Las 10 obras de arte más famosas de Keith Haring

Keith Allen Haring (4 de mayo de 1958 – 16 de febrero de 1990) fue un artista estadounidense cuyo arte pop surgió de la subcultura del graffiti de la ciudad de Nueva York de la década de 1980. Su imaginería animada se ha “convertido en un lenguaje visual ampliamente reconocido”. Gran parte de su trabajo incluye alusiones sexuales que se convirtieron en activismo social al usar las imágenes para abogar por el sexo seguro y la conciencia sobre el SIDA.

La popularidad de Haring creció a partir de sus dibujos espontáneos en el metro de la ciudad de Nueva York: contornos con tiza de figuras, perros y otras imágenes estilizadas en espacios publicitarios negros en blanco. Después de obtener el reconocimiento público, creó coloridos murales a gran escala, muchos de los cuales se encargaron. Produjo más de 50 obras de arte públicas entre 1982 y 1989, muchas fueron creadas voluntariamente para hospitales, guarderías y escuelas. En 1986, Haring abrió Pop Shop como una extensión de su trabajo. Su trabajo posterior a menudo transmitía temas políticos y sociales —contra el crack, el apartheid, el sexo seguro, la homosexualidad y el SIDA— a través de su propia iconografía.

niood enumera las 10 obras de arte más famosas de Keith Haring:

1. Radiant Baby (from Icons series), 1990

En la década de 1980, Keith Haring convirtió el metro de la ciudad de Nueva York en su estudio de arte, usando tiza para grabar sus ahora famosos diseños dondequiera que pudiera encontrar espacio. Uno de estos diseños era un niño gateando o “Bebé radiante”, que Haring llamó “la experiencia más pura y positiva de la existencia humana”. Haring solía utilizar al niño para representar a Jesús en los belenes o junto a las cruces. Con el tiempo, el “Bebé radiante” ganó un significado más oscuro a través de las representaciones de Haring de la proliferación nuclear, en la que el bebé aparece dentro de nubes atómicas en forma de hongo y escenas de guerra y violencia. Si bien “Radiant Baby” se puede interpretar de varias maneras, el diseño era el favorito personal de Haring entre sus creaciones icónicas y ahora es apreciado como la etiqueta de la firma del artista.

2. Ignorance = Fear, 1989

En nombre del grupo de activistas contra el SIDA con sede en Nueva York AIDS Coalition to Unleash Power (ACT UP), Keith Haring diseñó y ejecutó este póster en 1989 después de que el artista fuera diagnosticado el año anterior. Las imágenes de Haring aquí hacen referencia a los ‘tres monos sabios’ que, “no ven nada, no escuchan nada, no dicen nada”. Dentro de esta ilustración, Haring se refiere a la ignorancia del público con respecto al sida y pide una conciencia crítica de los “hechos”.

3. Crack is Wack, 1986

El mural anti-crack de Haring surgió durante un período de intensa tensión política en los Estados Unidos debido al uso generalizado de drogas ilegales. La cocaína crack se hizo popular en los barrios pobres y de clase trabajadora de las principales ciudades estadounidenses como Nueva York durante la década de 1980. El número de consumidores habituales de crack en todo el país aumentó de aproximadamente 4,2 millones a 5,8 millones entre 1985 y 1989. A medida que aumentaba la preocupación del público por esta ‘epidemia de crack’, el presidente Ronald Reagan reforzó las políticas de prohibición de las drogas y la severidad de sus sanciones de acuerdo con las normas del gobierno. -llamada ‘guerra contra las drogas’. Crack Is Wack funciona así como un anuncio público para advertir a los neoyorquinos contra las repercusiones fisiológicas y legales del crack.

4. Free South Africa, 1985

Representada en el estilo reconocible al instante del artista, la serie Free South Africa es un ejemplo de cómo Keith Haring utilizó sus divertidos dibujos figurativos para abordar las injusticias sociales en todo el mundo, en particular el racismo y el apartheid en Sudáfrica. Al imprimir y distribuir alrededor de 20.000 carteles de Sudáfrica libre en la ciudad de Nueva York en 1986, Haring trabajó incansablemente para movilizar el apoyo contra el apartheid.

Cada impresión de la serie presenta dos figuras de palo en una lucha entre sí, y a medida que avanza la serie, vemos cómo esta lucha se desarrolla. Usando su estilo audaz y lineal, Haring representa la relación entre la mayoría negra y la minoría blanca en Sudáfrica durante años de segregación racial institucionalizada. La figura negra de la izquierda se hace mucho más grande que la figura blanca, lo que simboliza la disparidad sustancial entre la mayoría negra y las pocas personas blancas que tenían poder político y social en ese momento. Haring transmite claramente esta desigualdad del poder del hombre blanco al mostrar la figura blanca con una cuerda alrededor del cuello de la figura negra.

5. Montreux, 1983

La primera exposición oficial del trabajo de Keith Haring se llevó a cabo en 1982 en la Galería Tony Shafrazi en Nueva York y tuvo un gran éxito. Pierre Keller conoció a Haring unos meses después y le pidió que produjera un cartel del Festival con una figura bailarina. Haring ideó tres diseños, todos los cuales fueron aceptados. Keller y Nobs tuvieron la idea de invitar al artista neoyorquino a Montreux. Como siempre, Haring pintó constantemente, produciendo murales en grandes paneles en blanco en el escenario con los músicos y en las calles de Montreux.

6. Safe Sex, 1988

Las pinturas Safe Sex de Haring tomaron forma en este contexto de invención desesperada, importando el discurso recién concebido sobre el sexo, el riesgo y el placer en el ámbito del arte superior. Aunque difíciles de apreciar en retrospectiva, estas obras cruzaron una línea en su práctica, violando una regla no escrita, una cuidadosamente salvaguardada en el papel de Haring como escritor de graffiti en el metro, que dice que el lenguaje no debe ganarle la mano a la figuración. Extremadamente consciente de los mensajes de marca, Haring nunca antes había insertado un eslogan en su arte (su omnipresente póster de FREE SOUTH AFRICA de 1985 siguió a las dos pinturas de Safe Sex); y si la frase SEXO SEGURO no era del todo un eslogan, no obstante sugería una instrucción a seguir, como lo ilustran las dos figuras. Más concretamente, era poco probable que el mensaje particular de estas obras tuviera un atractivo masivo, desafiando tanto la homofobia convencional como las guerras culturales de la derecha cristiana. Incluso el subastador que consiguió Safe Sex para el beneficio de GMHC se preocupó por el hecho de que “mostraba dos figuras masculinas que se acariciaban entre sí”, y expresó su preocupación de que “esto pueda aparecer en el New York Times”.

7. Pop Shop III, 1989

La serie Pop Shop de Keith Haring reúne algunos de los motivos más reconocibles del artista, representados en su estilo clásico, simplificado y lineal, lleno de colores brillantes y en bloque. En 1986, Haring abrió Pop Shop en el centro de Manhattan, viendo la boutique principalmente como una extensión de su trabajo donde su arte podía ser accesible para todos. La serie Pop Shop representa algunas de las obras creadas durante esos años en que la tienda prosperó entre 1987 y 1990.

8. Andy Mouse, 1986

Titulado Andy Mouse, este conjunto de grabados característicamente lúdico es testimonio de la relación entre Keith Haring y Andy Warhol, el padre indiscutible del movimiento Pop Art. La influencia de Warhol en Haring fue innegable, en las propias palabras de Haring: “La vida y el trabajo de Warhol hicieron posible mi trabajo. … Fue el primer artista público real y su arte y su vida cambiaron nuestra concepción del arte y la vida en el siglo XX ”.

Aquí, Haring rinde homenaje a Warhol, representándolo con pantalones cortos de Mickey Mouse, en sí mismo un tributo a su educación temprana, que comenzó copiando películas de Walt Disney y dibujos animados del Dr. Seuss, con su característica peluca puntiaguda. Representando a dos de las figuras más importantes del movimiento Pop Art, esta es una de las ediciones más buscadas en la obra de Haring y un ejemplo sorprendente de su dominio de la serigrafía como medio.

9. Growing, 1988

En los cinco grabados de la serie Growing, Haring muestra figuras unidas o apiladas que evocan un sorprendente sentido de solidaridad y comunidad. Los colores vibrantes y las líneas fuertes que se ven en todas partes son típicos de la obra de Haring junto con las características “líneas de energía” emitidas por las figuras que evocan el poder de las personas que trabajan juntas.

10. Barking Dog, 1990

The Barking Dog se ha convertido en uno de los símbolos más icónicos de Haring, apareciendo por primera vez en su serie de dibujos del metro de Nueva York de 1980 a 1985. Surgió como un símbolo de opresión y agresión, actuando como una advertencia para el espectador de los abusos de poder que impregnan la vida cotidiana en Estados Unidos y más allá. Tradicionalmente utilizado por los artistas para representar la lealtad, el compañerismo y la obediencia, Haring subvierte el símbolo del perro para recordar a los espectadores que piensen críticamente sobre aquellos que gritan más fuerte. Del mismo modo, se puede decir que el artista callejero Banksy tomó el manto de Haring, apropiándose de símbolos como el perro que ladra para difundir un nuevo mensaje de desconfianza en las figuras de autoridad.