El pintor holandés Rembrandt Harmenszoon van Rijn, o simplemente conocido como Rembrandt, es uno de los personajes más importantes y reconocidos de la historia del arte, al punto que, aunque vivió hace más de 400 años, hoy en día sus obras siguen siendo la inspiración para artistas de todo tipo y amantes del arte.
Si bien, en la actualidad se cree que hay entre 300 a 600 obras originales de Rembrandt, un grupo de ellas se consideran como las más destacadas de su carrera (al menos de las que se conservan). ¿Cuáles son?
El día de hoy te traemos una lista de las 12 pinturas más conocidas e importantes de Rembrandt.
1 La Guardia Nocturna (1642)
Título original: De Nachtwacht
La Guardia Nocturna fue una pintura encargada a Rembrandt por el Capitán Frans Banninck Cocq y 17 miembros de su compañía de guardias civiles a inicios de la década de 1640.
El título de la pintura sería La compañía del capitán Frans Banning Cocq y el teniente Willem van Ruytenburch . Sin embargo, debido a al impacto y la oscuridad tan característica de la pintura, se hizo conocida como The Night Watch . Compuesta por 34 personajes, la colosal obra maestra representa a la compañía, dirigida por Cocq y Ruytenburch, avanzando hacia el espectador.
Su fama se basa en varios factores, incluido su enorme tamaño (11.91 pies × 14.34 pies). Entre los elementos que más destacan está la coherencia y el dinamismo de la escena; el brillante uso de luces y sombras por parte del artista y por supuesto, el hacer ver al espectador que las figuras de tamaño casi humano de la pintura están a punto de saltar del lienzo hacia el espacio real.
Habitualmente la Guardia Nocturna se considera como el trabajo más famoso de retratos grupales y es también la pintura más famosa y citada no solo de Rembrandt, sino de toda la Edad de Oro de la pintura holandesa.
Como dato curioso, la pintura ha sido vandalizada en varias ocasiones. Pese a todo, se ha mantenido de forma relativamente intacta hasta la actualidad
2 El regreso del hijo pródigo (1669)
Título original: Terugkeer van de Verloren Zoon
En la parábola del hijo pródigo, un padre tiene dos hijos; el menor de los cuales le pide su herencia, desperdicia su fortuna y regresa a casa después de quedar en la miseria. Tiene la intención de rogarle a su padre que lo haga uno de sus sirvientes, pero el padre, en cambio, celebra su regreso. Cuando su hijo mayor se opone, el padre le dice que están celebrando porque su hermano, que se había perdido, ahora ha vuelto a sus cabales.
La pintura de Rembrandt representa el momento en que el hijo regresa a casa en un estado miserable. Se puede ver al padre recibiendo a su hijo con un tierno gesto mientras el hermano cruza las manos para juzgar.
Pintado al final de su carrera, la obra demuestra el dominio de Rembrandt mientras usa luces y colores expresivos para evocar brillantemente en el espectador el mensaje de perdón de la parábola. El regreso del hijo pródigo es considerado por muchos críticos como la mayor obra maestra de Rembrandt y un logro monumental en el arte barroco.
3 La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (1632)
Título original: De anatomische les van Dr. Nicolaes Tulp
“La lección de anatomía” es una de las pinturas más conocidas de Rembrandt, al punto que se ha copiado en infinidad de ocasiones a lo largo de la historia.
Rembrandt tenía solo veinticinco años cuando le pidieron que pintara los retratos de los cirujanos de Amsterdam. La pintura fue encargada para la lección de anatomía dada por el Dr. Nicolaes Tulp en enero de 1632.
En esta pintura, Rembrandt retrató a los cirujanos en acción, pero con la particularidad de que todos los personajes de la escena miran cosas diferentes. El dinamismo se agrega a la escena por los grandes contrastes entre la luz y la oscuridad. En este retrato grupal, el joven pintor mostró su técnica ya legendaria y su gran talento para pintar retratos realistas.
4 Betsabé en su baño (1654)
Título original: Bathseba met de brief van koning David
En el relato del Antiguo Testamento, Betsabé era la esposa de Urías el hitita, un soldado en el ejército del Rey David. David vio a Betsabé bañándose y quedó hipnotizado por su belleza. Él la sedujo y la impregnó. Para ocultar su pecado y casarse con ella, David envió a su esposo a la batalla y ordenó a sus generales que lo abandonaran, lo que condujo a su muerte. Rembrandt representa a Betsabé con una criada anciana que se lava los pies. Ella tiene una carta del rey que la convoca, por lo que la pintura también se conoce como Betsabé con la Carta del Rey David.
Aunque Bathsheba ha sido representada por muchos otros artistas a lo largo de la historia, la representación en tamaño real de Rembrandt es posiblemente la más destacada de todas, gracias en parte a su vitalidad erótica producida por colores vibrantes y pinceladas gruesas. La pintura también se destaca por capturar brillantemente el dilema moral de Betsabé mientras no mira nada y contempla la propuesta de David. Betsabé en su baño es el desnudo más famoso de Rembrandt y es considerado como uno de los mayores logros del género.
5 La novia Judía (1667)
Título original: Het Joodse bruidje
Una de las obras más referenciadas de su carrera.
El título con el que se conoce esta pintura proviene de un coleccionista de arte en Amsterdam, quien la interpretó como un padre judío y su hija. El collar en la pintura fue descrito por él como un regalo que el padre le había dado a la hija para el día de su boda. Sin embargo, los críticos de arte posteriores rechazaron esta sugerencia y ahora se cree que las dos figuras retratadas son amantes o una pareja casada. Sigue habiendo especulaciones sobre la identidad de la pareja con la interpretación más probable considerada que representa el personaje bíblico Isaac y su esposa Rebecca.
La novia judía fue creada por Rembrandt en sus últimos años, en una etapa conocida como el Cuarto Período de Amsterdam (1658-1669). Junto con el regreso del hijo pródigo, esta pintura es su obra más famosa de la época, cuando había dominado su arte.
El biógrafo de Rembrandt, Christopher White, llama a la composición «una de las mayores expresiones de la tierna fusión del amor espiritual y físico en la historia de la pintura».
6 Danaë (1636)
Título original: Danaë.
Danaë era una princesa de la mitología griega cuyo padre Acrisio la encerró en una cámara de bronce, ya que se profetizó que su hijo lo mataría. Sin embargo, Zeus , rey de los dioses, la deseaba. Llegó a su habitación en forma de lluvia dorada para fecundarla.
La pintura de Rembrandt, considerada entre las más magníficas, muestra al personaje desnudo en su cama y dando la bienvenida a Zeus. En lugar de prestar atención a idealizar su apariencia física, Rembrandt captura la pasión que siente una mujer al ver a su amante. Su esposa Saskia fue la modelo original de Danaë, pero 10 años después cambió la cara de la figura a la de su amante Geertje Dircx .Catalina la Grande de Rusia compró la pintura en 1772 para el Museo del Hermitage en San Petersburgo, donde aún reside.
Como dato curioso: en 1985, la pintura fue vandalizada por un hombre llamado Bronius Maigys , que arrojó ácido sobre el lienzo y la cortó dos veces con su cuchillo. La pintura fue restaurada en 1997. Actualmente se encuentra en Hermitage bajo la protección de vidrio blindado.
7 Autorretrato con boina y cuello alto (1659)
Título original: Zelfportret met Baret en opstaande kraag
Considerado por muchos críticos como el mejor autorretrato jamás creado, “Autorretrato con boina y collar vuelto” es una obra en la que se puede ver el estrés y las tensiones de una vida compuesta de triunfos creativos y reveses personales y financieros.
Los autorretratos de Rembrandt son conocidos por no mostrar misericordia consigo mismo y esta pintura, que fue pintada cuando tenía 50 años, muestra su representación despiadada y sincera de sí mismo. La pose de Rembrandt está inspirada en el famoso retrato de Rafael de Balthasar Castiglione. Lo muestra sentado en una capa de piel ampliamente pintada con las manos cruzadas sobre su regazo. El área más luminosa muestra su rostro. El artista lleva una boina o gorra grande y su cuello está levantado; de ahí el nombre del cuadro.
De forma casi general, Rembrandt es catalogado como uno de los mejores artistas en el género del autorretrato y esta pintura es su autorretrato más famosos.
8 La tormenta en el mar de galilea (1633)
Título original: Christus in de storm op het meer van Galilea
La pintura perdida de Rembrant (literalmente).
En los evangelios se hace hincapié en los hechos y los milagros atribuidos a Jesús, en uno de esos hechos, Jesús salva a sus discípulos calmando una tormenta mientras cruzan el mar de Galilea en un bote. La pintura de Rembrandt representa este milagro. Fue pintada durante su denominado Primer Período de Amsterdam (1631-1635) cuando Rembrant tenía poco más de veinte años.
Creó una serie de escenas bíblicas durante este período y esta pintura es una de ellas. La tormenta en el mar de Galilea es famosa por ser el único paisaje marino de Rembrandt y también porque ya no se puede ver debido a que ha sido robada. En marzo de 1990, ladrones disfrazados de policías robaron esta pintura y otras 12 obras de arte del Museo Isabella Stewart Gardner en Boston, Massachusetts, EE. UU., del cual es considerado al día de hoy como el mayor robo de arte en la historia de Estados Unidos, que por cierto, sigue sin resolverse.
9 Los síndicos de los pañeros (1662)
Título original: De Staalmeesters
La obra es un retrato grupal de los funcionarios del sindicato encargado de las muestras de tela de la ciudad. Estos hombres eran nombrados por el alcalde de Amsterdam para regular la calidad de la tela que se vende en la ciudad, y normalmente celebraban sus reuniones en el Salón del Gremio de Drapers, donde la pintura se exhibió una vez terminada.
También conocido como “Los oficiales de las muestras” , la pintura representa a la Junta del sindicato de los Drapers ‘ de cinco hombres junto con un asistente, quien se muestra sin sombrero. Rembrandt presta gran atención a cada tema al capturar diferentes expresiones en sus rostros, dándoles así diferentes personalidades. Al mismo tiempo, también aporta un fuerte sentido de unión mediante el uso de diferentes técnicas de composición.
Pintado en sus últimos años de carrera, esta obra ha sido llamada como el «último gran retrato colectivo».
En la actualidad el cuadro se encuentra en el Rijksmuseum, en Amsterdam.
10 Retrato de Jan Six (1654)
Jan Six era un comerciante rico y poderoso, así como una figura cultural importante en la Edad de Oro holandesa. También fue un amigo cercano y mecenas de Rembrandt.
Este retrato captura el momento cuando Six hace una pausa mientras se pone los guantes justo antes de salir de su casa. Rembrandt usa trazos fuertes para mostrar brillantemente las manos, los guantes y la capa roja. Pero es la cara, en la que trabajó y volvió a trabajar hasta lograr su objetivo, la responsable de la fama del retrato, ya que ha podido capturar una maravillosa expresión de abstracción momentánea. El retrato fue pintado por Rembrandt durante su Tercer Período de Amsterdam (1643–58) y junto con Betsabé en su baño, es su obra más reconocida de ese período.
Rembrandt es considerado como uno de los mejores retratistas y el Retrato de Jan Six es considerado como uno de los mejores retratos que haya pintado.
11 Cabeza de cristo (1648)
La “Cabeza de Cristo” fue un cuadro hecho por Rembrandt a finales de la década de 1640.
Una característica de este retrato es su manera sui géneris de representar a Cristo. Si bien, desde hace siglos se tenía una idea más o menos clara de como era los rasgos de Jesús, Rembrandt trato de crear su propia versión utilizando como modelo las características típicas de los hombres judíos.
Se sabe que se hicieron varios cuadros de este tema, sin embargo al día de hoy solo se reconoce como auténtico el que se encuentra en la Gemäldegalerie de Berlín.
12 El hombre del casco dorado (1650)
Esta obra barroca de la Edad de Oro de la pintura holandesa, ganó bastante fama durante los últimos años a consecuencia de las crecientes dudas de algunos estudiosos sobres si de verdad fue pintada por Rembrandt o por alguno de sus discípulos. Sin embargo, de forma casi paradójica, se volvió más conocida que muchas de sus obras globalmente aceptadas.
En el cuadro se puede observar a un hombre con un casco dorado, acompañado de una expresión de duda, desconcierto o cansancio. A consecuencia de su brillante color dorado y los detalles del casco, durante muchos años se crearon leyendas sobre el hombre que está retratado, ya que era de forma casi segura una persona con mucho poder mostrando su lado más débil.
Actualmente la pintura se encuentra expuesta en la Gemäldegalerie.