Las 10 obras de arte más famosas de René Magritte

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René François Ghislain Magritte (21 de noviembre de 1898 – 15 de agosto de 1967) fue un artista surrealista belga, que se hizo conocido por crear una serie de imágenes ingeniosas y sugerentes. A menudo representa objetos ordinarios en un contexto inusual, su trabajo es conocido por desafiar las percepciones precondicionadas de la realidad por parte de los observadores. Su imaginería ha influido en el arte pop, el arte minimalista y el arte conceptual.

Como los otros artistas y poetas asociados con el movimiento surrealista, Magritte buscó derrocar lo que él veía como el racionalismo opresivo de la sociedad burguesa. Su arte durante estos años esenciales es a veces violento, frecuentemente perturbador y lleno de discontinuidades.

niood enumera las obras de arte más famosas de René Magritte:

1. La Traición de las Imágenes

Título francés: La trahison des images
Año: 1928 – 1929

La pintura muestra una imagen de una pipa. Debajo, Magritte pintó, “Ceci n’est pas une pipe”, que en francés significa “Esto no es una pipa”.

La famosa pipa. ¡Cómo me lo reprochaba la gente! Y sin embargo, ¿podrías llenar mi pipa? No, es solo una representación, ¿no? Entonces, si hubiera escrito en mi imagen “Esto es una pipa”, ¡habría estado mintiendo! – René Magritte

2. El hijo del hombre

Título francés: Le fils de l’homme
Año: 1964

Magritte lo pintó como un autorretrato. La pintura consiste en un hombre con un abrigo y un bombín parado frente a un muro bajo, más allá del cual se encuentran el mar y un cielo nublado. El rostro del hombre está en gran parte oscurecido por una manzana verde flotando. Sin embargo, los ojos del hombre se pueden ver asomándose por el borde de la manzana. Otra característica sutil es que el brazo izquierdo del hombre parece doblarse hacia atrás a la altura del codo.

Sobre la pintura, Magritte dijo:

Al menos esconde parcialmente bien el rostro, por lo que tienes el rostro aparente, la manzana, ocultando lo visible pero oculto, el rostro de la persona. Es algo que sucede constantemente. Todo lo que vemos esconde otra cosa, siempre queremos ver lo que esconde lo que vemos. Hay un interés en lo que está oculto y lo visible no nos muestra. Este interés puede tomar la forma de un sentimiento bastante intenso, una especie de conflicto, se podría decir, entre lo visible que está oculto y lo visible que está presente.

3. Golconda

Título francés: Golconde
Año: 1953

La pieza representa una escena de “hombres lloviendo”, casi idénticos entre sí vestidos con abrigos oscuros y bombines, que parecen estar cayendo como gotas de lluvia, flotando como globos de helio o simplemente estacionados en el aire como no movimiento o movimiento está implícito. El telón de fondo presenta edificios con techos rojos y un cielo parcialmente nublado en su mayoría azul, lo que da crédito a la teoría de que los hombres no están lloviendo. Los hombres están igualmente espaciados en una celosía, mirando hacia el punto de vista y retrocediendo en capas de rejilla rómbica.

Magritte vivía en un entorno suburbano similar y vestía de manera similar. El bombín era una característica común de gran parte de su trabajo y aparece en pinturas como El hijo del hombre.

Una interpretación es que Magritte está demostrando la línea entre la individualidad y la asociación grupal, y cómo se difumina. Todos estos hombres están vestidos de la misma manera, tienen las mismas características corporales y todos flotan / caen. Esto deja a uno para mirar a los hombres como un grupo. Mientras que si se mira a cada persona, se puede predecir que pueden ser completamente diferentes de otra figura.

4. The Lovers

Título francés: Les Amants
Año: 1928

Los deseos frustrados son un tema común en la obra de René Magritte. Aquí, una barrera de tela impide el abrazo íntimo entre dos amantes, transformando un acto pasional en uno de aislamiento y frustración. Algunos han interpretado este trabajo como una descripción de la incapacidad de desvelar completamente la verdadera naturaleza incluso de nuestros compañeros más íntimos.

Los rostros envueltos eran un motivo común en el arte de Magritte. El artista tenía 14 años cuando su madre se suicidó ahogándose. Vio cómo sacaban su cuerpo del agua, su camisón mojado envuelto alrededor de su rostro. Algunos han especulado que este trauma inspiró una serie de trabajos en los que Magritte oscureció los rostros de sus sujetos. Magritte no estuvo de acuerdo con tales interpretaciones, negando cualquier relación entre sus pinturas y la muerte de su madre. “Mi pintura son imágenes visibles que no ocultan nada”, escribió, “evocan misterio y, de hecho, cuando uno ve uno de mis cuadros, uno se pregunta esta simple pregunta, ‘¿Qué significa?’ No significa nada, porque el misterio tampoco significa nada, es incognoscible “.

5. The Empire of Light

Título francés: L’Empire des lumières
Año: 1953 – 1954

En Empire of Light, cuyas numerosas versiones existen (véanse, por ejemplo, las del Museo de Arte Moderno de Nueva York, y los Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruselas), se contrapone una escena callejera oscura y nocturna. un cielo azul pastel, bañado por la luz, salpicado de cúmulos esponjosos. Sin otro elemento fantástico que la única combinación paradójica del día y la noche, René Magritte trastoca una premisa organizadora fundamental de la vida. La luz del sol, normalmente la fuente de la claridad, aquí causa la confusión y el malestar tradicionalmente asociado con la oscuridad. La luminosidad del cielo se vuelve inquietante, haciendo que la oscuridad vacía debajo sea aún más impenetrable de lo que parecería en un contexto normal. El extraño tema se trata con un estilo impersonal y preciso, típico de la pintura surrealista verística y preferido por Magritte desde mediados de la década de 1920.

6. The Human Condition

Título francés: La condition humaine
Año: 1933

La condición humana muestra un caballete colocado dentro de una habitación y frente a una ventana. El caballete tiene una pintura sin marco de un paisaje que parece en cada detalle contiguo con el paisaje visto fuera de la ventana. Al principio, se asume automáticamente que la pintura del caballete representa la parte del paisaje fuera de la ventana que oculta a la vista. Sin embargo, después de un momento de consideración, uno se da cuenta de que esta suposición se basa en una premisa falsa: es decir, que las imágenes de la pintura de Magritte son reales, mientras que la pintura del caballete es una representación de esa realidad. De hecho, no hay diferencia entre ellos. Ambos son parte de la misma pintura, la misma fabricación artística. Es quizás a este ciclo repetitivo, en el que el espectador, incluso en contra de su voluntad, ve a uno como real y al otro como representación, a lo que hace referencia el título de Magritte.

7. Not to be Reproduced

Título francés: La reproduction interdite
Año: 1937

La obra representa a un hombre parado frente a un espejo, pero mientras que el libro sobre la repisa de la chimenea se refleja correctamente, el reflejo del hombre también lo muestra desde atrás.

El libro sobre la repisa de la chimenea es una copia gastada de The Narrative of Arthur Gordon Pym of Nantucket de Edgar Allan Poe (escrito aquí en francés como Les aventures d’Arthur Gordon Pym). Poe fue uno de los autores favoritos de Magritte e hizo otras referencias al autor y su obra.

8. The False Mirror

Título francés: Le Faux Miroir
Año: 1928

El ojo fue un tema que fascinó a muchos poetas y artistas visuales surrealistas, dada su posición de umbral entre el yo interno, subjetivo y el mundo externo. El fotógrafo surrealista Man Ray alguna vez fue dueño de The False Mirror, que describió de manera memorable como una pintura que “ve tanto como ella misma se ve”. Sus palabras capturan el carácter inquietante de la obra: coloca al espectador en el lugar, atrapado entre mirar a través y ser observado por un ojo que demuestra estar vacío. Se abre a un vacío que, a pesar de su radiante belleza llena de cúmulos de nubes, parece negar la posibilidad de la existencia humana.

9. The Portrait

Título francés: Le Portrait
Año: 1935

Una comida sencilla no es tan simple como parece. Cada objeto está representado con un enfoque y un realismo pictórico igualmente nítidos, pero cualquier expectativa de la realidad cotidiana se ve anulada, sobre todo por el ojo sin pestañear que mira inexplicablemente desde una loncha de jamón en un plato. La perspectiva de esta naturaleza muerta se inclina dramáticamente hacia la superficie del plano de la imagen, como para confrontar o quizás invitar al espectador a unirse a la mesa.

10. The Lost Jockey

Título francés: Le jockey perdu
Año: 1926

Le jockey perdu es una de las primeras obras surrealistas de Magritte.

El gouache actual, como otras de las primeras obras surrealistas de Magritte, revela un interés por los elementos teatrales. Las cortinas enmarcan un escenario similar a un escenario que enfatiza el movimiento lineal del jockey a través de la imagen. Sin embargo, la geometría ondulada y cambiante del plano del suelo, con el color de las líneas cambiando de negro a azul a medida que se mueven hacia arriba, da la impresión de inestabilidad y fragmentación. Magritte ya estaba eliminando objetos comunes de sus contextos habituales: “Las patas de mesa de madera torneada perdieron la existencia inocente que se les suele atribuir tan pronto como aparecieron dominando un bosque” (La ligne de la vie; citado en S. Gablik, op. Cit. ., pág.184).