“Louise”, la historia real que conmocionó al mundo llega a la gran pantalla

La directora acude a los pequeños detalles, a gestos y símbolos y a una mezcla de realismo y documental para plantear temas como el miedo, el compromiso, la confianza, los juegos de poder, la soledad y el rechazo.

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Basada en un hecho real ocurrido en Nueva York en 2011, Louise, de la directora francesa Lucie Borleteau, es una adaptación de la exitosa novela Canción dulce de Leïla Slimani, ganadora del Premio Goncourt 2016. La película narra la historia de Louise, una mujer solitaria y enigmática que ingresa al hogar de una joven pareja, para dedicarse al cuidado de dos niños pequeños. Una niñera ideal que pronto se convertirá en su peor pesadilla. Este thriller contemporáneo se estrena este jueves en Cine Colombia.

Con guion escrito por Lucie Borleteau junto a Jérémie Elkaïm y Maiwenn, Louise está protagonizada por la premiada actriz francesa Karin Viard (Delicatessen; La famille Bélier), quien fue nominada a los premios César y Lumière a Mejor Actriz, por este papel. La acompaña un elenco de reconocidos actores integrado por Leïla Bekhti (Paris, Je t’aime; Un prophète; Le grand bain), Antoine Reinartz, Noëlle Renaude, Rehab Mehal y la niña Assya Da Silva.

Narrada con una suavidad inquietante y una banda sonora que incluye canciones infantiles, temas de Debussy y Purcel y música original de Pierre Desprats, la película empieza con la revelación de Myriam, una joven madre parisina, sobre su miedo ancestral a que algo malo le pueda ocurrir a sus hijos. Dos niños tan pequeños que le ocupan todo su tiempo, hasta asfixiarla. Alentada por su esposo Paul, empiezan una exhaustiva selección de “la niñera perfecta”, la mujer que podría encargarse de sus hijos mientras ella recupera su vida profesional y marital.

Es entonces cuando aparece Louise, una mujer con excelentes credenciales que en su primera cita demuestra un gran amor por los niños. Con gran rapidez y diligencia, Louise se vuelve indispensable para la familia: hace las compras, limpia, cocina, representa a los padres en la escuela, juega con los niños y los lleva al parque. Esta gran eficiencia trae alegrías que son recompensadas con invitaciones a reuniones familiares y sociales. Una implicación emocional que, con gran sutileza, va enrareciendo el clima de la relación hasta tornarla intimidante.

La directora acude a los pequeños detalles, a gestos y símbolos y a una mezcla de realismo y documental para plantear temas como el miedo, el compromiso, la confianza, los juegos de poder, la soledad y el rechazo. Con guiños a Polanski y un personaje ambiguo e impredecible, se teje una historia que mantendrá en vilo al espectador. Una historia sin moraleja donde las peores cosas suceden a plena luz del día. Borleteau habló en entrevista sobre los retos de llevar a un personaje como Louise al cine.

¿Recuerda la emoción de leer la novela de Leïla Slimani?

Lo leí de un tirón, cuando salió, antes de que le dieran el Premio Goncourt. Hay algo magnético en la novela Chanson douce (”Canción dulce”, en español). Recuerdo una fuerte sensación de vértigo, como si estuviera frente a un pozo sin fondo. Lo interesante es que Leïla Slimani no condena a esta criminal, ni a los padres, por lo que vi en ella una imagen muy cruel de la sociedad actual, que devora a sus propios hijos. La novela plantea la siguiente pregunta: ¿cómo es posible un crimen así en nuestra sociedad? El monstruo no es Louise y su locura, sino una cosa borrosa que nos remite a nuestras propias acciones.

Me llamó la atención el carácter tan realista, la precisión casi documental de esta historia y lo que la une al cuento al mismo tiempo, con su parte atroz. Me ha gustado el hecho de que no tenga moraleja. Todo es muy ambivalente.

El personaje de Louise me fascinó: conmovedor, totalmente imprevisible y por tanto fascinante, da miedo, pero te puedes identificar con ella. Ella es la piedra angular del conjunto.

¿Cree que es posible que el espectador empatice con los personajes de esta historia?

Sí, porque no hay caricatura: todos los actores actúan visceralmente. La empatía proviene en gran medida de la encarnación. Karin Viard es una estrella popular que goza de la simpatía del público. Uno puede creer que va a ser una buena niñera, que va a poner un poco de orden y sentido común en la organización familiar. Leïla Bekhti también es muy popular entre el público: te sientes rápidamente cerca de ella, tiene una cualidad de “chica de al lado”. Antoine Reinartz, en el papel de Paul, transmite una imagen bastante moderna -en apariencia- de un hombre gentil e intelectual, que conserva algo de frágil e infantil.

Louise me conmueve con la trayectoria de su amor herido, un amor humillado. Invitada a las vacaciones, se siente acogida en la familia y luego rechazada. Este sentimiento de abandono acentúa la soledad de la que sufre terriblemente y que será insoportable para ella.

El personaje de Louise sigue siendo un enigma. Su guión, comparado con la novela, acentúa su carácter opaco al eliminar ciertos personajes de su entorno y cierta información sobre su personalidad, su trayectoria...

No quería usar un flashback para contar el pasado de Louise. Así que ciertos aspectos de su personaje se explotan de forma diferente en la película. Su hija y su difunto marido se mencionan desde el principio en el diálogo. Su pasado de internamiento se encarna en la película en forma de locura, siendo la aparición de los pulpos el momento culminante. Tampoco se ha mantenido el personaje de su amante, pero algunas escenas muestran a Louise como una mujer con un cuerpo sexual.

Por otro lado, me apetecía mantener personajes secundarios recurrentes como Sylvie, la suegra, una figura ambivalente y llena de culpa que es a la vez insoportable y la única que puede ver con claridad en esta historia, o Wafa, la compañera de plaza de Louise, que muestra una trayectoria vital difícil pero que se aborda con mucha frivolidad.

Lo que llama la atención cuando el personaje de Louise llega a la pantalla es su placidez. Puede escucharse en su voz, observarlo en su mirada, su porte de esfinge...

Al principio, estamos desde el punto de vista de Myriam y quería filmar su encuentro con Louise como un amor a primera vista, sin que haya ninguna ambigüedad romántica entre las dos mujeres, por supuesto. En el libro de la socióloga Caroline Ibos, titulado ¿Quién cuidará de nuestros hijos? discute la “ceremonia de reclutamiento”, y la elección de los padres de la niñera, a menudo basada en motivaciones irracionales. Este libro fue una de las fuentes de inspiración para la adaptación, sobre todo en la escritura de esta primera secuencia, y habíamos elegido a cuidadoras de niños reales para interpretar a la mayoría de las niñeras del reparto. Más tarde descubrí que Leïla Slimani también había leído este libro al escribir su novela.

La primera vez que filma a Louise, es por detrás. Esta es una imagen recurrente en la película, ¿por qué?

Creo que las espaldas y los cuellos lo dicen todo. Para mí, es una forma de mostrar que no tenemos acceso a lo que pasa por su cabeza. Hay un misterio insondable en Louise. También creo que Karin Viard se parece a Kim Novak en Vértigo, de Hitchcock, y me gusta filmar su cuello y su porte de cabeza tan grácil.

Lleva su historia al lado del thriller y del cine de terror, pero manteniéndola en el terreno de la crónica. Juega con regocijo en este inestable intermedio...

Supe enseguida que quería mezclar géneros con Louise, para hacer una película a veces realista, a veces de suspense y, en general, espero, inclasificable. Me pareció la mejor manera de rendir homenaje a la extrañeza que emana, tanto más angustiosa por estar alojada en lo que se supone más familiar: el hogar, el espacio familiar. La idea de lo cotidiano remite a la normalidad, a la ausencia de acontecimientos, a la repetición de gestos y acciones. Pero en esta historia, todo es engullido por lo extraño y es esta parte conmovedora la que me estimula. Tiende al thriller sin caer realmente en él. Me gusta la idea de una ambivalencia permanente que pende sobre la historia, entre el naturalismo y la fantasía, y que remite a la “inquietante extrañeza” de la que habla Freud y que Polanski sabe explorar tan bien en sus películas, y en particular en El inquilino, que es también la historia de una locura que se apodera de ella.

Si “lo peor no es siempre seguro”, como decía Claudel, aquí sucede. ¿Llevar esta historia a la pantalla no es una forma de exorcismo?

Para mí, hay una dimensión de pesadilla en el sentido estricto de la palabra en esta película. En su monólogo inicial, Myriam habla de su miedo a perder a sus hijos y de sus malos sueños. Pero las pesadillas más aterradoras suelen ser muy “realistas”, cotidianas, hasta que ocurre algo que nos hace salir de ellas o nos sumerge en el miedo. LOUISE juega con una dimensión onírica: ¿lo que vemos en la pantalla tiene algo que ver con la realidad o con la fantasía? Louise, una figura de pesadilla absoluta, encarna nuestros miedos ancestrales. Esto es lo que la hace atractiva. Tal vez queramos ver esto para alejar la mala suerte y esperar que no caiga sobre las cabezas de nuestros hijos.

¿Por qué dejó la escena del asesinato de los niños al final de la película, y no al principio como en la novela? ¿Cuál fue su elección estética para esta secuencia?

He dejado la secuencia del asesinato al final para que la aburrida amenaza funcione lentamente, pero también porque condena menos a los personajes desde el principio. Para mí, Louise es culpable, pero no es la única responsable. ¡Este es el lado chabroliano de mi película! No quería mostrar los cadáveres ni el propio asesinato, ni hundirme en la crónica de los hechos. No mostrar nada en absoluto habría sido una falta de valor. Así que opté por una versión barroca de la escena del crimen.

Una gran tensión recorre su película de principio a fin. ¿Cómo ha trabajado para destilarlo, para equilibrar las secuencias destacadas y los momentos de calma?

Ante una película de género perfectamente engrasada, el espectador no se implica profundamente. Pero cuando se pasa de la crónica al thriller, su posición es diferente. Desde el momento en que encontramos el apartamento de los padres, utilicé esta locación y sus limitaciones para poner de manifiesto la alteración de la normalidad, calculé mis efectos para que operara una sensación. Para mí, el cine es un arte de feria, una película puede ser “consistente” a la vez que ofrece al espectador una atracción. Por lo tanto, quería crear sensaciones y hacer que el público estuviera activo.

Al igual que en Fidelio, la odisea de Alice, donde filmó la vida cotidiana de un mecánico en un carguero, muestra otro ámbito poco representado en el cine: la maternidad...

Quería filmar la sensualidad de la maternidad. Se valora mucho la educación, pero ¿qué se dice de lo que ocurre entre los cero y los seis años de un niño? ¿Quién cuida de los niños, los lleva a la escuela y al médico cuando sus padres están trabajando? ¿Quién les da la merienda y les cambia los pañales? ¿Quién les abraza y les canta canciones tontas? Quería filmar esta vida cotidiana, que rara vez se muestra, porque se considera trivial; ¡pero es el corazón de la película! Porque se forman relaciones: entre la niñera y los niños, y entre la niñera y la madre, de eso trata la novela.

Sin pensar nunca que estoy reinventando nada, me gusta la idea que estoy explorando un territorio relativamente virgen para cada película. Y en este libro había mucho material al respecto, y un tema que es incómodo, porque es íntimo. También era muy importante para mí que no hubiera cinismo y que no nos situáramos por encima de los personajes.

¿Cómo dibujó los personajes de Paul y Myriam?

La película es fiel a la novela y mantiene el misterio de los orígenes de Myriam, mientras que la familia de Paul está bien descrita, al igual que el pasado de Louise. ¿Por qué nunca vemos a sus padres, en los que podría haber confiado para apoyarse? Con Leïla Bekhti, nos dimos algunas respuestas, pero no era un tema a desarrollar en la película y el espectador se dirá a sí mismo lo que quiere. Básicamente, Myriam, como Louise, está buscando un lugar.

Paul tiene muchos menos problemas. Está muy comprometido con su trabajo y no ha decidido arriesgarse a emprender una carrera como artista: como gestor, está en el lado del negocio, sin hacer nada. Con Antoine Reinartz, su fraseo, sus actitudes, es fácil sentir la diferencia de clase que existe entre Louise y sus empleadores, parisinos en pleno proceso de aburguesamiento.