Escultura y pintura: Modigliani y el arte africano

Vanessa Renoux, Escultura de cabeza de mujer , 2020. Escultura, 73 x 15 x 15 cm.

Modigliani escultor vs. Modigliani pintor

Muchos grandes maestros de la historia del arte han expresado su visión de la realidad experimentando con el arte tanto pictórico como escultórico, como Pablo Picasso, Umberto Boccioni, Max Ernst, Edgar Degas, Joan Miró y otros. A pesar de los diferentes enfoques técnicos de las dos disciplinas, en la mayoría de los casos en que el mismo artista se ha involucrado en múltiples proyectos, a menudo ha manifestado la existencia de una visión del mundo inequívoca, bien definida y lineal, tal como lo ejemplifica el "caso" Modigliani. Para poner de manifiesto lo que acaba de decirse, bastará comparar Cabeza de mujer (1912), una de las esculturas más conocidas de la Toscana, con la célebre obra pictórica titulada Elvira con cuello blanco, (1917), tomando también en consideración una obra "a medio camino" entre estas dos técnicas, como la cariátide Red Bust (1913). Respecto a la escultura fechada en 1912, es importante abrir un pequeño paréntesis, destinado a destacar cómo entre 1911 y 1913, el artista de Livorno se dedicó principalmente a la escultura, inspirado en el ejemplo del rumano Brancusi, maestro que Amedeo conoció en París. A pesar de la predilección de Modigliani por este último arte, sólo pudo dedicarse a él durante el período mencionado, ya que los polvos que se producían durante la creación de las esculturas eran deletéreos para su tuberculosis. Volviendo a Cabeza de mujer , la obra, como la mayoría de las esculturas del artista, pudo haber sido anticipada por la ejecución de un dibujo preparatorio, probablemente constituido por líneas agudas e incisivas, que, mayoritariamente simétricas, estarían en parte asociadas a rasgos estilísticos arquitectónicos. Con posterioridad al diseño, el material escultórico fue trabajado generalmente por los Livorno, con el fin de generar estudiadas soluciones, que, realizadas mediante desbroces, iban claramente en contra de la tendencia de la técnica de fundición más extendida. Describiendo brevemente los rasgos estilísticos de la citada obra maestra, que pertenecen a la obra de piedra arenisca de Modigliani a nivel general, Cabeza de mujer presenta un rostro ahusado aparentemente inacabado, ya que está esbozado sobre una superficie sin pulir, sobre la que se aprecia una nariz fina, ojos ovalados sin pupilas, se destaca un mentón estrecho y un cuello delgado y cilíndrico.

Amedeo Modigliani, Cabeza de mujer , 1912. Escultura, 68,3 × 15,9 × 24,1 cm. MET: Nueva York.

Amedeo Modigliani, Elvira con cuello blanco, ca. 1917. Óleo sobre lienzo, 92 x 65 cm. París: Colección Jonas Netter.

Tales rasgos estilísticos caracterizan también a la serie Cariátides, que, realizada a partir de 1912, indaga en el mencionado tema clásico a través del uso tanto del arte escultórico como pictórico. De hecho, el propio Busto rojo de 1913, realizado mediante la aplicación de colores al óleo sobre cartón, revela un profundo vínculo entre ambas técnicas, que se encuentra en la figura estilizada, sintética y frontal del protagonista, que presenta un rostro y un cuello extremadamente alargados. . Por otra parte, hablando de una obra maestra posterior, el vínculo entre la creación pictórica y la escultórica se repite en Elvira con cuello blanco (1918), retrato al óleo de una mujer joven que, sentada en el centro de una habitación, es captada ya que tiene la intención de mirar al espectador con sus ojos ciegos. Precisamente en este contexto emergen nuevamente los rostros estilizados y ahusados del maestro italiano, quien ha trabajado intensamente para generar un nuevo canon de belleza. En este punto surge una pregunta: ¿en qué se inspiraron los particulares rasgos estilísticos de Modigliani? El artista de Livorno supo dar voz a ese "viento" de influencias africanas que, esparcido en el París de su tiempo, animó también a maestros como Picasso y Brancusi, que "ejemplificaron" sus rasgos estilísticos, inspirándose en formas más sintéticas. y primitivos puntos de vista exóticos. Como resultado, los rostros alargados y estilizados de Amedeo pueden interpretarse como una especie de "actualización" de las máscaras africanas más tradicionales, a las que también se integraron ejemplos extraídos del arte cicládico, sumerio, egipcio y griego querido por los toscanos.

Claude Grand, Hellen, 2019. Acrílico sobre lienzo, 70 x 50 cm.

Daniel Gomez, Homenaje a Modigliani #1 , 2021. Hormigón sobre otro soporte, 58 x 21 x 18 cm / 18,00 kg.

Foco: las influencias del arte africano.

A fines del siglo XIX, la racionalidad del positivismo estaba siendo reemplazada por un impulso dirigido a un mayor énfasis en un retorno más genuino a la espiritualidad, el simbolismo y las manifestaciones profundas del alma humana. Tal contexto estético y filosófico impresionó profundamente a los artistas de la Escuela de París, quienes, como Picasso, Modigliani y Matisse, identificaron precisamente en el arte exótico un medio para expresar un retorno a una espiritualidad e introspección más genuinas. En consecuencia, tanto el africanismo como el exotismo en general fueron promovidos por los citados, quienes los vieron por primera vez como auténticas formas de expresión artística, lejos ya de ser meras obras de culturas por colonizar. Ciertamente, tan importante innovación de cánones estéticos, se vio favorecida por el contacto que los artistas tuvieron con la institución decimonónica del Museo del Trocadero, lugar donde se guardaban las máscaras africanas tan celebradas por Picasso. Aunque parece claro que el arte africano ha ejercido un papel fundamental en el desarrollo de la cultura figurativa occidental, presente también en movimientos posteriores como el Modernismo y Die Brücke, su función es aún poco conocida y valorada. En lugar de rendir homenaje a este importante primitivismo, vale la pena destacar el impacto que, hasta el día de hoy, el africanismo de Modigliani ejerce en los artistas de Artmajeur, como, por ejemplo, Sibilla Bjarnason, Helen She y Anna Zhuleva.

Sibilla Bjarnason, Modigliani revisited, 2018. Collage/acrílico sobre lienzo, 99 x 81 cm.

Sibilla Bjarnason: Modigliani revisitado

La sensualidad radica, más que en un cuerpo desnudo, en la posibilidad de imaginarlo como tal, refiriéndose a todos aquellos rasgos que, en nuestra concepción personal de la belleza, nos resultan atractivos. También confiere fascinación la observación de una simple tira de piel desnuda, que puede incitar al observador a continuar, en su cabeza, la narrativa de quitarse la ropa. Estos conceptos parecen animar con erotismo la lánguida figura femenina inmortalizada por el pincel Sibilla Bjarnason, artista que, en el título de la propia obra, hace clara referencia a Amedeo Modigliani, coronándolo como el referente de su investigación figurativa. De hecho, en el personaje del artista de Artmajeur se evidencia una reinterpretación de Desnudo sentado en un sofá' , óleo del maestro toscano realizado en 1917. Además, precisamente en el tema del cuerpo femenino, es importante recordar cómo la primera exposición individual de Amedeo, fechada en 1917, tuvo como tema los desnudos femeninos. De hecho, el acto, organizado por el marchante Léopold Zborowski en los escaparates de la galería de Berthe Weill, contó con la exposición de una serie de cuerpos femeninos desnudos, que, decididamente alejados de los cánones convencionales de la época, suscitó la más general indignación. Este sentimiento culminó con la llegada de los funcionarios encargados de hacer cumplir la ley, quienes le pidieron a Weil que bajara las persianas porque las mujeres retratadas mostraban, imperdonablemente para la época, vello en el cuerpo.

Helen She, Pop Modigliani , 2021. Acrílico/rotulador/collage sobre lienzo de lino, 50 x 70 cm.

Helen Ella: Pop Modigliani

El mito de Modigliani también revive en la obra de Helen She, donde los estilismos Pop del remake fechado en 2021 transforman una conocida obra maestra de la historia del arte, como Desnudo reclinado (del lado izquierdo) (1917), en la más comercial. imagen estilizada de una sinuosa "soubrette" de nuestro tiempo. Probablemente, la simplificación sufrida por el protagonista de Pop Modigliani , quizás en alusión a la alta capacidad moderna de reproducción de imágenes, también esté dirigida a celebrar una "accesibilidad" más fácil y rápida a los íconos del mundo del arte. De hecho, el propio Desnudo reclinado (en el lado izquierdo) es conocido por ser el mayor desnudo de mujer realizado por Modigliani, un maestro que se prodigó en la representación de la conciencia femenina, evitando la mera ilustración de meras musas. A pesar de la intensidad de las múltiples figuras femeninas atribuidas a Amedeo, la única mujer con la que el artista tuvo una conexión más duradera fue Jeanne Hebuterne, quien, siendo "poseída" por el corazón del italiano, nunca aparece sin velo. Por tanto, es imposible imaginar a la acompañante de Amedeo en la provocativa pose de la modelo en Desnudo reclinado (en el lado izquierdo) , cuya "falta de escrúpulos" se extirpa también de la intensa mirada que dirige al espectador.

Anna Zhuleva, Retrato pop art Modigliani , 2020. Acrílico sobre lienzo, 80 x 60 cm.

Anna Zhuleva: retrato pop art de Modigliani

Los rasgos estilísticos del Pop art reinterpretan, a través de sus típicos y extensos fondos de vivos colores, otra obra maestra de la historia del arte firmada por Amedeo Modigliani, que tiene por tema a Jeanne Hébuterne, la mujer que más amaba. El retrato con el sombrero en cuestión, fechado en 1918, forma parte de una serie de obras dedicadas a su compañera, una musa a la que Amedeo retrató de muy diversas formas, pero siempre con el objetivo de que apareciera como una figura atemporal de cuerpo alargado. rostro y una mirada melancólica. La intención del artista italiano es elevar a tal mujer al ideal de belleza femenina por excelencia, tanto que, en algunas ocasiones, incluso permite que el espectador descubra sus pupilas. Es bien sabido que Modigliani en realidad solo completó los ojos de las efigies cuyas almas conocía, por lo que el "ver" de Jeanne nos permite comprender la profundidad de su vínculo. Desgraciadamente, tal intensidad terminaría en tragedia, ya que, tras la muerte de Amedeo, la mujer, con sólo veintidós años y embarazada, se arrojó desde el quinto piso de un edificio, al no poder soportar la separación de los mayores. y único amor de su vida.