Frick Collection de Nueva York
La Colección Frick en su ubicación original está actualmente cerrada por renovación y está programada para reabrir a fines de 2024. Una ubicación temporal llamada Frick Madison está abierta.
The Frick Collection es una prestigiosa institución museística ubicada en Nueva York. Fundada por Henry Clay Frick, un destacado coleccionista de arte de la época, la colección se encuentra dentro de la elegante antigua residencia de Frick en la Quinta Avenida.
La Colección Frick alberga una amplia gama de obras de arte, que incluyen pinturas, esculturas, muebles y objetos de arte decorativo. La colección se centra principalmente en la pintura europea, con obras maestras de artistas de renombre como Rembrandt, Vermeer, Goya y Turner.
Además de las obras de arte, la Colección Frick también ofrece una biblioteca de investigación y un programa de exposiciones especiales.
Información práctica para visitar la Colección Frick
Precio de los boletos
- Adultos: $22
- Mayores (65+): $17
- Visitantes con discapacidades: $17
- Estudiantes (18+ con identificación): $12
- Jóvenes (10-17 años): gratis
- ¡No se permiten niños menores de 10 años!
- Los jueves de 16 a 18 puedes entrar con la fórmula «paga lo que quieras», es decir, con oferta gratis.
- Descubre todos los museos de Nueva York donde puedes entrar gratis o en oferta.
- Puedes comprar las entradas desde la web oficial.
Horarios
- Jueves-Domingo: 10am-6pm
- Cerrado de lunes a miércoles
¿Dónde está el Frick Madison y cómo llegar?
La sede temporal de Frick Collection está ubicada en 945 Madison Avenue en el Upper East Side, cerca de Central Park.
La parada de metro más cercana es la de 77th Street por donde pasa la línea . Para llegar desde Times Square hay que caminar hasta Grand Central Terminal y desde allí tomar la línea . Desde la estación de 77th Street hasta el museo son 5 minutos caminar pies
La ubicación original, actualmente en renovación, también se encuentra en el Upper East Side en 1 E de 70th St.
Para llegar allí, puedes tomar el metro y desde Grand Central Terminal hasta la estación 68 St – Hunter College. Desde aquí son 7 minutos a pie.
Breve historia de la Frick Collection en Nueva York
La Colección Frick en Nueva York tiene una historia fascinante que comienza con la visión y la pasión de un exitoso hombre de negocios, Henry Clay Frick. Nacido en 1849, Frick se convirtió en uno de los capitanes de la industria siderúrgica estadounidense a fines del siglo XIX.
Henry Clay Frick también fue un ávido coleccionista de arte, y durante su vida acumuló una destacada colección de obras de arte, incluidas pinturas, esculturas, muebles y objetos de arte decorativo. Su pasión por el arte lo llevó a colaborar con algunos de los artistas y galeristas más importantes de la época.
En 1913, Frick decidió compartir su colección con el público y encargó la construcción de una residencia-museo en la Quinta Avenida de Nueva York. El edificio fue diseñado por el arquitecto Thomas Hastings, quien creó un espacio magnífico e íntimo para albergar las obras de arte de Frick.
La Colección Frick se abrió al público en diciembre de 1935, pocos años después de la muerte de Adelaide, la ex esposa de Frick, fallecida en 1919.
La colección incluía pinturas de artistas de renombre como Vermeer, Rembrandt, Turner, Gainsborough y muchos otros. Además de pinturas, la colección también incluía esculturas, cerámicas, muebles de época y alfombras, todos cuidadosamente seleccionados por Frick para crear un ambiente artístico armonioso.
A lo largo de los años, la Colección Frick ha crecido a través de donaciones y compras específicas. La colección se ha enriquecido con obras de los principales maestros europeos, incluidos Bellini, Holbein, El Greco, Velázquez, Goya y muchos otros.
Además de las obras de arte, la Colección Frick también es famosa por su biblioteca de investigación, que contiene una gran colección de libros de arte, manuscritos, fotografías y archivos, lo que la convierte en un importante centro de estudio para los estudiosos del arte.
Hoy en día, la Colección Frick es uno de los museos de arte más apreciados de Nueva York y continúa recibiendo visitantes de todo el mundo. La combinación única de obras de arte extraordinarias, un entorno elegante e íntimo y una rica historia hacen de la Colección Frick una joya cultural en la ciudad de Nueva York.
Qué ver en la Frick Collection: las principales obras
Miremos cuáles son las obras más bellas y famosas que no debes perderte cuando visitarás la Colección Frick.
La pintura «Virgen y el niño con cuatro santos y un donante» es una obra maestra del famoso pintor flamenco Jan van Eyck, creada alrededor de 1433-1435.
La composición del cuadro presenta en el centro a la Virgen María, sentada en un trono, con el Niño Jesús en su regazo. La Virgen está representada con gran gracia y dulzura, con una expresión serena y maternal. El Niño, en cambio, se vuelve hacia uno de los cuatro santos que lo rodean.
Los cuatro santos que acompañan a la Virgen y el Niño son San Donato, San Giorgio, San Tommaso Becket y San Antonio Abate. Cada santo está representado de manera realista y detallada, con especial atención a sus atributos iconográficos distintivos.
El trabajo de Van Eyck es famoso por su extraordinaria atención al detalle y su impecable técnica pictórica. Los colores son ricos y vibrantes, y cada elemento, desde el acabado de las telas hasta el grabado de las joyas, está representado con una precisión extraordinaria.
Jan van Eyck es considerado uno de los maestros del arte flamenco y su contribución a la pintura holandesa del siglo XV es de gran importancia.
La obra representa un importante testimonio de la devoción religiosa y del arte renacentista flamenco, y es una de las joyas de la Colección Frick que sin duda merece ser admirada por todo amante del arte.
La pintura «San Francisco en el desierto» es una importante obra del renombrado pintor veneciano Giovanni Bellini, creada alrededor de 1480.
El cuadro representa a San Francisco de Asís, uno de los santos más queridos de la tradición cristiana, mientras se encuentra inmerso en un paisaje desértico. San Francisco está representado como un ermitaño, absorto en la meditación y la oración. Viste el hábito franciscano marrón, signo de su elección de vida humilde y ascética.
Bellini crea una atmósfera sugerente de profunda espiritualidad a través del uso magistral de la luz y el color. El paisaje que lo rodea se caracteriza por una naturaleza incontaminada, con escarpadas rocas, árboles solitarios y una extensión de tierra árida, que subraya la soledad y austeridad de la vida eremítica de San Francisco.
La figura del santo está representada con gran atención al detalle, con una cuidada interpretación de los pliegues del vestido, gestos y expresiones. Bellini consigue transmitir la profundidad emocional y la espiritualidad de San Francisco a través del sutil uso de los tonos cromáticos y los contrastes de luces y sombras.
«San Francesco en el desierto» es una obra que refleja el interés de Bellini por la relación entre el hombre y la naturaleza, entre la espiritualidad y el mundo terrenal. Es un ejemplo significativo del arte renacentista veneciano, caracterizado por una atención particular a la representación realista y la armonía compositiva.
La obra invita al visitante a reflexionar sobre la búsqueda interior, la contemplación y la conexión con la naturaleza y lo divino. Es un testimonio de gran maestría y profunda espiritualidad, lo que hace que la pintura «San Francisco en el desierto» sea un importante punto de referencia en la colección de la Colección Frick.
La pintura «Retrato de un hombre joven con forro de piel» es una obra famosa del renombrado pintor veneciano Tiziano Vecellio, conocido simplemente como Tiziano. La obra fue creada alrededor de 1515-1516 y se exhibe en la Galería de la Colección Frick en Nueva York.
La pintura representa a un joven aristócrata de perfil, vestido con un suntuoso abrigo de piel y un elegante sombrero rojo. La figura del joven emerge vívida sobre un fondo oscuro, destacando su expresión serena y el detalle de sus facciones.
Tiziano usa una pincelada suave y delicada para crear una representación realista de texturas y telas. La piel está realizada con gran destreza, con ligeros toques que sugieren la suavidad y el brillo del material.
El contraste entre los tonos cálidos de la piel del joven y los tonos fríos del fondo ayuda a crear una composición equilibrada y armoniosa. Tiziano demuestra su habilidad para crear una representación detallada de los rasgos faciales y capturar la esencia y la personalidad del sujeto.
El cuadro capta la atención del espectador y despierta la curiosidad por la figura representada, dejando lugar a múltiples interpretaciones y cuestionamientos sobre el sujeto y su identidad.
«Retrato de un joven con pieles» es un precioso testimonio del arte renacentista italiano y representa una de las obras más famosas y admiradas de la Colección Frick.
La pintura «Alegoría de la Virtud y el Vicio» es una obra fascinante del renombrado pintor veneciano Paolo Veronese, creada alrededor de 1580.
La Alegoría representa un escenario vivo e intrincado, lleno de personajes y simbolismo. En el centro del cuadro encontramos una elegante figura femenina, personificación de la Virtud, rodeada de una luz radiante. La virtud se representa como una figura majestuosa, con una corona de laurel en la cabeza y un manto dorado cubriendo su cuerpo.
Al otro lado del cuadro, en la oscuridad, se encuentra la figura degradada de Vice, caracterizada por una expresión lúgubre y un aspecto desaliñado. El vicio está rodeado de criaturas malvadas y corruptas, que simbolizan los vicios y la perdición moral.
La composición del cuadro es dinámica y llena de detalles, con numerosos personajes y objetos que representan las diferentes virtudes y vicios humanos. Veronese utiliza una rica paleta de colores brillantes y matices cromáticos para crear una atmósfera teatral e inmersiva.
«Alegoría de la Virtud y el Vicio» es una obra que invita al espectador a reflexionar sobre los conceptos de virtud y vicio, sobre la lucha entre el bien y el mal y sobre la naturaleza humana. Es un ejemplo extraordinario del arte veneciano del siglo XVI y representa una de las principales obras de la Colección Frick.
El cuadro «Expulsión de los Mercaderes del Templo» es una obra del célebre pintor español El Greco, realizada hacia 1600.
La pintura representa un episodio bíblico descrito en los Evangelios, en el que Jesús expulsa a los mercaderes del Templo de Jerusalén. La escena se caracteriza por una intensa acción y una gran carga emocional. Jesús, en el centro de la pintura, se yergue majestuoso y enojado, empujando vigorosamente a los mercaderes y sus mercancías.
El Greco utiliza una pincelada vigorosa y dinámica para dar vida a los personajes y sus expresiones. Los colores son audaces y vibrantes, con un fuerte contraste entre los tonos cálidos y fríos, lo que ayuda a crear una escena intensa y dramática.
La obra refleja la visión espiritual y la profunda devoción religiosa de El Greco. A través de su estilo único y estilizado, el artista logra transmitir una sensación de sacralidad y tensión espiritual.
“Expulsión de los Mercaderes del Templo” es una obra que invita al visitante a reflexionar sobre la corrupción y la importancia de la pureza espiritual. Es un ejemplo notable de la habilidad de El Greco para representar temas religiosos de una manera poderosa y emotiva.
El cuadro “Retrato de Felipe IV en Fraga” es obra del célebre pintor español Diego Velázquez. Realizada en 1644, la obra representa al rey de España Felipe IV durante su estancia en Fraga, ciudad del noreste de España.
El retrato muestra a Felipe IV en un ambiente informal y privado, ataviado con un traje negro ricamente decorado y un sombrero de terciopelo. El rey está representado de frente, con una expresión seria y una mirada penetrante, lo que subraya su papel como gobernante poderoso y autoritario.
Velázquez utiliza una técnica de pincelada suave y matizada para crear una representación realista de los detalles, como los pliegues del vestido y los tonos del rostro de Felipe IV. El artista consigue plasmar la esencia y personalidad del rey, destacando tanto su autoridad como su humanidad.
El trabajo de Velázquez se destaca por su atención al detalle y su habilidad para crear una interpretación tridimensional de los sujetos. La luz y la sombra se utilizan con maestría para dar profundidad y viveza al retrato, destacando detalles como la barba del rey y los reflejos de su vestido.
El «Retrato de Felipe IV en Fraga» es un extraordinario ejemplo de la retratística de Velázquez y representa un importante testimonio del arte cortesano español del siglo XVII. La obra destaca por su capacidad para capturar la apariencia y la personalidad del rey, creando un retrato de gran poder y autenticidad.
El cuadro “El jinete polaco” es una obra del reconocido pintor holandés Rembrandt van Rijn. Realizada en 1655, la obra representa a un joven caballero polaco con armadura y una imponente alabarda.
El caballero polaco está retratado en posición frontal, con una mirada directa y orgullosa. Su figura emerge de forma poderosa y majestuosa sobre el fondo oscuro, mientras la luz incide en los detalles de la armadura y el rostro del caballero.
Rembrandt utiliza una pincelada incisiva y vigorosa para dar vida al retrato, creando contrastes entre luces y sombras que enfatizan la tridimensionalidad y la profundidad del sujeto. La representación detallada de los detalles de la armadura y la vestimenta atestigua el dominio técnico del artista.
Lo que hace que la pintura sea particularmente fascinante es la habilidad de Rembrandt para capturar no solo la apariencia física del caballero, sino también su personalidad y carácter. El rostro del caballero revela una combinación de fuerza y seriedad, con una profunda introspección en sus ojos.
“El jinete polaco” es un ejemplo sobresaliente del talento de Rembrandt para retratar. El trabajo muestra su capacidad para representar la complejidad humana, transmitir emociones y crear una conexión entre el sujeto y el espectador.
Exhibida en la Frick Collection Gallery de Nueva York, la pintura sigue siendo admirada por su maestría y por el poder expresivo que transmite. Es una obra que invita al observador a sumergirse en la historia y el alma del caballero polaco, dando testimonio de la capacidad de Rembrandt para captar la esencia humana con maestría y profundidad.
La pintura «Soldado con una niña sonriente» es una obra del famoso pintor holandés Johannes Vermeer. Realizada hacia 1657, la obra representa a un soldado sentado en una habitación, mientras una joven le dedica una dulce y enigmática sonrisa.
El soldado está representado con un atuendo militar característico, con un casco colocado a su lado. La niña, por su parte, lleva un vestido vistoso y un elegante tocado. La escena se desarrolla en el interior de una habitación, con un ambiente íntimo y una luz tenue que crea una profunda sensación de tranquilidad.
Vermeer utiliza una técnica magistral en la interpretación de los detalles, como la tela de la ropa, los reflejos de la luz en las superficies y las expresiones de los rostros. Su pincelada es precisa y sutil, creando una interpretación realista de los sujetos y una riqueza de tonos y matices.
Lo que hace que la pintura sea particularmente fascinante es la interacción entre el soldado y la niña. Su mirada y la sonrisa de la niña sugieren una atmósfera de intimidad y complicidad, dejando espacio para interpretaciones y cuestionamientos sobre el vínculo entre los dos personajes.
«Soldado con niña sonriente» es un ejemplo de la capacidad de Vermeer para capturar momentos de la vida cotidiana, transmitiendo una sensación de calma y misterio. El trabajo refleja su maestría en la creación de una atmósfera evocadora a través de la luz, la composición y la interpretación de los detalles.
El cuadro «La Fragua» es una obra del famoso pintor español Francisco Goya. Realizada en 1817, la obra representa una escena del taller de un herrero, con artesanos trabajando y figuras humanas interactuando.
En el cuadro, Goya capta el ambiente animado y caótico de una fragua, con los herreros realizando su trabajo diario. Las figuras están representadas con una interpretación realista, sus rostros expresan determinación y concentración mientras realizan sus actividades.
Goya utiliza una paleta de colores oscuros y terrosos, propios del estilo tardío del artista. Las pinceladas son fluidas y rápidas, dando una sensación de movimiento y energía a toda la composición.
Lo que hace que la pintura sea particularmente interesante es la atención de Goya al detalle y la variedad de figuras en la escena. Cada artesano se representa con su actividad y posición específicas, creando una visión fascinante de la vida cotidiana en el taller.
“La Fragua” es la exploración de Goya del mundo del trabajo y la artesanía, reflejando su sensibilidad por los temas sociales y humanos. La obra da testimonio de su capacidad para representar la vida real con una combinación de realismo y poesía.
El cuadro «Condesa de Haussonville» es un retrato creado por el famoso pintor francés Jean-Auguste-Dominique Ingres en 1845. La obra representa a Louise-Albertine de Broglie, condesa de Haussonville, figura de la alta sociedad parisina de la época.
En el retrato, la condesa d’Haussonville está representada sentada, elegantemente ataviada con un vestido de ricas telas y refinadas joyas. Su figura esbelta y su postura erguida dan una sensación de nobleza y orgullo. Su rostro, expresivo y de mirada penetrante, capta la atención del espectador.
Ingres utiliza una técnica meticulosa y un detalle extraordinario en la representación de tejidos, joyas y detalles faciales. Su habilidad para crear una interpretación precisa y detallada de las líneas y proporciones del sujeto es evidente en cada trazo de la pintura.
El color predominante es el azul, que envuelve a la condesa de Haussonville, creando una atmósfera de elegancia y refinamiento. El hábil uso de la luz y la sombra aporta profundidad y tridimensionalidad a la figura.
El cuadro «El progreso del amor» es una obra del pintor francés Jean-Honoré Fragonard, creada en 1772. La obra representa una escena idílica y romántica, en la que el tema del amor y el cortejo está en el centro de la atención.
El cuadro está compuesto por una serie de paneles que ilustran diferentes etapas del amor, que van desde el cortejo inocente hasta la pasión apasionada. Las escenas están ambientadas en un exuberante jardín lleno de flores, creando un ambiente romántico y alegre.
Fragonard utiliza una paleta de colores vibrantes y brillantes, que contribuyen al ambiente animado y festivo. La fluidez de la pincelada y el uso del claroscuro dan movimiento y vida a las figuras, que parecen bailar sobre los lienzos.
«The Progress of Love» es una obra de gran belleza y delicadeza, que refleja el talento de Fragonard para crear escenas románticas y capturar la sensualidad y la emoción del amor. Es una pintura que invita al espectador a sumergirse en el mundo de los sentimientos y la pasión.
Qué ver además de las pinturas
Además de las pinturas, hay otras maravillosas obras de arte y artículos para admirar en la Colección Frick. Aquí hay algunas cosas que puede ver durante su visita:
- Esculturas: la colección incluye una selección de esculturas, principalmente en bronce y mármol, que representan diferentes épocas y estilos artísticos.
- Muebles y arte decorativo: la colección Frick alberga una notable selección de muebles de época, relojes, cerámica, vidrio y arte decorativo. Estas refinadas piezas ofrecen la oportunidad de apreciar la artesanía y el diseño de objetos cotidianos del pasado.
- Pinturas de esmalte: una atracción única de la Colección Frick es la presencia de pinturas de esmalte, una técnica refinada que implica la aplicación de colores vítreos sobre placas de metal. Estas obras de arte ejemplifican la artesanía experta y ofrecen una experiencia visual única.
- Muebles y decoraciones interiores: la colección Frick presenta una serie de ambientes interiores restaurados, mostrando los muebles y decoraciones originales de los espacios residenciales. Podrás admirar elaboradas chimeneas, preciosos tapices, candelabros y otros elementos que recrean la atmósfera de las residencias aristocráticas del pasado.
- Biblioteca y archivos: la biblioteca de la Colección Frick es un recurso valioso para académicos y entusiastas del arte. Contiene una gran colección de libros, catálogos y documentos que abarcan diversos aspectos de la historia del arte. Los archivos ofrecen la oportunidad de explorar documentos históricos, correspondencia y otro material relacionado con la colección en sí.
- Jardín: fuera del edificio principal de Frick Collection, puede encontrar un hermoso jardín que ofrece un descanso tranquilo del ajetreo y el bullicio de la ciudad. El jardín es un oasis de serenidad con fuentes, estatuas y una variedad de plantas y flores.
Durante tu visita a la Colección Frick, asegúrate de explorar también estas otras atracciones y sumérjete en la amplia variedad de obras de arte y objetos preciosos que la colección tiene para ofrecer.
La arquitectura del edificio Frick Collection
El edificio que alberga la Colección Frick es una expresión excepcional de la arquitectura neoclásica y representa una fusión armoniosa entre un palacio histórico y un museo de arte. Diseñado por el arquitecto Thomas Hastings, el edificio está ubicado en 1 East 70th Street, en la Quinta Avenida de Nueva York.
La estructura original fue la residencia de Henry Clay Frick, construida entre 1913 y 1914. Hastings trabajó en estrecha colaboración con Frick para crear un edificio que reflejara su gusto personal y proporcionara un entorno adecuado para albergar su colección de arte. El edificio se amplió más tarde después de la muerte de Frick, para incluir habitaciones contiguas.
El edificio de la Colección Frick presenta una fachada de mármol blanco, con un pórtico monumental que conduce a la entrada principal. El pórtico tiene seis columnas corintias que sostienen un frontón triangular decorado con esculturas.
El interior del edificio es igualmente impresionante. Se accede al hall de entrada, caracterizado por un techo abovedado y suelos de mármol, que conduce a los distintos espacios de exposición. Las galerías se organizan en torno a un patio interior con jardín italiano, que proporciona un ambiente tranquilo y un punto de luz natural.
Las salas de exhibición cuentan con paredes revestidas de seda, paneles de madera tallada y pisos de parquet, creando un ambiente elegante e íntimo para ver las obras de arte. La iluminación está cuidadosamente diseñada para resaltar las obras y crear una atmósfera sugerente.
Una de las características distintivas de la arquitectura de la Colección Frick es la armonía entre los espacios de exhibición y los objetos de arte que allí se exhiben. El edificio fue especialmente diseñado para albergar la colección de Frick, con el objetivo de crear un entorno que realce las obras de arte, permitiendo a los visitantes sumergirse por completo en la experiencia artística.
A lo largo de los años, el edificio ha sido objeto de conservación y restauración para preservar su integridad arquitectónica y asegurar su uso de acuerdo con los estándares de los museos modernos.
La combinación de una estructura histórica bien conservada y un ambiente acogedor hace que el edificio de la Colección Frick sea un lugar único y fascinante para los amantes del arte y los entusiastas de la arquitectura.
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