O artista italiano, Antonio Canova foi um pioneiro significativo na escultura durante o século XVIII. Além de escultor, ele também foi desenhista, pintor, antiquário e arquiteto. Inspirado na arte clássica grega e romana, na pintura renascentista italiana e no estudo cuidadoso da forma humana para se tornar um dos líderes do emergente estilo neoclássico, ao lado de Jacques-Louis David.

BIOGRAFIA 

Antonio Canova nasceu no dia 1º de novembro de 1757 em Possagno, cidade localizada na região de Veneto na Itália. Ele nasceu de uma família de escultores e pedreiros,  desde muito jovem demonstrou talento para a escultura, recebendo até o reconhecimento do prestigiado senador veneziano Giovanni Falier.

A partir de 1775, o estilo inicial de Canova retrata um compromisso persistente com o barroco, que é evidente em suas estátuas dramáticas de Orfeu e Eurídice. A forma retorcida de Orfeu e as expressões de agonia do casal são muito típicas dessa teatralidade barroca.

Em 1779, Canova realizou uma grande turnê pela Itália que afetou muito seu estilo e, após isso, ele se tornaria um eminente escultor. Suas viagens a Bolonha, Florença, Roma e Nápoles remeteram  seu estilo na direção da antiguidade. Após as descobertas de Pompéia e Herculano, Roma foi transformada em um renascimento clássico. Canova ficou impressionado com as formas idealizadas das esculturas greco-romanas e a grandeza inerente a elas. Incentivado pelo pintor escocês Gavin Hamilton, que se especializou em arqueologia e antiguidade clássica, Canova embarcou em um estilo neoclássico que manteve ao longo de sua carreira.

Em 1781, após estabelecer seu estúdio em Roma, Canova foi contratado para esculpir Teseu e o Minotauro. A calma serenidade da figura retratada após sua batalha com o minotauro provou ser fraudulenta. Os espectadores iniciais assumiram que a escultura era uma cópia romana e não uma obra contemporânea, ilustrando o fiel compromisso de Canova com os ideais da antiguidade. No entanto, o que destaca na obra de Canova, é seu afastamento da fria artificialidade da antiguidade clássica.

O domínio da escultura de Canova e a qualidade emocional de suas figuras lhe renderam muitos elogios em toda a Europa. Ganhar o prestigioso patrocínio de Napoleão e sua família provocou uma tensão interessante em seu trabalho. À luz desse patrocínio, os retratos escultóricos de Canova apresentam uma questão intrigante sobre até que ponto a idealização do modelo torna o retrato falso. A obra Napoleão como Marte, ilustra uma representação altamente idealizada de Napoleão como um pacificador. A grandeza da figura ereta e alta parte da atualidade de Napoleão, que era notoriamente baixo. A musculatura idealizada das pernas e do abdômen também pode ser lida como a projeção de uma representação irreal de Napoleão, destinada a lisonjear.

Canova adquiriu uma delicadeza e uma qualidade humana às suas figuras que está ausente das esculturas greco-romanas removidas e austeras. Isso podemos observar em sua famosa obra  As Três Graças, que demonstra muita emoção que se forma através de seu abraço íntimo. A composição elíptica criada por seus braços fechados ilustra ao mesmo tempo uma cena privada de afeto fraternal à qual o espectador pode perceber, mas também uma mensagem pública, incentivando o mesmo a seguir seu exemplo de amor e caridade. O estilo neoclássico de Canova a esse respeito é distinto da artificialidade e frieza do renascimento clássico.

Canova foi crucial para o desenvolvimento do neoclassicismo, influenciando artistas de toda a Europa a participar de um renascimento do estilo clássico; um estilo que o Romantismo rejeitaria no século XVIII.

Além de conhecedores de arte e colecionadores, muitos escritores proeminentes figuravam entre seus entusiastas, incluindo Honoré de Balzac, Charles Dickens, Heinrich Heine, Henry James, John Keats e Lord Byron, que notaram sua obra depois de visitarem Roma que “a Itália tem grandes nomes ainda… a Europa – o mundo – tem apenas um Canova.”

Em seus últimos anos, apesar de sua saúde em declínio, Canova passou grande parte de seu tempo trabalhando na igreja paroquial em sua cidade natal, Possagno. A cidade havia pedido inicialmente ao artista que contribuísse para a restauração da igreja existente, mas dado seu estado de abandono, Canova logo decidiu projetar uma nova estrutura, dedicada à Santíssima Trindade, que ele imaginou como um modelo de arquitetura neoclássica, combinando a simples ordem dórica do Partenon com a cúpula abobadada do Panteão. Ele mesmo financiou a maior parte do projeto e determinou que seria enterrado lá quando morresse. Em julho de 1819, o artista lançou simbolicamente a pedra fundamental da igreja, embora a construção só tenha sido concluída em 1836, após a morte do artista.

Em uma de suas visitas a Possagno no outono de 1822, sentiu-se particularmente doente e foi a Veneza para receber cuidados médicos. Lá, em 13 de outubro de 1822, Canova morreu na casa de um amigo. Após sua morte, o meio-irmão e herdeiro de Canova, Giovanni Battista Sartori, garantiu que ele fosse enterrado na igreja em Possagno, e posteriormente transferiu os modelos de barro e gesso, esculturas de mármore, pinturas, desenhos e outros itens que permaneceram em estúdio romano do artista para a cidade, onde agora estão alojados no Museu Antonio Canova.

O ARTISTA E SUA OBRA

As esculturas de Antonio Canova, sejam de figuras mitológicas ou ilustres contemporâneos, rapidamente se tornaram imagens icônicas, e sua movimentada oficina era uma atração imperdível em Roma. Como artista favorito de papas, imperadores, reis e nobres, Canova também atuou em um papel diplomático, principalmente após a queda de Napoleão, graças às suas conexões em toda a Europa. Suas composições graciosas e capacidade de esculpir e dar acabamento em mármore para se assemelhar a carne viva e móvel estabeleceram sua reputação como um artista de obras heroicas e requintadamente belas.

O trabalho de Canova ajudou a estabelecer o padrão para a graça e elegância neoclássica do século XVIII na escultura, e suas composições memoráveis ​​são famosas até os dias atuais. Suas obras com temática heroica também exploraram a ideia do sublime, em sintonia com o movimento romântico emergente do século XIX. Ele foi prolífico em sua produção, muitas vezes criando várias versões de uma escultura para diferentes clientes.

“Psiquê era uma jovem lindíssima e muito admirada. Afrodite, a deusa do amor, tinha ciúmes da beleza da moça e ordenou que seu filho, Eros (cupido), flechasse a jovem para que ela se apaixonasse pelo ser mais horrendo da face da terra. O que ela não esperava é que o próprio Eros se apaixonasse por Psiquê e não cumprisse a ordem. Num romance cheio de idas e vindas, terminam com a permissão de Zeus para viverem felizes para sempre no Monte Olimpo, desfecho muito raro entre os seres mitológicos.” 

Clique AQUI e saiba mais

Esta escultura retrata Pauline Bonaparte Borghese como Vênus, a deusa grega do amor, da beleza e da fertilidade. Ela segura uma maçã na mão esquerda, um pequeno elemento narrativo que liga essa representação ao conto mitológico do Julgamento de Paris, no qual o príncipe troiano Paris considerou Vênus a mais bela das três deusas, em vez de Minerva ou Juno. Ele então deu a ela uma maçã de ouro para indicar sua vitória.

Pauline era irmã de Napoleão Bonaparte, que em 1803 ajudou a planejar seu casamento com o nobre romano Camillo Borghese, membro da proeminente família italiana, na esperança de que isso ajudasse a consolidar o poder francês sobre as regiões recém-conquistadas da Itália.

GALERIA