En la actual explosión de biopics de rock, el punk es una zona particularmente caliente y en Fanky queremos darte una mano.
El futuro cercano verá películas y series de televisión que dramatizan las vidas rebeldes de Sex Pistol Steve Jones , Viv Albertine of the Slits , Cosey Fanni Tutti de Throbbing Gristle , The Clash y Malcolm McLaren.
Pero las biografías musicales enfrentan un gran desafío: es la particularidad de un rostro y una voz lo que nos fascina y se entrelaza íntimamente con nuestro amor por las canciones. Un sustituto no tendrá esas características específicas y es poco probable que coincida con el encanto magnético del artista.
Esto se aplica tanto al anti-carisma como al atractivo convencional. Sea testigo de los aullidos burlones que saludaron a los adelantos de Pistol, la serie Sex Pistols de Danny Boyle para FX, que se estrena en mayo: los niños se veían demasiado encantadores para pasar por Sid Vicious y Johnny Rotten.
Ahí es donde ganan los documentales, ya sean cápsulas del tiempo que vuelan sobre la pared o reconstrucciones tejidas a partir de imágenes de archivo y recuerdos.
Un documental como el reciente Poly Styrene: I Am A Cliché , que fue dirigido por su hija Celeste Bell y Paul Sng, ofrece la emoción de ver a la cantante de X-Ray Spex romper barreras en tiempo real histórico y la conmovedora historia de fondo de sus luchas como madre.
Pero podría decirse que las mejores películas punk son historias que aprovechan el espíritu de la época a través de personajes imaginarios y situaciones inventadas.
Una película biográfica no puede evitar tratar a sus protagonistas como figuras excepcionales, estrellas que dominan el escenario de la Historia, de una manera que socava el espíritu iconoclasta del punk de «no más héroes».
Una película de ficción, por el contrario, puede transmitir el aspecto arquetípico de «cualquiera puede hacerlo» del movimiento, la forma en que nadie aprovecha el tiempo y convierte su vida en una aventura.
Mirando este tipo de cine punk soñado, queda claro que lo mejor de estas películas a menudo se centran en protagonistas femeninas. La revuelta del punk se siente aún más emocionante cuando involucra a chicas rebeldes en lugar de a chicos malcriados.
Estas películas están clasificadas, de forma general, de peor a mejor.
20 películas del Punk Rock que tienes que ver antes de volverte fome
Jubileo (1978)
Director: Derek Jarman
Aparte de un par de documentales en bruto, Jubilee fue la primera película punk.
Cayendo en algún lugar entre la estupidez campy shock de Rocky Horror Picture Show(comparten un par de miembros del reparto) y el psicótico cine No Wave del centro de Nueva York, la película logra ser a la vez tonta y sórdida.
El escenario es una Inglaterra donde el orden social se ha derrumbado en gran medida y los niños salvajes deambulan por las calles robando joyas y Ray-Bans de las víctimas de accidentes automovilísticos.
En lugar de trama, hay un desfile de cuadros sádico-masoquistas: una niña tallando la palabra «amor» en la espalda de una mujer, una modelo atada a un árbol de mayo con alambre de púas en lugar de cintas entrelazadas alrededor de su carne desgarrada.
Estas imágenes ciertamente llamativas están salpicadas de pronunciamientos portentosos como «siempre que la música esté lo suficientemente alta, no escucharemos que el mundo se desmorona», pronunciados por personajes con nombres como Mad y Chaos.
La combinación de actores formados en el teatro británico y artistas primerizos, como la futura estrella del pop Adam Ant, crea una mezcla forzada de sobreactuación e infraactuación. Lo que hace que valga la pena perseverar es el ojo pictórico de Jarman. Ciertas secuencias —un cochecito de bebé en llamas, la palabra POST MODERNO pintada en la pared de una vivienda, una bailarina haciendo piruetas alrededor de una pira— persisten mucho después de que la falta de argumento y el libertinaje sin amor se desvanecen de la memoria.
Ver: HBO Max y Criterion Channel
Rompiendo cristales (1980)
Director: Brian Gibson
Lo que le sucede a Kate Crowley en Breaking Glass se asemeja a la historia de la vida real de Poly Styrene: punkette encuentra la fama con canciones sobre el consumismo y la deshumanización, solo para romper a carcajadas por las presiones del estrellato. Incluso hay un parecido sónico entre X-Ray Spex y la banda de Crowley, con un saxo New Wave prominente en ambos.
Aunque tiene un olor acre a «película de explotación juvenil», Breaking Glass es una instantánea subestimada de la Gran Bretaña de finales de los 70, que evoca tanto los mugrientos escalones inferiores del negocio de la música como los enfrentamientos entre fascistas y antifascistas en las calles.
Hazel O’Connor tiene el magnetismo para convencer tanto como una desconocida hambrienta como una estrella y, de hecho, disfrutó de una serie de exitosos sencillos en la parte posterior de la película. Recién salido de su papel principal en la película mod Quadrophenia, Phil Daniels está elegido para interpretar a Danny, el niño de clase trabajadora que se abre paso a toda prisa para asumir un papel de gestión, y un joven Jonathan Pryce interpreta en una pequeña parte al frágil saxofonista yonqui.
Las batallas con una compañía discográfica manipuladora son duras pero divertidas (los trajes quieren que Kate cambie una letra de «patéalo en el trasero» a la más amigable con la radio «golpéalo en la nariz»).
Y cuando Danny llega a la sala de psiquiatría de Kate con el regalo de un sintetizador, estás lo suficientemente involucrado en su viaje como para esperar que un álbum solista serenamente curativo como Translucence de Poly Styrene esté en las cartas.
Ver: Prime Video o iTunes
Una banda llamada muerte (2012)
Directores: Mark Christopher Covino y Jeff Howlett
Un documental sencillo, A Band Called Deathatrae su atención a través de su tema poco probable: un grupo punk totalmente negro, formado por los hermanos Bobby, Dannis y David Hackney, que surgió en Detroit varios años antes del debut de los Ramones en 1976.
La idea de que Death se adelantó a su tiempo está ligeramente sobrevalorada; lo más cercano a la verdad es que llegaron a tiempo, sonando en algún lugar entre sus predecesores vecinos, los Stooges y The Dictators de Nueva York, pero fue sorprendente para la época que compartieran lo mismo. influencias de whiteboy” (en particular, The Who) como esas y otras bandas de proto-punk.
Se adelantaron a los Ramones a través de la velocidad de canciones como «Politicians In My Eye», y el mismo nombre Death anticipa la ofensiva snuff-rock de la nomenclatura punk, a pesar de que pretendía ser un tributo a su padre, quien murió temprano.
David, la fuerza impulsora de la banda, también murió demasiado joven, pero su personalidad brilla en los recuerdos de sus hermanos.
Probablemente sonreirás cuando la discografía compacta del grupo sea redescubierta por coleccionistas de discos y reeditada en 2009 como…For The Whole World To See , que resultó en un artículo del New York Times , una gira y un álbum completamente nuevo. Y tus ojos pueden empañarse a medida que la saga continúa con los propios hijos de los hermanos formando la banda tributo Rough Francis para asegurar que las canciones de Death sigan vivas.
Ver: Fandor
Asombrado (1982)
Director: Gillian Armstrong
Un derroche de colores primarios y telas artificiales, Starstruckpodría ser la película más New Wave de la historia.
La figura central Jackie Mullens, una aspirante a cantante de la Australia de principios de los 80, tiene cabello naranja brillante y lápiz labial de caroteno; su primo/gerente Angus, de 14 años, luce una corbata delgada y un lavado morado. La pareja vive con la madre propietaria de un pub de Jackie, una mezcla de Margaret Thatcher y Edna Everage entre la paleta de colores de la portada de un disco de Split Enz. Jackie no tiene voz para hablar, pero el puro descaro hace que su ascenso al estrellato parezca irresistible.
Cuando el presentador de un programa de televisión la seduce para que mejore su actuación para ganar un concurso de talentos, su espíritu valiente se desmorona, pero solo por un momento.
Ella y su banda se meten de contrabando en el escenario y sorprenden a la audiencia con su verdadero sonido y estilo. lo que provoca que la audiencia se sincronice con el baile herky-jerky de Jackie como los adolescentes en el video «Girl U Want» de Devo.
La victoria y un cheque de $25,000 son suyos. Mujeres jóvenes enérgicas es una especialidad de Gillian Armstrong: ver tambiénMy Brilliant Career , Little Women y su serie documental que sigue la vida de unas adolescentes en Adelaide.
Starstruck es un poco insignificante en comparación pero, aparte de las melodías atroces, es encantador de principio a fin.
Ver: Prime Video o Tubi
Sid y Nancy (1986)
Director: Alex Cox
Sid y Nancy significa ser un romance; originalmente se iba a llamar Love Kills—pero en realidad es la historia de dos personas dañadas y engañadas atrapadas en una espiral de perdición mutua.
Incluso después de morirse de hambre, Gary Oldman tiene un aspecto demasiado saludable y robusto para convencer como Sid Vicious, pero Chloe Webb logra la mezcla de Nancy Spungen de niño pequeño y rubio botella hasta el punto de ser bastante insoportable.
No es un retrato doble halagador de ninguna manera, la historia se precipita a través de la brutalidad de un periodista musical y la pareja inyectándose sexo antes incluso de besarse, en su largo y agotador tránsito hacia una muerte sórdida. Cuando los otros Sex Pistols se quejan de las deficiencias de Vicious, el mánager Malcolm McLaren afirma entre risas que “Sidney es más que un simple bajista: es un desastre fabuloso. Es un símbolo, una metáfora: encarna la demencia de una generación nihilista”.
Más sucintamente, Spungen dice: «Sid Vicious son los Sex Pistols”.
La película de Cox se suscribe a esta visión de Vicious como la verdadera estrella de la banda, cuyo trabajo no era reforzar la sección rítmica sino generar caos mediático.
Su vida se entiende como una sucesión de imágenes impactantes: atravesar una puerta de cristal en una fiesta posterior, escribir NANCY en su pecho con una hoja de afeitar mientras las groupies observan hipnotizadas, y el famoso cuadro de los amantes besándose contra un contenedor de basura en un basurero. callejón sembrado.
Hay algunas risas en el camino hacia la muerte y la infamia; Sin embargo, en su mayoría, es un deslizamiento sombrío hacia lo inevitable, durante el cual la paleta de colores de la película se vuelve gris lentamente para coincidir con el estrechamiento adormecido de su mundo.
De varias «teorías del caso», Cox opta por el homicidio accidental: Nancy ha estado rogándole a Sid que cumpla un pacto suicida y durante una pelea prácticamente choca con su navaja.
Pero no hay sentido de los traumas más profundos y la alienación que los condujo por esta calle de un solo sentido. El descuido con el que trataron sus existencias sigue siendo un misterio inexplicable.
Ver : IndieFlix
Chico rudo (1980)
Directores: Jack Hazan y David Mingay
Hazan y Mingay causaron revuelo con A Bigger Splash de 1973 , una película sobre el pintor David Hockney y su círculo que mezclaba de manera inquietante imágenes de moscas en la pared, escenas recreadas basadas en hechos reales y secuencias de fantasía.
Este enfoque de docuficción se traslada a Rude Boy , la película de The Clash notoriamente repudiada por The Clash. Un personaje de la vida real llamado Ray Gange es la figura central, interpretando una versión poco favorecedora de sí mismo como un parásito de Clash que bebe cerveza y encuentra molestas las letras políticas de la banda y demuestra ser un roadie poco confiable en su gira.
Chico rudo es un mosaico inconexo que oblicuamente gesticula hacia un veredicto negativo sobre la potencia política del punk. Una trama secundaria inconexa que involucra a niños jamaicano-británicos que chocan con el sistema judicial insinúa que las tribulaciones de la juventud blanca son insignificantes en comparación; la película termina tristemente con Margaret Thatcher saludando desde el número 10 de Downing Street después de una victoria aplastante de los conservadores en mayo de 1979, como diciendo que todos esos himnos justos y los beneficios de Rock Against Racism lograron poco.
Pero a pesar de su ritmo apático, la película llama la atención con imágenes de conciertos electrizantes, escenas discretas «fuera de servicio» con el siempre luminoso Strummer y destellos de la pura basura del Reino Unido a fines de los años 70, que se asemeja a un País del bloque del Este más que la imagen turística de Gran Bretaña.
Ver : Prime Video , iTunes o Tubi
La decadencia de la civilización occidental (1981)
Director: Penélope Spheeris
Desde entusiastas como Bowie hasta críticos culturales severos como Christopher Lasch, la «decadencia» fue un concepto candente en la década de 1970.
El futuro cercano se imaginó como un colapso lento pero constante de la sociedad a medida que el exceso egoísta reemplazó al deber y la moderación, seguido por la barbarie revigorizada del fascismo.
No está claro si el título de Spheeris es un guiño a The Decline of the West de Oswald Spengler., pero su documental ciertamente reúne pruebas para la acusación. Siguiendo el modelo de la escena del Reino Unido en lugar de la de Nueva York, el punk de Los Ángeles involucró a fanáticos del glamour como Darby Crash of the Germs que cambiaron a Bowie por Sid Vicious como sus modelos a seguir.
Al principio de la película, Crash muestra la cicatriz que le quedó en la garganta por jugar con una navaja. Más tarde, actuando en un estudio de sonido que Spheeris alquiló porque los gérmenes estaban prohibidos en todos los lugares, se revela que Crash no solo no es cantante, sino que ni siquiera es un gritón decente.
Filmado a finales del ’79 y principios del ’80, Decline captura el reflujo de la primera ola del punk de Los Ángeles y la agitación del hardcore: Circle Jerks y Fear, pero no hay Screamers ni Weirdos. Junto a la encantadora X y una Black Flag sorprendentemente afable, lo más destacado de Decline es la impresionante belleza gráfica de Slash Magazine, vislumbrada durante una visita a su oficina. Incluso el personal es guapo: Bob Biggs, Chris D y Philomena Winstanley tienen el aspecto impecable de estrella de cine de Gregory Peck, mientras que el legendario Claude Bessy rezuma el atractivo de Serge Gainsbourg. Sin embargo, comete el error cardinal de la crítica de rock al liderar su propia banda de punk mediocre, Catholic Discipline.
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Lo que hacemos es secreto (2007)
Director: Roger Grossman
Penelope Spheeris aparece tres veces en esta lista: aquí no es como directora sino como un personaje histórico, interpretado por una actriz, y se le ve acercarse a Darby Crash para aparecer en su documental.
En el caso del cantante de Germs, lo irreal supera el ícono real como se captura en Decline : Shane West es más atractivo y más magnético que Crash. Lo mismo se aplica a Rick Gonzalez como el guitarrista Pat Smear y Bijou Phillips como la bajista Lorna Doom: es una versión embellecida de una historia fea, pero eso hace que se pueda ver.
Un anglófilo crónico, Crash emuló a Bowie, luego a Vicious y finalmente, absurdamente, a Adam Ant. Aquí, Crash se presenta como una lectura de Nietzsche de «Jim Morrison para nuestra generación», un poeta visionario que se automártir.
El otro intelectual e ideólogo de la película es Brendan Mullen, el promotor detrás del paraíso punk de Los Ángeles, The Masque, cuyas peroratas sobre la «terapia de inmundicia medieval para adolescentes» se pronuncian con un marcado acento escocés y, con un toque ingenioso, se les da subtítulos.
Todo va bien hasta el final frustrado: al carecer de la necesidad narrativa que llevó a Ian Curtis y Sid Vicious a su perdición, la sobredosis fatal de Crash se siente como una pose llevada demasiado lejos en lugar de un martirio de rock.
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Suburbios (1984)
Director: Penélope Spheeris
La nada de los suburbios era uno de los objetivos favoritos del punk. Es ese vacío espiritual, junto con situaciones domésticas disfuncionales, lo que impulsa por separado a los fugitivos Sheila y Evan a la naturaleza, donde encuentran refugio en una comuna punk.
Los niños viven una parodia de la vida familiar suburbana: miran televisión con apatía durante horas y horas, preparan comida a la parrilla robada de los congeladores de los garajes de los normies.
Llamándose a sí mismos los Rechazados, marcan su carne con los estigmas de su alienación, un TR rígido y literalmente abrasador.
Suburbiosestá lleno de escenas memorables: Flea insertando toda la mitad superior de su rata mascota en su boca, los niños robando el césped del césped de algún idiota para hacer una alfombra acogedora.
Pero los niños no parecen mucho más ilustrados o inspiradores que el mundo normal del que se alimentan. Spheeris incluye deliberadamente algo de sexismo desagradable y una escena en la que los punks se burlan de un comerciante discapacitado.
“Todo el mundo sabe que las familias no funcionan”, le dicen los Rechazados a un policía que les pregunta por qué no quieren hacer algo con sus vidas. “Esta es la mejor casa que hemos tenido jamás”. Eso no es decir mucho.
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La generación en blanco (1976)
Director: Amos Poe e Ivan Král
Una colaboración entre el guitarrista de Patti Smith Group Ivan Král y Amos Poe, una figura destacada en No Wave Cinema, The Blank Generationes un despacho de apariencia tosca desde el frente subcultural.
El enfoque brumoso y la película en blanco y negro de alto contraste exageran la delgadez lunar de Tom Verlaine y hacen que Tina Weymouth parezca el fantasma de Jean Seberg.
La calidad del sonido es variable y deliberadamente no sincronizada con las actuaciones, en parte porque el audio proviene de grabaciones de demostración de las bandas en lugar de que los conciertos se filmen en realidad, y en parte porque Poe era fanático de los directores de la Nueva Ola francesa como Godard. y los efectos disruptivos de alienación que utilizaron.
Los cabezas parlantes están en él, pero no hay cabezas parlantes que brinden explicación y contexto. Pero en su forma opaca, literalmente sin palabras, la película es un documento maravilloso que captura a futuras estrellas (Blondie, Ramones) y pronto olvidadas (Tuff Darts, the Shirts) con ecuanimidad.
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DOA: un derecho de paso (1981)
Director: Lech Kowalski
Lo primero extraño de DOA es que fue producido por la gente detrás de High Times, la revista hippie para fumadores de marihuana e incluso tiene una dedicatoria al fundador Tom Forcade, quien murió en 1978.
La segunda es su composición mezcolanza: originalmente pensada como un documento no autorizado de la caótica gira estadounidense de los Sex Pistols a principios del 78, imágenes insuficientes obligó al director Kowalski a viajar al Reino Unido para rellenar la película. Pero la casualidad y la conveniencia dan como resultado un convincente collage de material dispar que captura un momento histórico en su desarrollo. A pesar de la sensación de verité, la invención está involucrada en ciertos puntos.
Terry and the Idiots, supuestamente una banda de punk en apuros, fue fundada por el cantante Terry Sylvester pura y simplemente para estar en la película. Su único concierto, en un pub lleno de trabajadores hostiles que buscan relajarse, es un desastre.
Pero Sylvester demuestra ser razonablemente elocuente como portavoz generacional: «Tu ropa se relaciona con cómo te sientes… la ropa jodida significa que estás jodido con la gente y el entorno que te rodea».
Sid y Nancy aparecen en escenas tragicómicas en las que Vicious sigue cabeceando detrás de sus anteojos, quemando a Spungen con su cigarrillo. Sorprendentemente, algunas de las apariciones más carismáticas provienen de figuras de autoridad anti-punk, como el concejal de Londres Bernard Brooke-Partridge, quien critica la incapacidad de la juventud moderna para «enunciar el inglés de la reina», y la veterana activista por la limpieza de las ondas de radio Mary Whitehouse.
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Gente fiestera las 24 horas (2002)
Director: Michael Winterbottom
Aunque se trata más de post-punk y post -post -punk, esto rechina su inclusión porque recrea uno de los eventos más míticos del punk: la actuación de los Sex Pistols en junio de 1976 en el Lesser Free Trade Hall de Manchester, que se dice que desencadenó las carreras de futuras estrellas como Morrissey e Ian Curtis.
El héroe de la historia es Anthony H. Wilson, quien fomentó el punk a través de su papel como presentador y seleccionador de bandas para el programa de televisión So It Goes.y quien trajo al mundo Joy Division y New Order como co-fundador de Factory Records.
La misión del sello de Manchester era resistir el dominio centralizador de Londres en la industria de la música. Desafiantemente regional, idealista en sus prácticas comerciales (contratos no vinculantes, reparto de ganancias al 50/50 con los artistas), Factory también estaba desorganizada, tambaleándose de crisis en crisis. Pero hizo historia, inicialmente con Joy Division (la primera interacción de Curtis con Wilson es llamarlo capullo por no tenerlos en su programa de televisión) y luego a través del club nocturno Hacienda que se tragó gran parte de las ganancias de New Order pero se convirtió en un punto focal de la Escena rave del Reino Unido.
Cronológicamente, la segunda mitad de Party People parece distante de los eventos de 1977, sin embargo, Happy Mondays y su líder Shaun Ryder viven una versión de punk tan ferozmente como cualquiera: vulgares, caóticos, burlones que cantan una verdad comprensible solo para aquellos en su propia longitud de onda drogada.
El comediante Steve Coogan interpreta a Wilson como un bufón visionario guiado por el instinto más que por su intelecto educado en Cambridge.
El tono alegre oculta las tragedias (el suicidio de Curtis se maneja mal) y la angustia que debe haber significado el colapso financiero de Factory. Pero una vertiente crucial del punk —completos aficionados que forman bandas y juegan a estar en el negocio discográfico— sí llega al disco cinematográfico.
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Ciudad explosiva (1982)
Director: Sogo Ishii
Un aluvión frenético de cuero negro, guantes con tachuelas de acero, gafas de sol envolventes y muecas de gritos rebeldes, Burst City es menos una película narrativa que un batido salpicado de imágenes de sesiones fotográficas de moda callejera de revistas de estilo y videos de rock de los años ochenta.
Desde la oleada de emoción y velocidad de sus secuencias iniciales en las autopistas de Tokio hasta la oscura bacanal de las escenas de clubes que involucran a bandas punk japonesas como Stalin y los Roosters, Ishii y su equipo inscriben la estética en el celuloide como ninguna otra película punk antes o después. desde entonces, utilizando edición de ametralladora, película granulada de 16 mm, cortes de salto entre color y blanco y negro, y otras técnicas desgarradoras de retina.
A menudo descrito como cyberpunk, el resultado se acerca más a una mezcla de Mad Max , Liquid Sky, y el género de gánsteres japoneses de las películas yakuza. Ishii entiende el punk como una batería de poses y acrobacias deslumbrantes. En su implacable compromiso con su propia manía, Burst City es un éxito.
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La película de punk rock (1978)
Director: Don Lets
La contraparte del Reino Unido de Blank Generation, esta compilación de material de archivo de mano en bruto de punk que se desarrolla en tiempo real histórico captura de manera similar una mezcla de leyendas y también rans.
La futura estrella Billy Idol se ve adorablemente inocente al frente del peso ligero New Wavers Generation X; los punks de segunda fila Eater rompen la cabeza de un cerdo en el escenario y arrojan escombros a la audiencia; Palmolive se destaca en The Slits por su postura de percusión militantemente alerta. Pero más que la tarifa del concierto, lo que atrapa es el Super 8, el material al estilo de una película casera: Joe Strummer y Ari Up jugando en un autobús de gira, niños disparando a toda velocidad en el baño de un club, el personal de la boutique punk Boy recibe una advertencia. por policías sobre un escaparate que mostraba un dedo amputado de aspecto realista y un pie quemado.
Siouxsie Sioux es capturada fuera del escenario y fuera de lugar, sonriendo de la manera más inesperadamente encantadora. y luego como la reina de hielo de las Banshees interpretando «Carcass» con movimientos marcadamente estilizados.
Si el baile y la ropa son estéticamente más sorprendentes hoy que la mayoría de la música, también llama la atención cuántos New Waves todavía tenían el pelo largo y la ropa de principios de los 70.
Filmado por Don Letts, quien luego se convirtió en el camarógrafo de The Clash,The Punk Rock Movie es como un álbum de fotos que cubre un año o dos en la vida de una familia: técnicamente errático, recopilado al azar, no es una obra de arte coherente, sino un documento precioso.
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Times Square (1980)
Director: Allan Moyle
El productor Robert Stigwood pensó que haría por New Wave lo que su Saturday Night Fever hizo por la música disco, razón por la cual la banda sonora de Times Square era un álbum doble, repleto de melodías de la talla de XTC y los Ramones.
La contraparte de John Travolta aquí es Robin Johnson como Nicky Marotta, un fugitivo de voz áspera que lleva a Pamela Pearl (Trini Alvarado, de 13 años), a la elegante niña protegida a dar un paseo por el lado salvaje. El telón de fondo es el centro de Manhattan empapado de sordidez, esas mismas calles que Travis Bickle de Taxi Driver imaginó que una lluvia real barría.
El padre urbanista de Pamela planea hacer exactamente eso. Pero la vida de la calle, encarnada en Nicky, contraataca, le roba a su hijo y revela que la vida real existe «fuera de la sociedad», como cantaba Patti Smith.
Una músico callejero, Nicky es ella misma una poeta punk en el modo Patti / Jim Carroll. La historia del dúo rebelde, que se hace llamar Sleez Sisters, encanta al DJ de radio nocturno Johnny LaGuardia (Tim Curry). Cuando Pamela envía una carta negando que ha sido secuestrada sino más bien «Nicky-napped, happy-napped», el DJ la lee en voz alta y los convierte en forajidos al estilo de Bonnie y Clyde en guerra con «la banalidad… el aburrimiento… la televisión… haciéndolo por todos los que nos quedamos en casa”.
Ahora, una banda con canciones como «Damn Dog» y «Your Daughter Is One», el dúo inspira un movimiento de imitación de chicas que usan maquillaje de ojos estilo bandido. Luego se convierten en guerrilleros urbanos que arrojan televisores desde lo alto de los edificios.
Aunque cada vez más inverosímil, Times Squarefunciona como un seductor cuento de hadas moderno. Una bomba en ese momento, se convirtió en una piedra de toque para los punks modernos como Kathleen Hanna y Manic Street Preachers.
Smithereens (1982)
Directora: Susan Seidelman
La antiheroína Wren se asemeja a un remix New Wave de Shirley MacLaine: cabello castaño rojizo, piel pálida, anteojos de sol blancos y falda a cuadros.
Primero la vemos pegando carteles de su propia cara en los trenes subterráneos de Nueva York. Interpretada por Susan Berman, Wren ha huido de los suburbios de Nueva Jersey donde se come Beefaroni en busca de hacerse un nombre, aunque nunca queda claro cómo y por qué. Extremadamente independiente e ingeniosa en la autopromoción, pero sin talento perceptible, la ternura dura y la persistencia implacable de Wren le permiten abrirse camino en la compañía de varios músicos. Entre ellos está Eric (Richard Hell), el cantante de una banda de New Wave que está en ascenso.
Smithereens es el nombre de su grupo, pero más que eso, es el ambiente de la película.
El East Village ciertamente parece una maldita zona de guerra, pero más que el duro paisaje urbano, la catástrofe aquí es moral o social. La confianza y las verdaderas relaciones se han vuelto imposibles; la conexión humana sólo puede ser fugaz y frágil. Eric resulta ser un asqueroso astuto.
El otro interés amoroso de la película, Paul, un joven ingenuo de Montana que vive en una camioneta, es maltratado por Wren. La escena del rock en la que está tan desesperada por entrar es, según ella misma admite, inútil: «Todos están tratando de ser geniales y todos son un montón de grandes ceros».
Smithereens a menudo se escribe como la carrera de práctica encantadoramente peculiar de Seidelman para el vehículo de Madonna Buscando desesperadamente a Susan . En realidad, es más difícil imaginar una instantánea más sombría del páramo after-punk.
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Hombre Repo (1984)
Director: Alex Cox
En cierto modo, el punk es solo decoración en Repo Man .
Hay una pandilla vestida con estilo Mohawk que roba tiendas de conveniencia, una escena de slam-dance en un estacionamiento, un cameo de Circle Jerks interpretando un atroz híbrido de country-cabaret, una gran melodía de Iggy Pop, pero eso es todo. Sin embargo, esta comedia negra inexpresiva tiene más del espíritu de generación en blanco corriendo por sus venas que cualquier película biográfica punk.
Aunque vemos a Otto Maddox (Emilio Estevez) cantando «TV Party» de Black Flag junto a las vías del tren, en realidad es un tipo pulcro que encuentra un propósito cuando se ve envuelto en el submundo de los agentes de embargo de automóviles.
El guión de Cox es un híbrido inspirado de ficción detectivesca dura y misterio de ciencia ficción en el modo Twilight Zone / X-Files . La trama trata sobre un Chevy Malibu de cuyo maletero pulsa una misteriosa fuerza de energía alienígena.
La persecución del vehículo y su tesoro paranormal, por parte de los recompistas, una banda criminal, ufólogos chiflados y la CIA, tiene la sensación de una comedia de los años 60 como It’s a Mad, Mad, Mad, Mad World .
Donde Repo HombreSin embargo, lo que realmente gana no es la historia tonta, sino su colección de personajes excéntricos, diálogos poco sentimentales y atmósferas. Mientras Otto y su canoso socio Bud (Harry Dean Stanton) conducen usando trucos para recuperar los autos de los propietarios morosos, hacemos un recorrido por las partes menos atractivas de Los Ángeles, el tipo de villas de ninguna parte que nunca llegan a las películas pero que en realidad fueron el desove. terreno para el hardcore. Donde los conformistas de los suburbios buscan una vida tranquila, el repo man, “se pasa la vida metiéndose ensituaciones tensas”, dice Bud. De manera similar, el punk no está motivado por la opresión sino por la pobreza de la vida cotidiana en una sociedad próspera y estable.
Cuando el viejo amigo de Otto, Duke, que muere en el piso de un supermercado después de que un robo salió mal, culpa a la sociedad por su vida criminal, Otto responde: “¡Eso es una mierda! Eres un punk suburbano blanco, como yo.
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Damas y caballeros, Las fabulosas manchas (1982)
Director: Lou Adler
Escrito por la guionista ganadora del Oscar Nancy Dowd con aportes de la periodista punk británica Caroline Coon, The Fabulous Stainscomienza con el desafío de la trabajadora adolescente de comida rápida Corinne Burns (Diane Lane), cuyo despido es documentado por un equipo de noticias de la televisión local.
Se envían miles de cartas en su apoyo, por lo que Corinne comienza una banda con su hermana Tracy y su prima Jessica (Laura Dern).
A pesar de una deficiencia de competencia y casi ningún material, los Fabulous Stains se aseguran un puesto de apoyo para los cabezas de cartel decrépitos Metal Corpses y Britpunx the Looters (interpretados por las estrellas punk del mundo real Steve Jones y Paul Cook de Sex Pistols, y Paul Simonon de el enfrentamiento).
El líder de Looters, Billy (un joven Ray Winstone), se burla de que «las chicas no pueden ser rockeras, es un hecho», pero las chicas comienzan a aparecer en masa en los espectáculos, imitando el maquillaje de ojos de Corinne y llamándose a sí mismas Skunks.
Pronto las tornas cambian y los saqueadores apoyan a los Stains. Todo se desmorona cuando la banda se ve sofocada por la exageración y el merchandising caro: Billy le dice al ejército de Skunks que «todos ustedes han sido estafados… jodidos por su héroe».
La multitud se vuelve contra los Stains y sus agentes los dejan por una nueva banda llamada… the Smears. Un final agregado muestra el segundo acto con entradas agotadas de los Stains como un grupo de MTV al estilo Bangles.
Si bien no cuadra narrativamente, damas y caballeros, The Fabulous Stains funciona como una parábola de convertir la rebelión en dinero. Llevada por la frialdad puntiaguda de Lane y la furia femenina joven que aprovecha, la película se siente ahora como una extraña premonición de Riot Grrrl.
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La gran estafa del rock and roll (1980)
Director: Julien Temple
A juzgar por las métricas convencionales, Swindle no es una buena película.
Con un director novato, los no actores Malcolm McLaren y Steve Jones en los papeles principales, Sid Vicious en gran parte ausente sin permiso y la estrella central de los Sex Pistols, Johnny Rotten, negándose a participar, ¿cómo podría ser?
Pero a pesar de ser una mezcla desordenada de imágenes documentales, clips de conciertos, representaciones animadas de momentos clave y escenas dramáticas filmadas, Swindlepodría ser la mejor película punk de todas, simplemente porque es la más verdadera.
No es «verdadero» como históricamente exacto, sino en el sentido de ser el más ofensivo. Supera al punk dirigiendo ese espíritu de iconoclastia contra las propias ortodoxias y vacas sagradas del movimiento.
El impresionante cinismo de la presunción de McLaren, el punk como una gigantesca estafa para hacer dinero planeada por el gerente, tiene como objetivo indignar a cualquiera que crea en el movimiento como la voz vital de los niños en las calles.
La trama, tal como es, involucra a Jones como un imbécil privado que persigue a McLaren con la esperanza de descubrir qué sucedió con todo el dinero que los Pistols obtuvieron cuando EMI y A&M los abandonaron (respuesta: Malcolm gastó la mayor parte en la película que usted estamos mirando).
Pero mientras Swindle no se mantiene unido como narrativa, la sinergia de guión entre McLaren y Temple genera una serie de imágenes sorprendentes y escenas emocionantes.
La interpretación psicópata de Sid de «My Way» llega al clímax con él fotografiando al público ya su propia madre en la primera fila. Hay travesuras de metapelícula cuando Jones entra al cine y mira la misma película que estamos viendo, mientras come una Vicious Burger (parte de una variedad de Swindlemercancía).
La perorata de McLaren es hilarante: siseando siniestramente sobre «un invento mío al que llamaron punk rock» mientras está completamente envuelto en ropa fetichista de goma negra, golpeando a «ese necrófilo, rock’n’roll» y exhortando a los niños a «llamar a todos los hippies». aburridos viejos pedos y prenderles fuego.
La lección siete en su plan paso a paso es «obligar al público a odiar» a su grupo, algo que se dio cuenta de que funcionó cuando los patriotas amantes de la Reina Isabel golpearon a los Sex Pistols. Más tarde, Temple expió la insensibilidad de Swindle con un relato des-McLarenizado contado por la propia banda, The Filth and the Fury de 2000 . Pero la laboriosa honestidad del rock-doc dice menos sobre los Pistols o el punk que la bolsa de regalos de Swindle repleta de ideas escandalosas.
¡Somos los mejores! (2013)
Director: Lukas Moodysson
Muchos ven a las naciones escandinavas como modelos de sociedades bien organizadas y tolerantes, pero las heroínas de We Are the Best!—Bobo y Klara, de 13 años— claramente están de acuerdo con los Stranglers, cuya canción «Suecia (All Quiet on the Eastern Front)» despreciaba el lugar como «el único país donde las nubes son interesantes».
En una tranquila ciudad de Estocolmo, ¿qué debe hacer una chica? Forma un grupo punk, aunque tanto las rubias conformistas de la escuela como un hermano mayor amante de Joy Division les informan que es 1982 y que el punk está muerto.
Sus amables padres y la insulsidad planificada de su entorno social exasperan a Bobo y Klara. Pero en realidad tienen poco de qué quejarse: el club juvenil local les brinda no solo espacio para ensayar, sino también elegantes imitaciones de Stratocaster para que las golpeen sin melodía. Uno de sus padres incluso intenta tocar con ellos su clarinete.
Sofocados por la acomodación, el dúo muerde las manos que los alimentan y animan. La horrible opresión de tener que hacer ejercicio físico en la escuela inspira su canción “Hate the Sport”: “El mundo es una morgue/Pero estás viendo a Bjorn Borg”.
Finalmente, encuentran una oposición digna de su insubordinación instintiva: un concurso de talentos que se lleva a cabo en una ciudad de provincias llamada Västerås. Mientras los jóvenes locales amantes del metal lanzan abusos como «putas comunistas», el grupo reescribe espontáneamente «Hate the Sport» en «Hate Västerås» y enciende un motín propio.
Estas mini-Slits nórdicas se apoderan del espíritu rompedor por sí mismas. Hedvig, la chica cristiana mojigata que reclutaron como guitarrista principal, incluso maldice por primera vez en su vida.
Vemos por última vez al trío haciendo una verdadera molestia de sí mismos: prendiendo fuego a las cosas, gritando alegremente “capitalismo” en el supermercado, arrojando trozos de lana por la ventana a los peatones. En otras palabras, ser idiotas de una manera que las chicas casi nunca llegan a ser.
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