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Hoy continuamos con la serie de pódcast “Así vendí mi guion”, dedicada a ver cómo se escribieron y vendieron los guiones más famosos. Ya vimos El indomable Will Hunting, Rocky, Juno, Pulp Fiction y Being John Malkovich. Hoy veremos otro clásico cuyo guion ganó el Óscar: Little Miss Sunshine. Y, como venimos haciendo en la serie, nos lo va a contar su propio guionista, Michael Arndt.
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Así vendí mi guion: Little Miss Sunshine. Por Michael Arndt.
Después de graduarme en la Universidad de Nueva York, pasé un tiempo como lector de guiones antes de decidirme a escribir los míos propios. Little Miss Sunshine, mi primer guion, acabó siendo un reconocido éxito que me valió varios premios, incluyendo el Óscar al mejor guion original.
Cuando comencé a escribir este guion, estaba desempleado. Nunca antes había escrito o dirigido profesionalmente, no tenía créditos ni reconocimientos. Dejé mi trabajo de lector de guiones a propósito, dedicando un año entero a escribir, confiando en que podía hacerlo bien. Sentía que nadie prestaba atención a lo que estaba haciendo, casi como si estuviera susurrándome a mí mismo que podía lograrlo.
Antes de Little Miss Sunshine, había intentado escribir otras historias, pero resultaban ser tramas sombrías donde todos morían al final. Nadie parecía interesado en ese tipo de guiones. Así que decidí que mi próximo proyecto tendría un final feliz, pero no uno cualquiera; quería un final espectacular que realmente impactara y funcionara.
Al leer muchos guiones de comedia durante mi etapa como lector, me di cuenta de que la mayoría fallaban porque no tenían sustancia. Si la historia no trataba sobre algo significativo, o si solo seguía a un personaje en busca de riqueza o romance sin profundidad, simplemente no funcionaba. Estos guiones podían ser divertidos al principio, pero perdían fuerza y se desmoronaban hacia el final. Yo quería evitar eso con Little Miss Sunshine; deseaba que tuviera un clímax potente y memorable al final.
La idea de Little Miss Sunshine
La idea se me ocurrió después de ver un fragmento de un concurso de belleza infantil en televisión. Pensé en el drama y la tensión que podría generar una situación donde todo parece que va a terminar terriblemente mal, pero luego se transforma de manera sorprendente y positiva. Imaginé a una niña que, contra todo pronóstico, transforma lo que prometía ser un completo desastre en un triunfo espectacular, dejando a todos asombrados. Así fue como quería que se sintiera el final de la película: como un verdadero momento de felicidad y victoria.
Antes de escribir el guion de Little Miss Sunshine, leí en un periódico unas declaraciones de Arnold Schwarzenegger, quien, siendo actor y gobernador de California, dijo en un discurso a un grupo de niños que lo que más desprecia en este mundo son los perdedores. Esa actitud me impactó profundamente por lo errada que me parecía. Decidí que quería satirizar esa visión de la vida, esa obsesión con los ganadores y perdedores que me parece tan destructiva. Confirmé que un concurso de belleza infantil, con toda su competitividad absurda y a menudo cruel, sería el escenario perfecto para explorar y criticar esa mentalidad.
En la película, Richard, el padre de la familia, encarna esa filosofía de que en la vida solo importa ganar o perder, ascender o caer, una perspectiva que refleja una obsesión tóxica por el estatus y por impresionar a los demás. Esta idea es un reflejo distorsionado de la cultura competitiva impulsada por la publicidad y los reality shows como «El Aprendiz» y «Survivor», donde solo el ganador obtiene el premio y todos los demás son vistos como perdedores.
Desprecio profundamente esa mentalidad y quería desafiarla en mi guion. Contrapuse a Richard con el abuelo, quien representaba valores más auténticos y genuinos, mostrando que no le importaba lo que los demás pensaran y simplemente quería ser él mismo. Estos son los valores que, aunque parecían desvanecerse con la muerte del abuelo, finalmente prevalecen en la historia.
Cuando estaba escribiendo el guion, elegí la Volkswagen Combi para el viaje por carretera basándome en mi propia experiencia con ese vehículo. Pensé que era perfecta para un viaje así debido a sus techos altos y los amplios retrovisores, ideales para colocar la cámara y capturar a todos los personajes. Incluí en el guion problemas reales que había experimentado con ese tipo de vehículo durante un viaje en mi niñez, como el embrague roto y la bocina atascada.
El guion sale al mercado
Escribí el primer borrador en mayo de 2000 y pasé un año reescribiéndolo antes de enviarlo a una amiga, Karen Kusama. Ella lo encontró divertido y lo pasé a mi agente, que comenzó a moverlo. Aunque tardaron mucho en responder, finalmente el guion empezó a generar interés. Trabajé muy, muy duro, viniendo de ser lector y sintiendo que tener un guion terminado era casi una ilusión. Me esforcé enormemente para que el guion se sintiera completo, pero cuando no recibía respuesta alguna, estaba realmente devastado. Simplemente, pensé que lo que estaba tratando de hacer era imposible. Nadie creía que pudieras escribir un guion “spec” y que alguien realmente lo comprara y lo produjera. Parecía que nunca sucedería.
Una semana más tarde, recibí una llamada. Alguien había leído mi guion y realmente le había gustado. Mis agentes, sabiamente, me advirtieron que este no era el tipo de guion que se vendería en un fin de semana. No era un gran éxito de taquilla, sino algo que tomaría tiempo para encontrar a la persona adecuada que realmente lo quisiera. Entonces apareció Marc Turtletaub, de Deep River Productions, quien simplemente se enamoró del guion y fue él quien finalmente lo compró en diciembre de 2001 por 250,000 dólares.
La producción de la película
Los productores, Ron Yerxa y Albert Berger, se asociaron con Deep River Productions para buscar directores. Así es como aparecieron Jonathan Dayton y Valerie Faris, que conocieron el guion en 2001. Estos directores se sintieron inmediatamente atraídos por él y sentían que había sido escrito para ellos.
Pero los viajes de una producción siempre son complejos, y Focus Features compraron los derechos para hacer la película. Estaban interesados en filmarla en Canadá y centrarla más en el personaje de Richard Hoover. No estuve de acuerdo con esos cambios y fui despedido. Sin embargo, tras un cambio de personal en el estudio, fui recontratado cuando el nuevo guionista abandonó el proyecto. Turtletaub recompró los derechos y el desarrollo de la película para asegurarse de que pudiera ser filmada.
El rodaje comenzó en junio de 2005 y duró más de treinta días en Arizona y el sur de California, filmando las escenas en el orden cronológico del guion. Reescribí el final seis semanas antes del debut en Sundance y fue filmado en diciembre de 2005.
Años después, me resulta alentador pensar que, casi de manera abstracta, el sistema funcione como debería, permitiendo que un proyecto se levante por sus propios méritos, sea bien realizado por un grupo de gente talentosa y encuentre su público. Esto muestra que, a veces, Hollywood puede ser como la Estrella de la Muerte y tú como Luke Skywalker, logrando lo imposible contra todo pronóstico.