Jerónimo Bosch.
¿Quién fue Hieronymus Bosch?
Hieronymus Bosch , también conocido como Jheronimus van Aken, fue un renombrado pintor holandés de Brabante que vivió desde alrededor de 1450 hasta el 9 de agosto de 1516. Fue una figura destacada en la escuela de pintura de los primeros Países Bajos y es conocido por sus extraordinarias representaciones de religiosos temas e historias. Usando óleo sobre madera de roble como su medio principal, Bosch creó ilustraciones fantásticas que a menudo representaban el infierno de una manera macabra y pesadillesca.
Aunque no se sabe mucho sobre la vida personal de Bosch, existen algunos registros. Pasó la mayor parte de su vida en la ciudad de 's-Hertogenbosch, donde nació en la casa de su abuelo. Sus raíces ancestrales se remontan a Nijmegen y Aachen, lo que es evidente en su apellido "Van Aken". El estilo artístico único y pesimista de Bosch tuvo una profunda influencia en el arte del norte de Europa durante el siglo XVI, siendo Pieter Bruegel el Viejo su discípulo más conocido. Hoy, Bosch es reconocido como un pintor altamente individualista que poseía una profunda comprensión de los deseos humanos y los miedos más profundos.
Determinar la autoría de las obras de Bosch ha sido un desafío, y solo se le atribuyen con confianza unas 25 pinturas, junto con ocho dibujos. Aproximadamente seis pinturas más están asociadas con confianza a su taller. Algunas de sus obras maestras más célebres incluyen retablos trípticos, en particular "El jardín de las delicias".
Hieronymus Bosch, El jardín de las delicias, 1490-1510 . Óleo sobre tablas de roble, 205,5 cm × 384,9 cm (81 in × 152 in), Museo del Prado, Madrid.
El jardín de las delicias terrenales
El cuadro conocido como El jardín de las delicias es un tríptico creado por el artista holandés Hieronymus Bosch entre 1490 y 1510. Está pintado al óleo sobre tablas de roble y actualmente se encuentra en el Museo del Prado en Madrid, España.
Debido a la limitada información disponible sobre la vida y las intenciones de Bosch, ha habido varias interpretaciones del significado de la pintura. Algunos lo ven como una descripción de advertencia de la indulgencia mundana y los peligros de la tentación, mientras que otros lo ven como una expresión del máximo placer sexual. El simbolismo dentro de la obra de arte, particularmente en el panel central, ha dado lugar a una amplia gama de interpretaciones académicas a lo largo de la historia. Los historiadores del arte moderno están divididos sobre si el panel central sirve como advertencia moral o representa un paraíso perdido.
Bosch creó tres grandes trípticos durante su carrera, siendo El jardín de las delicias uno de ellos. Estos trípticos fueron diseñados para leerse de izquierda a derecha, y cada panel contribuye al significado general de la obra de arte. Por lo general, los trípticos de esa época mostraban temas relacionados con el Edén y el Juicio Final en los paneles izquierdo y derecho, mientras que el panel central contenía el tema principal. Aunque no está claro si El jardín de las delicias fue pensado como retablo, se cree que su tema provocativo en los paneles interiores hace que sea poco probable que haya sido encargado para una iglesia o un monasterio. En cambio, se cree que fue encargado por un mecenas secular.
Datación y procedencia
La fecha exacta de El jardín de las delicias sigue siendo incierta y ha sido objeto de debate académico. Los primeros historiadores del arte, como Ludwig von Baldass, lo consideraron una obra temprana del Bosco. Sin embargo, desde el influyente estudio de De Tolnay en 1937, el consenso general cambió a fechar la pintura en 1503-1504 o más tarde. Estas dataciones se basaron principalmente en el tratamiento "arcaico" del espacio en la obra de arte.
La dendrocronología, que analiza los anillos de los árboles en los paneles, proporciona un punto final post quem para el trabajo, datando el roble utilizado entre 1460 y 1466. Es importante señalar que la madera para las pinturas sobre paneles se almacenaba normalmente durante un período significativo antes de ser utilizada. por lo que la edad del roble puede ser anterior a la pintura real por varios años. Además, la presencia de una piña, una fruta del Nuevo Mundo, sugiere que la pintura fue creada después de los viajes de Colón a las Américas entre 1492 y 1504.
La primera mención documentada de El Jardín de las Delicias data de 1517, un año después de la muerte del Bosco, cuando Antonio de Beatis lo describe como parte de la decoración del palacio de los Condes de la Casa de Nassau en Bruselas. La prominencia de la pintura y su exhibición en un lugar de alto perfil llevaron a especular que fue un encargo y no solo un trabajo imaginativo. Se cree que Engelbrecht II de Nassau o su sucesor Enrique III de Nassau-Breda, figuras influyentes en los Países Bajos de Borgoña, pueden haber sido los patrocinadores.
La visibilidad de la pintura en el palacio contribuyó a la reputación de Bosch, y mecenas adinerados encargaron numerosas copias después de su muerte. Estas copias, en diversos medios, como óleo, grabados y tapices, a menudo se centraban en el panel central y variaban en calidad. A pesar de la ausencia de una imagen religiosa central, la descripción de De Beatis arroja luz sobre el encargo de la obra, que pudo estar destinada a un uso privado, como por ejemplo para la celebración de una boda.
A lo largo de los años, la pintura cambió de manos y finalmente terminó en posesión de Felipe II de España. Fue adquirida en subasta en 1591 y entregada a El Escorial. Tras permanecer allí más de tres siglos, fue trasladado al Museo del Prado en 1939, junto con otras obras del Bosco. Aunque la pintura requirió restauración debido a la pintura descascarada, se ha conservado bien y actualmente se exhibe en el museo.
Exterior del Jardín de las Delicias .
Descripción
El Jardín de las delicias es una pintura de tres paneles y, en el panel izquierdo, representa la creación de Eva, que simboliza el origen del pecado humano. En el panel central, una escena ocupada e intrincada ilustra el dominio de la lujuria sobre la humanidad. Por el contrario, el panel de la derecha representa el infierno como un castigo por entregarse a los deseos pecaminosos. La pintura presenta constantemente fresas, que sirven como símbolo de este pecado en particular. Se especula que la figura representada debajo de la gaita en el panel derecho puede ser un autorretrato de Hieronymus Bosch.
Exterior
Cuando las alas del tríptico están cerradas, los paneles exteriores revelan su diseño. Estos paneles están pintados en un esquema de color gris verdoso conocido como grisalla, que era una práctica común para los trípticos holandeses. La ausencia de colores vibrantes puede sugerir una representación de un tiempo anterior a la creación del sol y la luna, que se creía que traían luz a la tierra según la teología cristiana. La naturaleza tenue de los paneles exteriores sirve para realzar el colorido interior.
Se cree ampliamente que los paneles exteriores representan la creación del mundo. La escena muestra la Tierra en sus primeras etapas, con vegetación que comienza a cubrir la tierra prístina. Una pequeña figura de Dios, con una corona que se asemeja a una tiara papal, se ve en la esquina superior izquierda. Bosch retrata a Dios como un creador pasivo, sentado con una Biblia en su regazo, dando a luz a la Tierra por mandato divino. Arriba de Dios hay una cita del Salmo 33, que enfatiza el poder de las palabras de Dios para crear y sostener el mundo. La Tierra está representada dentro de una esfera transparente, que simboliza la creencia tradicional de que Dios o Cristo sostenían el mundo como una esfera de cristal. El cosmos que rodea la Tierra se representa como una oscuridad impenetrable, con Dios como único habitante.
Aunque la Tierra está cubierta de vegetación, carece de vida humana y animal, lo que indica que la escena representa los acontecimientos del tercer día bíblico. Bosch retrata la vida vegetal de una manera poco convencional, utilizando tonos de gris que dificultan la distinción entre la vegetación y las formaciones minerales. El mar rodea el interior del globo y está parcialmente iluminado por rayos de luz que atraviesan las nubes. Las alas exteriores del tríptico ocupan una posición distinta en la narrativa de toda la obra de arte. Representan una tierra deshabitada que consiste únicamente en rocas y plantas, creando un fuerte contraste con el panel central, que muestra un paraíso lleno de humanidad lujuriosa.
Interior del Jardín de las Delicias .
Interior
Los estudiosos han sugerido que Hieronymus Bosch usó estratégicamente los paneles exteriores del tríptico para establecer un contexto bíblico para los elementos internos de la obra de arte. La imagen exterior generalmente se interpreta como que representa un período de tiempo anterior en comparación con las escenas interiores. Al igual que los otros trípticos completos de Bosch, El juicio final y El carro de heno, el panel central de El jardín de las delicias está flanqueado por imágenes celestiales e infernales. Se cree que el tríptico sigue un orden cronológico, progresando de izquierda a derecha, representando el Edén, el jardín de las delicias terrenales y el Infierno.
En el ala izquierda, se presenta a Dios como el creador de la humanidad, mientras que el ala derecha ilustra las consecuencias del fracaso de la humanidad en seguir la voluntad de Dios. Sin embargo, a diferencia de otros trípticos de El Bosco, el panel central de El jardín de las delicias no representa a Dios. En cambio, muestra a la humanidad participando en diversas actividades de búsqueda de placer, aparentemente ejerciendo su libre albedrío. El panel de la derecha a menudo se interpreta como el retrato de los castigos impuestos por Dios en un paisaje infernal.
El historiador de arte Charles de Tolnay sugirió que incluso en el panel de la izquierda, a través de la mirada seductora de Adán, Bosch insinúa la disminución de la influencia de Dios sobre la tierra recién creada. Esta idea se ve reforzada por la representación de Dios como una figura diminuta en comparación con la inmensidad de la tierra en los paneles exteriores. Según Hans Belting, los tres paneles interiores transmiten la noción del Antiguo Testamento de que, antes de la Caída, no había una distinción clara entre el bien y el mal, y la humanidad, en su inocencia, ignoraba las consecuencias de sus acciones.
Detalle del panel izquierdo del Jardín de las delicias .
Panel izquierdo
El panel izquierdo del tríptico, a menudo referido como la Unión de Adán y Eva, retrata una escena del Jardín del Edén donde Dios le presenta a Eva a Adán. Se muestra a Adán despertando de un sueño profundo, descubriendo a Dios sosteniendo a Eva por la muñeca y otorgando su bendición a su unión. En este panel, Dios aparece más joven con ojos azules y rizos dorados. El artista pudo haber representado a Dios de una manera juvenil para simbolizar a Cristo como la encarnación de la Palabra de Dios.
La mano derecha de Dios está levantada en un gesto de bendición, mientras que su mano izquierda sostiene la muñeca de Eva. Según Wilhelm Fraenger, un controvertido intérprete de la obra de arte, el contacto físico entre el Creador y Eva significa la conexión eterna entre la humanidad y Dios. La pintura destaca la relación entre Adán y Dios, con Adán estirándose para hacer contacto con el Creador. El manto que fluye alrededor del corazón de Dios, cayendo en cascada hasta los pies de Adán, sugiere el flujo del poder divino, formando un circuito cerrado de energía mágica.
Eve desvía la mirada de Adam, aunque Walter S. Gibson sugiere que ella le presente seductoramente su cuerpo. La expresión de Adam refleja sorpresa y asombro, que Fraenger atribuye a tres factores. En primer lugar, Adán se sorprende por la presencia de Dios. En segundo lugar, se da cuenta de que Eva es de la misma naturaleza que él, creada a partir de su propio cuerpo. Por último, la intensidad de la mirada de Adam sugiere su experiencia de excitación sexual y el instinto primario de reproducirse por primera vez.
El paisaje que rodea la pintura está lleno de estructuras similares a cabañas, algunas hechas de piedra y otras que parecen tener elementos orgánicos. Detrás de Eva, se pueden ver conejos que simbolizan la fertilidad jugando en la hierba, mientras que un drago representa el concepto de la vida eterna. El fondo presenta varios animales que no habrían sido familiares para los europeos en ese momento, incluida una jirafa, un mono montado en un elefante y un león a punto de devorar a su presa. En primer plano, pájaros y criaturas aladas emergen de un gran agujero en el suelo, algunos fantásticos y otros más realistas.
Una persona que lleva una chaqueta con capucha de manga corta y un pico de pato sostiene un libro abierto, aparentemente leyendo, junto a un pez. En el lado izquierdo, un gato agarra una criatura parecida a un lagarto en sus fauces. El historiador de arte Erwin Panofsky señala que, si bien las criaturas fantásticas del primer plano son creaciones imaginativas, muchos de los animales del medio y del fondo se basan en la literatura de viajes contemporánea. Bosch incorpora estos animales exóticos para atraer a una audiencia aristocrática y conocedora.
La escena representada en la pintura se desvía de las representaciones tradicionales del arte occidental de los eventos del Libro del Génesis. La historiadora de arte Virginia Tuttle lo describe como muy poco convencional. Los críticos, incluido Tuttle, interpretan la mirada de Adán hacia Eva como lujuriosa, lo que sugiere una creencia cristiana de que la humanidad estaba inherentemente condenada desde el principio. Walter S. Gibson sugiere que la expresión de Adán no solo refleja sorpresa sino también expectativa, ya que en la Edad Media existía la noción de que antes de la Caída, Adán y Eva habrían tenido relaciones sexuales únicamente para la reproducción, sin lujuria. Wilhelm Fraenger considera que la presencia de una serpiente enroscada alrededor del tronco de un árbol y un ratón cerca es un símbolo de la imaginería fálica universal.
Panel central del Jardín de las Delicias .
Panel central
El panel central del tríptico comparte un horizonte y un posicionamiento consistentes con el ala izquierda, creando una conexión espacial entre las dos escenas. Representa un extenso paisaje de "jardín", que da nombre a la obra de arte. Dentro de este jardín, hay una bulliciosa mezcla de desnudos masculinos y femeninos, junto con varios animales, plantas y frutas. El escenario no es el paraíso que se muestra en el panel de la izquierda, sino que también trasciende el ámbito terrenal. Coexisten criaturas realistas y fantásticas, y las frutas ordinarias parecen desproporcionadamente grandes. Los personajes de la escena se involucran en una amplia gama de actividades amorosas, tanto individualmente como en grupo. Exhiben una alegría despreocupada y desinhibida, algunos se deleitan con los placeres sensoriales, otros juegan en el agua sin reservas y algunos retozan en los prados con animales, aparentemente en armonía con la naturaleza.
En el fondo, un gran globo azul que se parece a una vaina de fruta emerge de un lago. A través de una ventana circular en el globo, se representa a un hombre con la mano cerca de los genitales de su pareja, mientras que las nalgas desnudas de otra figura están cerca. El erotismo del panel central puede interpretarse como una alegoría de la transición espiritual o como un campo de juego de la corrupción. En el lado derecho del primer plano se encuentra un grupo de cuatro figuras, tres de piel blanca y una de piel negra. Se cree que las figuras blancas, cubiertas de vello corporal castaño claro de la cabeza a los pies, representan una humanidad salvaje o primitiva, aunque el simbolismo de su inclusión es objeto de debate entre los estudiosos. Algunos los ven como un símbolo de una alternativa a la vida civilizada, mientras que otros los asocian con la prostitución y la lujuria.
En una cueva en la parte inferior derecha, una figura masculina vestida apunta hacia una mujer reclinada que también está cubierta de cabello. Esta figura se destaca por su cabello oscuro y rasgos faciales distintivos. Su mirada transmite una fuerza irresistible y su rostro recuerda a personajes famosos como Maquiavelo. La apariencia general sugiere una influencia mediterránea y un aire de franqueza, inteligencia y superioridad.
La figura del hombre señalador en el cuadro ha sido objeto de diversas interpretaciones. Algunos sugieren que representa al patrón de la obra, mientras que otros proponen que podría ser Adán denunciando a Eva, San Juan Bautista o incluso un autorretrato de Hieronymus Bosch. Debajo de él yace una mujer encerrada dentro de un escudo semicilíndrico transparente, con la boca sellada, lo que implica que guarda un secreto. A su izquierda, un hombre coronado descansa sobre una fresa gigante, acompañado de una figura masculina y femenina contemplando otra fresa igualmente grande.
El primer plano carece de orden de perspectiva y, en cambio, consiste en una serie de pequeños motivos que desafían la proporción y los arreglos lógicos terrenales. Bosch presenta una yuxtaposición de patos de gran tamaño que juegan con humanos diminutos en medio de frutas agrandadas, peces que caminan sobre la tierra mientras que los pájaros residen en el agua, una pareja encerrada en una burbuja llena de líquido y un hombre dentro de una fruta roja que mira a un ratón en un espacio transparente. cilindro. Las piscinas en primer plano y al fondo contienen bañistas de ambos sexos, con la piscina circular central que muestra una segregación de géneros y varias hembras adornadas con pavos reales y frutas. Cuatro mujeres equilibran frutas parecidas a cerezas sobre sus cabezas, lo que podría simbolizar el orgullo.
Alrededor de las mujeres hay un desfile de hombres desnudos montados en varios animales, incluidos caballos, burros, unicornios y camellos. Los hombres realizan actos acrobáticos para llamar la atención de las mujeres, enfatizando la atracción entre los sexos. Los manantiales exteriores también cuentan con hombres y mujeres que participan en actividades desinhibidas. Los pájaros infestan el agua, mientras que los peces alados se arrastran por la tierra. Los humanos habitan en conchas gigantes, y todas las criaturas, tanto humanas como animales, disfrutan de fresas y cerezas. La ausencia de niños y ancianos contribuye a la impresión de una vida sin consecuencias, un estado de existencia intacta ante las limitaciones morales.
En el fondo distante, sobre formaciones de piedra híbridas, se ven cuatro grupos en vuelo. A la izquierda, una figura masculina monta un águila-león solar ctónico, sosteniendo un árbol de la vida con un pájaro posado en él, que simboliza la muerte. Esta figura representa la extinción de la dualidad de sexos, volviendo a un estado de unidad. A la derecha, un caballero con cola de delfín navega sobre un pez alado, formando su cola un lazo que se asemeja al símbolo de la eternidad. Inmediatamente a la derecha, un joven alado asciende con un pez en sus manos y un halcón en su espalda. Estas figuras aerotransportadas sirven como conexión entre los reinos celestial y terrestre, al igual que los paneles izquierdo y derecho representan el pasado y el futuro.
Las interpretaciones de estas escenas, su contenido enigmático y la sintaxis visual imaginativa de Bosch trascienden la comprensión convencional, ofreciendo una nueva dimensión de libertad artística. El fondo alto se conoce como "El ascenso al cielo", que simboliza un vínculo entre lo que está arriba y lo que está abajo, conectando el pasado y el futuro representados por los otros paneles.
Detalle del panel derecho del Jardín de las delicias .
Panel derecho
El panel derecho del tríptico representa el Infierno, un tema recurrente en las obras de Bosch. Retrata un mundo donde los humanos han sucumbido a las tentaciones, llevándolos al mal y a la condenación eterna. Este panel contrasta marcadamente con los anteriores. Ambientada en la noche, carece de la belleza natural vista anteriormente. El ambiente es escalofriante, transmitido a través de colores fríos y canales helados. La escena se transforma del paraíso del panel central en un espectáculo de duro castigo y retribución.
En esta escena densamente detallada, se desarrollan varios elementos. En el fondo, las ciudades arden, la guerra ruge, se representan cámaras de tortura y tabernas infernales, y abundan los demonios. El primer plano muestra animales mutados que se alimentan de carne humana. Las figuras humanas, antes representadas con erotismo, ahora intentan cubrir sus genitales y senos avergonzados, perdiendo todo atractivo.
Las explosiones iluminan el fondo, lanzando un resplandor ardiente a través de las puertas de la ciudad y reflejándose en el agua debajo, creando un efecto similar a la sangre. Un camino está lleno de figuras que huyen, mientras los torturadores se preparan para incendiar un pueblo vecino. Un conejo lleva un cadáver sangrante y empalado, y las víctimas son arrojadas a una lámpara encendida. El primer plano presenta figuras angustiadas y torturadas. A algunos se les muestra vomitando o excretando, mientras que otros están crucificados con arpas y laúdes, simbolizando el contraste entre el placer y el tormento. Un coro canta a partir de una partitura inscrita en un par de nalgas, formando el grupo "Infierno de los músicos".
En general, el panel derecho muestra una visión de pesadilla del Infierno, donde las consecuencias de los pecados humanos y las fallas morales se representan vívidamente a través de escenas de caos, sufrimiento y tormento.
En el centro del panel se encuentra la figura prominente conocida como el "Hombre-Árbol". Su torso cavernoso está sostenido por brazos retorcidos o troncos de árboles en descomposición, mientras que su cabeza lleva un disco poblado por demonios y víctimas que rodean una gran gaita, que tienen connotaciones sexuales simbólicas. El torso de Tree-Man está formado por una cáscara de huevo rota y ramas con forma de espina perforan su frágil cuerpo. Una figura encapuchada con una flecha encajada entre sus nalgas sube una escalera hacia la cavidad central del Tree-Man, donde hombres desnudos se sientan en un ambiente similar a una taberna. La mirada de Tree-Man se extiende más allá del espectador, transmitiendo una mezcla de melancolía y resignación. Algunos especulan que el rostro de Tree-Man puede ser un autorretrato de Bosch, que refleja la imaginación artística única y extraña del artista.
El panel incorpora iconografía tradicional asociada con representaciones del Infierno, pero Bosch lo presenta de una manera más realista, incorporando elementos de la vida humana cotidiana. Se muestra a los animales infligiendo tormentos de pesadilla a los humanos, simbolizando el castigo correspondiente a cada uno de los siete pecados capitales. La pieza central del panel es un gigantesco monstruo con cabeza de pájaro, a menudo conocido como el "Príncipe del Infierno", que se deleita con cadáveres humanos y los excreta en un orinal transparente en el que se sienta. El rostro de una mujer se refleja en las nalgas de un demonio cercano. Otras escenas representan una violencia brutal, incluido un grupo de personas desnudas que son masacradas alrededor de una mesa de juego y un caballero que es despedazado por lobos.
Durante la Edad Media, la sexualidad y la lujuria se consideraban evidencia de la caída en desgracia de la humanidad. Algunos interpretan que el panel de la izquierda representa la supuesta mirada lujuriosa de Adán hacia Eva, mientras que el panel central sirve como una advertencia contra una vida de placer pecaminoso. Se ve que el panel de la derecha representa las consecuencias y las penas de tales pecados. En la esquina inferior derecha, un hombre es tentado por un cerdo con velo de monja, que simboliza la seducción y la firma de documentos legales. La lujuria está además simbolizada por la presencia de gigantescos instrumentos musicales y cantantes corales en primer plano, ya que la música se asociaba con los placeres de la carne. Algunos sugieren que el uso de la música de Bosch en este contexto puede servir como una crítica de los juglares ambulantes, a menudo asociados con canciones y versos obscenos.
Detalle del panel derecho del Jardín de las delicias .
Estilo
La pintura presenta numerosos personajes con un claro énfasis en los atributos físicos. El diseño destaca rasgos faciales expresivos, posturas y movimientos exagerados, dando a las figuras un carácter expresionista. La representación de cuerpos desnudos se centra en la musculatura sintética, sin masas musculares destacadas. El uso del claroscuro es mínimo, destacando las figuras sobre fondos claros.
Las proporciones de los cuerpos se desvían de los estándares clásicos del Renacimiento y la búsqueda de la belleza ideal está ausente. La abundancia de figuras en la escena sirve no solo al tema, sino que también refleja la inclinación del artista hacia el horror vacui, el miedo a los espacios vacíos. Esta tendencia artística, que se encuentra comúnmente en la pintura del norte de Europa, consiste en llenar cada centímetro de la obra de arte con figuras o detalles intrincados. Las otras obras de Hieronymus Bosch, como The Ship of Fools y The Hay Wagon, también demuestran este estilo simbólico y densamente poblado.
Detalle del panel central del Jardín de las delicias .
Color e iluminación
Los paneles centrales y laterales presentan predominantemente prados de color verde claro, creando un fondo sereno. En contraste, el panel derecho exhibe un cambio de tonos, oscureciéndose gradualmente a medida que asciende. Comienza con un fondo ocre y amarillo anaranjado y progresa a una superficie de agua congelada de color gris oscuro. Finalmente, el paisaje oscuro se ilumina con vibrantes tonos naranjas y rojos en el horizonte.
Las figuras humanas en primer plano tienen una tez pálida, mientras que las figuras masculinas se oscurecen a medida que avanzan hacia el fondo, contrastando con las figuras femeninas de piel más clara. Este curioso detalle hace eco de las técnicas utilizadas en la pintura egipcia. Las aves y las criaturas híbridas representadas en la obra de arte están adornadas con colores vivos, en su mayoría derivados del reino de los peces. Las estructuras orgánicas y fantásticas cerca de la fuente de la eterna juventud están pintadas en vibrantes rosas y azules claros, creando un contraste sorprendente. El paisaje distante y las montañas se representan en un azul desvaído que se disuelve gradualmente en la niebla, lo que agrega una sensación de profundidad y atmósfera.
Detalle del panel central del Jardín de las delicias .
Interpretación
Interpretar el trabajo de Bosch puede ser un desafío para los académicos debido a la información limitada disponible sobre su vida, lo que lleva a confiar en la especulación. Si bien los símbolos y motivos individuales se pueden explicar, conectarlos entre sí y con el significado general de su trabajo ha resultado difícil de alcanzar. El tríptico interior de El jardín de las delicias, con sus enigmáticas escenas, ha sido objeto de interpretaciones contradictorias por parte de numerosos estudiosos. Se han utilizado varios sistemas simbólicos, incluidos los alquímicos, astrológicos, heréticos, folclóricos y subconscientes, para analizar los elementos e ideas complejos presentados en la pintura.
En el pasado, las pinturas de Bosch se asociaron a menudo con la literatura didáctica y los sermones de la época medieval. La opinión predominante fue que representó escenas fantásticas diabólicas e infernales, que representan una advertencia contra la lujuria y enfatizan la fugacidad del placer mundano. Se consideró que el panel central ilustraba las consecuencias del placer sensual y su naturaleza fugaz. Esta interpretación narrativa sugiere una secuencia de inocencia en el Edén, seguida de su corrupción y finalmente el castigo en el Infierno. El tríptico ha sido conocido por varios títulos a lo largo de su historia, reflejando sus temas de lujuria, pecado y sus consecuencias.
Los partidarios de esta interpretación señalan que durante la época del Bosco, los moralistas creían que las mujeres, en particular Eva, eran responsables de llevar a los hombres a una vida de pecado y lujuria. Esta perspectiva explica el papel activo de las mujeres en el panel central, ya que contribuyen a la Caída de la humanidad. Representar mujeres rodeadas de hombres era una representación visual común del poder de la feminidad durante esa época. Esta interpretación se alinea con los temas presentes en otras obras moralizantes de Bosch, como Death and the Miser and the Haywain, que critican la locura humana.
Sin embargo, algunos argumentan que la intención de Bosch no era únicamente condenar el pecado, ya que sus formas y colores visualmente encantadores parecen contradecir tal propósito. En cambio, se propone que pudo haber tenido como objetivo transmitir un falso paraíso, destacando la naturaleza transitoria de la belleza. Wilhelm Fränger presentó una interpretación diferente en 1947, sugiriendo que el panel central del tríptico representa un mundo alegre donde la humanidad experimenta un renacimiento de la inocencia que disfrutaban Adán y Eva antes de su caída. Fränger asoció a Bosch con los herejes adamitas, que buscaban un estado espiritual libre de pecado incluso en el ámbito físico y veían la lujuria con una inocencia paradisíaca.
En resumen, las diversas interpretaciones de la obra de Bosch reflejan la complejidad y ambigüedad de su visión artística y, a pesar de los esfuerzos por desentrañar sus significados, sigue siendo difícil lograr una comprensión definitiva.
Fränger propuso que El Jardín de las Delicias fuera encargado por el Gran Maestro del culto Homines intelectuales. Según él, las figuras representadas en la obra de El Bosco se involucraron en expresiones inocentes y alegres de sexualidad, que recuerdan a Adán y Eva antes de su caída. Fränger no estuvo de acuerdo con la interpretación de que el infierno en la pintura representaba la retribución por los pecados cometidos en el panel central. En cambio, vio a las figuras en el jardín como pacíficas, ingenuas y en armonía con la naturaleza, mientras que los castigados en el infierno fueron vistos como músicos, jugadores y transgresores del juicio.
El análisis de Fränger se centró en tres de los retablos del Bosco: El jardín de las delicias, La tentación de San Antonio y el Tríptico del carro de heno. Argumentó que, a pesar de sus elementos anticlericales, estas obras seguían siendo retablos encargados con fines devocionales dentro de un culto mistérico. Si bien la interpretación de Fränger se ha considerado perspicaz y de amplio alcance, algunos académicos cuestionan la validez de sus conclusiones finales. Argumentan que los artistas de la época pintaron principalmente por encargo, y proyectar una mentalidad secularizada posterior al Renacimiento en Bosch, un pintor de finales de la Edad Media, puede no ser apropiado.
La tesis de Fränger provocó un examen más profundo de El jardín de las delicias. Carl Linfert reconoció la alegría representada en el panel central, pero no estuvo de acuerdo con la afirmación de Fränger de que la pintura defendía la sexualidad sin culpa de la secta Adamita. Linfert señaló que si bien las figuras realizan actos amorosos sin culpa, hay elementos que sugieren muerte y fugacidad dentro del panel. Algunas figuras se alejan de las actividades, lo que indica una pérdida de la esperanza de encontrar placer en los juegos apasionados de los demás. En 1969, EH Gombrich sugirió que el panel central refleja el estado de la humanidad antes del Diluvio, cuando la gente buscaba el placer sin considerar las consecuencias, sin darse cuenta de sus pecados.
En resumen, las interpretaciones de Fränger provocaron más análisis y discusiones sobre El jardín de las delicias, pero sus conclusiones siguen siendo conjeturas. Los académicos han ofrecido perspectivas alternativas sobre la pintura, enfatizando temas de placer, fugacidad y la condición humana, mientras cuestionan la aplicabilidad de una mentalidad posrenacentista al arte medieval de Bosch.
Selena Mattei
