Las 10 obras más famosas de Joan Miró

Joan Miró i Ferrà fue un pintor, escultor y ceramista español nacido en Barcelona.

Ganando reconocimiento internacional, su trabajo ha sido interpretado como surrealismo pero con un estilo personal, a veces también virando hacia el fauvismo y el expresionismo. Se destacó por su interés en el inconsciente o la mente subconsciente reflejado en su recreación de lo infantil. Sus obras difíciles de clasificar también tuvieron una manifestación de orgullo catalán. En numerosas entrevistas que datan de la década de 1930 en adelante, Miró expresó su desprecio por los métodos de pintura convencionales como una forma de apoyar a la sociedad burguesa y declaró un “asesinato de la pintura” a favor de alterar los elementos visuales de la pintura establecida.

niood enumera las 10 obras de arte más famosas de Joan Miro:

1. The Farm, 1922

Título catalán: La Granja

Una de las obras que más desconcertó a la gente fue & nbsp; La Granja , que Miró realizó durante 1920-1 y que siempre consideraría su primera obra maestra. Ahora se encuentra en la Galería Nacional de Arte de Washington (que también es la sede final de esta exposición) como regalo de la viuda del escritor estadounidense Ernest & nbsp; Hemingway.

Si bien las amistades de Miró entre los surrealistas en París son bien conocidas, quizás sea un poco más inesperado que estuviera cerca de Hemingway y conociera a una muestra representativa de los famosos expatriados británicos y estadounidenses. Boxeó con Hemingway y le hizo quedarse en Mont-roig, el lugar en las afueras de Tarragona que se describe con asombroso detalle en & nbsp; La Granja . Miró le dijo a un periodista en 1928, “ La Granja & nbsp; fue un resumen de toda mi vida en el campo”. Muestra las dependencias de Mont-roig, con animales domésticos, cultivos y equipos. El perro ladra a la luna como se ve en un cuadro posterior. El gran logro de Miró es dejar este detalle conciso y absolutamente claro. No es una impresión de este lugar tan querido, sino algo más como una versión & nbsp; condensada.

2. The Harlequin’s Carnival, 1925

Título en español: El Carnaval de Arlequín

Cuando Miro se trasladó al estudio de Pau Gargallo en la rue Blomet de París, entró en contacto con los poetas y artistas pertenecientes a un grupo surgido del dadaísmo. En 1924, se convirtió en el grupo surrealista centrado en el poeta André Breton. Miro nunca fue un surrealista ortodoxo. Sin embargo, el movimiento legitimó el uso de los sueños y el subconsciente como materia prima artística. Le ofreció así la posibilidad de liberar su propio estilo pictórico permitiéndole combinar libremente los elementos terrenales y mágicos vistos en su período “detallista”. El Carnaval de Arlequín es un buen ejemplo de este cambio. El mundo de la imaginación y el subconsciente, más que un fin en sí mismo, fue para Miro una forma de dar forma en sus pinturas a sus experiencias vividas y sus recuerdos. El Carnaval de Arlequín es visto por los críticos de arte como un relato de la mente subconsciente humana. Se considera el punto más alto del estilo surrealista personal de Miro. Junto con Persistence of Memory de Salvador Dali, el Carnaval de Arlequín se ha convertido en la imagen más emblemática del Movimiento Surrealista.

3. The Hunter (Catalan Landscape), 1924

Título catalán: Paisatge català (El caçador)

El cazador (Paisaje catalán) de Joan Miró puede parecer abstracto, pero una mirada más cercana revela un paisaje poblado por una rica variedad de figuras humanas y animales y formas naturales que, juntas, componen una iconografía de la vida del artista. El cazador, de pie en el lado izquierdo de la composición, tiene un cuerpo de figura de palo y una cabeza triangular. Una pipa sobresale justo a la derecha de su tupido bigote, y su corazón flota cerca de su pecho. En una mano sostiene un conejo recién matado, en la otra, una pistola todavía humeando por la matanza. Esta figura de cazador es un sustituto de Miró y aparece en muchas de sus otras obras.

4. Painting (Blue Star), 1927

Delicadas formas lineales flotan en el azul abierto que Miro asocia con los sueños. Con Andre Masson, Miro fue el primero en crear imágenes utilizando técnicas automáticas en las que las formas parecían emerger directamente del inconsciente. A partir de esto, desarrolló su propio lenguaje de señas personal, que simplificó cosas familiares como estrellas, pájaros y partes del cuerpo.

5. Bleu II, 1961

Título francés: Bleu II

Los tres cuadros de gran formato de Miró Azul I – III forman parte de una serie de trípticos que pintó a principios de la década de 1960 en su nuevo estudio en Mallorca.

En 1961, después de tres viajes a los Estados Unidos y exposiciones en la Galerie Maeght en París y la Galería Pierre Matisse en Nueva York, Miro comenzó a purificar aún más la profundización de sus descubrimientos anteriores. Este desarrollo había sido anunciado por Blue I, II, III . Refleja, sobre todo, la suprema confianza que el artista había adquirido al componer y colorear sus cuadros. El estilo es inconfundible. Miro estaba jugando con códigos que describen el movimiento de los objetos de una manera única y sencilla. Por ejemplo, una determinada trayectoria puede estar representada por una línea, generalmente delgada, que termina en un punto o en un par de paréntesis. Este último símbolo fue utilizado a menudo por Miro como una especie de contenedor, para evitar que la energía se escape. Es más, miran en dos direcciones diferentes, haciendo referencia a las últimas imágenes de Miro de la década de 1950, llenas de movimientos repentinos y símbolos primitivos, mientras que al mismo tiempo esperan una libertad artística completamente nueva, una actitud espontánea hacia lo material y colores, de una manera sin precedentes hasta ahora.

6. The Escape Ladder, 1939

Título en español: Escalera de escape

Mientras las fuerzas de ocupación alemanas amenazaban a Francia, Miró llevó a su familia a vivir al relativo refugio de Palma en la isla de Mallorca. Fue aquí donde realizó su serie Constelaciones en 1940-1941. Miró había hablado de la “profunda necesidad que le hace participar en las convulsiones sociales, que le une a él ya su obra en el corazón y en la carne del prójimo y hace suya la necesidad de liberación de todos nosotros”.

Estas pinturas musicales all-over tienen fondos texturizados ahumados en los que las formas se extraen del repertorio de formas simbólicas de Miró que bailan y se mueven. El historiador del arte rastrea la complejidad de su génesis y cómo se relacionan con las experiencias de guerra de Miró: en The Escape Ladder, 1940, los pájaros en picada simbólicos de los bombarderos sobre España y el deseo de escapar.

7. Still Life with Old Shoe, 1937

Título en español: Bodegón del zapato viejo

Miró creó Naturaleza muerta con zapato viejo en París durante un período de cuatro meses de intensa concentración, trabajando desde la vida por primera vez en muchos años. La pintura evita la categorización simple. Es tanto una naturaleza muerta como un paisaje: el borde trasero irregular del tablero de la mesa se puede leer como una línea del horizonte. Los objetos no están a escala, y están aislados en celdas discretas, creando una ruptura formal que recuerda el trabajo de Miró en collage. El color es ácido, muy saturado y disonante. Para Miró, este cuadro capturaba una “realidad profunda y fascinante”.

8. May 68, 1973

Título francés: Mai 1968

En la primavera de 1968, los estudiantes de las universidades de la Sorbona y Nanterre se rebelaron en continuas manifestaciones que duraron casi un mes y medio. Esta revuelta inspiró a los trabajadores a la huelga. Se conoció como el Mayo Francés y Mayo del 68. Joan Miró simpatizó con el movimiento e hizo de esta obra, un muro donde la vitalidad y los estampados son ideales para esos eventos.

9. The Tilled Field, 1924

Título catalán: Terra llaurada

Durante el verano de 1923 Joan Miró comenzó a pintar El campo labrado, una vista de la finca de su familia en Montroig, Cataluña. Aunque relacionado temáticamente con sus anteriores puntos de vista rurales cuasi-realistas y de color fauvista, como Prades, The Village, esta pintura es el primer ejemplo de la visión surrealista de Miró. Su fantástica yuxtaposición de formas humanas, animales y vegetales y su variedad de criaturas esquematizadas constituyen un reino visible solo para el ojo de la mente y revelan la gran variedad de la imaginación de Miró. Mientras trabajaba en la pintura, escribió: “He logrado escapar al absoluto de la naturaleza”. El campo labrado es así una metáfora poética que expresa la idílica concepción de Miró de su tierra natal, donde, dijo, no podía “concebir las malas acciones de la humanidad”.

10. Portrait of Vincent Nubiola, 1917

Título en español: Retrato de Vicenç Nubiola

Esta es una de las obras más conocidas de la primera etapa de Miró, cuando experimentó con una mezcla de cubismo y fauvismo. En esta época realizó varios paisajes y retratos, como el Retrato de Enric Cristòfol Ricart también de 1917 y ahora en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Varios autores comentan que esta obra podría estar influenciada por el estilo de Van Gogh por quien Miró siempre sintió admiración. El retrato de Nubiola está firmado Miró en el margen inferior izquierdo.

El cuadro muestra a Nubiola sentada en una silla junto a una mesa en la que hay frutas, un porró (recipiente típico de vino catalán para beber directamente sin vaso) y una planta en maceta. El fondo plano detrás de la figura está decorado con triángulos y arcos. El rojo de la camisa de cuello abierto de Nubiola indica su radicalismo político; Miró se pintó a sí mismo con una camiseta idéntica en un autorretrato posterior. Esta obra fue posteriormente adquirida por Picasso.