Miles Davis, que nasceu Miles Dewey Davis III tem sido uma grande influência na música jazz. Ele é creditado com o nascimento de algumas das formas atuais de jazz como be-bop e jazz fusion. Davis foi introduzido no Hall da Fama do Rock and Roll em 2006 por suas contribuições para o gênero. Sua lista de músicas contém quase 50 álbuns de estúdio. Embora os álbuns de jazz nunca tenham sido sucesso nas paradas nacionais, sua lista das 10 melhores músicas contém canções inesquecíveis.
Amanhã, sábado (26), Miles Davis completaria 92 anos. E para homenagear essa grande lenda do Jazz, resolvemos fazer uma lista com as suas dez melhores músicas. Miles Davis lançou mais de 50 álbuns, o que torna uma missão difícil escolher apenas dez músicas, mas vamos a lista:
10 – Prelude (1975)
Influenciado por tudo, de bandas de funk a compositores clássicos de vanguarda, o conjunto de Davis tornou-se cada vez menos ligado ao passado, mesmo porque a sua dependência de grooves e riffs cíclicos (particularmente da secção rítmica) voltou a enfatizar as suas dívidas ao blues. Mas o que quer que essa nova música fosse, certamente não era pop.
Evidências do que sua banda de meados dos anos 70 estava fazendo existiam em várias partes exageradas, distribuídas em três álbuns ao vivo oficiais e uma enorme quantidade de bootlegs. Nada soou como o que este septeto estava fazendo naquela época, e nada mais parecia desde então. A primeira faixa de Agharta, gravada em Osaka em fevereiro de 1975, é uma colisão de 35 minutos de idéias, estruturas e sons, dado o título “Prelude on the record” (mas que é, na verdade, um medley que inclui as faixas “Tatu” e “Maiysha” bem como “Agharta Prelude”), que está entre os momentos musicais mais singulares do século XX.
09 – Right Off (1971)
Quando Herbie Hancock usou pela primeira vez um teclado elétrico em uma sessão, os detratores estavam reclamando que Davis estava fazendo rock. Entre os muitos problemas com essa visão estava: se “In a Silent Way” fosse “rock”, o que na “Bitches Brew” seria? Davis estava trabalhando além de gêneros, compartimentos e categorizações. Ele usava o slogan “Directions in music” nas mangas de seu álbum há anos. Ele permaneceu, como o título do álbum de 1957, Miles Ahead.
No entanto, no primeiro semestre de 1970, Davis finalmente fez um álbum de rock. Um tributo a Jack Johnson foi lançado e não conseguiu replicar o impacto de Bitches Brew . Havia apenas duas faixas, ambas de patchworks editadas por Teo Macero, ambas com mais de 25 minutos – mas não há como discutir com a música.
08 – Yesterdays – Live at the Plugged Nickel (1965)
Em 1965, Davis finalmente teve o que muitos descreveram como o maior grupo da história do jazz. Essa avaliação pode ser o “segundo grande quinteto” – Davis, Wayne Shorter, o baixista Ron Carter, o baterista Tony Williams e a pianista Herbie Hancock – uma injustiça: eles são claramente uma das melhores bandas já montadas, em qualquer gênero musical.
No final de 1965, o novo quinteto estava mais do que familiarizado com a mentalidade anti-intuitiva de seu líder, e desejava tirá-lo da zona de conforto de um repertório ao vivo que seguia os padrões e ignorava o novo material aventureiro que eles estavam gravando. Antes de uma residência em dezembro no Plugged Nickel, em Chicago, e atrás das costas de Davis, Williams – quase sem a adolescência – sugeriu a Carter, Shorter e Hancock que, da primeira nota do primeiro set, tocassem o oposto de tradição e as improvisações de seu líder implicavam. Os quatro músicos concordaram e não hesitaram quando, na chegada ao local, descobriram que os shows estavam sendo gravados pela Columbia. A primeira noite não foi gravada – Davis estava discutindo com o selo -, mas sete sets das próximas duas noites foram.
No decorrer dessas apresentações, lançadas na íntegra em meados da década de 1990, com o box set The Complete Live no Plugged Nickel. É difícil escolher um único momento para representar a combinação de genialidade e loucura que todos os cinco estavam canalizando, mas na terceira noite, quando Davis começou a entender o que estava acontecendo, o grupo encontrou uma maneira de combinar a ousadia aventureira.
07 – In a Silent Way (1969)
O quinteto se dissolveu após a saída de Carter e nunca houve uma banda constante e consistente de estúdio Davis depois. A participação do guitarrista britânico John McLaughlin no estúdio para as sessões que se tornaram o álbum “In a Silent Way” de 1969 não foi planejada: ele estava em Nova York para começar a trabalhar com a Lifetime, a nova banda de Tony Williams e foi convidado para o estúdio por Davis. noite anterior. Eles não estavam familiarizados com o material, e a versão da faixa título que acabou no álbum é efetivamente o som dos músicos gentil e cuidadosamente percorrendo a complicada melodia.
Os resultados – quase insuportavelmente frágeis e sentindo-se ainda mais preciosos pela sensação de que tudo pode desmoronar a qualquer segundo – são surpreendentes. É uma peça de beleza rara e intensa, infundida tanto com uma admiração quanto com uma compreensão gradualmente desdobrável que parece ter sido tão real e inesperada para quem está tocando quanto para o ouvinte. Milagrosamente, ele retém essa sensação de revelação toda vez que você a joga. Aproveitando todos os desenvolvimentos disponíveis – desde instrumentos amplificados até técnicas multitrack de gravação e pós-produção que antecipam a amostragem – Davis estava levando suas próprias idéias e músicas através das portas que a tecnologia e a cultura abriram.
06 – Aragio – Concierto de Aranjuez (1960)
Não contente em reinventar o jazz de pequenas bandas com o quinteto e sexteto, Davis estava ao mesmo tempo no meio de uma série de gravações com Gil Evans que apresentavam mais semelhanças com as partituras orquestrais clássicas do que o que geralmente era considerado jazz. Esboços da Espanha foi o terceiro desses lançamentos e é talvez o mais ambicioso. Davis já havia começado a explorar a música espanhola quando foi apresentado ao Concierto de Aranjuez, de Joaquín Rodrigo, no início de 1959. Davis e Evans elaboraram um arranjo do segundo movimento para trompete e não para violão: sua onipresença como uma peça para bandas de metal hoje enfatiza o quão influente essa leitura se tornaria.
O fato de apresentar algumas das interpretações mais seguras de Davis é apenas parte da história: o que importa é que ele habita o personagem sugerido pelas notas e, por meio de sua trombeta, encontra uma verdade na música que só os maiores artistas poderiam ter localizado.
05 – Miles Runs the Voodoo Down (1970)
Bitches Brew era a gravação para realmente assustar os puristas do jazz: um LP duplo caótico, lotado, muitas vezes cacofônico, era tão extremo quanto Davis tinha conseguido. Que ele foi acusado de “vender” no momento em que empurrou sua música para os limites da capacidade de ouvir provavelmente diz mais sobre seus detratores do que sobre o homem ou sua produção criativa. A influência de Jimi Hendrix é frequentemente citada como alcançando seu apogeu nesta faixa, com o aceno do título para Voodoo Child; mas na verdade, este é Miles, o filho nativo de East St Louis, voltando ao Mississippi para se reconectar novamente com suas raízes de blues.
A versão do álbum difere dramaticamente daquela que a banda ao vivo tocava, e não apenas porque o número de músicos foi reunido para a sessão. É mais lento, ancorado por uma simples faixa de bateria tocada por Don Alias, que foi contratado para tocar congas: ele ouviu um ritmo em uma visita a Nova Orleans e sentiu que se encaixaria melhor nessa trilha do que os dois bateristas (Jack DeJohnette e Lenny White) já haviam tentado abortos anteriores. Note, também, esse título: Davis não está perseguindo ou caçando sua presa, se escondendo no mato pronto para atacar – ele está lá fora a céu aberto, deixando sua presa saber que ele está no seu rastro; um desempenho notavelmente emocionante e estridente.
04 – Freedom Jazz Dance (1967)
O álbum que o quinteto cortou durante a primeira visita ao estúdio depois do show do Plugged Nickel, Miles Smiles, torce a última gota de criatividade de uma banda que aprecia novos sentidos de propósito e possibilidade. As sessões foram rápidas: alguns minutos de ensaio, depois um show ao vivo. As gravações surgem com riscos, e é difícil não ser levado pelo sentimento contagiante de criatividade que todos os jogadores trouxeram para a mesa. O modo como a Dance Jazz Freedom emergiu das névoas é particularmente fascinante. Os testes iniciais (lançados no ano passado em uma caixa envolvente, também chamada Freedom Jazz Dance) mostram Carter lutando para ouvir a música novamente, tendo tocado em sua gravação original com Eddie Harris algumas semanas antes. Depois que ele encontra um novo batimento cardíaco, idéias rapidamente tomam forma, mas não é até Davis sugerir a Williams que ele jogue trigêmeos em cada batida (“Eu não posso tocar tão rápido!” O baterista reclama, mas apenas um minuto depois está fazendo isso) que a última peça do quebra-cabeça cai para colocar.
Davis chega cedo, mas eles continuam, os solos de Shorter e Hancock conversando sobre as perguntas que Davis fez em suas estréias de abertura, Carter e Williams alcançando o que deveria ser impossível, mantendo o alicerce sólido enquanto assegurava que ele se movesse e mudasse constantemente.
03 – Venus de Milo (1950)
Entre sua primeira sessão de gravação em 1944 e sua morte em 1991, Miles Davis mudou o curso da música muitas vezes. A primeira delas veio com as fileiras de curta duração que ele montou para uma residência em Nova York e três sessões de estúdio entre janeiro de 1949 e março de 1950. A formação de nove peças era incomum – poucas bandas de jazz usavam uma trompa francesa – e os shows atraíram pouco atenção. As sessões produziram um punhado de singles para a Capitol Records, mais tarde reunidos como um álbum chamado Birth of the Cool – isso garantiu que a sombra da banda fosse mais longa do que quase todos os seus contemporâneos.
02 – Générique (1958)
Touring Europe teve um profundo efeito sobre Davis. Na França, ele se sentia respeitado como um artista sem questionar ou advertir: esse nunca foi o caso em sua pátria racialmente segregada. Certamente, ele tinha certeza de que nunca teria sido abordado por um diretor de cinema durante uma residência de boate nos EUA e pediu para compor músicas para um filme. Quando Louis Malle fez exatamente essa oferta a Davis em novembro de 1957, Davis aceitou o desafio. A trilha sonora do Ascenseur pour l’Échafaud, de Malle, foi gravada em dois dias em dezembro. A banda – um grupo local, incluindo o baterista americano expatriado e pioneiro do bebop, Kenny Clarke – recebeu pouco mais do que algumas idéias grosseiras que Davis havia anotado em seu quarto de hotel na noite anterior. Na chegada ao estúdio, eles encontraram a estrela do filme, Jeanne Moreau, em um bar improvisado; loops de filmagens do filme foram projetados enquanto improvisavam, com Davis sugerindo que o que quer que eles tocassem fosse em contraponto às imagens na tela.
Não foi a primeira trilha sonora de jazz para um filme noir, mas é um exemplo da forma: o cuidado, vulnerável, sem vibrar de Davis – às vezes usando seu mudo, em outros suavemente aprimorado com eco – foi feito sob medida para cobra fotos em preto-e-branco das ruas da cidade à noite e implicam humores turbulentos que nadam através de quartos sombrios e atrás de rostos inescrutáveis, filmados em grandes planos.
01 – So What (1959)
Davis já havia formado e demitido o grupo que se tornaria conhecido como seu “primeiro grande quinteto” (o baterista Philly Joe Jones, o pianista Bill Evans, o baixista Paul Chambers e John Coltrane no saxofone) quando, dias depois de voltar de Paris, ele recrutou cinco excelentes músicos e começaram a trabalhar como um sexteto. Os ajustes na programação eram frequentes e, em março de 1959, o grupo apresentava Jimmy Cobb na bateria, Wynton Kelly no piano, Chambers, Coltrane e o saxofonista adicional Cannonball Adderley. No entanto, em uma de duas sessões em 3 de março, Bill Evans voltou ao banco do piano, tão fundamental que Davis sentiu que seu estilo era para o material que o grupo estava prestes a gravar. As duas sessões de março – e outra em 22 de abril, novamente com Evans ocupando o lugar de Kelly – dariam ao mundo Kind of Blue, no qual Davis e seus amigos mais uma vez levaram o congresso a uma nova expedição.
Os textos do set contam como Kind of Blue quebrou o molde, com os jogadores rejeitando os acordes como base dos modos de improvisação e adoção. Outra maneira de pensar sobre isso seria fazer como Davis parece ter pretendido: refletir sobre o título do álbum e ouvir enquanto seis músicos-mestres reconfiguram o blues para uma nova era.
Principal fonte: https://www.theguardian.com/music/musicblog/2017/apr/12/miles-davis-10-of-the-best
21. Estudante de Ciências Sociais. Apaixonado por música, cinema e literatura russa.