Una nueva forma de ver al último héroe de acción: esto no es una película, es solo California

Una mirada al mega-fracaso de Schwarzenegger de 1993 y las ramificaciones más profundas que tiene una escena brillantemente elaborada en la forma en que vemos el resto de la película.

Estamos a principios de 1993 y la NASA está elaborando planes para lanzar un cohete no tripulado Conestoga 1620 a la órbita terrestre baja. Los diseñadores han decidido pegar en todo el fuselaje un gran logotipo para una próxima película de Hollywood que se estrenará ese verano. El apellido de la estrella principal de la película debe estar escrito en el refuerzo, aunque tienen dificultades para encajar el apellido de catorce letras del actor en el cohete. La película es Last Action Hero, y su estrella es Arnold Schwarzenegger.

Last Action Hero fue una película tan exagerada, tan grandiosamente promocionada antes del lanzamiento, que inevitablemente estaba lista para fallar. Debido a una gran cantidad de problemas de producción; desde las múltiples reescrituras de su guión hasta un calendario de rodaje agotadoramente apresurado, el éxito de taquilla del verano de 1993 de Columbia Pictures no fue solo uno de los mayores fracasos de la década, sino que marcó el comienzo del fin del apetito del público por Schwarzenegger. Sin éxito en la taquilla e impopular entre los críticos después de su estreno, la película ha ganado un seguimiento menor con el tiempo. Llena de referencias a otras películas y guiños a los clichés comunes de Hollywood, como la necesidad de nunca recargar armas o la ubicuidad de los jóvenes atractivos que viven en Los Ángeles, la película, sin saberlo, terminó convirtiéndose en algo satirizante. Pero hay momentos aquí, momentos anteriores a los que luego se convertirían en centrales para el auge posmoderno autorreflexivo que sacudiría a Hollywood a mediados de la década de 1990. Y hay un momento, un momento de la realización cinematográfica tan delicado y brillante en el que la película nos muestra inteligentemente su juego de manos satírico, y está tan perfectamente ejecutado que es genial, o tan coincidentemente tonto que es un milagro.

ADVERTENCIA: El siguiente texto es una transcripción aproximada de un ensayo en video que se puede encontrar aquí y contiene SPOILERS de la película.

Una película ambientada dentro de una película, Last Action Hero es una sátira de comedia de acción y fantasía dirigida por John McTeirnan a partir de un guión escrito inicialmente por Zak Penn y Adam Leff. En la parte del "mundo real" de la película, encontramos a Danny Madigan, un niño de doce años que vive en la ciudad de Nueva York y que está obsesionado con las películas de acción, particularmente la serie en el universo de Jack Slater con Arnold Schwarzenegger. Después de recibir un enigmático boleto mágico del dueño del antiguo cine que frecuenta, es transportado desde la relativa seguridad de su asiento a la pantalla y al “mundo del cine”. Es a partir de aquí que vemos cómo se desarrolla la fantasía del niño y comienza el comentario cultural.

El gesto completo de Gag para glorificar la violencia en el cine, apunta a representaciones ficticias del LAPD y parodia la invencibilidad en pantalla de las estrellas de cine de acción. Antes de que Hollywood produjera películas firmemente implantadas en el ámbito del posmodernismo, como producciones de finales de los 90 como Scream (1996), Pulp Fiction (1994) y Being John Malkovich (1999), hasta películas más nuevas como Deadpool (2016), Adaptation (2002). ) y Cabin in the Woods (2011), teníamos Last Action Hero. Grandes escenas, como la que se desarrolla dentro de una tienda de videos Blockbuster en la que Danny intenta convencer a Jack Slater, interpretado por Schwarzenegger tanto en nuestro mundo como en el “mundo del cine”, de que su realidad es en realidad una película. Danny intenta encontrar una copia de Terminator 2 (1991) solo para su consternación de que en esta realidad Stallone, quien es la estrella en la portada, no Schwarzenegger, hace un gesto a sus nociones posmodernas de autoconciencia.

1993 fue el comienzo de un cambio de actitud hacia la violencia en la pantalla. Los PG-13 significaron audiencias más grandes y negocios más grandes. Los días de la película de acción con clasificación R de gran presupuesto estaban llegando a su fin. Terminator 2 está ampliamente considerado como una de las mejores películas de acción jamás realizadas y es un resumen de una generación de grandes éxitos de taquilla violentos de acción de Hollywood con clasificación R que estábamos acostumbrados a ver a finales de los años setenta y ochenta. Esta fue una generación que tuvo sus raíces en películas como Bullitt (1968), Harry el sucio (1971), Enter the Dragon (1973), Death Wish (1974) y Shaft (1971), que luego crecieron en popularidad y a finales de Los 80 habían establecido firmemente una personalidad distinta, no mejor ejemplificada que en clásicos como The Terminator (1981), First Blood (1982), Die Hard (1988), Robocop (1987) y Kickboxer (1989). Vemos el surgimiento de la corriente principal de películas de acción violenta que reflejan las actitudes concurrentes en los EE. UU. Con el surgimiento de los valores conservadores de la era Reagan: nuestros héroes tienden a exudar un enfoque más anticuado, sensato, de disparar primero, hacer preguntas y después. . Pero ahora estamos en 1993 y las películas de acción tienen un problema de identidad. Parodias como Loaded Weapon 1 (1993) y Hot Shots! (1991) ya están apuntando a los tópicos y clichés ahora cansados, y Los Simpson (1989-presente) acaban de presentar su personaje de McBain / Rainier Wolfcastle.

El accesorio de cartón en la tienda de películas que retrata a Sylvester Stallone en lugar de Arnie funciona no solo como una gran broma visual, sino que también actúa casi como una lápida simbólica de una era pasada de juegos de acción megaplex con clasificación R. La cultura pop, y el cine de Hollywood específicamente, durante los últimos treinta años ha desarrollado una obsesión distinta consigo misma, su historia y su propia tecnología. Ningún otro medio presenta o hace referencia a sus propios medios tanto como lo hace la película promedio de Hollywood, desde decorados de películas dentro de películas hasta cintas de video y pantallas de televisión que actúan como una puerta de entrada al "otro lado".

Verá, no es solo el T-100 el que tiene problemas con su identidad aquí, es el género de películas de acción en su conjunto. Y por más alegre que sea esta escena y muchas otras, hay otra que realmente nos muestra cuán inteligente y perspicaz es esta película, o al menos estaba en sus etapas iniciales de producción. Esta escena en cuestión cambia totalmente cómo ves Last Action Hero y cómo la ves. Así que, aquí vamos.

En el mundo cinematográfico de Los Ángeles, el personaje de Charles Dance, el antagonista Benedict, se ha dado cuenta al adquirir el boleto mágico de Danny de que vive dentro de un mundo cinematográfico ficticio. Después de matar a su jefe criminal, se vuelve hacia la cámara y se dirige a nosotros directamente, la primera vez que un personaje de la película lo ha hecho, destruyendo por completo cualquier muro entre nosotros y él, arrasando con cualquier suspensión de incredulidad que hayamos tenido. Y es aquí que sucede algo genial ...

¿Lo viste? ¿No? Ok, hagamos una pausa y echemos un vistazo.

Aquí vamos. Aquí mismo. Este es el momento en que Hollywood trasciende los límites de la parodia y se mueve a la fuerza a las órbitas de la conciencia de sí mismo, las metanarrativas y una gran obsesión con su propia identidad pasada. En este momento, vemos fugazmente al equipo de cámara en el espejo detrás de Benedict. Esto lo lleva más allá del proscenio, salta directamente del escenario al público, a nuestro mundo. Sus ojos finalmente se abrieron, su percepción finalmente clara y limpia, puede ver completamente la realidad de que su existencia está completamente fabricada. Ahora puede ver al equipo de cámara filmando la película que nosotros, el público, estamos viendo. Mirando a través de las palmeras y el sol de Los Ángeles y mirándonos directamente a nosotros, el espectador, viendo nuestras aspiraciones y deseos, nuestras pesadillas y fantasías. Visiones de un mundo nuevo y extraño en el reverso de la pantalla. Esto actúa como un agujero de gusano desde la gris ciudad de Nueva York de Danny hasta el tecnicolor LA de Slater. Un recordatorio del marcado contraste entre nuestra paleta terrestre de beiges, marrones y grises y el color vivo de Hollywood y la vitalidad del celuloide.

Benedict: Si ese idiota de Daniel Madigan puede moverse a través de mundos paralelos, ¡ yo puedo moverme a través de mundos paralelos! Entro, robo lo que quiera y salgo de nuevo. ¡Imposible de atrapar! Si Dios fuera un villano, sería yo.

Esta nueva percepción adquirida por Benedicto es su “momento de escapar del momento de la cueva de Platón”, una comprensión de que las entidades en su mundo son creaciones de un mundo más verdadero, más “real”. Un mundo donde los personajes no son meras sombras bidimensionales de actores tridimensionales "reales". Esta escena refleja el despertar de Neo de su realidad percibida en The Matrix (1999), y el personaje también la articula y experimenta visualmente a través de un espejo. Con el creciente uso de Internet y la creación de alter-egos en línea en una creciente esfera digital, las representaciones de realidades simuladas montaron una pequeña ola de popularidad a finales de los 90, dando lugar a un casi mini género. Junto a The Matrix, películas como The Truman Show (1998), The Thirteenth Floor (1999), eXistenZ (1999), Open Your Eyes (1997) y Dark City (1998) forman una tendencia que define el hexaptych, una tendencia que aparentemente se inició media década antes por Last Action Hero.

El quid de la película, y es jugar con falsas realidades y simulacros, está bellamente ejemplificado en una escena en la que Slater, quien en este punto de la película también ha abandonado la cueva de Platón y cruzado al mundo real, se enfrenta a la verdad en un vertiginoso momento Spielberg-esque, ver por primera vez al actor Arnold Schwarzenegger retratando la sombra "Slater" en una cartelera de cine. 'Arnold Schwarzenegger es Jack Slater'. Tampoco es una coincidencia que cuando Danny se lleva a Slater a casa, veamos a Danny viviendo en el apartamento 3D, un guiño a Slater que deja por completo su identidad 2D en pantalla y hace la transición a un ser humano real en 3D. La madre de Danny incluso lo confunde con el "real". ”El actor Arnold Schwarzenegger.

Pero volviendo a Benedict y su nueva conciencia, tenemos que preguntarnos como espectadores que son conscientes del hecho de que estamos viendo una actuación en escena: ¿ fue este vistazo detrás de la cortina intencional o simplemente una coincidencia perfectamente sincronizada? ¿Un error cometido en el set y dejado en la etapa de edición? Para ser bastante honesto, no creo que realmente importe, ya que no cambia el concepto fundamental de lo que se presenta. Lo que sí nos permite entender que la película está jugando un juego mucho más intelectual de lo que inicialmente le dimos crédito, o al menos nos estamos induciendo a creer esto. Nuestra propia percepción, al igual que la de Benedict, también se abre y se expande: los postes de las metas cambiaron a medida que ahora estamos más dispuestos a buscar más profundamente en el material. Ahora podemos mirar mucho más de cerca y leer esta película de una manera nueva y más compleja. Los estabilizadores ahora están apagados.

Si miramos la película de esta manera, como una nueva forma de ver, vemos un subtexto mucho más oscuro y crítico que aparece detrás de la máscara de Los Ángeles brillantes y chillones bañados por el sol.

A principios de los 90, Columbia estaba desesperada por una nueva franquicia de éxito similar a las que Warner Brothers había anotado con personajes como Batman y Lethal Weapon, ya que su última propiedad intelectual enormemente rentable había sido Ghostbusters casi una década antes. Last Action Hero estaba destinado a convertirse en el próximo gran "evento" de Columbia, con sueños de videojuegos, figuras de acción y vínculos de comida rápida. Columbia tomó un guión de los jóvenes escritores Zak Penn y Adam Leff titulado "Extremadamente violento" que no solo parodiaba los clichés establecidos de las películas de acción, sino que examinaba el género desde una postura profundamente satírica con un enfoque en la violencia sin sentido y la destrucción poco práctica que normalmente muestra un héroe abiertamente masculino, y todo esto estaba envuelto en un estilo cómico similar al de Los Simpson. A Columbia le gustó el guión e irónicamente contrató a Shane Black, que era famoso por sus guiones de películas de acción como Lethal Weapon (1987) y The Last Boy Scout (1991), para que lo reescribiera. Después de que Schwarzenegger se subió a bordo como productor y actor principal de la película, compró personalmente a William Goldman para trabajar también en el guión. John McTiernan, que acababa de salir de una racha de gran éxito con Predator (1987), Die Hard (1988) y The Hunt for Red October (1990), firmó como director, el guión sería supervisado brevemente por Steve Roth, Larry. Ferguson y Carrie Fisher. Sin embargo, estos movimientos resultarían contraproducentes, ya que con un grupo de profesionales de películas de acción que trabajan en la película, muchos elementos originales, como la crítica de género matizada y los comentarios culturales más profundos, se fueron eliminando gradualmente dando como resultado un guión tremendamente diferente de lo que se especificó originalmente. .

Esta cantidad de cocineros seguramente estropeará el caldo. Los cimientos de la producción ya eran inestables bajo un programa de rodaje apresurado y tenso en Nueva York y Los Ángeles. Esto fue seguido por una proyección de prueba desastrosa el 1 de mayo que le dio al equipo solo seis semanas para recortar completamente la película y completar todas las tareas de posproducción, todo sin tiempo para volver a filmar. Ese mismo verano de 1993 también vio el lanzamiento del mega éxito Jurassic Park (1993) de Spielberg que inmediatamente voló al número 1 en la taquilla y se convertiría en la película más taquillera de todos los tiempos. Desafortunadamente, Last Action Hero se abriría solo una semana después, Columbia insistió durante toda la producción en ceñirse a una fecha de lanzamiento del 18 de junio a pesar de los esfuerzos de Arnie y McTiernan por reprogramar.

La película se estrenó con mucha burla de la crítica y una taquilla nacional débil de $ 50 millones, muy por debajo de su presupuesto de producción de $ 85 millones. Una apertura intercalada entre Jurassic Park y Sleepless in Seattle (1993), que salió una semana después, resultó ser financieramente desastrosa y los críticos tampoco estaban siendo mucho más amables. Tras su lanzamiento, se tituló 'Exagerada y mal ejecutada' (Bob Bloom, Journal y Courier), 'un lío confuso y caótico' y que 'parece más una idea brillante que una película que se pensó detenidamente' (Roger Ebert, Chicago Sun Times). Y esto es correcto, hay toneladas de ideas brillantes aquí, ideas que se parecen levemente a las escritas inicialmente por Penn y Leff, simplemente están enterradas bajo tantas tonterías innecesarias e intrascendentes. Un gran ejemplo sería una escena al principio de la película en la que roban a Danny. No tiene ningún efecto en la historia a largo plazo que se cuenta, está totalmente fuera de sincronía con el resto del tono de la película y solo sirve para aumentar el tiempo de ejecución de la película de dos horas y diez minutos. Además, ¿por qué Death retiene sus poderes en el mundo real y Slater no? Son agujeros e inconsistencias como estos los que nos impiden comprometernos verdaderamente con un arco narrativo prolongado y sincero o con cualquier desarrollo satisfactorio del personaje.

Podríamos sentarnos fácilmente y desglosar las reglas y la metafísica del universo de Slater, como si Slater fuera la estrella de Jack Slater IV, que sin que él lo supiera estamos viendo, y Catherine Tramell (a quien vemos en la estación de policía) es la estrella de su propia película Instinto básico: entonces, ¿de qué película es el T-1000 una estrella (a quien también vemos salir de la estación de policía), porque ciertamente no es Terminator 2 ya que vemos que esa película ya existe como una película dentro de la película? -mundo. Siento que la película nunca tuvo la intención de ser investigada críticamente de esta manera porque, tras la deconstrucción, inmediatamente se desmorona. En cambio, deberíamos experimentar una pieza de medios dirigidos a meta como este de una manera similar a cómo procesamos algo como Los Simpson, y como Los Simpson, hay muchas cosas buenas aquí. Desde detalles finos como el riff de saxo al estilo de Lethal Weapon durante la línea de 'dos ​​días para la jubilación', las luces de neón y el látex en la estación de policía, la conducción horrenda de Slater, el matón de Benedict que parece no poder captar y la presentación de películas de un limpio, de alta fidelidad, ficticio-LA.

Danny: El caso es que aquí no hay mujeres poco atractivas. Quiero decir, ¿dónde están todas las mujeres comunes y corrientes? ¡No existen porque esto es una película!

Slater: No, esto es California ...

Esta visión idealizada de California se opone perfectamente a la Nueva York del “mundo real” de Danny, donde es oscura, húmeda y visualmente ocupada. Cuando saltamos del "mundo de las películas" al "mundo real", volvemos a la cruda realidad. Slater ya no es invencible en esta versión de la ciudad de Nueva York. Esta Nueva York recuerda cómo la ciudad había sido previamente enmarcada en películas como The Warriors (1979), Taxi Driver (1976), Midnight Cowboy (1969) y Jacobs Ladder (1990). Manhattan aquí es sucio, deprimente y depravado.

El mundo de Danny está muy lejos del de Slater. Pero nuevamente, si usamos el mismo ojo que usamos para la tripulación anterior en el espejo / momento de la cueva de Platón, si usamos esta forma de ver nuevamente, vemos que no solo hay algo mal en la ciudad, sino que algo está especialmente mal, Danny.

Danny Madigan es un chico de clase trabajadora de doce años que vive con su madre soltera en el centro de Nueva York, donde regularmente falta a la escuela para frecuentar un cine viejo, deteriorado y decrépito en el corazón de Times Square dirigido por Nick. Danny está rodeado de violencia, como lo demuestran las películas que adora y las caricaturas que ve. Está en las calles del centro de Manhattan y es visiblemente evidente por los cortes en sus nudillos, lo que resalta que ha estado peleando. Ni siquiera puede leer Hamlet sin imaginarlo acompañado de una gran cantidad de muertos.

Hay una toma brillante al principio de la película en la que Danny deja el cine Nicks en el extremo occidental de la calle 42, justo al lado de Times Square. Mientras Danny camina por la calle, una observación más cercana muestra que las carpas de cine anuncian películas con títulos horriblemente violentos. "Sex Blood", "Asesinato en Times Square", "Quiero tu sangre", "Trituradora de cabezas" y "Tu sangre o la mía" son solo algunos de los que se muestran. Times Square aquí se presenta como una reliquia descompuesta del pasado: cínica, dura y sórdida. La miseria urbana deprimente, y todos sus personajes y vicios asociados ocupan el Manhattan de Danny. Pero esta Nueva York no es la Nueva York de 1993 que conocemos. Verá, en 1993 ya se habían dado los primeros pasos hacia la Disneyficación de Times Square. El Times Square que conocemos hoy, y más ampliamente la gentrificación más grande de Manhattan, ya estaba en marcha.

La calle 42 se había deteriorado desde la Gran Depresión. Los teatros que alguna vez fueron prestigiosos se habían convertido en las décadas de 1950 y 1960 en grindhouses y cines porno. La zona se había vuelto devastada, hostil y peligrosa. El libro Sleazoid Express describe la combinación única de personas que componían a los asistentes al teatro de esta época:

Depresivos que se esconden de los trabajos, obsesivos sexuales, gente del centro de la ciudad que busca diversiones baratas, adolescentes que faltan a la escuela, parejas aventureras en citas, buscadores de parejas que los miran, personas que se drogan, personas sin hogar durmiendo, carteristas, falsos vendedores de drogas ... drogas de bajo nivel traficantes, ladrones de cadenas ... drogadictos solos en su mundo de sueños de heroína / cocaína ... halcones de gallina depredadores espiando el comercio de menores en busca de camionetas ... prostitutas masculinas de todas las edades ... transexuales, estafadores y gays encerrados con un deseo fetichista homo o heterosexual de rascarse ...

Pero en 1990, se estaba produciendo un cambio bajo el alcalde David Dinkins. La ciudad estaba limpiando la calle 42 y esto comenzó en 1990 con la formación de “Nueva calle 42”, una organización sin fines de lucro creada para supervisar la renovación y reutilización de muchos de los cines porno. Seis cines fueron cerrados y controlados por el gobierno, y más cerrados. Cuando comenzó el rodaje de Last Action Hero, Times Square estaba en medio de su transformación y 42nd Street estaba casi completamente cerrada en 1992. La totalidad de 42nd Street estuvo cerrada durante casi una semana durante el rodaje y estas increíbles fotos de Brian Camp muestra la increíble vestimenta realizada para el rodaje.

El Empire Theatre, la ubicación del cine de Nick en la película, es uno de los pocos teatros que quedan de esa época que aún se mantienen en pie. La calle 42 que vemos en la película es la ciudad de Nueva York transportada de regreso a un pasado muy reciente. Una idea de ciudad, una interpretación suburbana del centro. Entonces, ¿por qué la Nueva York de Danny es tan diferente a la que estaba sucediendo en ese momento?

Existe una teoría en línea que imagina que Danny es en realidad una víctima de un Nick pedófilo depredador. Solo escapa del abuso imaginando que es parte de la película de Jack Slater, las partes del mundo cinematográfico de la película formaron su cabeza como un mecanismo de afrontamiento. Personalmente, no creo en esta teoría, quiero decir, Nick parece un buen tipo, es un poco cursi y tiene algunos diálogos realmente malos. Pero si tomamos elementos de esta teoría y usamos la forma de ver que usamos anteriormente para ayudar a ver dentro y más allá del espejo de Benedict, vemos que algo muy oscuro comienza a emerger en la psique de Danny. ¿Y si Danny se está imaginando todo esto? ¿Y si Danny no se dejara atrapar por una película de Jack Slater? ¿Qué pasa si Danny está profundamente afectado por toda esta violencia a su alrededor?

Ok, es solo una idea, así que pase con algunos golpes aquí, pero ¿y si a través de la sobreexposición de Danny a la violencia, un sistema social que parece estar fallando a él y a su madre y la falta de una figura paterna, Danny se ha vuelto un enojado? Un niño al que no le gusta el mundo y su gente se ha manifestado en una mente profundamente perturbada. El aparente mundo "real" que habita no es en realidad tan "real" en absoluto. Como sabemos, Nueva York estaba en las primeras etapas de la regeneración urbana en 1993, ciertamente no la Nueva York que Danny “ve”. Además, ninguno de estos títulos de películas en su paseo por la calle 42 existe, y sabemos que el mundo de Danny comparte el mismo catálogo de cine que el nuestro a través de su conocimiento de Terminator 2 y Amadeus (1984) más la escena de estreno de la película posterior con películas de la vida real. estrellas como ellos mismos. Este "mundo real" tiene todos los cimientos de nuestro mundo, pero está plagado de proyecciones mentalmente inestables del propio Danny. La visión deformada de Danny del mundo ha llegado a reflejar maniáticamente sus propios pensamientos. Ninguno de estos títulos de marquesina es real, son solo los pensamientos de Danny que se escapan de una mente corrupta. Así es como ve el mundo.

Hemos notado antes lo absurda que es la escena del robo en el apartamento, cómo desde el robo hasta el informe policial, todo parece suceder en menos de veinte minutos. El tono es mucho más agresivo que el resto de la película y la escena no tiene implicaciones importantes a largo plazo en la narrativa más grandiosa; bueno, tal vez todo esto se deba a que en realidad nunca sucedió. Quizás Danny se lo imaginó todo y la escena está sentando un precedente para la revelación que está a punto de llegar: la revelación de que Danny imaginó toda la aventura de Jack Slater en el “mundo cinematográfico”. Nunca fue absorbido por la película, solo imaginó toda la experiencia.

Danny, por supuesto, no se ve a sí mismo como una persona aparentemente violenta. Se ve a sí mismo como un subproducto de un mundo sádico y moralmente corrupto; quiere usar su violencia interiorizada como una "fuerza para el bien". Se imagina a sí mismo creciendo para usar esta agresión de la misma manera que lo hace Jack Slater, pero en realidad es más probable que crezca y se convierta en el ladrón, usando la violencia como un medio deprimente para un fin mientras culpa a la influencia de una sociedad rota. él. Una sociedad injusta que le quitó la vida a su padre, le pidió demasiado a su madre y la llevó a no estar allí para él, y si se debe creer en la teoría anterior, permitió que lo explotara un viejo propietario de cine pervertido. Danny tiene sueños grandiosos de ser Slater / Arnie, pero en realidad está más cerca del Ladrón. Un sueño de lo que se convertirá. Una visión de pesadilla de su propio futuro.

En un análisis más detallado del ego y la mente de Danny, vemos muchas diferencias entre él y otros jóvenes protagonistas masculinos en situaciones fantásticas similares en la misma época, como Marty McFly de la serie Regreso al futuro (1985-1990), Kevin de Solo en casa ( 1990), Charley Brewster en Fright Night (1985) o incluso Judy y Peter Shepherd de Jumanji (1995). Una gran diferencia es que estos personajes, al igual que muchos protagonistas jóvenes en los años 90, eran de clase media extrema y habitaban una América central muy específica, segura, exitosa, blanca y próspera. La existencia de Danny en cambio refleja la de John Conner de Terminator 2 o Arnold de Hey Arnold! (1996-2004) con una racha de la interpretación de Michael Douglas de William Foster en la película Falling Down de 1993. El propio estado mental de Foster se refleja metafóricamente en el calor de Los Ángeles, mientras que el de Danny en la lluvia de Nueva York.

Sus fantasías de Jack Slater sobre armas, explosiones y muerte recuerdan en gran medida los delirios y las acciones de los marginados urbanos más viejos como Travis Bickle en Taxi Driver (1976) o como la versión de Joaquin Pheonix del Joker en la película de 2019. Ambos viven en ciudades estadounidenses deprimentes y asoladas por el crimen, Joker's Gotham básicamente es un clon de la Nueva York de los 80. Incluso los colores del mundo de Danny imitan a los del Joker. Ambos ocupan mundos donde inicialmente parecen ser víctimas inocentes de una sociedad cruel, cuando en realidad es la sociedad regular más amplia la que se ha convertido en víctima de una pequeña élite (léase: neoliberalismo). Ambos tienen fuertes identidades de clase trabajadora mientras viven solos con sus madres solteras y ambos carecen de figuras paternas prominentes en sus vidas. Danny llena este vacío patriarcal con su idolatría de Arnold Schwarzenegger y sus heroicos papeles cinematográficos, mientras que Arthur Fleck mira al carismático presentador de programas de entrevistas de Robert Di Nero, Murray. Ambos se imaginan a sí mismos siendo absorbidos por la pantalla, trasplantados a la acción y siendo parte del drama, una parte de la historia junto a sus respectivos ídolos. Por un breve momento de escape de su triste existencia, se ven a sí mismos como salvadores de una narrativa imaginada en un mundo imaginado.

Last Action Hero es una advertencia de lo que la violencia intrascendente y el abrazo heroico del lobo solitario de esa violencia pueden hacerle a una mente joven. En el corazón de la película no hay una demanda de censura o regulación del género de películas de acción, sino un mensaje sobre la conciencia del contexto y la auto parodia. Lo que dice, al igual que Los Simpson, es que las críticas pueden ser divertidas. Penn y Leff no escribieron un guión que criticara las películas de acción porque odian las películas de acción, escribieron Last Action Hero porque aman las películas de acción y quieren que sean aún mejores. Sea crítico con los medios que ama, es la única forma en que mejorará.

Así que esto es solo una idea, un método para ver la película bajo una luz diferente, y nos muestra el poder de entretener teorías lejanas que contrarrestan algunos conceptos más fundamentados. Es una forma de visualización no muy diferente de la crítica, y ambas ofrecen excelentes formas de mantener la conversación mucho después de que los créditos hayan dejado de rodar.

El final de Last Action es predeciblemente cursi, pero en todos los sentidos. Danny finalmente ayuda a Slater a regresar al mundo del cine, cerrando con Slater dándonos a la audiencia un guiño de complicidad, ahora consciente del equipo de cámara en su realidad antes de conducir hacia la puesta de sol.

Last Action Hero no fue solo una parodia de las películas de acción, fue una versión crítica de la fórmula del estudio cansado y la política detrás de escena del Hollywood de los 90. Criticó la glorificación de la violencia en el cine y la publicidad descarada de películas con clasificación R para niños. Yo mismo recuerdo haber crecido jugando con juguetes Alien, Robocop, Gremlins y Terminator que estaban dirigidos directamente a los niños a pesar de que todas estas franquicias tenían calificación R en los estados o calificación 15 y 18 por el BBFC aquí en el Reino Unido. La película es una cápsula del tiempo de 1993, cuando Blockbuster Video, Minidiscs y MC Hammer no eran solo una cosa, sino el futuro.

Dicen que la buena sátira no solo debería señalar cosas, sino que en realidad debería comentar sobre las cosas a las que apunta; de lo contrario, terminarás acercándote peligrosamente a convertirte en lo que se supone que debes satirizar, solo con un engreído y sonrisa de felicitación. Last Action Hero es demasiado encantador para caer en esa categoría, el mismo lugar que ocupan personajes como Padre de familia y el dúo de directores Jason Friedberg y Aaron Seltzer. Pero la película no llega lo suficientemente lejos, como pretendía el guión original, para raspar los niveles de comentario y subtexto que habían logrado Los Simpson o La rosa púrpura de El Cairo (1985). Tal vez se adelantó un poco a su tiempo, el gran presupuesto de Hollywood aún no estaba listo para verse reflejado y parodiado, especialmente viniendo de uno de los suyos. En estos días, las meta-narrativas están en todas partes y casi todos los buenos medios parecen tener algún nivel de autoconciencia con respecto a su propia existencia posmoderna. Las grandes películas más nuevas que poseen este sentido de reflexividad cómica incluyen 22 Jump Street (2014), The Lego Batman Movie (2017), Thor: Ragnarok (2017), Wreck-It Ralph (2012), The Disaster Artist (2017) y Spider- Hombre: Hacia el Spider-Verse (2018). Si se rehace hoy junto con películas como estas, con alguien como Dwayne Johnson asumiendo el papel de Jack Slater y Phil Lord y Christopher Miller asumiendo las tareas de escritura y dirección, la película posiblemente le iría un poco mejor con una nueva generación de películas de acción nuevas para elegir. aparte.

Al final, el cohete Conestoga 1620 nunca abandonó la tierra, el lanzamiento se retrasó una y otra vez hasta que llegó el día del lanzamiento de junio de 1993. Al igual que esta película, se desvaneció rápidamente de la concisión pública. Se creó un Jack Slater inflable de 40 pies para flotar por Nueva York blandiendo una escopeta y un cartucho de dinamita, bastante falso considerando que el guión original de la película de Penn y Leff estaba destinado a abordar problemas relacionados con la violencia. Debido al bombardeo del World Trade Center en febrero de ese año, la dinamita fue reemplazada por una placa de policía, pero la escopeta permaneció, emitiendo aún más señales contradictorias. La película parecía estar plagada de decepciones.

Entonces, la próxima vez que su computadora portátil o teléfono se quede sin batería, o apague el televisor, frente a un ominoso espejo negro oscuro y su propio reflejo, mire más de cerca y vea si puede observar pistas de una realidad mucho más allá de la suya.

Biblio:

Nancy Griffin y Kim Masters. Golpea y corre (1997)

Bill Landis. Sleazoid Express (2002)

Fuentes:

10 cosas que no sabías sobre Last Action Hero

Último héroe de acción WTF sucedió

Retrospectiva / Revisión de Last Action Hero

Blog de cine y anime de Brian Camp

Puede encontrar una versión en video completa de este texto aquí . Gracias por leer.