PROPERTY FROM A DISTINGUISHED PRIVATE COLLECTION, FRANCE
Lot 5*,AR
LÉONARD TSUGUHARU FOUJITA
(1886-1968)
Nu assis (Jacqueline Barsotti-Goddard)
Amended
12 October 2022, 16:00 BST
London, New Bond StreetSold for £1,602,300 inc. premium
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LÉONARD TSUGUHARU FOUJITA (1886-1968)
Nu assis (Jacqueline Barsotti-Goddard)
signed and dated 'Foujita 1929' and further signed in Japanese (centre right); signed and dated 'Foujita 1929' and further signed and inscribed in Japanese (on the stretcher)
oil on canvas
64.8 x 100.2cm (25 1/2 x 39 7/16in).
Painted in Paris in 1929
signed and dated 'Foujita 1929' and further signed in Japanese (centre right); signed and dated 'Foujita 1929' and further signed and inscribed in Japanese (on the stretcher)
oil on canvas
64.8 x 100.2cm (25 1/2 x 39 7/16in).
Painted in Paris in 1929
Footnotes
The authenticity of this work has been confirmed by Sylvie and Casimir Buisson. This work will be included in the forthcoming Vol. IV of the Léonard Tsuguharu Foujita catalogue raisonné, currently being prepared.
Provenance
Galerie Mantelet (Colette Weil), Paris (acquired directly from the artist in 1929).
Private collection, France (acquired from the above in 1929).
Thence by descent to the present owner.
Exhibited
Moscow, The Pushkin State Museum of Fine Arts, Les muses de Montparnasse, 15 July – 3 October 2021, no. 183.
The living body, the naked and natural body, the body stripped of artifice, the woman captured in her truth, her simplicity, her beauty, the woman: that was what fascinated Foujita. He put her at the very centre of his art, and she embodied the origin of the world. Mother, lover, confidante, and muse all at once, Foujita considered her a mediating figure between the human and the divine, a Renaissance-like conduit to God.
Officially, Foujita had five wives. However, he admitted to having had thousands of models, visible in numerous studies, drawings, engravings, and paintings made of one or the other, populating his oeuvre. The angelic yet melancholic face of the present subject belongs to one of these muses, well-known among the artists of the Montparnasse: Jacqueline Goddard. In demand by fellow artists Kisling, Pascin, Derain, Matisse, Giacometti, Man Ray and Picasso, it was Foujita's house at the Parc Montsouris that Goddard favoured. Enchanted by this Art Deco, bucolic villa, she was adopted as a sister by Youki Foujita, the artist's wife and fellow muse.
Jacqueline's modern look, Grecian profile, long neck and tousled hair made her one of the legendary models of Montparnasse from an early age. She was an orphan: her French mother died when she was young, whilst her father, André Barsotti, was a talented Tuscan sculptor who died three years before the present work was painted.
If Foujita's name now evokes elegance, delicacy and contemplation, it is mainly due to his nudes. Painting Nu assis (Jacqueline Barsotti-Goddard) connected him not only to his past loves, the masters of the Italian Renaissance, such as Michelangelo and Botticelli, but also to his Japanese roots, and to the floating world of printmaking (Ukiyo-e), where modest nudity appears with great sensual intensity.
The present work was one of the crown jewels of the Colette Weil gallery, with which Foujita had close ties in 1929, and was acquired by one of the gallery's patrons. The West and the East come together in Nu assis (Jacqueline Barsotti-Goddard), as Foujita transformed a young woman into a modern goddess of love. The contour of the shapes is perfect, the anatomy is irreproachable, and the body is harmonious. Everything flows in a smooth transition, reminding us of the firmness of a sculptural bronze and the polish of marble. The classic face evokes that of Simonetta Vespucci, the model for Botticelli's Venus in The Birth of Venus. Her muscular body seems to descend straight from the ceilings of the Sistine chapel, like a female version of an Ignudo painted by Michelangelo.
The nude was an important theme for Foujita because it connected him to nature and to universal beauty. It also allowed him to follow in other great artists' footsteps: in addition to the masters of the Sistine, one sees the influence of Goya, Manet, Rodin, Canova, Ingres and even his contemporaries Modigliani, Matisse and Van Dongen. Even though Foujita's art did not belong to any specific time or school, it remained full of references, and if he broke the rules, it was because he knew them so well.
In 1929, Foujita was at the highest point of his career. His milky white backgrounds and range of soft, creamy colours had already established his reputation around the world.
Like Degas, Foujita considered that a well-drawn painting was always a well-painted painting. Indeed, his mastery culminated in the way he drew the outline: dipping his brush in black, he stretched the lines on the canvas without hesitation, in a single movement. Those lines were firm and assured, but also delicate and sensitive, which created balance and harmony. The traditional and stable triangular composition, which connects the head to the left hand and the heel of the foot, is balanced by the hair, which allows the painter to let his flat brush slide on the silky canvas. The strands of hair come to life and frame the face, effortlessly and freely resting on the neck like an opalescent mother-of-pearl.
Despite the Western model, subject and medium, Foujita allowed his Eastern heritage to express itself, blending both cultures together. As in all his paintings, the figure floats slightly, as if suspended in weightlessness, between rest and action. This Japanese notion of suspension, interruption, and emptiness, which can be found in painting as well as in architecture and in Japanese craftsmanship, is the Ma. It influenced Foujita, who explored the space between the lines, outside and inside the figure. Evoking Japanese metaphysics and aesthetics, which sanctify the idea of breathing, the artist painted the time of breathing, between inspiration and exhalation.
Goddard's gaze in the present work is lost in the distance: the beautiful thinker meditates. She holds her breath like Foujita. Another Japanese notion comes into play: the katabokashi, or the fading of the form. If the Ma connects the forms while separating them, the katabokashi is a clever network of greyness, barely visible, which emphasises and translates the Ma. It animates the lower section of the painting and gives it life. It corresponds to the lighter white halo that surrounds the body and allows it to stand out against the background. To achieve this effect, Foujita rubbed cotton wool barely dipped in black or grey pigment.
Another Japanese aesthetic and spiritual concept used by the artist was the wabi-sabi: the veneration of the beauty of imperfect things, the magic of their patina and their ageing process. Evoking the wear and tear of time on the surface of the painting, Foujita highlighted the impermanence of life and beauty. To achieve this effect, he used cotton wool soaked in grisaille made of black soot and dry oil. Then, he scattered the pigment inside the small air bubbles that dried and broke on the surface of the canvas. This gave the illusion that the painting had been shaped by time.
Foujita embraced his ancestral roots but turned to the West to enrich his artistic vocabulary in this East/West hybrid work. His ability to oscillate between these two cultures, to feed on them and to transcend them was due to his love for art and life rather than aesthetic satisfaction. All his life, he believed in the invisible power of art without borders, embodied by the Montparnasse, which brought together the best avant-gardes from all over the world. Transcending the world, escaping time, and connecting with the gods of creation was Foujita's artistic goal from an early age.
Sylvie Buisson
Art Historian
Author of the forthcoming Volume IV of the Léonard Tsuguharu Foujita catalogue raisonné, in collaboration with Casimir Buisson, expert for the artist at the French Union of Experts.
La belle penseuse de Foujita.
Le corps vivant, le corps nu et naturel, le corps dépouillé d'artifice, la femme saisie dans sa vérité, sa simplicité, sa beauté, la Femme, en général, fascine Foujita.
Il la place au centre même de sa création. Elle incarne l'origine du monde, elle est tout amour. Mère, amante, confidente, muse à la fois, Foujita la considère comme une figure médiatrice entre l'humain et le divin au sein du processus de l'ascension vers Dieu, vers les dieux... Comme à la Renaissance.
Foujita eut cinq femmes officiellement.
Il avoue avoir eu des milliers de modèles.
Ses préférences se reconnaissent au nombre d'études, de dessins, de gravures et de peintures faites de l'une ou de l'autre ; au fil du temps, les pages du Catalogue raisonné de l'œuvre de cet artiste si prolifique les recueillent.
L'une d'elle se cache derrière le visage angélique et mélancolique du Nu assis, muse parmi les muses de Montparnasse.
Jacqueline, née à Paris de mère française et d'un père italien est une ravissante orpheline vivant à Paris. Kisling, Pascin, Derain, Matisse, Giacometti, Man Ray et Picasso l'empruntent à Foujita chez qui elle se réfugie de préférence, trouvant un havre de paix en la villa art-déco et bucolique du parc Montsouris. L'intérieur est en effet un enchantement où Youki Foujita, autre muse, l'adopte comme une sœur. Ensemble, elles rivalisent de caprices et de malices ; cela tombe bien, c'est tout ce que les artistes attendent.
L'allure moderne, le profil grec, le long cou et la chevelure décoiffée de Jacqueline l'installe dès son plus jeune âge dans la légende de Montparnasse ; son père, André Barsotti a été un bon sculpteur d'origine toscane, il est mort depuis trois ans. Sa mère depuis longtemps.
Si le nom de Foujita évoque l'élégance, la délicatesse et le recueillement, c'est à ses nus qu'il le doit principalement.
Peindre le Nu le relie à ses amours, à celui qu'il voue aux maîtres de la Renaissance italienne, Michel-Ange et Botticelli, et d'autre part à celui ancestral de ses racines japonaises, notamment au monde flottant de l'estampe, l'Ukiyo-e, où la pudique nudité apparaît peu mais avec une intensité si sensuelle.
Le Nu Assis de Jacqueline a été l'un des joyaux de la galerie Colette Weil avant de se loger dans la collection très privée de l'un des mécènes de la galerie avec laquelle Foujita entretient d'étroits liens en 1928.
L'Occident et l'Orient s'y rejoignent comme en Foujita qui transforme ici une jeune femme de 17 ans en une moderne déesse de l'amour.
Le contour des formes est parfait, l'anatomie irréprochable, le corps harmonieux.
Tout y est passage, transition douce, fermeté de bronze et poli de marbre.
Le visage adorablement classique évoque celui de Simonetta Vespucci, la Vénus de Sandro Botticelli dans La Naissance de Vénus. Et le corps musclé semble descendre tout droit des plafonds de la Sixtine comme une version féminine d'un Ignudo peint par Michel-Ange.
De son thème privilégié qu'est le modèle nu, Foujita extrait l'élixir qui le relie non seulement aux dieux de la création, de la nature et de la beauté universelle mais aussi à ses prédécesseurs qui, avant lui, en ont expérimenté la grâce. Outre les maîtres de la Sixtine, c'est à Goya, Manet, Rodin, Canova, Ingres et même à ses amis Modigliani, Matisse et van Dongen qu'il se confronte. Un combat mené passionnément avec toute sa force émotionnelle, technique, orientale et occidentale.
Son art, qui échappe au temps et aux écoles dans sa finalité, est évidemment pétri de références. S'il les transgresse, c'est en les connaissant parfaitement.
En 1928, il se situe au sommet de son art. Ses fonds blancs comme le lait et sa gamme de couleurs douces et crémeuses ont déjà assis sa réputation dans le monde entier.
Comme Degas, il considère qu'un tableau bien dessiné est toujours un tableau bien peint.
Sa maîtrise culmine dans le tracé de la ligne de contour ; son pinceau trempé dans la couleur noire, il tend ses lignes sans repentir. D'un seul jet.
L'ensemble des lignes aussi fermes que sensibles concourent à l'harmonie.
Elles composent de manière classique le modèle. Ici, un immense triangle qui relie la tête à la main gauche et au talon du pied. Seuls les cheveux permettent au peintre de se relâcher, de laisser vivre sa brosse plate glissant sur le fond préparé de la toile soyeux comme une nacre opalescente. Les mèches prennent vie encadrant le visage, glissant sur le cou, sans application, librement.
Si la peinture à l'huile est d'essence occidentale, si le modèle l'est aussi, comme la composition de ce tableau, Foujita invite l'Orient à s'exprimer dans son discours à la fois esthétique, poétique et métaphysique.
L'hybridation est claire.
Comme dans toutes ses peintures, le peintre commence par déstabiliser les appuis de son modèle dans l'espace ; celle-ci flotte légèrement sur ses bases comme suspendue, en apesanteur. La main, pas plus que les pieds et le buste ne la soutiennent.
La tête, pas vraiment soutenue est également suspendue.
Foujita suspend son sujet entre repos et action. Il le conçoit dans un espace-temps particulier, crée pour lui un intervalle qui échappe au temps, à l'esprit du temps.
Cette notion japonaise d'apesanteur, de vide, d'interruption, de suspension, que l'on retrouve aussi bien en peinture qu'en architecture et dans l'artisanat japonais, c'est le Ma. Foujita l'a en lui viscéralement.
De même que son dessin installe des zones de vide entre les lignes, à l'extérieur et à l'intérieur du sujet. La métaphysique et l'esthétique japonaise sacralisent l'idée de respiration. Le temps de la respiration. Celui qui se situerait entre l'inspiration et l'expiration.
L'œil du Japonais glisse tout autour des formes, le long de la nuque en la détachant avec légèreté de la masse des cheveux ; il relie le menton à l'épaule, place le genou à distance du coude, loge délicatement le couple des seins dans un triangle protecteur.
Le regard de la jeune femme se perd au loin, la belle penseuse médite. Elle retient son souffle comme Foujita.
Une autre notion japonaise entre en ligne de compte, c'est le katabokashi, ou l'estompage de la forme.
Si le Ma relie les formes tout en les séparant, le katabokashi est un savant réseau de grisaille, à peine visible, qui souligne et traduit le Ma. Il anime le fond, le creuse, le bossèle et lui donne vie. Il est cette réserve plus claire qui courre autour du corps, cette zone blanche qui permet au sujet nu de se détacher du fond. Il use de frottage gris à l'aide de tampon, ou d'ouate à peine imbibés de couleur noire, ou grise.
Foujita recourt aussi à la notion de wabi-sabi, cet autre concept esthétique et spirituel japonais, qui vénère la beauté de l'imperfection des choses, la magie de leur patine, leur état de vieillissement ; en évoquant l'usure du temps à la surface du tableau, le peintre met en évidence la notion de l'impermanence de la vie et de la beauté. Pour cela, il use également de tampons d'ouate imbibé de grisaille à base de noir de suie ou d'huile quasiment sèche. La texture de ses fonds étant micro-trouée de petites bulles d'air qui se cassent au séchage, la grisaille y pénètre à la grande satisfaction de l'artiste qui prend plaisir à livrer une peinture façonnée par le temps, échappant à la notion du temps.
La zénitude de Foujita est ici communicative. Jacqueline, perdue dans ses pensées, entre en symbiose avec le peintre lui-même.
Fruit unique d'une hybridation Orient/Occident voulue et recherchée, si Foujita se nourrit de ses racines ancestrales, c'est à l'Occident qu'il s'adresse pour enrichir son vocabulaire.
Sa faculté d'osciller entre ces deux cultures, de s'en nourrir et de les transcender pour n'être jamais moins que lui-même tient plus à son amour de l'art et de la vie qu'à une simple satisfaction esthétique. Toute sa vie il s'efforcera de mettre en scène ce à quoi il croit avant toute chose, à la puissance invincible de l'art. De l'art sans frontière, comme Montparnasse, son quartier parisien de prédilection, le prouva aussi en réunissant les meilleures avant-gardes du monde entier, celles qui firent la grande aventure de l'art au XXème siècle.
Transcender le monde, échapper au temps, se relier aux dieux de la création au moyen de son art est une nécessité qu'il vit au quotidien dès son plus jeune âge.
Sylvie Buisson
Historienne d'art
Auteur du 4ème Volume du Catalogue Général Raisonné de l'œuvre de T. L. Foujita, avec Casimir Buisson, expert de l'artiste près l'Union française des experts.
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