Las 30 mejores películas católicas de la historia

Cuando en 2011 reunimos en un artículo las películas cristianas que consideramos más sobresalientes, no imaginábamos la enorme cantidad de visitas que generaría ese artículo. Durante mucho tiempo fue el contenido más visto de la web, así es que nos dio pie para afinar un poco más y centrarnos en los mejores largometrajes de temática católica. Esta segunda lista, originalmente publicada hace más de cinco años y que ahora actualizamos, curiosamente sustituyó a la anterior como el contenido más visitado.

No siempre es fácil delimitar el concepto de película cristiana y aún más compleja es la precisión de esta selección. En ese sentido, hemos sido especialmente cuidadosos a la hora de elegir esta treintena de filmes, ordenados cronológicamente, que tratan el catolicismo directamente o de manera transversal, como ocurre en El festín de Babette. Respecto a los dedicados a la figura de Cristo, se han incluido algunos de los realizados desde sensibilidades o influencias católicas.

Este clásico del cine es una inmejorable forma de comenzar la lista. Se estrenó en 1928, al final de la época muda. Después se han realizado multitud de adaptaciones sobre la Doncella de Orleans de directores muy ilustres, pero ninguna se ha acercado a la calidad de esta obra maestra de Dreyer, conocida como sinfonía de primeros planos y protagonizada por una icónica Maria Falconetti.

Dreyer murió pensando que el montaje original de la cinta se había perdido para siempre, debido a las numerosas modificaciones insertadas en su momento y al incendio que consumió el negativo original. Sin embargo, en 1981 se encontró en Oslo, de forma fortuita, una copia del primer negativo.

Algunos dicen que esta película es sensiblera, pero en realidad va de un buen hombre que quiere quitarse la vida en Nochebuena. Tiene una bonita familia y ayuda a sus vecinos desde un pequeño banco, pero está tan frustrado por no haber cumplido sus ambiciosos sueños de juventud que, en cuanto se le tuercen las cosas, se encuentra al borde del abismo. Ahí es donde entra en escena Clarence, un ángel que le muestra cómo sería la vida de los que le rodean si nunca hubiese existido.

Este mágico film de Frank Capra fue un fracaso en su momento. No empezó a convertirse en un clásico navideño hasta tres décadas después, tras un insólito error en la renovación de sus derechos. Tal vez Clarence tuvo algo que ver.

No podía faltar en la recopilación esta notable cinta biográfica sobre Vicente de Paúl. Se realizó en una época donde lo habitual era mostrar a los santos de forma piadosa, pero aquí lo que vemos es a un hombre de carne y hueso, con carácter y muy consciente de las necesidades de los más pobres. Ayuda mucho a darle credibilidad la interpretación de Pierre Fresnay.

Destaca también la recreación de la época, que muestra un empobrecimiento no solo a nivel material, sino moral. En este contexto, el sacerdote francés tuvo que lidiar con la falsa caridad de los pudientes, con el fin de obtener los recursos que necesitaba para poner las bases de una labor social basada en el amor al prójimo.

Si hablamos de sacerdotes franceses, llegamos rápido a este emblema del cine europeo protagonizado por un joven clérigo que tiene como primer destino un pequeño pueblo, donde es recibido con hostilidad. Al dolor por sentirse rechazado se unen sus problemas de salud. Mientras atraviesa su noche oscura, en la que Dios parece permanecer en silencio, debe ofrecer consuelo a otros, porque más allá de cómo se sienta está lo que representa.

Se basa en una obra de Georges Bernanos, llevada a la pantalla por Robert Bresson con su reconocible estilo austero y despojado de emociones. Era la película preferida de Andrei Tarkovsky, otro de los grandes místicos del cine.

El padre del neorrealismo italiano, Roberto Rossellini, siguió las pautas del por entonces novedoso estilo cinematográfico en su acercamiento al patrón de su país, Francisco de Asís, y a los primeros franciscanos. En esta obra refleja la pureza de corazón de aquellos hombres y mujeres decididos a vivir en comunidad el Evangelio sin glosa, en armonía con la naturaleza.

Consta de once capítulos inspirados en las Florecillas y en la Vida de fray Junípero, quien tiene mucho protagonismo. Al tratarse de un largometraje neorrealista, el reparto es mayoritariamente no profesional y contó con la participación de auténticos franciscanos. Es el caso del hermano Nazario Gerardi, quien interpretó a Francisco.

Hitchcock estudió con los salesianos y luego con los jesuitas. Se nota que conocía de primera mano el tema que trata en esta película, a la que imprime su característico suspense. Un inmigrante alemán se dirige a una iglesia para confesar un asesinato que acaba de cometer. Una serie de casualidades convierten al confesor en el principal sospechoso del crimen, pero este no puede revelar lo que sabe debido al secreto de confesión.

El sacerdote comienza un vía crucis, cargando en silencio con la culpa de otro, mientras un perspicaz investigador, al que da vida Karl Malden, trata de dilucidar una verdad que solo conocen el afligido confesor y el autor del crimen.

Un jornalero itinerante hace una parada en un convento del desierto de Arizona, porque necesita agua para su coche y resulta que es recibido como agua de mayo por la madre superiora, que ve en él la respuesta a sus oraciones para construir una capilla. El encargo no es recibido con demasiado agrado por el currante, que lo que busca es básicamente ganarse un buen jornal. Pero ya se sabe que los caminos de Dios son inescrutables.

Esta encantadora historia narra el fortuito encuentro entre un hombre negro y baptista, interpretado por Sidney Poitier, con las monjas alemanas de una comunidad. El cristianismo que comparten supone un vínculo más fuerte que sus diferencias religiosas, raciales y de origen.

El rey de Inglaterra, Enrique II, impulsa el nombramiento de su amigo Tomás Becket como arzobispo de Canterbury, con la idea de reducir la resistencia eclesial a sus planes. Sin embargo, su inseparable compañero de fiestas experimenta, contra todo pronóstico, una profunda conversión en su nuevo cargo y defiende los derechos de la Iglesia, pese a una amistad que dará paso a un fuerte enfrentamiento.

El conflicto se escenifica desde la base de una obra teatral que depara buenos papeles al elenco de intérpretes. Los puristas dirán que Peter O’Toole está sobreactuado como Enrique II -y no les falta algo de razón-, pero se come cada escena, mientras Richard Burton consigue darle la réplica, aguantando el tipo en el papel de Becket.

Desde que se inventó el cine se han hecho multitud de adaptaciones sobre la vida de Jesús. Muchas han caído en el olvido por el paso de un tiempo que ha convertido a otras en clásicos indiscutibles. Es el caso de esta versión neorrealista de Pasolini, sin duda, una de las más singulares.

El mayor interés de Pasolini, que era ateo y comunista, estaba en la dimensión de Cristo como defensor de los oprimidos, más que en su labor mesiánica. Llevó a la pantalla el texto de Mateo con un estilo marcadamente austero. Aunque el resultado es irregular, la cinta resulta imprescindible. Durante su estreno, que despertó cierta controversia, fue avalada por el Concilio Vaticano II.

Decía santa Teresa que «la paciencia todo lo alcanza». Paciencia no le falta en este drama histórico al papa Julio II, exasperado y admirado casi a partes iguales por los lentos trabajos de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina.

Este film muestra con rigor el talento de un artista emblemático y, además, refleja una época en la que se realizaron grandes obras de arte dedicadas a Dios, pese a que la Iglesia católica atravesaba una época oscura, con pontífices insuficientemente implicados con el cometido espiritual de su cargo. Aunque afortunadamente aquí no hay caricaturas, sino dos personajes con personalidad, enfrentados y a la vez unidos por un arte capaz de elevar el alma.

Este título británico se apoya en un gran guion escrito por Robert Bolt, que deja bien a las claras la firmeza de Tomás Moro, cuya forma de proceder se desmarca de las luchas de poder que, no obstante, le afectan de lleno. No toma la vía fácil de respaldar a Enrique VIII en su ruptura con la Iglesia de Roma para casarse con Ana Bolena. Frente a las leyes efímeras de su época, Tomás Moro defiende la verdad que perdura a lo largo del tiempo.

Este premiado largometraje guarda similitudes temáticas con Becket e igualmente tiene un origen teatral. Destacan las buenas interpretaciones del reparto dirigido con destreza por Fred Zinnemann.

Los personajes de las películas de Éric Rohmer no paran de hablar. A partir de sus interminables conversaciones cotidianas, y a veces muy intelectuales, el director francés iba hilando muy fino.

Rohmer no quería que se conociera mucho de su vida, pero se sabe que era católico, de modo que cabe preguntarse cuánto hay de él en el ingeniero protagonista de esta historia, que se debate entre una joven que conoce en misa y una atractiva divorciada, llamada Maud, que trata de seducirle. Consciente de que las elecciones determinan el futuro, duda entre la chica que parece ideal, porque comparte sus creencias, y el exótico polo opuesto. Rohmer, con perspicacia, nunca pinta sus personajes en blanco o negro.

La Warner Bros estuvo a punto de cambiar el título de esta producción, porque ni siquiera los miembros del equipo de rodaje sabían muy bien qué era un exorcista. Pero en su estreno tuvo tal impacto, que dio lugar a un subgénero de exorcistas dentro del cine de terror, que ha deparado algunos filmes estimables y otros bastante terroríficos.

La cinta relata los extraños trastornos que padece una niña. Pese a que su desesperada madre no es creyente, al ver que la ciencia no resuelve el problema, solicita un exorcismo que enfrentará a dos sacerdotes a lo que parece ser un caso de posesión, dando comienzo a una enconada -y desagradable- lucha del bien contra el mal. Entre los actores brilla especialmente Max von Sydow, representando al padre Merrin.

Fue emitida como una miniserie de cuatro capítulos y su éxito fue tal, que se hizo una edición reducida -aunque muy extensa- para su estreno en cines. Con el paso de los años se fue convirtiendo en un clásico de las programaciones televisivas en Semana Santa, por su capacidad de calar entre el público.

Franco Zeffirelli inicialmente eligió a Robert Powell para interpretar a Judas Iscariote, pero luego empezó a dudar y le hizo una prueba para el papel principal. Powell pasó de candidato a Judas a convertirse en el icono de Jesús en el cine, encabezando un aprovechado reparto conformado por un buen puñado de intérpretes de primer nivel, en esta sensitiva recreación de los evangelios.

Pasamos de una producción televisiva a otra que, desde luego, también tenía calidad de sobra para haber sido proyectada en los cines, si se hubiese optado por esta forma de distribución. Relata de un modo apasionante la historia del sacerdote irlandés Hugh O’Flaherty, quien ayudó a salvar la vida de miles de judíos y miembros de la resistencia durante la Segunda Guerra Mundial.

La película está planteada como un mano a mano entre el intrépido O’Flaherty, destinado en la Santa Sede durante la ocupación nazi de Italia, y el jefe de la Gestapo en Roma que vigila sus pasos. Estos dos personajes dan lugar a un intenso duelo interpretativo entre Gregory Peck y Christopher Plummer.

En este clásico, premiado con la Palma de Oro en el Festival de Cannes, el padre Gabriel consigue ser aceptado por los guaraníes con la música de su oboe. Funda una misión jesuita, a la que más tarde se incorpora un mercenario arrepentido de su pasado.

El film plantea diversos conflictos de interés, como el que deben afrontar los jesuitas cuando la subsistencia de su misión es amenazada por acuerdos territoriales y afloran las posturas contrapuestas representadas por unos inspirados Jeremy Irons y Robert De Niro. El resultado no sería el mismo sin la banda sonora de Ennio Morricone, que estuvo tocado por la mano de Dios. Su música tiene el poder de evocar lo invisible, en los impresionantes escenarios de las cataratas del Iguazú y la jungla tropical.

Otra que tenía que estar en la lista es esta cinta ambientada en el siglo XIX, en un pequeño pueblo danés al que llega Babette, una cocinera francesa que ha huido de la guerra en su país. La acogen dos hermanas que dirigen una rígida comunidad puritana, cuyos temerosos miembros sentirán pánico ante la comida de agradecimiento que planea preparar Babette, cuando gana un premio en la lotería.

Esta deliciosa comedia trata sobre el equilibrio entre cuerpo y alma, aportado por el catolicismo de Babette. Refleja dos modos muy distintos de vivir el cristianismo. Por un lado, desde un puritanismo desmedido que entiende el mundo como un lugar de privación y, por otro, desde una fe que busca la felicidad en la creación de Dios.

Este alegato contra la pena capital se basa en un libro autobiográfico de la hermana Helen Prejean, cuyo personaje en la ficción asiste a un sentenciado a muerte, condenado por un crimen atroz.

No es para nada una película panfletaria. Tim Robbins confía en la inteligencia del espectador, mostrando los hechos con rigor, sin dejar de lado el dolor de los padres de las víctimas del recluso al que acompaña la religiosa. Como contraposición a la venganza como medio de justicia, coloca el perdón y la redención, que no son gratis, pero desde el cristianismo resultan posibles, incluso en un caso extremo. Susan Sarandon y Sean Penn bordan sus papeles.

Cuando el personaje de una religiosa tiene dudas de vocación, estas se suelen tratar de una manera superficial y con frecuencia sexualizada. Giuseppe Piccioni no va por ahí, ya que retrata con sensibilidad a una mujer a punto de hacer sus votos perpetuos, que un día, sin esperarlo, sostiene en brazos a un bebé abandonado en un parque. La experiencia le recuerda que su decisión implica renunciar a formar una familia.

Es una pena que esta premiada cinta italiana tuviera poco recorrido fuera de su país. Cuenta las dudas de una persona corriente, que debe decidir el camino que quiere elegir. La protagonista está excelentemente interpretada por Margherita Buy. Asimismo, aporta mucho la banda sonora del pianista Ludovico Einaudi.

Decir que su estreno fue controvertido es quedarse cortos. En torno a esta adaptación se desató una desmesurada polémica que contribuyó a que fuera un éxito que nadie esperaba, tratándose de una producción rodada en arameo y en latín. Aunque su violencia es excesiva, tiene mucho mérito no solo que Gibson consiguiera aportar algo nuevo a una historia tantas veces contada por el cine, sino que lograrse el referente que ha influido en las versiones posteriores sobre Jesús de Nazaret.

Se centra en las últimas horas de Cristo, insertando diversos flashbacks que recrean momentos anteriores de su vida. Uno de los aspectos más logrados del film es su representación de la Virgen María, en la que se nota la huella católica de esta obra.

No es tan conocida como Hotel Rwanda, pero también refleja de forma notable los terribles sucesos ocurridos en el país africano a mediados de los noventa, inspirándose en una historia real.

Está protagonizada por un joven voluntario de una ONG, que da clases en una escuela dirigida por el padre Christopher. En el centro se refugian tutsies huyendo de los extremistas hutus que rodean el lugar con machetes. Entretanto los cascos azules brindan protección, con una apatía que refleja la pasividad de occidente ante el exterminio sucedido en Ruanda. El contrapunto lo pone el personaje del sacerdote, basado en el bosnio Vjeko Ćurić, quien realizó una gran labor humanitaria allí.

Philip Gröning tardó dieciséis años en recibir la aprobación para grabar en la Gran Cartuja de Grenoble. Y es que, viendo este documental, queda claro que los tiempos de los contemplativos son muy diferentes. La espera mereció la pena, porque probablemente le ayudó a madurar el proyecto y le permitió disponer de mejores medios para grabar con luz natural, que era uno de los requisitos.

Durante meses convivió con los cartujos para alumbrar este fascinante viaje hacia el corazón de la vida contemplativa. En su documental, de dos horas y media de duración, hay básicamente silencio. Un silencio que invita a reflexionar acerca de la ajetreada vida en las sociedades desarrolladas y la falta de espiritualidad en occidente.

Esta producción para la televisión tiene ciertas similitudes temáticas con Pena de muerte y, al igual que esta, se basa en un personaje real. En este caso es un político británico, el laborista Lord Longford, quien presta su asistencia a reclusos. Y despierta una gran controversia, cuando emprende una campaña para liberar de la cadena perpetua a una mujer condenada como cómplice de un asesinato.

Longford, convertido al catolicismo desde el protestantismo, no entendía la venganza como forma de hacer justicia y buscaba la redención de encarcelados, por congruencia con sus creencias, decidido a «amar al pecador pero odiar los pecados». En este drama está interpretado por Jim Broadbent.

El cine de Eugène Green no está destinado a públicos amplios, ni por el misticismo de algunas de sus propuestas ni por el tiempo que se toma para dar forma a sus historias. En esta, una actriz francesa viaja a Lisboa para rodar una película. Su superficial vida amorosa contrasta con el personaje de una monja que encarna y del que se va impregnando, al observar a una religiosa que reza por las noches en una capilla.

Lisboa resulta fascinante en esta cinta. No porque Eugène Green nos haga una visita turística por la ciudad, sino porque nos sumerge en la cultura de la capital portuguesa, que es clave para el desarrollo de la trama. El relato va a contracorriente, exponiendo el modo en que la espiritualidad abre nuestra percepción, más allá del racionalismo.

Este drama basado en hechos reales transcurre en Tibhirine, en los años noventa, donde una congregación de cistercienses franceses convive en armonía con sus vecinos musulmanes. Pese a su labor allí, su seguridad comienza a estar seriamente amenazada por fanáticos islámicos. La situación los obliga a decidir entre regresar a Francia o dar continuidad a su obra en Argelia.

Xavier Beauvois se detiene para escenificar el día a día de una comunidad monástica, mostrando sus cantos, rezos y tareas cotidianas. Su largometraje va creciendo en intensidad a medida que se acerca al final que redondea esta obra maestra, rebosante de humanidad y valores interreligiosos.

El padre James es amenazado de muerte durante una confesión, en la que su verdugo le da una semana de vida. El trasfondo de la película son los abusos sexuales en la Iglesia irlandesa, pero su protagonista es un buen sacerdote, que ejerce como párroco en un pequeño pueblo costero donde reinan la maldad y la apatía. Pese a proporcionar un necesario contrapunto de esperanza, es elegido por un hombre para pagar por el daño perpetrado por otros.

La película trata temas como el perdón y el significado del sacerdocio. Se inspira en la obra de Bresson -y de Bernanos- Diario de un cura rural. Brendan Gleeson le aporta una gran credibilidad al padre James.

Tres décadas tardó Scorsese en poder llevar a la pantalla esta adaptación de una novela de Shusaku Endo. La historia se desarrolla en el siglo XVII, en Japón, a donde dos misioneros jesuitas viajan para extender el cristianismo. Al llegar allí encuentran una pequeña comunidad de campesinos en la que ha calado el Evangelio. Sin embargo, la fe es vivida en clandestinidad y son víctimas de una dura persecución por parte de los mandatarios de un país hermético hacia influencias del exterior.

Esta compleja y violenta cinta ofrece una mirada profunda hacia el silencio de Dios, la perseverancia en la fe y la fragilidad humana. Los misioneros se ven inmersos en un vía crucis, al ser castigados para forzar su apostasía y dejar a los fieles sin pastor.

Este largometraje es tal vez el menos conocido de la recopilación. Lo protagoniza una adolescente etíope llamada Fortuna, acogida en un monasterio de los Alpes suizos junto a otros refugiados. Los parajes nevados del lugar van en consonancia con la soledad de una chica de catorce años separada de su familia e inmersa en un importante trance, para el que busca consuelo rezando a la Virgen María.

Se abordan con delicadeza los conflictos de calado que afectan a Fortuna y a los monjes de la comunidad, enfrentados a la disyuntiva de continuar la vida de oración que habían elegido o ejercer una labor más activa, atendiendo a los necesitados que han llegado hasta su hogar. Este pausado film, marcadamente contemplativo, concede mucho peso a sus imágenes en blanco y negro. Bruno Ganz está espléndido en el papel de abad.

Uno de los motivos de peso para actualizar esta lista ha sido el poder incluir este drama biográfico -estrenado después de la publicación original-, sobre el campesino austriaco Franz Jägerstätter, un padre de familia que se negó a jurar lealtad a Hitler, pese a las represalias y a la incomprensión de sus vecinos y allegados. La Iglesia católica lo beatificó en 2007.

La trama transcurre entre las idílicas montañas de Sankt Radegund -la tierra prometida de Franz y su mujer Fani-, y la prisión donde los afines al Tercer Reich tratan de doblegar la voluntad de Franz. El valor de la conciencia, en coherencia con las convicciones, y el amor conyugal son los temas desplegados por esta preciosa película de Terrence Malick.

La huella de El gran silencio se percibe en este documental, que se sumerge en la vida monástica, mucho menos desde el silencio y más desde la palabra. Recoge los testimonios de personas que han escogido esta forma de vida. Desde la clausura, relatan sus motivaciones y lo que les aporta haber tomado una elección tan contracultural en este mundo materialista.

La cinta profundiza en cuestiones clave ligadas a la vida contemplativa, como la oración, la convivencia comunitaria o los momentos de desierto. Asimismo, refleja la conjunción entre la naturaleza y la arquitectura de lugares construidos para elevar el alma, de la que se sirve el film para conformar un viaje sensitivo, acentuado por la música y la fotografía.