visti con la crescita della scena dei party del sound system giamaicano nei primi anni Ottanta.

Inoltre, questo genere è definito da ritmi sincopati che hanno una velocità di circa 130-140 BPM, con frequenze sub-bass prominenti e una pausa a metà tempo. Dopo il successo commerciale ottenuto nel Regno Unito verso la fine degli anni 2000/inizio 2010, la popolarità del dubstep si è diffusa anche negli Stati Uniti, soprattutto grazie al musicista americano Skrillex.

Artisti di riferimento: Skrillex, Major Lazer, DJ Snake, SLANDER

House

L'house, così come il suo derivato, l'acid house, ha avuto origine a Chicago alla fine degli anni '70, in un locale notturno gay, il Westhouse. Il genere è stato portato avanti soprattutto dai DJ Frankie Knuckles e Marshall Jefferson ed è caratterizzato da un ritmo ripetitivo di 4 quarti, un tempo tipico di 120 BPM e il sintetizzatore Roland Bassline TB-303.

Mentre nelle sue fasi iniziali la house era piuttosto un mix di eurodisco futuristica e synth-heavy, fusa con generi come jazz, soul e funk, nelle sue versioni successive ha avuto una forte influenza sulla musica pop e dance e si è sviluppata in molti altri sottogeneri, come future house (emersa negli anni 2010 nel Regno Unito), deep house, garage house, leftfield house, melodic house (con un forte suono melodico e pesante), afro house, tech house, vocal house e soulful house.

Artisti di riferimento: Daft Punk, Fatboy Slim, Swedish House Mafia, Avicii

Electro house

Derivata anche dall'house, l'electro house è un genere di musica dance elettronica, caratterizzato da bassi pesanti, nella maggior parte dei casi sotto forma di bassline ronzanti, e da un tempo di circa 130 BPM.

Artisti di riferimento: Benny Benassi, Steve Aoki, Skrillex, Daft Punk

Elettronica

Il termine electronica si riferisce sia a un gruppo piuttosto ampio di sottogeneri musicali destinati esclusivamente al ballo, sia a una scena musicale nata nel Regno Unito nei primi anni Novanta. Negli Stati Uniti, il termine indica la musica elettronica in generale.

Il genere si è sviluppato in particolare grazie ai progressi tecnologici e alla nascita di molti strumenti musicali elettronici, tra cui sintetizzatori, sequencer, drum machine e molti altri. Di conseguenza, l'electronica utilizza una varietà piuttosto ampia di stili e di atti musicali che si distinguono per una produzione elettronica di dimensioni imponenti.

Hardcore / Hard techno

L'hardcore, noto anche come hardcore techno o hardcore house, è un sottogenere EDM le cui origini risalgono ai primi anni '90 nel Regno Unito, in Germania, in Belgio e nei Paesi Bassi. È definita da tempi più veloci (160-200 BPM o più), batterie distorte e assai taglienti, linee di basso sintetizzate e trame spesso a tema e dal suono violento.

Alcuni dei suoi sottogeneri derivati sono gabber, speedcore, industrial hardcore e breakcore.

Artisti di riferimento: Sefa, Angerfist, Dr. Peacock

IDM / Sperimentale

IDM, abbreviazione di Intelligent Dance Music (o anche conosciuta come braindance), si riferisce a uno stile di musica elettronica considerato più adatto all'ascolto domestico che al ballo. Ha avuto origine nel Regno Unito nei primi anni '90, ma si dice che il nome del genere provenga dagli Stati Uniti, dove l'origine è stata ispirata dalla compilation Warp "Artificial Intelligence".

L'IDM è descritto come un tipo di musica che si concentra più sulla sperimentazione individuale che sulle caratteristiche specifiche del genere e comprende texture e paesaggi sonori piuttosto ambientali.

Artisti di riferimento: Aphex Twin, Speedy J, The Black Dog, The Orb

Techno

La techno è di gran lunga uno dei maggiori generi di musica elettronica e un importante sottogenere della musica dance elettronica (EDM). Si è sviluppata a Detroit a metà degli anni '80 e le sue caratteristiche principali sono un ritmo solido e costante che va dai 120 ai 150 BPM e l'uso di strumenti elettronici, come drum machine (come la Roland TR-808 e la TR-909), sequencer, sintetizzatori e workstation audio digitali (DAW).

Il termine "techno" per indicare un tipo di musica elettronica nasce in Germania all'inizio degli anni '80 e alla fine di quel decennio il genere diventa molto popolare in tutta Europa, soprattutto nel Regno Unito, in Belgio, nei Paesi Bassi e in Germania. In Europa, all'inizio degli anni '90 si sono sviluppate variazioni regionali e stili derivati dalla techno, tra cui acid techno, hardcore, bleep techno, deep techno o dub techno.

Artisti di riferimento: Juan Atkins, The Prodigy, The Chemical Brothers, Apparat

Trance

La musica trance, spesso considerata un ibrido tra techno e house, è un sottogenere dell'EDM che deriva dalla scena musicale new-age britannica e dalle scene techno e hardcore tedesche degli anni Novanta. Le caratteristiche che definiscono la trance sono un tempo compreso tra 128-150 BPM, l'enfasi sulla melodia e su frasi melodiche ripetitive e l'uso di tensione e altri elementi nel corso del brano che di solito raggiunge 1 o 2 "picchi".

Inoltre, il genere è per lo più strumentale con voci, per lo più femminili, talvolta mescolate. Di solito non esiste una struttura tradizionale di strofa e ritornello. Nel corso degli anni, la trance è stata fortemente influenzata da altri generi, quali techno, house, pop, chill-out, ambient, musica classica o musica da film. Di conseguenza, sono nati nuovi sottogeneri della trance, tra cui la progressive trance, la psychedelic trance, la uplifting trance e la vocal trance.

Si dice che la trance abbia fatto la sua prima apparizione negli anni '90 nei locali notturni tedeschi (in particolare nella città di Francoforte) prima di diffondersi in tutta Europa. Ha guadagnato popolarità a livello mondiale con artisti come DJ Tiësto, Ferry Corsten e successivamente Armin Van Buuren.

Artisti di riferimento: DJ Tiësto, Armin Van Buuren, Nina Kraviz, Paul van Dyk

Trap

La trap, nota anche come EDM trap, è un altro sottogenere dell'EDM (da non confondere con il sottogenere hip-hop della trap) nato negli Stati Uniti negli anni 2010. Il genere combina gli elementi del Southern hip hop dell'"altro" genere trap con elementi dell'EDM, come build-up, breakdown e drop.

Artisti di riferimento: Bro Safari, DJ Snake, 12th Planet

Trip Hop

Il trip hop è nato nei primi anni '90 nel Regno Unito, in particolare nella città di Bristol. Il genere ha tempi piuttosto lenti e un suono psichedelico e combina gli elementi dell'hip hop e dell'elettronica con ulteriori elementi di jazz, soul-funk, dub, reggae e R&B.

Artisti di riferimento: Massive Attack, Tricky, Portishead

Conclusione

Nell'arco di un secolo, la musica elettronica si è sviluppata in uno dei generi musicali più ampi che comprende più di 300 sottogeneri. In questa guida ci siamo concentrati su questi particolari stili musicali e abbiamo dedicato un'ampia parte allo sviluppo storico della musica elettronica, che ha fortemente plasmato l'intera scena musicale internazionale.

Se vuoi saperne di più su uno dei sottogeneri musicali di maggior successo, la musica dance elettronica, non esitare a tuffarti nel nostro articolo su cos'è l'EDM e sugli artisti che definiscono il genere!

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