Leonardo da Vinci era um polimata que era pintor, desenhador, engenheiro, cientista, teórico, escultor e arquitecto
Embora a sua fama tenha sido inicialmente baseada nos seus feitos como pintor, tornou-se também conhecido pelos seus cadernos de notas, nos quais fez desenhos e notas sobre uma variedade de assuntos, incluindo anatomia, astronomia, botânica, cartografia, pintura e paleontologia.
A genialidade de Leonardo resumiu o ideal humanista da Renascença, e a sua obra colectiva constitui uma contribuição para as gerações posteriores de artistas que só se igualam à do seu contemporâneo mais jovem, Michelangelo. Leonardo está entre os maiores pintores da história da arte e é frequentemente creditado por ser o fundador do Alto Renascimento
Apesar de ter perdido muitas obras e menos de 25 obras principais que lhe foram atribuídas – incluindo numerosas obras inacabadas – criou algumas das pinturas mais influentes da arte ocidental, tais como a mundialmente famosa “Mona Lisa” ou “ Última Ceia“.
Neste artigo seleccionámos 10 das suas obras de arte mais emblemáticas
1- Mona Lisa
A Mona Lisa (Gioconda) é um retrato de meio comprimento do artista italiano Leonardo da Vinci. É considerada uma obra-prima arquetípica da Renascença italiana.
Tem sido descrito como “o mais conhecido, o mais visitado, o mais escrito sobre, o mais cantado sobre, a obra de arte mais parodiada do mundo” As qualidades inovadoras da pintura incluem a expressão enigmática do tema, a monumentalidade da composição, a modelação subtil das formas, e o ilusionismo atmosférico.
A pintura foi definitivamente identificada como representando a nobre italiana Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo
É pintado em óleo sobre um painel de choupo branco da Lombardia. Leonardo nunca deu o quadro à família Giocondo, e acredita-se mais tarde que o deixou no seu testamento ao seu aprendiz favorito Salaì
Pensava-se que tinha sido pintado entre 1503 e 1506; contudo, Leonardo pode ter continuado a trabalhar nele até 1517. Foi adquirido pelo Rei Francisco I de França e é agora propriedade da República Francesa. Tem estado em exposição permanente no Louvre de Paris desde 1797.
A Mona Lisa é uma das pinturas mais valiosas do mundo. Possui o Recorde Mundial do Guinness para a maior avaliação de seguros de um quadro da história, com 100 milhões de dólares em 1962 (equivalente a 870 milhões de dólares em 2021).
Após a Revolução Francesa, a pintura foi transferida para o Louvre, mas passou um breve período no quarto de Napoleão, no Palácio Tuileries. A Mona Lisa não era bem conhecida fora do mundo da arte, mas na década de 1860, uma parte da inteligência francesa começou a aclamá-la como uma obra-prima da pintura renascentista. Durante a Guerra Franco-Prussiana (1870-1871), a pintura foi transferida do Louvre para o Arsenal de Brest.
Em 1911, a pintura permaneceu impopular junto do público leigo. A 21 de Agosto de 1911, o quadro foi roubado do Louvre. O quadro foi primeiro perdido no dia seguinte pelo pintor Louis Béroud. Após confusão sobre se o quadro estava a ser fotografado em qualquer lugar, o Louvre foi fechado durante uma semana para investigar. O poeta francês Guillaume Apollinaire caiu sob suspeita e foi detido e encarcerado. Apollinaire implicou o seu amigo Pablo Picasso, que foi trazido para ser interrogado. Ambos foram exonerados mais tarde
Overdadeiro culpado foi o empregado do Louvre Vincenzo Peruggia, que tinha ajudado a construir a caixa de vidro para a pintura. Ele levou a cabo o roubo entrando no edifício durante o horário normal de expediente, escondendo-se num armário de vassouras e saindo com o quadro escondido debaixo do seu casaco após o encerramento do museu.
Peruggia era um patriota italiano que acreditava que a pintura de Leonardo deveria ter sido devolvida a um museu italiano. É possível que Peruggia tenha sido motivado por um parceiro cujas cópias do original aumentariam significativamente de valor após o roubo da pintura.
Depois de manter a Mona Lisa no seu apartamento durante dois anos, Peruggia ficou impaciente e foi apanhado quando tentou vendê-la a Giovanni Poggi, director da Galeria Uffizi em Florença. Foi exposta na Galeria Uffizi durante mais de duas semanas e regressou ao Louvre a 4 de Janeiro de 1914
A ladra da Mona Lisa cumpriu seis meses de prisão pelo crime e foi aclamada pelo seu patriotismo em Itália. Um ano após o roubo, o jornalista do Saturday Evening Post Karl Decker escreveu que conheceu um alegado cúmplice chamado Edward de Valfierno, que afirmou ter sido o mentor do roubo. O falsificador Yves Chaudron alegadamente criou seis cópias do quadro para vender nos Estados Unidos, escondendo a localização do original[101]. Decker publicou este relato sobre o roubo em 1932.
2- Última Ceia
A Última Ceia (Cenacolo ou L’Ultima Cena) é uma pintura mural da Alta Renascença, datada de ca. 1495-1498
O quadro descreve a cena da Última Ceia de Jesus com os Doze Apóstolos, tal como é contada no Evangelho de João, especificamente o momento em que Jesus anuncia que um dos seus apóstolos o irá trair
A sua manipulação do espaço, o domínio da perspectiva, o tratamento do movimento e a exibição complexa das emoções humanas fizeram dela uma das pinturas mais reconhecidas do mundo ocidental e uma das obras mais célebres de Leonardo Alguns comentadores consideram-na fundamental para inaugurar a transição para o que é agora chamado o Alto Renascimento.
A obra foi encomendada como parte de um plano de renovação da igreja e dos seus edifícios conventuais pelo patrono de Leonardo, Ludovico Sforza, Duque de Milão. Para permitir o seu calendário de pintura inconsistente e revisões frequentes, é pintada com materiais que permitiram alterações regulares: tempera em gesso, breu e massa de vidraceiro
Devido aos métodos utilizados, aos vários factores ambientais e aos danos intencionais, pouco da pintura original permanece hoje, apesar das numerosas tentativas de restauração, a última das quais foi concluída em 1999. Localizada no refeitório do convento de Santa Maria delle Grazie em Milão, Itália, A Última Ceia é a sua maior obra, para além da Sala delle Asse.
3- Homem Vitruviano
O Homem Vitruviano ( L ‘uomo vitruviano) é um desenho datado de cerca de 1490. Inspirado nos escritos do antigo arquitecto romano Vitruviano, o desenho retrata um homem nu em duas posições sobrepostas, com braços e pernas afastados e inscritos num círculo e num quadrado.
Descrita pela historiadora de arte Carmen C. Bambach como “justamente classificada entre as imagens icónicas de todos os tempos da civilização ocidental”, a obra é uma síntese única de ideais artísticos e científicos e é frequentemente considerada uma representação arquetípica do Alto Renascimento.
O desenho representa a concepção de Leonardo de proporções corporais ideais, originalmente derivada de Vitruvius mas influenciada pelas suas próprias medidas, pelos desenhos dos seus contemporâneos, e pelo tratado De pictura de Leon Battista Alberti.
Leonardo fez o Homem Vitruviano em Milão e a obra provavelmente passou para o seu aluno Francesco Melzi. Mais tarde chegou às mãos de Venanzio de Pagave , que convenceu o gravador Carlo Giuseppe Gerli a incluí-lo num livro de desenhos de Leonardo, o que deu ampla circulação à imagem até então pouco conhecida. Mais tarde foi propriedade de Giuseppe Bossi, que escreveu sobre ele, e foi finalmente vendido à Gallerie dell’Accademia em 1822, onde permaneceu desde então
Devido à sua sensibilidade à luz, o desenho raramente é exibido ao público, mas foi emprestado pelo Louvre em 2019 para a sua exposição comemorativa do 500º aniversário da morte de Leonardo.
4- Salvator Mundi
Salvator Mundi (Latim, ”Salvador do Mundo”) é uma pintura atribuída no todo ou em parte a Leonardo da Vinci, datada entre 1499 e 1510
Há muito pensado para ser uma cópia de um original perdido velado com uma sobrepintura, foi redescoberto, restaurado e incluído numa grande exposição do trabalho de Leonardo na National Gallery em Londres em 2011-2012.
Christie’s declarou logo após a venda da obra que a maioria dos principais especialistas a consideram uma obra original de Leonardo, mas esta atribuição tem sido contestada por outros especialistas, alguns dos quais afirmam que ele apenas contribuiu com alguns elementos.
A pintura retrata Cristo num vestido anacrónico azul renascentista, fazendo o sinal da cruz com a sua mão direita, enquanto segura uma esfera de vidro transparente e não refractária na sua esquerda, sinalizando o seu papel como Salvator Mundi e representando a“esfera celestial” dos céus. Foram identificadas cerca de trinta cópias e variações do trabalho dos estudantes e seguidores de Leonardo. Dois desenhos preparatórios a giz e tinta do tecido de Leonardo são preservados na Colecção Real Britânica.
O quadro foi vendido em leilão por $450,3 milhões em 15 de Novembro de 2017 pela Christie’s em Nova Iorque ao Príncipe Badr bin Abdullah, estabelecendo um novo recorde para a pintura mais cara alguma vez vendida em leilão público
O Príncipe Badr terá feito a compra em nome do Departamento de Cultura e Turismo de Abu Dhabi , mas desde então foi sugerido que ele poderia ter sido um proponente proxy para o seu aliado próximo, o Príncipe Herdeiro Saudita Mohammed bin Salman. Isto vem na sequência de relatos no final de 2017 de que o quadro seria exibido no Louvre Abu Dhabi e do inexplicável cancelamento da sua abertura prevista para Setembro de 2018
A localização actual do quadro é alegadamente desconhecida, mas um relatório de Junho de 2019 indicava que estava a ser armazenado no iate de Bin Salman, enquanto se aguardava a conclusão de um centro cultural em Al-‘Ula, e um relatório de Outubro de 2019 indicava que poderia ser armazenado na Suíça.
5- Auto-retrato
O retrato a giz vermelho de um homem na Biblioteca Real de Turim é amplamente aceite, embora não universalmente, como um auto-retrato por Leonardo da Vinci. Acredita-se que Leonardo da Vinci tenha feito este auto-retrato por volta dos 60 anos de idade
O retrato foi amplamente reproduzido e tornou-se uma representação icónica de Leonardo como um polimata ou “homem renascentista“. Apesar disso, alguns historiadores e estudiosos discordam sobre a verdadeira identidade da pessoa.
O retrato é desenhado com giz vermelho sobre papel. Representa a cabeça de um homem velho em três quartos de vista, com o rosto voltado para o espectador. O sujeito distingue-se pelo seu cabelo comprido e barba comprida ondulada que corre sobre os seus ombros e peito. O comprimento do cabelo e da barba é invulgar nos retratos renascentistas e sugere, como agora, uma pessoa astuta
O rosto tem um nariz um pouco aquilino e é marcado por linhas profundas na testa e bolsas debaixo dos olhos. O homem parece ter perdido os dentes anteriores superiores, resultando no aprofundamento dos sulcos nas narinas. Os olhos da figura não se dirigem ao observador, mas olham em frente, velados pelas longas sobrancelhas
O desenho foi traçado com linhas finas e simples, sombreado por sombreado e executado com a mão esquerda, como era costume de Leonardo. O papel tem “marcas de raposa” castanhas, causadas pela acumulação de sais de ferro devido à humidade.
Em 1839, Giovanni Volpato, um antiquário que pode ter adquirido o desenho em Inglaterra ou França, vendeu-o ao príncipe Charles Albert da Sardenha, juntamente com outros desenhos de grandes artistas como Rafael e Michelangelo. Está em Turim, na Biblioteca Real, e não é normalmente visível ao público devido à sua fragilidade e mau estado.
6- A Virgem dos Rochedos
A Virgem das Rochedos (italiano: Vergine delle rocce), por vezes Madonna of the Rocks, é o nome de duas pinturas de Da Vinci, do mesmo tema, com uma composição idêntica excepto por vários detalhes significativos
A versão geralmente considerada como a primeira, a mais antiga das duas, não foi restaurada e encontra-se no Louvre em Paris. A outra, restaurada entre 2008 e 2010, está na National Gallery em Londres
As obras são frequentemente referidas como a Virgem do Louvre das Rochas e a Virgem das Rochas de Londres, respectivamente. Ambas as pinturas têm quase 2 metros de altura e são pintadas em óleo. Ambas foram originalmente pintadas em painéis de madeira, mas a versão do Louvre foi transferida para tela.
Ambos os quadros mostram Maria e a criança Cristo com o menino João Baptista e um anjo Uriel, num cenário rochoso que dá às pinturas o seu nome habitual. As diferenças de composição significativas estão no olhar e na mão direita do anjo
As duas obras diferem em muitos aspectos menores, tais como cores, iluminação, flora, e a forma como o sfumato tem sido utilizado. Embora a data de uma comissão associada seja documentada, as histórias completas das duas pinturas são desconhecidas, levando à especulação sobre qual das duas é anterior.
Duas outras pinturas estão associadas à comissão: painéis laterais com um anjo tocando um instrumento musical, cada um pelos colaboradores de Leonardo. Ambos se encontram na National Gallery, Londres.
7- Dama com Arminho
Dama com Arminho é um retrato atribuído a Leonardo da Vinci. A obra, datada entre 1489 e 1491, é pintada em óleo sobre um painel de madeira de nogueira. O seu tema é Cecilia Gallerani, senhora de Ludovico Sforza (“Il Moro”), Duque de Milão; Leonardo era pintora da corte da família Sforza em Milão no momento da sua execução. É o segundo de apenas quatro retratos sobreviventes de mulheres pintadas por Leonardo, sendo os outros Ginevra de’ Benci, La Belle Ferronnière e a Mona Lisa.
A Senhora no Ermine está actualmente alojada no Museu Czartoryski em Cracóvia e é um dos tesouros nacionais da Polónia. Faz parte da colecção dos príncipes Czartoryski, que foi vendida por 100 milhões de euros a 29 de Dezembro de 2016 ao governo polaco pela Fundação dos Príncipes Czartoryski, representada por Adam Karol Czartoryski, o último descendente directo de Izabela Czartoryska Flemming e Adam George Czartoryski, que trouxe o quadro de Itália para a Polónia em 1798.
8- A Virgem e o Menino com Santa Ana
A Virgem e o Menino com Santa Ana é uma pintura a óleo inacabada datada entre 1501 e 1519. Representa Santa Ana, a sua filha, a Virgem Maria e o Menino Jesus
A pintura foi encomendada como retábulo principal para a igreja da Santissima Annunziata em Florença e o seu tema há muito que preocupava Leonardo.
A pintura de Leonardo é ao mesmo tempo agradável, calma e ao mesmo tempo confusa numa inspecção mais atenta. A composição das três figuras é bastante apertada, com a Virgem Maria a interagir claramente com o Menino Jesus
Após um exame mais atento da sua posição, é evidente que Maria está sentada no colo de Sant’Ana. Não é claro o significado que isto poderia ter e o significado que Leonardo pretendia projectar com essa pose. Não existe um paralelo claro noutras obras de arte e as mulheres sentadas no colo uma da outra não são uma referência cultural ou tradicional clara a que o espectador se possa relacionar
Além disso, embora as dimensões exactas da Virgem Mãe e de Santa Ana não sejam conhecidas, pode extrapolar-se do quadro que Santa Ana é uma pessoa significativamente maior do que Maria. Esta subtil mas perceptível distorção de tamanho foi utilizada por Leonardo para enfatizar a relação mãe-filha entre as duas mulheres, apesar da aparente falta de pistas visuais para a idade mais avançada de Sant’Ana, que de outra forma a identificariam como a mãe. A menina segura um cordeiro
Vemos também que Maria olha nos olhos do seu filho, enquanto Santa Ana olha para Maria. Como Maria está sentada no seu colo e Santa Ana está a olhar para ela, é possível que Leonardo estivesse a tentar marcar uma posição sobre a sua relação e personalidades.
9- Ginevra d’Benci
Ginevra de’ Benci é um retrato do aristocrata florentino do século XV Ginevra de’ Benci (nascido ca. 1458). Em exposição na National Gallery of Art em Washington, D.C., é a única pintura de Leonardo em vista pública na América.
Ginevra de’ Benci, uma conhecida jovem florentina, é universalmente considerada como o modelo para o retrato. Leonardo pintou o retrato em Florença entre 1474 e 1478, possivelmente para comemorar o casamento de Ginevra com Luigi di Bernardo Niccolini aos 16 anos de idade
Comemora muito provavelmente o noivado. Os retratos femininos contemporâneos foram geralmente encomendados para uma de duas ocasiões: noivado ou casamento. Tradicionalmente, os retratos de casamento eram feitos em pares, com a mulher à direita, virada para a esquerda; como este retrato está virado para a direita, é mais provável que represente o noivado.
O zimbro que rodeia a cabeça de Ginevra, que ocupa grande parte do fundo, serve para mais do que uma decoração. Na Itália renascentista, o zimbro era considerado um símbolo da virtude feminina, enquanto a palavra italiana para zimbro, ginepro, também toca no nome de Ginevra.
As imagens e o texto no verso do painel – um ramo de zimbro rodeado por uma coroa de louros e palmeira, comemorado pelo lema latino Virtvtem Forma Decorat ( “A beleza adorna a virtude“) – reforçam a identificação do retrato. A frase é entendida como um símbolo da relação intrincada entre a virtude intelectual e moral de Ginevra, por um lado, e a sua beleza física, por outro. O ramo do zimbro, rodeado de loureiro e palma, sugere o seu nome. O loureiro e a palmeira são o emblema pessoal de Bernardo Bembo, embaixador veneziano em Florença, cuja relação platónica com Ginevra é revelada nos poemas que trocaram
O exame por infravermelhos revelou o lema de Bembo “Virtude e Honra” sob o lema de Ginevra, tornando provável que Bembo estivesse de alguma forma envolvido na encomenda do retrato.
O retrato é um dos mais proeminentes da Galeria Nacional de Arte, e é admirado por muitos pelo seu retrato do temperamento de Ginevra. Ginevra é bela, mas austera; não tem qualquer sinal de sorriso e o seu olhar, embora dirigido, parece indiferente ao espectador.
A certa altura a parte inferior do quadro foi removida, presumivelmente devido a danos, e acredita-se que os braços e as mãos de Ginevra foram perdidos.
10- Os Scapigliata
La Scapigliata (italiano para “A Senhora de cabelo desgrenhado”) é uma pintura inacabada geralmente atribuída a Leonardo da Vinci e datada entre 1506 e 1508
Pintado a óleo, âmbar e pigmentos brancos de chumbo sobre um pequeno painel de madeira de choupo, a sua atribuição continua controversa, com vários peritos a atribuírem o trabalho a um aluno de Leonardo. A pintura tem sido admirada pela sua beleza cativante, comportamento misterioso e mestria do sfumato.
Não existe um verdadeiro consenso sobre o tema, data, história ou finalidade da pintura. Mostra uma mulher não identificada a olhar para baixo enquanto o seu cabelo preenche a moldura atrás dela. Muitas teorias foram propostas sobre o assunto: que é um esboço para uma pintura inacabada de Santa Ana; um estudo para a versão londrina da Virgem dos Rochedos ou a pintura perdida de Leonardo de Leda e do Cisne; ou uma pintura deixada deliberadamente inacabada pelo seu valor estético.
O quadro foi registado na venda da colecção de Gaetano Callani, em 1826, à Galleria Nazionale di Parma, o museu onde agora se encontra instalado, mas as provas da sua existência podem ser rastreadas até 1531, quando pode ter sido propriedade de Isabella d’Este
Embora muitos estudos da obra de Leonardo sejam silenciosos sobre o assunto, a maioria dos estudiosos que analisam a pintura consideram-na uma obra de autógrafos de Leonardo da Vinci, e foi catalogada como tal em várias grandes exposições de Leonardo.
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