«A medida que avanzamos y nos ponemos viejos, más sabemos, pero menos demostramos (…) Estamos aquí flotando bajo estrellas encendidas desde hace 13 millones de años y todo lo pasado y todo lo que está por venir, es nada para nosotros (…) El alma vive para siempre pero siempre termina alguna vez»
Si algo he aprendido durante esos 40 años escuchando a The Cure es que estamos ante una banda que se apropia de las emociones, en todos sus niveles. Sus discos no sólo se cristianizan como acólitos selectos, sino que adquieren un recio valor sensitivo completamente indisoluble. Son discos que llegan y se quedan para siempre en el alma.
Sin embargo, no todos confluimos sobre cuáles son los cinco mejores álbumes de The Cure. Los sentimientos y las experiencias que tenemos sobre ellos son diferentes y, por tanto, las elecciones cambian. Pero precisamente en esta encrucijada es donde radica el sortilegio, en que cada uno tienen la libertad de apropiarse con aquello que considera como sus referencias. ¿Quién no se emociona cuando escucha Play For Today, A Forest, Plainsong, Lovesong, In Between Days, Just Like Heaven, Prayers For Rain, Friday I’m In Love, Why Can’t Be You, y otras tantísimas obras maestras? Son temas que se arropan como serpientes en el alma. Vayamos pues a recordar esta grandeza rectilínea…
Posición número 5: «Faith» (1981)
Temas estrella: Primary, The Funeral Party, Doubt, The Drowning Man
Según confesión del propio Robert Smith, Faith nació de la muerte, del aislamiento, de las drogas y del alcohol. Se trata de un album conceptual, minimalista y glacial. Se centra en la fe como construcción religiosa y personal. En él se plantean diversos dilemas en torno a la necesidad o nulidad de la religión, su ambiente opresivo, la fe corrosiva y la necesidad del ser humano para creer en deidades sobrenaturales.
También, hace referencia a la fe más optimista y a la inexorable decadencia de la juventud a medida que avanzamos en la vida. El album está cargado de fatalidad de ahí que plantee en contrapartida la exuberancia de la ira rebelde para a reorientar nuestras energías. Las ocho canciones son oscuras y siniestras, marcan la decadencia y caída espiritual de nuestra existencia en este mundo gris y sin alma.
Debido a su carácter depresivo y letras existenciales, Faith está considerado un álbum de culto en los ambientes góticos. Junto a su anterior trabajo Seventeen Seconds (1980) y posterior Pornography (1982), Faith es el segundo movimiento de la llamada trilogía clásica, cuyos álbumes son una continuación entre sí: diecisiete segundos bastan para pensar que esa esa fe perdida es falsa y obscena. Tales reflexiones llevaron a esbozar los ocho largos y densos temas que configuraron Faith.
Posición número 4: «Bloodflowers» (2000)
Temas estrella: Out of This World, Watching Me Fall, Where the Birds Always Sing, Maybe Someday, The Last Day of Summer, There is No If, Bloodflowers
Para mí es uno de los trabajos más conmovedores de la banda y uno de los más subestimados a pesar de su enorme grandeza lírica y sónica. Es un lamento, un adiós y un retorno dentro de la misma centrifugadora emocional: «Cuando miramos todo hacia atrás (…) me pregunto si realmente recordaremos (…) Sé que tenemos que irnos, pero me doy cuenta que solo nos quedamos para estar un tiempo (…) y luego volver (…) a donde pertenecemos».
Conceptualmente es un álbum que destila tempos majestuosos y prolongados, melodías desmayadas, ajustes dilatados, retumbos lúgubres, letras abatidas, dentro de un telón de voces febriles y guitarras frías, junto a teclados volátiles y el aullido desgarrado de la voz tejiendo paisajes líricos de escepticismo y miedo. Una pasada.
Bloodflowers es, sin duda, una bestia temperamental y, sobre todo, un gran trabajo, lamentablemente subestimado: «Este mundo nunca se detiene. Esta maravilla nunca se va. El tiempo nunca llegará para decir adiós (…) y estas flores nunca morirán». Como dijo Smith en cierta ocasión: «Bloodflowers fue la mejor experiencia que he tenido (…) Logré grabar un disco, disfrutar haciéndolo, y que tuviera un contenido realmente intenso y emocional y no suicidarme en el proceso».
Posición número 3: «Wish» (1992)
Temas estrella: Todos los temas mantienen su calidad, pero personalmente me fascinan High, Friday I’m In Love, From The Edge of the Deep Green Sea, Trust, A Letter to Elise, End
Estamos ante uno de los discos que mejor definen a The Cure. Posee unas guitarras sorprendentes y Robert Smith alcanza un nivel lírico imponente. La luz logra equilibrarse con las sombras, oscilando desde los momentos pop más efervescentes hasta las melodías más oscuras. Wish fue, sin duda, el álbum de mayor éxito comercial de la banda. Alcanzó ser número 1 en el Reino Unido y número 2 en los EE. UU. donde vendieron más de 1,2 millones de copias. Gracias a este álbum The Cure logró un disco repleto de coberturas sónicas diferenciales y de atmósferas tremendamente emocionales. Al respecto Robert Smith dijo: «Después de Bloodflowers, Wish es en realidad mi álbum favorito de The Cure».
La mayoría de los temas son autobiográficos y tratan sobre los excesos de Robert Smith con la fama y el éxito. Musicalmente está influenciado por el movimiento shoegaze el cual da gran importancia a las guitarras y de las reverberaciones. Wish recibió críticas musicales disímiles, aunque la mayor parte de ellas fueron muy favorables, como las que escribieron las revistas NME y Rolling Stone, quienes lo valoraron como uno de sus mejores discos hasta la fecha, criterio que comparto. Además, estuvo nominado a los premios Grammy de 1993 en la categoría de mejor álbum de música alternativa. Wish fue uno de los trabajos musicales donde Smith expresó el hartazgo y el cansancio que le producía haberse convertido en una estrella del rock.
Posición número 2: «The Head on The Door» (1985)
Temas estrella: In Between Days, Kyoto Song, The Blood, Push, The Babys Screams, Close to Me, A Night Like This, Sinking
Con este disco The Cure se encuentra a sí mismo y se adentra en el universo de la melodía más asequible. El álbum contiene una frescura realmente maravillosa que demuestra el buen ambiente que se respiraba en la banda. Si dudarlo, es de lejos, el segundo mejor disco de The Cure, incluso pudiendo rivalizar con el numero 1. Supuso la apertura del mercado estadounidense. Fue disco de oro en Inglaterra (más de 100.000 copias vendidas) y en Estados Unidos (más de 500.000) en el mismo año de su publicación. Se estima que The Head On The Door ha vendido más de 1,5 millones de copias, convirtiéndose hasta ese entonces en el mayor éxito comercial de la banda, y en un cambio de estilo en las composiciones de Robert Smith.
El título del álbum está extraído de uno de los versos de la canción Close to Me. Todo el disco hace referencia a varios sueños y pesadillas que por el cantante tuvo durante su infancia. La totalidad de las canciones describen esos borrosos recuerdos emotivos junto a extraños cruces entre polaridades como la depresión y la alegría, el amor y el odio, la ira y la resignación, un viaje sonoro que, sin duda, es psicológicamente cautivador.
Posición número 1: «Disintegration» (1989)
Temas estrella: Todo el disco es una obra maestra
Como su propio indica, la desintegración representa la separación o disgregación de los distintos elementos que conforman un todo. El propio Robert lo manifestó tras publicar el álbum: «Disintegration fue una especie de apuesta final al destino, y éste se lo tomó en serio. La idea de la banda como familia también se vino abajo tras el álbum. Fue el final de nuestra edad de oro» (Robert Smith).
Disintegration es, por tanto, la madriguera del conejo, una obra maestra y sublime donde la banda y Robert Smith vertieron todas sus incertidumbres y habilidades con el fin de construir un legado, su opus magnum. Se abandonaron las frivolidades del caos y la decadencia y definieron una marcada afectación hacia las armonías más melódicas.
Disintegration es una magistral experiencia que crece a medida que se va escuchando. Gracias a ello se perciben los detallismos y la ambientación en un proceso de feedback que se instala lentamente en el subconsciente. Es el disco más serio, denso y mejor ejecutado de la discografía de The Cure, además de estar compuesto bajo una sensibilidad extrema, tanto en sus letras como en su arquitectura sónica.
Mención especial a «Pornography» (2000)
Pornography es un trabajo que podría incluirse en el Top 5 de la banda pero he preferido añadir Faith ya que contiene algunos temas que personalmente me fascinan más. Pornography es un trabajo mucho más duro y necesita tener una mención marginal a fin de no quedarse descolgado de la discografía top de la banda. Es el álbum más depresivo del grupo pero, al mismo tiempo, un gran referente estilístico por diversas razones. Con él la banda exploró, junto a Seventeen Seconds (1980) y Faith (1981), los ambientes más desolados y expresivos del ser crísico.
Originalmente, el álbum está construido en base a 8 canciones de caída libre al infierno del ser humano. La banda se estaba desmoronando como consecuencia de la irrefrenable ingesta de alcohol y drogas. Sin embargo, según la revista Uncut, es precisamente por esta decadencia por lo que Pornography se convierte en una de las obras maestras de The Cure, el último grito underground antes de elegir un destino más comercial.
Quizás debido a estas palabras podemos recordar el viejo mito de que algunos artistas son más creativos y viscerales cuando que se hallan sumergidos en sus propios miedos. Oscar Wilde decía que «La existencia de un artista es un suicidio prolongado y encantador», dando a entender que la vida del ser creativo estaba destinada a un eterno dolor. Francis Bacon añadió que «Los sentimientos de desesperación e infelicidad son más útiles al artista que la satisfacción». Muchas veces las adicciones, el suicidio y los trastornos mentales como la depresión o la bipolaridad, se consideran afines a ciertos artistas como es el caso de Dalí, Virginia Wolf, Baudelaire y muchos más.
En palabras del propio Robert Smith: «Con Pornography nos sumergimos en el lado más sórdido de la vida y eso tuvo un efecto muy perjudicial para todos. Consumíamos una imaginería muy siniestra para ponernos a tono, llegando a la conclusión de lo viles que podemos ser los humanos cuando caemos bajo. Con el tiempo creo que Pornography es una de las mejores cosas que hicimos. Nunca se habría hecho si no hubiéramos llevado todo a un punto completamente excesivo. Hay gente que me dice que nada de lo que hicimos después tuvo el mismo tipo de intensidad o pasión. Pero no creo que puedas hacer muchos discos así. Al menos si quieres seguir vivo».
Sin duda, las letras del disco abrasan por sí mismas. Dialogan sobre el naufragio existencial, la extinción, la autodestrucción, la violencia y la moral, las drogas, las imágenes apocalípticas y las consonancias opresivas. Toda ello configura la base compositiva del álbum y definen el concepto decadente del mundo y del propio ser. La revista NME llegó a catalogarlo como sexto en los 50 álbumes más brillantemente depresivos de todos los tiempos.
Se dice, incluso, que para componer los diversos estados psíquicos que pululan en Pornography, Robert Smith se alojó, con varios libros sobre salud mental y demencias clínicas, en un molino de viento de la ciudad inglesa de Guilford, cuna de Lewis Carroll. Su obsesión era tan profunda que llegó a considerar que la audiencia que acudía a sus conciertos, iba para verle sufrir, algo que le pareció pornográfico. De ahí el título del álbum. La atmósfera del disco irradia tanta desesperación que estuvo a punto de acabar con la banda.
Por todo ello, lo considero que Pornography es un disco muy especial, un punto y aparte en un proceso de descenso hacia lo más hondo y rompible del ser. El titulo del disco define ya por sí mismo este estado abisal que cruza el umbral de lo existencialmente considerado como normal. A medida que vas escuchando el álbum una terrible angustia se apodera del alma llegando incluso a despedazarla. Es por ello que lo considere un trabajo para tomarlo con cierta distancia emocional siendo no aconsejable para almas vulnerables.
ANEXO: ALGUNOS VIDEOS DE THE CURE
CONCLUSION
The Cure es una de las bandas de rock más importantes de la historia. Sus múltiples éxitos musicales a lo largo de su carrera, han logrado convertirlos en una banda legendaria de culto. Su gran legado ha influido en diversos panoramas musicales, como en el rock gótico, la música alternativa y otros. Lograron dejar una huella indeleble, cautivando a generaciones con su enigmática mezcla de melancolía, introspección y poesía lírica. Para ellos, la música era la suprema expresión del mundo intuitivo, la capacidad expresiva, inmediata y a conceptual que nos permite conocer en forma directa la esencia del mundo.
Robert Smith, gran seguidor de Nietzsche, consideraba que la música es el arte que mejor expresa la realidad trágica y melancólica de la vida, de su voluntad de poder, fondo y estimulo para superar cualquier estado. A su vez, la música representa la incitación seductora de la vida, de su inicio, desarrollo y fin, el arte definitivo que consuela la herida existencial del individuo cuyas imperfecciones no le permiten expresar el eterno desconocimiento de lo esencial y transformar esa desintegración de la vida civilizada.
