Picasso: Die Blaue Periode und die Rosenperiode im Vergleich

Einführung für Amateure „verboten“!

Es ist unbestritten, dass Picasso einer der bekanntesten Künstler der Welt ist, und zwar so sehr, dass ich mich weigere, ihn überhaupt vorzustellen, um offensichtliche Wiederholungen zu vermeiden, die den sachkundigsten Kunstexperten, die das Gefühl hätten, die Nase verdrehen würden auf diese Weise genauso behandelt wie die unkultiviertesten Amateure! Abgesehen von der Ironie verfolge ich die Absicht, Ihnen vielleicht etwas weniger Bekanntes über den Bericht des Malers zu erzählen, angefangen mit der Tatsache, dass er im Gegensatz zu anderen Künstlern, die ihre Experimente hauptsächlich auf einen Stil oder eine Sichtweise konzentrierten, was sie äußerst berühmt machte (Denken Sie an die obligatorische Assoziation zwischen Monet und Impressionismus) genoss es, abgesehen vom Kubismus, auch das Experimentieren mit zusätzlichen und bekannten „Praktiken“ sowie verschiedenen künstlerischen Techniken. Tatsächlich liegt es mir am Herzen, einen innovativen Vergleich zwischen der Blauen und der Rosa Periode des Künstlers zu entwickeln: zwei Phasen der reichen figurativen Forschung des Malers, zu der bekanntermaßen auch die afrikanische Periode und die des analytischen und synthetischen Kubismus gehören. Genug, kommen wir zur Sache! Jetzt ist es dringend notwendig, alle historischen und theoretischen Geheimnisse der Blauen Periode zu enthüllen, woraufhin eine ähnliche Studie zur Rosenperiode folgen wird. Zweitens werden all diese Begriffe verwendet, um zwei Gemälde zu vergleichen, die aus den betreffenden Momenten entstanden sind, wer weiß, vielleicht belebt, vielleicht sogar durch etwas, das sie vereinen kann ...

LATO II (2022)Gemälde von Michał Ostrogórski.

Die Blaue Periode

Beginnen wir mit der frühesten Blauen Periode und bleiben wir etwas prägnant, da es weniger offensichtlich sein wird, dem anschließenden Vergleich zwischen den Werken mehr Raum zu geben ... Nehmen wir daher Picassos Worte und greifen wir den gesamten fraglichen figurativen Kontext durch Zitate auf der Satz: „Ich machte mich daran, blau zu malen, weil ich dachte, Casagemas sei tot.“ Tatsächlich entstand die blaue Periode (1901-1904), die physisch zwischen den Umzügen des Künstlers nach Paris und Barcelona liegt, hauptsächlich aus der Erkenntnis eines unheilvollen Ereignisses, nämlich dem Selbstmord des bereits erwähnten Carlos Casagemas, einem der engsten Freunde des Künstlers. Die durch den Trauerfall hervorgerufene Trauer sowie die wirtschaftliche Notlage, in der sich der Maler damals befand, fanden in der Farbe Blau den richtigen Ton zum Ausdruck, der durch die Analyse allgemein armer und leidender Subjekte vermittelt werden konnte Unglück und Traurigkeit, die das Herz des Künstlers bewohnten, der durch die Kunst seine Gefühle veräußerlichen und sie allgemein für diejenigen zugänglich machen konnte, die wie er in sich stark spürten, was viele das Übel des Lebens nennen ...

ANOTHER LANGUAGE (2022)Gemälde von Young Park.

Die Rosenzeit

„Die Stille nach dem Sturm“ ist nicht nur der Titel eines berühmten Gedichts des Italieners Giacomo Leopardi, sondern scheint auch zusammenzufassen, als er die Farbe Blau durch das positivere Rosa ersetzte. Periode (1904-1906), eine daraus resultierende figurative Begabung Der neue Wohnsitz des Andalusiers lag inzwischen im lebhaften Künstlerviertel Montmartre (Paris), einem Ort, an dem er die Schwierigkeiten hinter sich lassen konnte, die mit der grundsätzlich instabilen und vergänglichen Natur des menschlichen Lebens einhergingen, und nun eine bildnerische Stilistik vorfand konzentrieren sich auf fröhlichere Themen, die oft aus der Welt des Zirkus entlehnt sind und durch eine geschickte Gegenüberstellung leuchtender Rot-, Orange-, Rosa- und Erdtöne ihre Ähnlichkeiten annehmen.

MAGENTA SAUNA (2023)Gemälde von Shulman.

PASSAGE PROTÉGÉ RÉF. 1396 (2023)Gemälde von Christian Raffin.

Bildlicher Vergleich: Mutterschaft in Rosa und Blau

Endlich sind wir beim innovativsten, interessantesten und weniger offensichtlichen Teil meiner Forschung angelangt: Trotz der klaren und oben erwähnten Unterschiede zwischen den betreffenden Zeiträumen habe ich zwei Meisterwerke gefunden, eines in Blau und das andere in Rosa , die trotz ihrer symbolisch ausgeprägten chromatischen Eigenheiten aufgrund ihrer verwandten Thematik zu einem ähnlichen Gefühl der Zuneigung, des Schutzes und der Zärtlichkeit führen, das auch in den schwierigsten Phasen unseres Lebens in der immensen und unerschütterlichen Beziehung zu finden ist der Liebe zwischen Mutter und Kind. Das Gesagte kommt in dem Werk der Rosenperiode mit dem Titel „Familie der Akrobaten“ (1905) gut zum Ausdruck, in dem sich die eigentlichen Protagonisten als Säugling und Frau erweisen, deren Gesichter sich verliebt nähern und sich fast aneinander streifen, um zu beeindrucken die zarten Augen, sowohl der männlichen Figur als auch der fast humanisierten Heiratsvermittlerin. Eine solche Intimität, das heißt die „unverfrorene“ Äußerlichkeit dieser Süße, geht auf einen der ältesten „Kreuzzüge“ in der Kunstgeschichte zurück, da sie erst ab dem 13. Jahrhundert auf ein erneutes Streben nach einer einfacheren und einfacheren Art zurückzuführen ist leidenschaftlichere Hingabe, dass die Figur der Jungfrau, ein Beispiel einer Mutter schlechthin, sich von byzantinischen Mustern löste, um sich sanft ihrem Kind zu nähern. Ein solches Modell der kursiven Ableitung konnte selbst in der traurigeren Blauen Periode nicht ignoriert werden, wo, wie in Mutter und Kind von 1901 gezeigt, die Frau sogar so weit geht, ihr Kind zu küssen. Die betreffende Figur wurde von vielen vor allem aufgrund ihrer Roben als eine Art „Madonna“ erkannt, Teil einer Reihe ähnlicher Motive aus der Blauen Periode, in denen die Künstlerin oft die Themen Religion und Armut verbinden wollte. Schließlich können weitere Neuigkeiten zur Blauen Periode und zur Rosenperiode durch die Analyse einiger Werke von Artmajeur-Künstlern entdeckt werden, wie beispielsweise Katerina Braiko, Adalberto Miguez und Dmitriy Trubin.

„S“ (2023)Gemälde von Katerina Braiko.

Katerina Braiko: 'S'

Drei Akrobaten erschaffen eine Art menschliche Pyramide, die sofort an Picassos rosafarbene Periode erinnert, sowohl was das angesprochene Thema „Zirkus“ als auch den Ton der hellen Farbe betrifft, die neben den Körpern auch die gesamte Leinwand belebt ist in der Lage, einen dunklen Hintergrund, Grau im Boden und Schwarz im „Himmel“, zu beleben. Insbesondere angesichts der physiognomischen Ähnlichkeit der Mädchen, die durch das Werk verewigt wurden, vermutete ich auch, dass sie Mitglieder derselben „Abstammungslinie“ sein könnten, was mich an das berühmte Bild von Picassos Meisterwerk mit dem Titel „Familie der Akrobaten“ (1905) erinnerte. Das fragliche Öl auf Leinwand zeigt eine Gruppe von Zirkusartisten in einer zeitlosen Umgebung ohne Vegetation, gekrönt von einem blauen, von klaren Wolken bevölkerten Himmel, bereit, die Anwesenheit von Figuren zu beleuchten, die von der Commedia dell'arte inspiriert und von gewählt wurden der Künstler als Ikonen der bürgerlichen Marginalisierung. Im Vergleich zu Picassos Blauer Periode spielt das Rosa auf entschieden sanftere Weise auf menschliches Leid an und lässt die schweren Sujets depressiver Bettler hinter sich, um sich auf Figuren zu beziehen, deren Lebenselend eher auf soziale Entfremdung zurückzuführen ist. Trotz dieser klaren Anspielungen werden die Zirkusartisten nicht mit traurigen Blicken verewigt, sondern drücken eine gewisse Gelassenheit aus, die vielleicht durch die Farben verliehen wird, mit denen ihre Formen dargestellt wurden, die jedoch in einen leeren Kontext gestellt werden, der unweigerlich auf Einsamkeit hinweist.

DISJONCTION XV (2023)Gemälde von Adalberto Miguez.

Adalberto Miguez: Disjunktion XV

Was Miguez auf der Leinwand darstellte, ließ mich an eine Szene aus einem Film denken: Zwei Liebende, nackt und bequem auf ihrem Bett liegend, werden plötzlich in ein Unglück verwickelt, das zum Einsturz des Bodens ihres Hauses führt, etwas, das das macht Der Künstler verewigt sie in dem Moment, in dem sie in der Luft schweben und wahrscheinlich von fallenden Betonstücken begleitet werden. Diese fantasievolle Interpretation von mir kommt nicht umhin, sich mit der Objektivität des untersuchten Themas auseinanderzusetzen, dem des in einem hellen Blau eingefangenen Aktes, der mich aufgrund seiner Affinität sowohl zum Bildgenre als auch zur Farbigkeit sofort an das Traurigere denken ließ, und Deutlich weniger dynamisch ist das Öl mit dem Titel „Blue Nude“ (1902), ein Werk von Picasso, in dem ein sitzendes Modell dem Betrachter den Rücken zukehrt und eine gesammelte und entschieden introspektive Haltung einnimmt. Der Körper wird auf innovative Weise von oben dargestellt und in einem unbekannten Raum platziert, was auf den Zustand der Marginalisierung hinzuweisen scheint, in dem sich die Figur befindet, möglicherweise losgelöst und im Grunde genommen abgelehnt. Schließlich macht das fragliche Meisterwerk deutlich, wie es dem spanischen Meister gekonnt gelang, sein schlechtes Leben in erhabene Kreativität umzuwandeln und die Traurigkeit zu seinem Vorteil zu nutzen, um eines der ikonischsten Stücke der Blauen Periode zu schaffen.

ALTER BETTLER UND JUNGE. POE PICASSO Gemälde von Dmitriy Trubin.

Dmitriy Trubin: Alter Bettler und Junge

In dieser Studie darf die Analyse eines Original-Remakes eines Picasso-Gemäldes auf keinen Fall fehlen, das am Beispiel des Werks von Trubin zu finden ist, in dem zwei humanisierte Nägel die Figuren des alten Blinden und des Jungen, Protagonisten des gleichnamigen Werks des andalusischen Meisters, umgestalten Meisterwerk auf blauem Hintergrund aus dem Jahr 1903. Letzteres Öl auf Leinwand zeigt bekanntermaßen die oben genannten marginalisierten Charaktere, die an einer Wand sitzen und sich von einem Hintergrund abheben, der einfach durch eine horizontale Linie wiedergegeben wird, die der Ecke eine konkrete Form geben soll eine Mauer, die auf eine Straße trifft. Die Motive, die einen solchen Hintergrund beleben, sind traurig und auffallend arm, aber zusätzlich zu ihrem Schein ist es die Ausweitung des blauen Farbtons, die ihrer traurigen, traurigen, einsamen und melancholischen Ausstrahlung größere Kraft verleiht. Zurück zu den fraglichen Charakteren: Sie sind wahrscheinlich den Motiven entlehnt, die der Künstler zu dieser Zeit in Barcelona beobachten konnte, insbesondere bei seinen Wanderungen durch die elenden Straßen des Barceloneta-Viertels, wo sich zu dieser Zeit Bettler drängten . Um eine kleine historische Klammer zu eröffnen: Das Barcelona des frühen 20. Jahrhunderts war tatsächlich eine Stadt voller starker Kontraste, das heißt voller Textilfabriken, in denen die Arbeiter und mittellosen Arbeiter jedoch im Grunde genommen vergessen wurden.