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Artemisia Gentileschi, Autorretrato como alegoría de la pintura , 1638-1639. Óleo sobre lienzo, 98,6×75,2 cm. Londres: Palacio de Kensington, Londres.

¿Quién fue Artemisia Gentileschi?

Artemisia Lomi, también llamada Artemisia Gentileschi, fue una pintora barroca italiana que vivió desde 1593 hasta alrededor de 1656. Se cree que Gentileschi es una de las mejores artistas del siglo XVII. Al principio, pintó al estilo de Caravaggio. Para cuando cumplió 15 años, estaba haciendo trabajo por pago. Gentileschi fue la primera mujer en unirse a la Accademia di Arte del Disegno en Florencia. En ese momento, las mujeres no tenían muchas oportunidades de estudiar arte o trabajar como artistas profesionales.

Tenía clientes de todo el mundo. Muchas de las pinturas de Gentileschi muestran mujeres de mitos, alegorías y la Biblia, como víctimas, guerreras y mujeres que se suicidaron. Susanna and the Elders (especialmente la versión de 1610 en Pommersfelden), Judith Killing Holofernes (la versión de 1614-1620 está en la galería Uffizi) y Judith and Her Maidservant (su versión de 1625 está en el Detroit Institute of Arts) son algunos de sus obras más conocidas. Gentileschi era conocida por la forma realista en que podía pintar a las mujeres y lo bien que podía usar el color para agregar profundidad y dramatismo a su trabajo. Mucho antes de que se hiciera famosa como artista, Agostino Tassi la violó cuando era una mujer joven y ella testificó en su contra en la corte.

Durante mucho tiempo se pensó en Gentileschi como una persona extraña, pero en los siglos XX y XXI, los estudiosos han vuelto a examinar su vida y su arte. Ahora se la considera una de las pintoras más progresistas y expresivas de su generación. Su talento ha sido reconocido por importantes exposiciones en instituciones de bellas artes de renombre internacional, como la Galería Nacional de Londres.

Artemisia Gentileschi, Autorretrato como Santa Catalina de Alejandría , 1615-1617. Óleo sobre lienzo, 71,4×79 cm. Londres: Galería Nacional.

¿Cuáles son los tres conceptos clave relacionados con la artemisia?

Aunque estilísticamente la obra de Artemisia Gentileschi tiene una deuda con la de Caravaggio y su padre Orazio, sus pinturas ponen un mayor énfasis en el realismo que sus predecesores. Sus composiciones también son más enérgicas y durante su carrera refinó cuidadosamente el uso de la textura y el color, haciéndose conocida por sus ricos matices de joyas y tonos de piel realistas.
Gentileschi subvirtió las representaciones tradicionales de las protagonistas femeninas de las historias bíblicas y mitológicas, presentándolas como heroínas motivadas, capaces de tomar sus propias decisiones en lugar de objetos pasivos de la mirada masculina. Al hacer esto, los mostró de una manera completamente nueva, lo que les dio un poder que otros artistas no habían podido darles.
La artista fue agredida sexualmente cuando era adolescente, lo que afectó gran parte de su trabajo. Muchas de sus pinturas tienen temas de abuso de poder, violación y violencia. Es probable que pintar estos temas le permitiera procesar el trauma de su agresión y buscar venganza y reparación a través de sus obras de arte.

Artemisia Gentileschi, Autorretrato como laúd , 1615-1617. Óleo sobre lienzo, 71,4×79 cm. Minneapolis: Galerías Curtis.

¿Cómo empezó Artemisia a pintar?

Aunque su certificado de nacimiento del Archivio di Stato dice que nació en 1590, Artemisia Lomi Gentileschi nació en Roma el 8 de julio de 1593. Era la hija mayor de Prudenzia di Ottaviano Montoni y el pintor toscano Orazio Gentileschi. Orazio Gentileschi fue un pintor de Pisa. Después de mudarse a Roma, sus pinturas se volvieron más expresivas. Fue influenciado por las nuevas ideas de Caravaggio, que lo llevaron a pintar personas reales sin que se vean mejor o más dulces. En cambio, los convirtió en figuras con un drama fuerte y realista.

Artemisia fue bautizada dos días después de nacer en la iglesia de San Lorenzo in Lucina. Después de la muerte de su madre en 1605, Artemisia fue criada principalmente por su padre. Probablemente en esta época Artemisia se acercó a la pintura: iniciada en la pintura en el taller de su padre, Artemisia mostró mucho más entusiasmo y talento que sus hermanos, que trabajaban a su lado. Aprendió a dibujar, mezclar colores y pintar. Cuando tenía 18 años, Artemisia era conocida por sus asombrosas habilidades. Su padre dijo que ella era la mejor pintora que jamás había visto, a pesar de que solo había estado pintando durante tres años.

Durante este período temprano de su vida, Artemisia se inspiró en el estilo de pintura de su padre, que a su vez había sido fuertemente influenciado por el trabajo de Caravaggio. Artemisia, por otro lado, adoptó un enfoque mucho más realista de sus temas que su padre. Las obras de su padre, por otro lado, estaban más idealizadas. Al mismo tiempo, Artemisia tuvo que superar la actitud tradicional y la sumisión psicológica a este lavado de cerebro y celos de su evidente talento. Obtuvo mucho respeto y atención por su trabajo debido a esto.

Susanna and the Elders, que escribió cuando tenía 17 años, es su primer trabajo que ha sobrevivido. Está en la colección Schonborn en Pommersfelden. La pintura representa la historia bíblica de Susana. La pintura muestra cómo Artemisia asumió el realismo y los efectos de Caravaggio sin ignorar el clasicismo de Annibale Carracci y el estilo barroco de la escuela boloñesa.

Artemisia Gentileschi, Susana y los ancianos , 1649. Óleo sobre lienzo, 205 x 167,5 cm. Brno: Galería Morava..

¡Una de las violaciones más famosas del arte!

Orazio y Agostino Tassi estaban trabajando juntos en Roma en 1611 para decorar las bóvedas del Casino delle Muse en el Palazzo Pallavicini-Rospigliosi. En mayo, Tassi fue a la casa de los Gentileschis y violó a Artemisia cuando estaba a solas con él. Cosimo Quorli, otro hombre, también participó en la violación. La amiga de Gentileschi, Tuzia, estaba presente cuando fue violada, pero no la ayudó.

Artemisia comenzó a tener relaciones sexuales con Tassi porque pensó que se casarían. Ella pensó que esto la ayudaría a volver a ser buena y asegurar su futuro, pero Tassi rompió su promesa de casarse con ella. Cuando el padre de Artemisia, Orazio, descubrió que Artemisia y Tassi no se iban a casar nueve meses después de la violación, presentó cargos contra Tassi. El punto principal del juicio fue que Tassi había dañado el honor de la familia Gentileschi, y Artemisia no fue acusada de nada.

Durante el juicio de siete meses que siguió, se revelaron los planes de Tassi de matar a su esposa, tener una aventura con su cuñada y robar algunas de las pinturas de Orazio. Al final del juicio, se le dijo a Tassi que tenía que irse de Roma, pero esto nunca se hizo. Durante el juicio, se comprobó el testimonio de Artemisia torturándola con empulgueras.

Después de la muerte de su madre, Artemisia pasó la mayor parte de su tiempo con hombres. Orazio alquiló el apartamento de arriba de su casa a una mujer llamada Tuzia cuando tenía 17 años. Artemisia se hizo amiga de Tuzia; sin embargo, Tuzia permitió que Agostino Tassi y Cosimo Quorli visitaran a Artemisia en la casa de Artemisia en múltiples ocasiones. Artemisia le pidió ayuda a Tuzia el día que fue violada, pero Tuzia la ignoró y fingió que no sabía lo que estaba pasando. Jeanne Morgan Zarucchi, historiadora del arte, comparó la traición de Tuzia y su papel en hacer posible la violación con el papel de una proxeneta que ayuda a una prostituta a ser explotada sexualmente.

Gentileschi pudo o no haber hecho una pintura llamada "Madre e hijo", que se encontró en Crow's Nest, Australia, en 1976. Si es su trabajo, el bebé se ha visto como una referencia a Agostino Tassi, el hombre que violó. ella, porque fue hecha en 1614, apenas dos años después de la violación. Muestra a una mujer fuerte que sufre y arroja luz sobre su dolor y su capacidad para expresarse a través del arte.

Artemisia Gentileschi, Giaele y Sisara , 1620. Óleo sobre lienzo, 86 × 125 cm. Budapest: Museo de Bellas Artes.

Artemisia precursora del feminismo!

Roberto Longhi, un crítico italiano, escribió un artículo de investigación en 1916 llamado "Gentileschi, padre e hija". En él, llamó a Artemisia "la única mujer en Italia que supo pintar, colorear, dibujar y otros fundamentos". Longhi también dijo esto sobre Judith Killing Holofernes: "Hay alrededor de cincuenta y siete obras de Artemisia Gentileschi y el 94% (cuarenta y nueve obras) presentan a mujeres como protagonistas o iguales a los hombres". Estos incluyen a Ester, Judit y su sierva, y Jael y Sísara. Estos personajes no tenían los típicos rasgos "femeninos" de sensibilidad, timidez y debilidad a propósito. En cambio, eran valientes, rebeldes y fuertes (tales temas ahora se agrupan bajo el nombre de El poder de la mujer). Un crítico del siglo XIX dijo esto sobre la Magdalena de Artemisia: "Nadie hubiera pensado que lo había hecho una mujer. La pincelada era audaz y segura, sin ninguna señal de tener miedo". Raymond Ward Bissell pensó que sabía cómo los hombres veían a las mujeres y a las artistas, razón por la cual sus primeros trabajos fueron tan audaces y desafiantes.

Los estudios feministas llamaron más la atención sobre Artemisia Gentileschi al centrarse en el hecho de que fue violada y luego maltratada, así como en el poder expresivo de sus pinturas de heroínas bíblicas, en las que se ve a las mujeres rebelándose contra su situación. En un artículo de investigación del catálogo de la exposición "Orazio and Artemisia Gentileschi", que tuvo lugar en Roma en 2001 (y luego en Nueva York), Judith W. Mann critica las visiones feministas de Artemisia. Encuentra que los viejos estereotipos de Artemisia como sexualmente inmoral han sido reemplazados por nuevos estereotipos establecidos por lecturas feministas de las pinturas de Artemisia.

Algunos historiadores del arte piensan que Artemisia seguía volviendo a temas violentos como Judith y Holofernes debido a su ira reprimida. Otros historiadores del arte piensan que ella estaba usando inteligentemente su fama del juicio por violación para llenar un nicho de mercado para el arte dominado por mujeres y sexualmente cargado con patrocinadores masculinos.

Los críticos más recientes han tratado de dar una visión menos simplista de la carrera de Artemisia poniéndola en el contexto de las diferentes escenas artísticas de las que formó parte. Hicieron esto comenzando con la difícil tarea de armar todo el catálogo de Gentileschi. Una lectura como esta trae de vuelta a Artemisia como una artista que luchó con determinación, utilizando su personalidad y sus dotes artísticas como armas, contra los prejuicios que se tenían contra las mujeres pintoras. Pudo hacerse un buen nombre entre los pintores más respetados de su tiempo, trabajando en una serie de estilos que probablemente eran más amplios y diversos de lo que muestran sus pinturas.

Artemisia Gentileschi ha sido importante para las feministas desde la década de 1970, cuando Linda Nochlin, una historiadora del arte feminista, escribió un artículo titulado "¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas?". en el que trató de responder a esa pregunta. El artículo analiza lo que significa ser un "gran artista" y dice que las mujeres no han obtenido el mismo nivel de reconocimiento en el arte y otros campos que los hombres debido a las instituciones opresivas, no porque no sean tan talentosas. . Nochlin dijo que valió la pena estudiar a Artemisia y otras mujeres artistas porque nos ayudó a aprender más sobre lo que las mujeres han hecho en la historia del arte y la historia del arte en general. Eve Straussman-Violence Pflanzer's & Virtue: Artemisia's Judith Slaying Holofernes tiene un prólogo de Douglas Druick que dice que el artículo de Nochlin hizo que los académicos se esforzaran más por incluir mujeres artistas en la historia del arte y la cultura.

Artemisia y su obra volvieron a ser el foco de la historia del arte. Antes de eso, solo el artículo de Roberto Longhi de 1916 "Gentileschi, padre e hija" y el artículo de Bissell de 1968 "Artemisia Gentileschi: una nueva cronología documentada" les prestaron mucha atención. A medida que los historiadores del arte y las feministas comenzaron a prestar más atención a Artemisia y su trabajo, se escribieron más libros de ficción y no ficción sobre ella. Anna Banti, quien estuvo casada con el crítico Roberto Longhi, inventó una historia sobre su vida que salió a la luz en 1947. A los críticos literarios les gustó esta historia, pero las feministas, especialmente Laura Benedetti, dijeron que no era históricamente lo suficientemente precisa como para que pudiera utilizarse para comparar al autor con el artista. Mary Garrard, una historiadora del arte feminista, escribió La imagen del héroe femenino en el arte barroco italiano, que fue el primer relato completo y fáctico de la vida de Artemisia. Salió en 1989. En 2001, escribió un segundo libro más pequeño llamado Artemisia Gentileschi alrededor de 1622: La formación y remodelación de la identidad de un artista. Se trataba de la obra y la identidad del artista. Garrard dijo que analizar el trabajo de Artemisia fuera de "mujer" es difícil porque carece de enfoque y categorías estables. También cuestionó si "mujer" es una buena categoría para juzgar su arte.

Artemisia es conocida por sus obras con el tema El poder de las mujeres, como sus versiones de "Judith Killing Holofernes". También es conocida por el juicio por violación en el que estuvo. La académica Griselda Pollock ha dicho que el juicio se ha convertido en la forma principal en que la gente ve el trabajo de la artista, lo cual es una pena. Pollock piensa que el lugar de Gentileschi en la cultura popular tiene menos que ver con su trabajo y más con lo impactante que fue que el juicio por violación en el que fue torturada atrajera tanta atención. Pollock ofrece una forma diferente de ver las pinturas dramáticas y basadas en historias del artista. Por ejemplo, no cree que las pinturas de Judith y Holofernes sean sobre la violación y el juicio. Pollock, en cambio, dice que la historia de Judith y Holofernes no se trata de venganza. En cambio, se trata de dos mujeres que trabajan juntas para cometer un atrevido asesinato político durante una guerra, que según Pollock es una historia sobre el coraje político.

Pollock quiere alejar el foco del sensacionalismo hacia un análisis más profundo de las pinturas de Gentileschi, especialmente aquellas sobre la muerte y la pérdida. Sugiere que la pérdida de su infancia puede haber sido la fuente de sus imágenes únicas de Cleopatra mientras se estaba muriendo. Pollock también dice que el éxito de Gentileschi en el siglo XVII dependía de sus pinturas para los patrocinadores, quienes a menudo le pedían que pintara cosas que reflejaban los gustos y las modas de la época. Ella quiere mostrar cómo la carrera de Gentileschi encaja en la tendencia histórica de gustar las historias dramáticas sobre la Biblia o las heroínas clásicas.

De otra manera, la profesora estadounidense Camille Paglia ha dicho que las feministas modernas se equivocan al interesarse tanto por Artemisia y que se han exagerado sus logros: Artemisia Gentileschi era solo una pintora pulida y hábil que usaba un estilo llamado Barroco que fue hecho por hombres. . Aún así, The National Gallery dice que Artemisia trabajó en Roma, Florencia, Venecia, Nápoles y Londres para personas como el Gran Duque de Toscana y Felipe IV de España, que estaban en la cima de la sociedad europea.

La violación de Artemisia es a menudo el foco de atención de la literatura feminista, que tiende a mostrarla como una sobreviviente traumatizada pero valiente cuyo trabajo está lleno de sexo y violencia por lo que le sucedió. Pollock (2006) vio la película de Agnès Merlet como un ejemplo típico de cómo la cultura popular no puede mirar la increíble carrera de la pintora a lo largo de muchas décadas y en muchos de los centros de arte más importantes del mundo, sino solo en este episodio. La revisión de la literatura de Laura Benedetti, "Reconstrucción de Artemisia: imágenes del siglo XX de una mujer artista", llegó a la conclusión de que el trabajo de Artemisia a menudo se interpreta en función de los problemas de la época y las preferencias personales de los autores.

Por ejemplo, las académicas feministas han hecho de Artemisia un ícono del feminismo. Benedetti dijo que esto se debió a que Artemisia pintó mujeres fuertes y tuvo éxito como artista en un campo dominado por hombres y, al mismo tiempo, era madre soltera. Elena Ciletti, quien escribió Gran Macchina a Bellezza, dijo que el caso de Artemisia tiene mucho en juego, especialmente para las feministas, porque gran parte de nuestro trabajo intelectual y político por la justicia para las mujeres, tanto en el pasado como ahora, se ha puesto en ella. .

Las académicas feministas piensan que Artemisia estaba tratando de luchar contra la idea de que las mujeres deberían ser sumisas. Entre 1630 y 1635 escribió Corisca y el sátiro, que tiene mucho simbolismo. En la pintura, un sátiro persigue a una ninfa. El sátiro intenta agarrar a la ninfa por el pelo, pero es una peluca. En esta escena, Artemisia muestra que la ninfa es muy inteligente y está luchando contra el ataque del sátiro.

¿Cuáles son las obras de Artemisia?

Autorretrato como Santa Catalina de Alejandría, 1615-1617, National Gallery, Londres.
Aurora, 1625-7, Colección privada.
Alegoría de la pintura, década de 1630, colección privada.
Santa Apolonia, 1642-1644, Museo Soumaya, Ciudad de México.
Magdalena penitente, década de 1630, colección privada.
Lucretia, 1645-50, Neues Palais en Potsdam.
Susanna y los ancianos, 1610-1, Schloss Weißenstein.

Óleo sobre lienzo, 170 x 119 cm.

La pintura muestra una historia bíblica del capítulo 13 del Libro de Daniel, tal como la sostienen las iglesias católica y ortodoxa oriental, pero no la mayoría de los protestantes. Una joven casada llamada Susanna está siendo vigilada por dos ancianos. Susanna se estaba bañando en el jardín cuando su ama de llaves dejó entrar a las dos personas mayores. Los ancianos observaron a Susanna y luego le pidieron favores sexuales, los cuales ella rechazó. Los hombres dijeron que arruinarían su nombre, pero Susanna no retrocedió. Luego, los dos ancianos inventaron una mentira acerca de que Susanna era una adúltera, lo cual era un crimen que podría hacer que te mataran. Cuando un joven sabio hebreo llamado Daniel habló con cada uno de ellos por separado, vio que algunos detalles en las historias de los dos ancianos no coincidían. Sus diferentes historias demostraron que su testimonio era falso, lo que aclaró el nombre de Susanna. Desde el siglo XVI en adelante, este tema se encuentra a menudo en el arte europeo, y Susanna se utiliza a menudo como ejemplo de modestia y lealtad. En la práctica, sin embargo, les dio a los artistas la oportunidad de demostrar lo buenos que eran dibujando mujeres desnudas, a menudo para el placer de sus clientes masculinos.

Virgen con el Niño, 1610-1, Galleria Spada.
Virgen y el Niño, c. 1630, Palacio Pitti, Florencia.
Cleopatra, 1611-2, Colección privada.
Danae, 1612, Museo de Arte de Saint Louis.
Judith matando a Holofernes, 1611-2, Museo Nazionale di Capodimonte.

Óleo sobre lienzo, 158,8 cm × 125,5 cm.

Cuando pintó "Judith Slaying Holofernes", Artemisia Gentileschi tenía unos veinte años. Gentileschi ya había terminado Susanna and the Elders y Madonna and Child antes de esto. Estas obras de arte ya muestran lo bueno que era Gentileschi para mostrar emociones a través del movimiento corporal y las expresiones faciales. Las radiografías de la pintura muestran que Gentileschi le hizo varios cambios antes de llegar a donde está ahora. Por ejemplo, movió los brazos de Judith y cambió la forma de colgar las cortinas.

Alegoría de la Inclinación, 1615, Casa Buonarroti.
Retrato de una monja, 1613-8, Colección privada.
Autorretrato como mujer mártir, c.1615, Colección privada.
Autorretrato como laúd, 1616-18, Wadsworth Atheneum, Villa Medici.
María Magdalena, 1616–17, Palacio Pitti.
Santa Catalina de Alejandría, c.1618-9, Uffizi.
Judith y su criada, c.1618-9, Palazzo Pitti, Florencia.

Pintura al óleo, 114 x 93,5 cm.

La pintura muestra a Judith y su sirviente Abra huyendo de la tienda de Holofernes justo después de que Judith haya matado a Holofernes y se dirija a un lugar seguro.

Gentileschi pintó este tema varias veces durante su carrera. Pinta dos versiones de la misma escena, Judith Slaying Holofernes (Nápoles) y Judith Slaying Holofernes, que muestran el momento en que Judith mata a Holofernes (Florencia). Esta representación del tiempo posterior al asesinato se basa en una pintura del padre del artista, Orazio Gentileschi, que se hizo antes.

María Magdalena en éxtasis, 1620, colección particular.
Jael y Sísara, 1620, Museo de Bellas Artes, Budapest.
Judith matando a Holofernes, 1620-1, Uffizi.
Santa Cecilia, c.1620, Galleria Spada.
Alegoría de la pintura, década de 1620, Musee de Tesse, Le Mans.
Susanna y los ancianos, 1622, Burghley House.
Susanna y los ancianos, c. 1630, Castillo de Nottingham.
Retrato de un gonfaloniere, 1622, Palazzo d'Accursio.
Lucretia, c.1623-5, Colección Gerolamo Etro, Milán.

Óleo sobre lienzo, 100 x 77 cm.

Lucrecia fue una heroína romana conocida por ser bella y humilde. Según una historia que Livio escribió en su libro Historia de Roma, su esposo Colatino pensó que ella era una muy buena persona. Fue violada por Sextus Tarquinius, un noble romano que estaba relacionado con su marido. Si ella trataba de detenerlo, la amenazó con matarla y hacer que su cuerpo se viera mal en público. Ante el riesgo de ser avergonzada, ella cedió a sus demandas sexuales, pero luego le contó a su esposo y padre sobre el ataque antes de suicidarse. Al hacer esto, mantuvo su honor y bondad (según las creencias romanas). Su decisión de suicidarse condujo a una revuelta que derrocó a la monarquía etrusca e inició la República romana.

Magdalena penitente, c.1625-6, Catedral de Sevilla.
María Magdalena como Melancolía, década de 1620, Museo Soumaya
Judith y Maidservant con la cabeza de Holofernes, c.1625-7, Detroit.
Judith y Maidservant con cabeza de Holofernes, c.1640s, Museo di Capodimonte, Nápoles.
Judith y su criada (Cannes), c.1640 Musee de la Castre, Cannes.
Venus y Cupido, c.1625-30, Museo de Bellas Artes de Virginia.

Óleo, 96,52 × 143,83 cm.

Venus y Cupido, también conocida como "Venus durmiente", es una pintura de Artemisia Gentileschi de alrededor de 1626. Se exhibe en el Museo de Bellas Artes de Virginia. Venus y Cupido es una imagen de una Venus dormida que está acostada sobre una rica almohada carmesí y con borlas doradas sobre una colcha azul. Solo tiene una fina pieza de lino transparente envuelta alrededor de su muslo. Mientras se queda dormida, su hijo Cupido la avienta con plumas de pavo real que tienen mucho color. Él la mira con una mirada de amor y éxtasis en su rostro. En el fondo, hay una ventana que da a un paisaje iluminado por la luna con un templo de la diosa. El rostro de Venus tiene mejillas llenas, párpados gruesos y un mentón pequeño que sobresale. La forma en que se mueve el cuerpo de Venus es natural. Su mano descansa ligeramente sobre su costado, y sus piernas están juntas de una manera suave. A través de sus símbolos y la forma en que el artista la pintó, la obra es una mezcla de realismo y clasicismo.

Ester ante Asuero, c.1628-35, Museo Metropolitano de Arte.
Cristo bendiciendo a los niños, c.1640s, anteriormente MET.
Anunciación, 1630, Museo Nazionale di Capodimonte.
Magdalena penitente, c.1630-2, Colección privada.
Corisca y el Sátiro, c.1630-5, Colección Privada.
Autorretrato, c.1630-5, Palazzo Barberini Roma.
Clio: la musa de la historia, 1632, Palazzo Blu.
Cleopatra, 1633-5, Colección privada.
Natividad de San Juan Bautista, 1633-5, Museo del Prado.
Lot y sus hijas, 1635-8, Museo de Arte de Toledo.
El martirio de san Jenaro en el anfiteatro de Pozzuoli, 1636-7, Museo Nazionale di Capodimonte.
Adoración de los Magos, 1636-7, Museo Nazionale di Capodimonte.
San Próculo de Pozzuoli y su madre Santa Nicea, 1636-7, Museo Nazionale di Capodimonte.
David y Betsabé, c.1636-8, Museo de Arte de Colón.
David y Betsabé, 1645, Fundación de Palacios y Jardines de Prusia Berlín-Brandeburgo.
Betsabé, 1638, Colección privada.
David y Betsabé, 1645, Palacio Pitti.
Betsabé, 1640-45, Colección privada.
Autorretrato como alegoría de la pintura, 1638-9, Colección Real.

Óleo sobre lienzo, 98,6 × 75,2 cm.

La pintura muestra ideas feministas que eran inusuales en un momento en que las mujeres rara vez tenían trabajos, y mucho menos eran conocidas por ellos. La pintura de Gentileschi de sí misma como la mejor de las artes fue un movimiento audaz para la época. Sin embargo, la pintura ahora está eclipsada por muchas de las otras escenas más dramáticas y crudas de Gentileschi que muestran la problemática juventud del artista.