El simbolismo de Basquiat en el arte contemporáneo

Art De Noé, Tributo Basquiat , 2019. Acrílico sobre lienzo, 70 x 70 cm.

“Africanos de Hollywood”

"No pienso en arte mientras trabajo. Intento pensar en la vida".

Las palabras de Basquiat resumen a la perfección el punto de vista adoptado por su investigación artística, que, rica en múltiples símbolos y significados, muchas veces a primera vista disimulados por artificios estilísticos "crudos" y "desenfocados", perseguía el objetivo de ofrecer al espectador un "objetivo, y a veces "dramático", muestra representativa de la sociedad en la que vivió y practicó el escritor y pintor estadounidense, sintetizable, en parte, por la riqueza del contenido recogido en el cuadro de 1983 titulado Hollywood Africans . De hecho, esta última obra maestra, parte de la colección permanente del Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York, representa una valiente y sincera denuncia de las formas en que los afroamericanos eran representados en la industria del entretenimiento de la época, destacando, en primer lugar y sobre todo, por el título mismo del cuadro, que, de forma concisa y directa, yuxtapone los dos términos principales de "comparación" y "confrontación". Dentro del lienzo, por otro lado, la historia antes mencionada se cuenta haciendo referencia a un episodio del mismo año, que vio al artista, ya famoso en Nueva York y más allá, como protagonista de un viaje a Los Ángeles, durante el cual, acompañado por el rapero Rammmellzee y el grafitero Toxic, hizo escala en Hollywood, donde los tres amigos, además de admirar las huellas de las estrellas de cine, se retrataron en un fotomatón. Es precisamente esta última imagen la que se ha reproducido, a modo de "trinidad sintética", en Hollywood Africans , donde los citados rostros encuentran su lugar sobre un fondo amarillo, que, repleto de escrituras y dibujos de gran simbolismo y alusión, es un tanto recuerda a los muros de nuestras calles suburbanas. Sin embargo, a diferencia de la realidad urbana, en la que los múltiples grafitis remiten a diferentes mensajes, la obra maestra de Basquiat remite a un único tema social, con el propósito de denunciar cómo la élite blanca del mundo cinematográfico de la época había estereotipado descaradamente a los actores negros. De hecho, las anotaciones "TABACO", "CAÑA DE AZÚCAR" y "GANGSTERISMO" indican la "guetización" predominante de los afroamericanos en roles específicos dentro del mundo del entretenimiento de la década de 1980, a la que el artista quiere rebelarse idealmente también con la fecha 1940, que, escrita en la parte superior de la pintura, probablemente se refiera al año en que la actriz Hattie McDaniel se convirtió en la primera afroamericana en ganar un Oscar, por interpretar la caricatura racial de "Mammy" en Lo que el viento se llevó (1939). ). Finalmente, la historia del amargo prejuicio narrado por la obra maestra continúa a través de la presencia de inscripciones borradas alusivas, que fueron deliberadamente "removidas" por el artista para hacerlas aún más visibles, pues es bien sabido cómo nuestra atención se detiene más en lo que es menos fácil de leer, alcanzar o interpretar.

Serge Berezjak, El pájaro , 2022. Acrílico sobre lienzo, 110 x 85 cm.

Pol Attard, Ira negra , 2018. Acrílico/lápiz/pastel sobre lienzo, 100 x 100 cm.

El simbolismo de Basquiat

Sin embargo, la simbología de Basquiat no se agota en la narración mencionada, ya que en su obra hay imágenes adicionales, significativas y recurrentes que, convertidas en seña de identidad de su personal investigación sobre la realidad, quedan bien ejemplificadas en la frecuente representación de cuerpos humanos, coronas , boxeadores y cabezas (o calaveras). Sobre el primer tipo de representación simbólica, es bueno destacar cómo el interés de Basquiat por la anatomía deriva de Leonardo, a pesar de que sus cuerpos pretenden paradójicamente criticar la excesiva presencia de la figura humana en la historia del arte. Sin embargo, en lo que respecta a la corona de tres puntas, este motivo icónico y sumamente recurrente en la obra del artista estadounidense muy probablemente alude a la fama, la riqueza, el poder y la realeza. Cuando este último ornamento descansa sobre la cabeza de determinadas figuras, en cambio, se pretende indicar la propensión del artista a reconocerlas como autoridades, es decir, como modelos alternativos en marcado contraste con los más canónicos impuestos por la sociedad. Finalmente, cuando la corona encuentra lugar en la cabeza del propio pintor, quiere aludir a su ambición, determinación y perseverancia, cualidades que tienen por objeto llevarlo a alcanzar la notoriedad y el respeto de la sociedad artística. En cuanto a los boxeadores, estas figuras cuentan la historia de la fascinación que los atletas afroamericanos ejercían sobre Basquiat, un amor que se hace explícito a través de la creación de figuras prominentes y musculosas, realizadas a través de líneas marcadas de celebración y colores expresivos. Finalmente, las cabezas pintadas por el pintor resultan muy representativas de la identidad, y en particular de los orígenes, del propio artista, ya que evocan esas máscaras africanas que, antes fetichizadas por maestros como Picasso, vuelven a representan una recuperación cultural más genuina.

Patrick Santus, Piensa estúpido , 2007. Acrílico/lápices de colores/tiza/lápiz/tinta/carboncillo/gouache/rotulador/crayón/bolígrafo/bolígrafo de gel sobre lienzo, 150 x 150 cm.

Pol Attard, Cautiva, 2020. Acrílico/spray/rotulador/collages sobre lienzo, 100 x 100 cm.

El impacto de Basquiat en el mundo del arte

Hablando de la relación de Basquiat con el arte de su época, es bien sabido cómo el maestro estadounidense, entre los más importantes exponentes del arte del grafiti, asociado también al neoexpresionismo, alcanzó rápidamente el éxito, convirtiéndose en protagonista del vibrante New escena artística de York, donde, entre finales de la década de 1960 y la de 1980, logró "transferir" el grafiti de los contextos urbanos más dispares a las salas de los museos. La relevancia de la vocación creativa del mencionado pintor sigue sintiéndose dentro del arte contemporáneo, expresándose a través de la obra de artistas que, animados por el mismo impulso de denuncia, desean con fuerza dar voz a los dramas no resueltos del racismo y la marginación. En efecto, podemos tomar como ejemplo la obra del conocido Bansky, quien en 2017, en los muros adyacentes al centro Barbican de Londres, creó Boy and Dog , un grafiti contra el racismo inspirado en el Boy and Dog de Basquiat en un Johnnypump (1982). Por último, cabe señalar cómo las referencias a la investigación artística de este último maestro continúan en la producción de otros artistas contemporáneos, como por ejemplo Aboudia y Huma Bhabha, así como en la obra de los pintores Artmajeur, como lo demuestran las obras de T. Angot, Spaco y Stan.

T. Angot, Evolución humana , 2022. Acrílico/spray sobre lienzo, 81 x 65 cm.

T. Angot : Evolución humana

Tal y como afirma el propio artista, la producción de Angot resulta estar marcada de forma indeleble por la influencia ejercida por tres artistas icónicos, a saber, Picasso, Basquiat y Miro. Hablando de la evolución humana, este acrílico sobre lienzo revela las modalidades interpretativas del ejemplo extraído de la lección de Basquiat, manifiestas de manera evidente en las inscripciones, la corona y el hombre "estilizado", que encuentran ubicación, predominantemente, en el lado derecho de la obra. En cuanto a esta última figura, parece representar un remake original y de actualidad del personaje coronado de Grillo , es decir, uno de los dos protagonistas del cuadro de Basquiat de 1984. Estas figuras, dispuestas en los paneles de la primera y tercera obra, se imponen con fuerza en la visión del espectador, decretándose idealmente como los protagonistas emocionales de la narración. En realidad, sin embargo, Grillo rechaza una interpretación cohesiva, ya que el espectador, para comprender el significado de la pintura, necesariamente debe moverse alrededor de la obra, tomando conciencia de todas sus partes, incluso las más abstractas. Del mismo modo, el ojo del observador de la evolución humana debe abarcar tanto las partes más realistas como las más "estilizadas" de la obra, fundiéndolas en un único intento: difundir la variedad de la experimentación artística, fruto de la propia evolución humana.

Spaco, Spaco 110M Basquiat , 2022. Collages/acrílico sobre lienzo, 30 x 30 cm.

Spaco: Spaco 110M Basquiat

La obra de Spaco representa una nueva versión original de Sin título , la pintura de Basquiat de 1982 que, en esta versión de 2022, se enriquece con un "marco" sin precedentes de letras y coronas, destinado a celebrar y resumir los rasgos estilísticos más populares del maestro estadounidense. Volviendo a Untitled , la obra maestra, vendida en mayo de 2017 por Sotheby's por 110,5 millones de dólares al empresario y coleccionista de arte japonés Yusaku Maezawa, representa una de las muchas imágenes poderosas del maestro estadounidense de calaveras gigantes realizadas por el maestro estadounidense, que, teniendo las peculiaridades de repetible iconos como logotipos, se han convertido en uno de los símbolos artísticos de Basquiat por excelencia. Además, el impacto y la replicabilidad de tal tipo de memento mori, casi parece tomar nota de la fuerza con la que, en la época del artista, el grafiti, antes destinado únicamente a las paredes del metro o los baños desfigurados, se abrió paso en el arte. mundo.

Stan, Basquiat by Sta n , 2021. Acrílico/rotulador sobre lienzo, 100 x 100 cm.

Stan: Basquiat por Stan

La pintura de Stan es inclusiva, al igual que las obras de Basquiat, de múltiples mensajes, imágenes y, en consecuencia, símbolos y alusiones. De hecho, uno dispone en el lienzo: el retrato de Basquiat, probablemente el año de nacimiento de Basquiat (1960), algunas coronas, la etiqueta SAMO, algo de escritura, letras borradas, manos de Miki Mouse y Radiant Baby de Keith Haring. Sobre la escritura SAMO, esta abreviatura de las palabras "Same Old Shit" (La misma mierda de siempre) fue el seudónimo bajo el cual Basquiat y el escritor Al Diaz etiquetaron en Nueva York desde 1978 hasta 1980. De hecho, fue a fines de la década de 1970 cuando esta etiqueta comenzó a extenderse por Soho y Tribeca, donde, enriquecido con el símbolo del copyright, también se hizo famoso por ir acompañado de eslóganes que, aparentemente sin sentido, representaban una forma de burlarse de las falsas creencias alimentadas por la sociedad. A pesar de su popularidad, esta pareja de escritores, cuyos admiradores incluían a Keith Haring, se separaron en 1980, es decir, cuando Díaz dejó explícito que solo quería dar entrevistas a la prensa de forma anónima, mientras que Basquiat hubiera preferido revelar la identidad del dúo. . En consecuencia, a partir de ese momento, la etiqueta todavía fue utilizada brevemente solo por Basquiat, quien, en lugar de las frases filosóficas habituales, escribió solo, "SAMO está muerto".