Pablo Picasso ist einer der wichtigsten und bedeutendsten Künstler der Kunstgeschichte. Er war ein sehr produktiver Maler. Mit 1300 bis 1900 Kunstwerken, die er im Laufe seines Lebens schuf, ist es schwierig, nur 10 auszuwählen. Für diesen Artikel haben wir 10 der bekanntesten Werke des Künstlers aus Málaga ausgewählt
1- Guernica
Guernica ist vielleicht Picassos berühmtestes Werk und eines der bekanntesten Gemälde der Welt.
Picasso schuf dieses Ölgemälde im kubistischen Stil zwischen dem 1. Mai und dem 4. Juni 1937 in Paris als Antwort auf einen Auftrag der republikanischen Regierung von Francisco Largo Caballero für den spanischen Pavillon auf der Weltausstellung von 1937 in Paris.
Dieses monumentale Gemälde ist eine engagierte Anklage gegen die Bombardierung von Guernica, die am 26. April 1937 während des spanischen Krieges von den spanischen Nationalisten angeordnet und von deutschen und italienischen faschistischen Truppen ausgeführt wurde
Picassos Gemälde, das zwischen 1937 und 1939 in vielen Ländern ausgestellt wurde, spielte eine wichtige Rolle in der intensiven Propaganda, die durch die Bombenangriffe und den Spanischen Krieg ausgelöst wurde, und erlangte schnell internationale Berühmtheit und politische Bedeutung, indem es zu einem Symbol für die Anprangerung der franquistischen und faschistischen Gewalt und dann für den Schrecken des Krieges im Allgemeinen wurde.
Während der Franco-Diktatur wurde das Werk auf Wunsch Picassos in den Vereinigten Staaten aufbewahrt. 1981 wurde es nach Spanien gebracht, wo es seit 1992 im Museum Reina Sofia in Madrid aufbewahrt wird.
2- Les Demoiselles d’Avignon
Les Demoiselles d’Avignon (ursprünglich: Das Bordell von Avignon) ist ein großes Ölgemälde, das 1907 von Picasso geschaffen wurde. Das Werk, das Teil der ständigen Sammlung des Museum of Modern Art ist , zeigt fünf nackte Prostituierte in einem Bordell in der Straße Avinyó in Barcelona, Spanien
Jede der Figuren ist auf beunruhigende und konfrontative Weise dargestellt, und keine von ihnen ist auf herkömmliche Weise weiblich. Die Frauen wirken leicht bedrohlich und sind mit kantigen, unzusammenhängenden Körperformen abgebildet
Die Figur auf der linken Seite hat Gesichtszüge und Kleidung im ägyptischen oder südasiatischen Stil. Die beiden daneben stehenden Figuren sind im iberischen Stil von Picassos Heimatland Spanien dargestellt, während die beiden rechten Figuren mit afrikanischen, maskenartigen Gesichtszügen erscheinen. Der ethnische Primitivismus, der in diesen Masken zum Ausdruck kommt, veranlasste Picasso nach eigener Aussage dazu, „einen ganz eigenen künstlerischen Stil von zwingender, ja wilder Kraft zu entwickeln“
Mit dieser Adaption des Primitivismus und dem Verzicht auf die Perspektive zugunsten einer zweidimensionalen Ebene weicht Picasso radikal von der traditionellen europäischen Malerei ab. Dieses proto-kubistische Werk gilt als grundlegend für die frühe Entwicklung des Kubismus und der modernen Kunst.
Das Gemälde war revolutionär und umstritten und löste selbst unter den engsten Mitarbeitern und Freunden des Malersgroße Verärgerung und Uneinigkeit aus. Matisse betrachtete das Werk als eine Art Scherz, reagierte aber indirekt in seinem 1908 entstandenen Werk Badende mit Schildkröte darauf. Auch Georges Braque lehnte das Gemälde anfangs ab, aber vielleicht hat er sich mehr als jeder andere mit dem Werk auseinandergesetzt
Seine spätere Freundschaft und Zusammenarbeit mit Picasso führte zur kubistischen Revolution. Seine Ähnlichkeit mit den Badenden von Cézanne, der Oviri-Statue von Paul Gauguin und der Öffnung des fünften Siegels von El Greco wurde von späteren Kritikern ausführlich diskutiert.
Zum Zeitpunkt seiner ersten Ausstellung im Jahr 1916 galt das Gemälde als unmoralisch. Das Werk, das in Picassos Atelier im Bateau-Lavoir in Montmartre, Paris, gemalt wurde, war erstmals im Juli 1916 im Salon d’Antin öffentlich zu sehen , in einer Ausstellung, die der Dichter André Salmon. Auf dieser Ausstellung benannte Salmon (der das Gemälde bereits 1912 als Le bordel philosophique betitelt hatte) das Werk in seinen heutigen, weniger skandalösen Titel Les Demoiselles d’Avignon um, anstelle des ursprünglich von Picasso gewählten Titels Le Bordel d’Avignon
Picasso, der das Werk stets als mon bordel („mein Bordell“) oder Le Bordel d’Avignon bezeichnete, mochte Salmons Titel nicht und hätte stattdessen die Vernebelung Die Mädchen von Avignon bevorzugt.
3- Der Alte Gitarrenspieler
Der alte gitarrenspieler ist ein Ölgemälde von Picasso, das er Ende 1903 und Anfang 1904 schuf. Es zeigt einen älteren Musiker, einen ausgemergelten Mann in fadenscheiniger Kleidung, der über seine Gitarre gebeugt in den Straßen von Barcelona spielt. Das Bild ist im Art Institute of Chicago als Teil der Helen Birch Bartlett Memorial Collection ausgestellt.
Zur Zeit der Entstehung von Der alte Gitarrist hatten Modernismus, Impressionismus, Postimpressionismus und Symbolismus Picassos Stil stark beeinflusst. Darüber hinaus beeinflussten El Greco, Picassos schlechter Lebensstandard und der Selbstmord eines lieben Freundes Picassos Stil zu dieser Zeit, die als seine Blaue Periode bekannt wurde.
Mehrere Röntgenaufnahmen, Infrarotbilder und Untersuchungen durch Konservatoren haben ergeben, dass sich hinter dem Alten Gitarristen drei verschiedene Figuren verbergen.
Die Elemente von Der alte Gitarrist wurden sorgfältig ausgewählt, um beim Betrachter eine Reaktion hervorzurufen. So schafft beispielsweise die monochrome Farbgebung flache, zweidimensionale Formen, die den Gitarristen von Zeit und Ort entkoppeln. Darüber hinaus erzeugt die Gesamtpalette der gedämpften Blautöne einen melancholischen Grundton und unterstreicht das tragische und trauernde Thema
Die ausschließliche Verwendung von Öl auf Karton erzeugt eine dunklere, theatralischere Stimmung. Das Öl neigt dazu, die Farben zu vermischen, ohne die Leuchtkraft zu vermindern, wodurch eine noch kohärentere dramatische Komposition entsteht.
Außerdem zeigt der Gitarrist, obwohl er muskulös ist, nur wenige Lebenszeichen und scheint dem Tod nahe zu sein, was auf wenig Trost in der Welt schließen lässt und das Elend seiner Situation unterstreicht. Details werden entfernt und der Maßstab wird manipuliert, um langgestreckte, elegante Proportionen zu schaffen und gleichzeitig die stille Kontemplation des Gitarristen und ein Gefühl der Spiritualität zu verstärken
Die große braune Gitarre ist die einzige signifikante Farbveränderung im Gemälde; ihre gedämpfte braune Farbe, die sich vom blauen Hintergrund abhebt, wird zum Zentrum und Fokus der Aufmerksamkeit. Die Gitarre wird zum Symbol für die Welt des Gitarristen und seine einzige Hoffnung auf Überleben
Das blinde und arme Subjekt ist auf seine Gitarre und das kleine Einkommen, das er mit seiner Musik erzielen kann, angewiesen, um zu überleben. Einige Kunsthistoriker sind der Meinung, dass dieses Gemälde das einsame Leben eines Künstlers und die natürlichen Kämpfe, die mit einer Karriere einhergehen, ausdrückt. So wird die Musik oder die Kunst zu einer Last und zu einer entfremdenden Kraft, die den Künstler von der Welt isoliert. Doch trotz der Isolation ist der Gitarrist (Künstler) auf den Rest der Gesellschaft angewiesen, um zu überleben
All diese Gefühle spiegeln Picassos damalige Situation und seine Kritik am Zustand der Gesellschaft wider. Der alte Gitarrist wird zu einer Allegorie der menschlichen Existenz.
4- Die Weinende Frau
Die weinende Frau (französisch: La Femme qui pleure) ist eine Serie von Ölgemälden auf Leinwand von Pablo Picasso, von denen das letzte Ende 1937 entstanden ist. Die Gemälde stellen Dora Maar, Picassos Geliebte und Muse, dar
Die Gemälde der weinenden Frau wurden von Picasso als Reaktion auf die Bombardierung von Guernica im Spanischen Bürgerkrieg gem alt und sind eng mit der Ikonographie seines Gemäldes Guernica verbunden. Picasso war von dem Thema der weinenden Frau fasziniert und griff es in jenem Jahr mehrfach wieder auf
Die letzte Version, die am 26. Oktober 1937 entstand, war die aufwändigste der Serie und befindet sich seit 1987 in der Sammlung der Tate Modern in London. Ein weiteres Gemälde der weinenden Frau befindet sich in der National Gallery of Victoria und war in einen aufsehenerregenden Diebstahl von politischer Kunst verwickelt.
5-Mädchen vor dem Spiegel
Mädchen vor dem Spiegel (französisch: Jeune fille devant un miroir) ist ein Ölgemälde von Picasso aus dem Jahr 1932
Das Gemäldeist ein Porträt von Picassos Geliebter und Muse Marie-Thérèse Walter, die vor einem Spiegel steht und ihr Spiegelbild betrachtet. Es befindet sich in der Sammlung des Museum of Modern Art in New York.
Dieses Gemälde entstand 1932, einem wichtigen Jahr in Picassos künstlerischer Laufbahn. Zu diesem Zeitpunkt war Picasso bereits 51 Jahre alt und hatte sich als bedeutender Künstler etabliert.
Im Jahr 1932 präsentierte die Galerie Georges Petit eine Retrospektive seines Werks, ein ungewöhnliches Ereignis für einen Künstler, bei dem Picasso die Kuratorenrolle innehatte. Es war auch ein sehr produktives Jahr für Picasso, in dem er viele seiner Werke auf seine 22-jährige Geliebte und Muse Marie-Thérèse Walter konzentrierte. Seine Porträts von ihr aus dem Jahr 1932 waren die erste öffentliche Darstellung seiner geheimen Beziehung während seiner Ehe mit Olga Khokhlova.
6- La Vie
La Vie (Das Leben) wurde im Mai 1903 in Barcelona gemalt. Es misst 196,5 mal 129,2 Zentimeter und zeigt zwei Personenpaare, ein nacktes Paar und eine Mutter mit einem Kind im Arm.
Im hinteren Teil des Raumes, offenbar ein Atelier, befinden sich zwei Gemälde innerhalb des Gemäldes, das obere mit einem sich umarmenden, kauernden Aktpaar und das untere mit einem einsamen, kauernden Akt, der dem Bild Sorrow aus Vincent van Gogh. Daneben malte Picasso ein weiteres Motiv, einen Vogelmenschen, der eine liegende nackte Frau angreift, dessen Spuren mit bloßem Auge sichtbar sind
Es wurde zu einer Zeit gemalt, als Picasso keinen finanziellen Erfolg hatte. Stattdessen wurde das neue Gemälde nur einen Monat nach seiner Fertigstellung an einen französischen Kunsthändler, Jean Saint Gaudens, verkauft. Über den Verkauf wurde in der Zeitung Liberal aus Barcelona berichtet. Mit La Vie übermalte Picasso die Leinwand von The derniers Moments von 1899, ein Gemälde, das er auf der Pariser Weltausstellung von 1900 präsentiert hatte.
Das Gemälde wurde 1945 vom Hanna Fund dem Cleveland Museum of Art, Ohio, geschenkt und ist Teil der ständigen Sammlung.
Im Jahr 2020 wurde das Gemälde im Rahmen der Ausstellung „Picasso and Paper“ an die Royal Academy of Arts in London ausgeliehen, wo es zusammen mit vorbereitenden Zeichnungen und anderen Arbeiten auf Papier ausgestellt wurde, die sich mit den entsprechenden Themen Armut, Verzweiflung und soziale Entfremdung befassten.
7- Drei Musikanten
Drei Musiker ist der Titel von zwei ähnlichen Ölgemälden und Collagen des spanischen Künstlers Pablo Picasso. Beide wurden 1921 in Fontainebleau in der Nähe von Paris (Frankreich) gemalt und sind ein Beispiel für den synthetischen kubistischen Stil; die flachen Farbflächen und die „komplizierte, puzzleartige Komposition“ erinnern an die Scherenschnitte, mit denen dieser Stil seinen Ursprung hatte
Jedes dieser Gemälde stellt drei Musiker dar, die in der Tradition des italienischen Volkstheaters Commedia dell’arte Masken tragen.
Jedes Bild zeigt einen Harlekin, einen Pierrot und einen Mönch, die Picasso, Guillaume Apollinaire bzw. Max Jacob darstellen sollen. Apollinaire und Jacob, beide Dichter, waren in den 1910er Jahren enge Freunde von Picasso. Apollinaire starb jedoch 1918 an der Spanischen Grippe, während Jacob 1921 beschloss, in ein Kloster einzutreten.
Eine Version befindet sich in der ständigen Sammlung des Museum of Modern Art (MoMA ) in New York; die andere Version befindet sich im Philadelphia Museum of Art.
8- Die Celestina
Auf diesem Gemälde stellt Pablo Picasso eine alte Frau dar, die allein auf einem schlichten blauen Hintergrund steht und deren Kopf von einem schwarzen Schleier bedeckt ist. Nur ein paar rosafarbene Akzente versuchen, die blassen Wangen der alten Frau zu beleben. Ihr Blick zieht die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich, zum einen, weil sie ein blindes Auge hat – eine außergewöhnliche Darstellung in Picassos Werk, die diesem Organ große Bedeutung beimisst – und zum anderen, weil dieser Blick sich von dem des Betrachters entfernt und den Eindruck erweckt, sich in der Unendlichkeit zu verlieren.
Dieses Gemälde ist ein wichtiges Werk der blauen Periode: Mit der Darstellung der Madame eines Bordells in Barcelona drückt Picasso seine Auseinandersetzung mit der gesellschaftlichen Realität und die Ernüchterung einer Generation aus
Das charakteristische Blau dieser Periode zeugt von Melancholie und Leid und ist die Farbe des sozialen Elends. Auch wenn sich die Begegnung mit der sozialen Realität durch seine Werke zieht, liegt das Wesen von Picassos Werk in dieser Periode in neuen Experimenten, in neuen Gattungen des plastischen Ausdrucks.
9- Die Suppe
Die Suppe ist ein Öl auf Leinwand, das Picasso 1903 malte. Sie gehört zu seiner berühmten Blauen Periode
Trotz des anfänglichen Erfolgs auf der Vollard-Ausstellung 1901 waren Picassos Mittel bald erschöpft. Es war nicht ungewöhnlich, dass der Künstler während dieser Zeit in Paris hungern musste, aber seine eigene Situation machte ihm die verzweifelte Armut, die ihn oft umgab, nur noch bewusster. Nach seiner Rückkehr nach Barcelona im Jahr 1902 schuf Picasso das Gemälde Die Suppe.
Wiederum verarbeitete er seine Erfahrungen aus dem Besuch des Frauengefängnisses Saint-Lazare. Er erinnerte sich aber auch an einen Besuch im Pantheon, wo er die fünf Jahre zuvor von den Franzosen fertiggestellten Wandmalereien gesehen hatte. Der symbolistische Maler Pierre Puvis de Chavannes
Eine von Pierre Puvis ‚ Szenen aus„Das Leben der Heiligen Geneviève“ zeigt eine hungernde Frau, der auf der Straße geholfen wird. Picasso zeichnete diese Szene, die wahrscheinlich seine Entscheidung beeinflusste, einen ähnlichen Moment zu malen
Die Suppe ist jedoch auf faszinierende Weise zweideutig: Gibt die ältere Frau, die von ihrer Not geplagt ist, dem Mädchen die Suppe oder nimmt sie sie von ihr an? In jedem Fall konzentriert Picasso den Akt der Nächstenliebe auf das Grundbedürfnis, sich zu ernähren.
Derzeit zu sehen in der Art Gallery of Ontario, Kanada
10- Garçon à la pipe
Garçon à la Pipe (Junge mit Pfeife) ist ein Öl auf Leinwand von Picasso. Es wurde 1905 gemalt, als Picasso 24 Jahre alt war, während seiner rosa Periode, kurz nachdem er sich im Montmartre-Viertel von Paris niedergelassen hatte.
Das Gemälde zeigt einen Pariser Teenager, der eine Pfeife in der linken Hand hält und eine Blumengirlande auf dem Kopf trägt, die von zwei Blumenornamenten umgeben ist. Der Dargestellte war ein Junge aus der Gegend namens „P’tit Louis“, der in jungen Jahren starb
Im Jahr 1905 war Picasso noch ein angehender Künstler und hatte sich in Montmartre in Paris niedergelassen. Er lebte in ärmlichen Verhältnissen in einem baufälligen Künstlerhaus in der Rue Ravignan 13, bekannt als Le Bateau-Lavoir. Picasso hatte seine pessimistische blaue Periode überwunden und befand sich nun in einer neuen, optimistischeren Phase, die als rosa Periode bezeichnet wird.
Das Gemälde gilt als eines der teuersten, da es am 5. Mai 2004 bei Sotheby’s für 104 Millionen Dollar versteigert wurde. Es ist derzeit das fünftmeistverkaufte Gemälde Picassos.
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Wie wir bereits erwähnt haben, hat Picasso zu Lebzeiten Tausende von Gemälden gemalt. Deshalb mussten wir uns darauf beschränken, für diesen Artikel einige unserer Lieblingswerke auszuwählen
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