Halloween der Kunst – Historische Werke, die uns das Fürchten lehren

Halloween hat eine faszinierende Verbindung zur Kunstwelt durch seinen unheimlichen Charme und seine bezaubernde Mystik. Zahlreiche historische Gemälde rufen mit ihren Themen, Farben und Atmosphäre den Geist von Halloween hervor.

In diesem Beitrag werden wir zunächst vier ikonische Gemälde – „American Gothic“, „Das Mädchen mit dem Perlenohrgehänge“, „Der Schrei“ und „Saturn verschlingt seinen Sohn“ – untersuchen, die trotz ihrer verschiedenen Stilrichtungen und Herkunft jeweils etwas unheimlich Schönes in die Welt der Kunst bringen.

Nach diesem Einstieg in die schaurig-schönen Werke von großen Meistern der Kunstgeschichte werden wir noch einige weitere Werke heranführen, die uns noch heute beim Anblick Schauer über den Rücken laufen lassen.

Halloween – Schaurig-schönes Brauchtum aus den USA

Das Fest hat insbesondere in den USA eine langjährige Tradition. Aber nicht nur in den Vereinigten Staaten wird das gruselige Halloween-Fest jedes Jahr am 31. Oktober gefeiert. Auch bei uns in Deutschland findet die Gruselnacht immer mehr Fans.

Ein fester Bestandteil der Tradition ist es, dass die Kinder verkleidet von Haus zu Haus gehen und um Süßigkeiten bitten. Dabei lautet der Ausruf „Süßes oder Saures“. Halloween Kostüme für Kinder gibt es mittlerweile auch bei uns in ähnlicher Fülle wie in den USA.

Auf den ersten Blick mag es überraschend sein, dass gerade Kinder sich gerne gruseln und von angsteinflößenden Kostümen fasziniert sind.

Interessanterweise hilft die Grusel-Nacht laut Psychologen Kindern dabei, ihre Ängste zu verarbeiten und Selbstbewusstsein zu tanken. Hexen, Monster, Gespenster haben also auch noch einen pädagogischen Nutzen, könnte man argumentieren.

4 ikonische Werke, die den Geist von Halloween in sich tragen

Halloween und Kunst haben eine besondere Verbindung durch die Emotionen und inneren Bilder, die sie hervorrufen. Berühmte historische Werke wie „American Gothic“, „Mädchen mit dem Perlenohrring“, „Der Schrei“ und „Saturn verschlingt seinen Sohn“ tragen jeweils zur düsteren und eindringlichen Stimmung bei, die mit dem Fest verbunden ist.

Ob durch starken Realismus, geheimnisumwittertes Mysterium oder existenzielle Ängste – diese Kunstwerke bezeugen die Fähigkeit der Kunst, das ganze Jahr über die Essenz von Halloween heraufzubeschwören.

„American Gothic“ von Grant Wood

In “American Gothic” von Grant Wood werden die Betrachter von der düsteren Stimmung und den starren Blicken des bäuerlichen Paares in den Bann gezogen. Die kühle Farbpalette und die steife Komposition erzeugen eine Atmosphäre der Beklemmung und Geheimnisvolles.

Es scheint fast, als würden die Figuren hinter ihren Gesichtern eine unbekannte Geschichte verbergen, die nur darauf wartet, enthüllt zu werden. Diese verstörende und dennoch faszinierende Aura des Gemäldes zieht die Betrachter immer wieder in seinen Bann und macht es zu einem zeitlosen Meisterwerk der Kunstgeschichte.

„Mädchen mit dem Perlenohrring“ von Johannes Vermeer

Obwohl das Gemälde „Mädchen mit dem Perlenohrring“ von Johannes Vermeer um 1665 auf den ersten Blick nichts mit Halloween zu tun zu haben scheint, strahlt es eine Aura von Geheimnis und Magie aus, die mit dem Fest verbunden ist. Die zarte Schönheit des jungen Mädchens, das funkelnde Perlenohrring und das Spiel von Licht und Schatten in der Komposition des Kunstwerks erzeugen eine faszinierende Atmosphäre.

Dieses Meisterwerk wirkt wie ein mysteriöses Flüstern aus der Vergangenheit, eine geheimnisvolle Präsenz, die den zeitlosen Charme von Halloween perfekt einfängt. Der tiefe, dunkle Hintergrund umhüllt das Mädchen scheinbar in einem Schleier des Geheimnisses, während ihre großen, dunklen Augen den Betrachter in die Tiefe des Gemäldes ziehen, ähnlich der unheimlichen Anziehungskraft der Halloween-Nacht.

„Der Schrei“ von Edvard Munch Edvard

Munchs Gemälde „Der Schrei“ von 1893 verkörpert existenzielle Angst und die Furcht, die uns im Geist verfolgen kann. Die verstörte Figur auf der Brücke, umgeben von wirbelnden, jenseitigen Himmeln, symbolisiert die Angst und das Chaos, die oft Halloween-Folklore und Albträume prägen.

Die verdrehte, gespenstische und albtraumhafte Qualität des Gemäldes reflektiert die unheimliche Atmosphäre von Halloween. Es stellt visuell das Gänsehaut-Erlebnis dar, das dieser Feiertag hervorrufen kann, indem es unsere innersten Gedanken anspricht.

„Saturn verschlingt seinen Sohn“ von Francisco de Goya

Francisco de Goya wird als der letzte der alten Meister und der erste der modernen Meister angesehen. Während seines Lebens war er ein erfolgreicher Maler und Grafiker der spanischen Romantik. Er studierte bei José Luzán y Martinez und Anton Raphael Mengs und wurde später Hofmaler des spanischen Königshauses.

Nachdem er 1793 schwer krank und taub wurde, wurden seine Werke immer düsterer. Eines seiner Gemälde zeigt Saturn, der seine Kinder frisst, um einer Prophezeiung zu entgehen.

Dieses Werk ist Teil der sogenannten „Schwarzen Gemälde“, die Goya direkt an die Wände seines Hauses in der Nähe von Madrid malte. Obwohl er nicht beabsichtigte, dass sie von anderen gesehen werden, ist das Gemälde des Saturn besonders verstörend.

Weitere unheimliche Kunstwerke voller Schrecken und Horror

Geister, Skelette, Dämonen und Hexen: Die Kunstgeschichte ist reich an Figuren, die einem das Fürchten lehren. Diese ikonischen Darstellungen von Gruselgeschöpfen sind fest im kollektiven Gedächtnis verankert und haben unzählige Künstler inspiriert, ihre eigenen Interpretationen des Unheimlichen zu schaffen.

Von Francisco de Goya’s düsteren Werken aus dem 18. Jahrhundert bis zu modernen Horror-Ikonen wie Freddy Krueger oder Slender Man – das Schaurige und Geheimnisvolle hat einen festen Platz in der Kunstwelt und spiegelt oft tief verwurzelte Ängste und Unsicherheiten der Gesellschaft wider.

„Der Albtraum“ von Heinrich Füssli

Füsslis Gemälde „Der Albtraum“ hat seit seiner ersten Ausstellung in der Royal Academy im Jahr 1782 die Betrachter erschreckt. Das Publikum des 18. Jahrhunderts war verängstigt und zugleich empört über die sexuelle Konnotation des Gemäldes, das eine schlafende Frau zeigt, über der ein kleines Monster sitzt.

Dieses mythologische Wesen ist ein sogenannter Inkubus, der zusammen mit seinem weiblichen Pendant, dem Sukkubus, auf der Brust schlafender Menschen sitzt. Ob das Gemälde den Traum der Frau darstellt oder was tatsächlich mit ihr geschieht, bleibt unklar.

Mit seiner Darstellung von Sex, Träumen und dem Unbewussten erlangte Füsslis Gemälde später große Bedeutung in der psychoanalytischen Forschung, und Freud hatte sogar einen Abdruck davon an der Wand seiner Wohnung hängen.

„Die Versuchung des Heiligen Antonius“ von Joos van Craesbeeck

Das Gemälde von Joos van Craesbeeck, das von Hieronymus Bosch und Pieter Brueghel beeinflusst wurde, zeigt den Heiligen Antonius neben einem riesigen Kopf, der von unzähligen teuflischen Kreaturen und Dämonen bevölkert ist. Diese strömen aus dem Schädel des Mannes hervor, fast wie böse Gedanken, die eine physische Gestalt annehmen.

Zudem sind dort ungewöhnliche Elemente wie ein Maler, eine Brille und ein Vogelnest zu sehen, deren Bedeutung der Betrachter interpretieren kann.

Durch die detaillierte Darstellung der unheimlichen Kreaturen und Dämonen wird in ‘Die Versuchung des Heiligen Antonius’ die dunkle Seite menschlicher Gedanken und Versuchungen gekonnt visualisiert, erklärt Professor Müller, ein anerkannter Kunsthistoriker.

Die Verbindung zum Thema Halloween liegt in der Repräsentation des Grauens und der Bedrohung, welche die dunklere Seite der menschlichen Natur verkörpert. Durch seine beeindruckende Fähigkeit, abstrakte Ideen in konkrete Bilder umzusetzen, erzeugt der Künstler eine düstere Atmosphäre, die sowohl faszinierend als auch erschreckend ist.

„Die Nacht“ von Aksel Waldermar Johannessen

Aksel Waldemar Johannessen war ein norwegischer Künstler der humanistischen Malerei, der sich in seinen Werken auf die Arbeiterklasse und düstere Themen konzentrierte. Er wird als Norwegens „vergessener Künstler“ bezeichnet, da seine Anerkennung erst nach seinem Tod kam.

Johannessen erlernte Bildhauerei und Malerei und verdiente zunächst seinen Lebensunterhalt als Möbelhersteller, später dann als Maler. Seine Werke waren geprägt von einem autobiografischen Bezug, da er viele Jahre lang unter Alkoholismus litt. Die Gemälde reichen thematisch von grotesken bis idyllischen Darstellungen, die Sexualität, Gewalt, Prostitution, Alkoholismus und Krieg thematisieren.

Auf einem seiner Gemälde war seine Frau als geisterhafte Figur im Park dargestellt. Die Verwendung von Farben (dunkle Hintergrundfarben in Kontrast zu den hellen Blau- und Gelbtönen der Figur) verleiht dem Gemälde eine gruselige und unheimliche Wirkung.

„The Ghost of Kohada Koheiji“ von Katsushika Hokusai

Hokusai war ein berühmte japanischer Künstler aus der Edo-Zeit. Sein bekanntestes Werk ist „Die große Welle vor Kanagawa“, das wohl jeder schon einmal gesehen hat. Schon in jungen Jahren begann Hokusai zu malen und erlernte die Kunst seines Vaters als Spiegelmacher für den Shōgun.

Als Jugendlicher erlernte er dann Holzschnitzerei, Druckgrafik und Malerei als Lehrling. Im Laufe seiner Karriere entwickelte er verschiedene künstlerische Stile und änderte dafür auch immer wieder seinen Namen.

Dieses furchteinflößende Gemälde zeigt eine Szene aus einer japanischen Legende, in der ein ermordeter Schauspieler seine Frau und ihren Liebhaber heimsucht. Die Darstellung des Zombieschauspielers ist gruselig, mit einigen Haaren und Haut am Schädel befestigt. Durch das Moskitonetz wirkt das Gemälde sehr unheimlich, indem der Zombie-Schauspieler seine Frau auf eindringliche Weise anblickt.

„Studie nach Velázquez Porträt von Papst Innozenz X“ von Francis Bacon

Francis Bacon war ein Künstler aus Irland und Großbritannien, der durch seinen groben Malstil und seine religiösen Motive bekannt wurde. Er begann erst spät in seinem Leben mit der Malerei, nachdem er lange Zeit als Innenarchitekt, Genießer und Spieler tätig war.

Seine Werke konzentrierten sich oft über längere Zeiträume auf ein bestimmtes Thema. Nach dem Selbstmord seiner Geliebten wurden seine Gemälde düsterer, introspektiver und beschäftigten sich mehr mit dem Vergehen der Zeit und dem Tod. Im Verlauf seiner Karriere kehrte Bacon immer wieder zum Porträt von Innozenz X. von Velázquez zurück und schuf seine eigenen Interpretationen des Originals.

Diese Auseinandersetzung mit dem Original wird oft als Bacons beste Darstellung eines Papstes angesehen. Durch den kraftvollen Einsatz von violetten Farben und Linien verwandelt Bacon das Bild von Papst Innozenz X. in eine erschreckende Darstellung, die fast wie ein dämonischer, gepeinigter Geist wirkt.

„Premonition“ von Henryk Weyssenhoff

Henryk Weyssenhoff war ein Künstler aus Polen und Weißrussland, der sich auf Landschaftsmalerei, Illustration und Bildhauerei spezialisiert hat. Er stammte aus dem livländischen Adel, verbrachte jedoch den größten Teil seiner Kindheit im Ural, nachdem sein Vater nach Sibirien verbannt worden war. Sein erster Kunstlehrer war Lucjan Kraszewski.

Nach seinem Abschluss an der Kaiserlichen Akademie der Künste in Sankt Petersburg im Jahr 1885 erhielt er eine Silbermedaille und den offiziellen Titel „Künstler“.

Sein hier dargestelltes Gemälde zeichnet sich durch eine ätherische Atmosphäre aus, die durch die violette Farbpalette und die zarten Pinselstriche entsteht. Der Nebel und der Rauch im Bild zusammen mit der unheimlichen geisterhaften Figur in der Mitte und den verängstigten heulenden Hunden verleihen diesem Kunstwerk eine unglaubliche Kraft.

Beim Betrachten des Gemäldes kann man förmlich die Atmosphäre und die Angst spüren, die darin dargestellt sind.

„Geist der Amme Iohata“ von Kunisada

Utagawa Kunisada schuf diesen Ukiyo-e-Holzschnitt im Jahr 1824. Anstatt einen Geist selbst zu zeigen, stellt er den Schauspieler Onoe Kikugoro III dar, der in einer Kabuki-Aufführung die Rolle des Geistes der Amme Iohata spielt.

Die detaillierte Darstellung der Kostüme und Ausdrücke verleiht dem Kunstwerk eine faszinierende Lebendigkeit und erlaubt es dem Betrachter, tief in die Welt des Kabuki-Theaters einzutauchen.

Durch die Präsentation von Tradition und Handwerk in einer zeitlosen Form bleibt dieses Werk ein bedeutendes Beispiel für die japanische Kunstkultur des 19. Jahrhunderts.

„Der Geist eines Flohs“ von William Blake

William Blake ist hauptsächlich für seine Gedichte berühmt, obwohl er auch viele Gemälde geschaffen hat. Seine Gemälde enthalten philosophische und übernatürliche Elemente, sind jedoch im romantischen Stil gehalten. Ein Gemälde von ihm wurde von einer „spirituellen Vision“ inspiriert, die er hatte; in den Flöhen sollen die Seelen von gierigen und blutrünstigen Menschen enthalten sein.

Blakes Darstellung des Flohs als menschenähnlicher Charakter könnte darauf hinweisen, dass Menschen schreckliche Eigenschaften besitzen oder dass es keine klare Trennung zwischen Menschen und Tieren gibt. Durch die Verwendung von dunklen und gedämpften Erdtönen gelingt es Blake, den Floh äußerst gruselig wirken zu lassen.

Dieser Charakter ist ein Albtraumstoff, der sich durch die Dunkelheit an seine Opfer heranschleicht.

„Maskenstillleben III“ von Emil Nolde

Emil Nolde, ein deutsch-dänischer Künstler des Expressionismus, widmete sich intensiv der Malerei. Er gehörte zu den Pionieren, die bereits früh mit der Verwendung von Öl- und Aquarellfarben experimentierten. Bekannt ist er heute vor allem für seine farbenfrohen Gemälde, die häufig Gelb- und Rottöne verwenden und durch eine eindrucksvolle Pinseltechnik geprägt sind.

Obwohl Nolde in jungen Jahren in einem kreativen Beruf tätig war, wagte er erst in seinen Dreißigern den Sprung, sich ganz der Kunst zu widmen. Das besagte Gemälde, eine Studie über Masken im Berliner Museum, besticht durch seine lebendigen Farben und die kraftvolle Pinselstriche, die dem Werk einen makabren und fast surrealen Charakter verleihen.

„Die Versuchung des heiligen Antonius“ von Salvator Rosa

Rosa war ein italienischer Künstler des Barock, der für ihre rebellische Art bekannt war. Er erlernte die Kunst bei Verwandten, musste jedoch nach dem Tod seines Vaters die Verantwortung für die Pflege und den Unterhalt seiner Familie übernehmen.

Auf Anraten von Giovanni Lanfranco zog Rosa nach Rom, um dort zu arbeiten. Nach seiner Rückkehr nach Neapel begann er, düstere Landschaften zu erkunden und romantische, malerische Werke zu schaffen. Obwohl er in einem klassischen Stil malte, wählte Salvator Rosa oft fantasievollere Motive, als es damals üblich war.

Das gezeigte Gemälde zeigt eine Szene aus dem Leben des Heiligen Antonius von Athanasius, in der er in der ägyptischen Wüste von Dämonen angegriffen wird. Besonders erschreckend und furchteinflößend ist Rosas Darstellung der Dämonen.

Ölgemälde (Ohne Titel) von Zdzisław Beksiński

Zdzisław Beksiński war ein polnischer Künstler, der sich auf surreale dystopische Kunst spezialisierte. Sein Stil wird oft als barock oder gotisch mit expressionistischen Elementen beschrieben. Obwohl er Architektur studierte, entdeckte er, dass ihm die Architektur keinen Spaß bereitete und begann sich stattdessen mit Bildhauerei, Fotografie und Malerei zu beschäftigen.

Seine Gemälde drücken oft Ängste aus, besonders in seinen späteren, unheimlicheren Werken. Ein unbetiteltes, düsteres Gemälde zeigt zwei Skelette, die einander umarmen.

In dunklen, erdigen Rottönen gemalt, vermittelt dieses kraftvolle Werk ein Gefühl des Kampfes zwischen dem Streben nach Leben und der Unvermeidlichkeit des Todes. Ich finde, dass dieses Gemälde besonders emotional ist, da es tiefe menschliche Ängste aufgreift.

„Hexensabbat“ von Francisco Goya

Die Hauptfigur dieser Szene ist der Teufel, der als großer Ziegenbock dargestellt wird und zwei Babys erhält, entweder als Opfergabe oder im Rahmen einer Initiationszeremonie in die Hexerei.

Goya hatte eine Vorliebe dafür, Hexen zu malen. Er war gleichermaßen fasziniert von Aberglauben und fantastischen Bildern, aber auch kritisch gegenüber deren Irrationalität und der Ignoranz abergläubischer Praktiken.

Interessanterweise interpretieren viele dieses Gemälde tatsächlich als Kritik am katholischen religiösen Eifer der spanischen Inquisition, wo Angst und Irrationalität das Schlimmste der menschlichen Natur hervorbrachten.

„Der Guillotinierte“ von Jean Louis Théodore Géricault

Dieses schreckenerregende Gemälde wurde von dem französischen Künstler Théodore Géricault geschaffen. Der französische Maler erhielt Unterricht in englischer Sportkunst und klassischer Komposition von Carl Vernet und Pierre-Narcisse Guérin. Trotz seines großen Talents langweilte er sich am Neoklassizismus und malte stattdessen im romantischen Stil.

Die Grausamkeit dieses speziellen Gemäldes liegt darin, dass die Köpfe von Géricault im Pariser Leichenschauhaus entdeckt wurden. Offensichtlich scheute er sich nicht davor, emotionale und morbide Themen zu erforschen, und platzierte diese Köpfe auf tragische Weise, als ob sie friedlich schlafen würden.

Ich glaube, es ist zutiefst menschlich, sowohl Angst vor dem Tod zu haben als auch fasziniert davon zu sein.

„Das Gesicht des Krieges“ von Salvador Dalí

Salvador Dalí zählt zu den bekanntesten surrealistischen Künstlern der Welt. Der spanische Künstler war in verschiedenen Bereichen wie Malerei, Skulptur, Film und Schmuck tätig. Sein phantasievoller und exzentrischer Stil passte perfekt zu seinem surrealistischen Schaffen.

Dieses furchteinflößende Gemälde entstand während Dalís Aufenthalt in Kalifornien und war von den Kriegstraumata inspiriert. Die Unendlichkeit, die durch die wiederkehrenden Gesichter in den Augen und im Mund angedeutet wird, vermittelt das Gefühl, von der Erinnerung an die im endlosen Krieg verlorenen Menschen verfolgt zu werden.

Zudem ist das Porträt vor einem kargen und trostlosen Hintergrund gemalt, der auf das Gefühl der Isolation hinweist, das mit Depressionen einhergeht.

Dieses Gemälde stellt höchstwahrscheinlich eine posttraumatische Belastungsstörung dar und ist eindringlich und emotional; Es vermittelt das allgemeine Gefühl, von den Geisteskrankheiten, die der Krieg hinterlassen hat, verschlungen zu sein. Dalí selbst glaubte, dass sein Werk eine Vorahnung des bevorstehenden Krieges sei.

„Prinzessin Takiyasha beschwört ein Skelettgespenst, um Mitsukuni zu erschrecken“ von Utagawa Kuniyoshi

Utagawa Kuniyoshi hat in seinen Holzschnitten oft Mythen, Legenden und historische Geschichten dargestellt, wie in diesem aus dem Jahr 1844, der die Prinzessin Takiyasha zeigt, wie sie ein Skelett beschwört, um Ōya no Mitsukuni zu erschrecken.

Hier ist zu sehen, wie die Prinzessin einen Zauberspruch rezitiert, der auf einer Handschriftrolle geschrieben ist, während das riesige Skelettgespenst durch die Palastmauern bricht.

„Spanish Dancer at the Moulin Rouge“ von Giovanni Boldini

Dieser talentierte Künstler aus Italien wurde aufgrund seines lockeren und fließenden Malstils als „Meister des Swish“ bezeichnet. Boldini absolvierte sein Studium an der Akademie der Schönen Künste in Florenz und traf dort auf die Macchiaioli-Maler, die einen starken Einfluss auf ihn ausübten.

Bekannt ist Boldini hauptsächlich für seine Porträtgemälde, aber er malte auch Landschaften und andere Themen. Besonders beeindruckend ist sein Gemälde einer spanischen Tänzerin im Moulin Rouge, das die Bewegung des Tanzes perfekt einfängt.

Eine unheimliche Note erhält das Gemälde durch die Vielzahl von Händen – es scheint, als würde ein Geist die Tänzerin verfolgen.

„Die Abtei im Eichenwald“ von Caspar David Friedrich

In Caspar David Friedrichs Gemälden finden sich häufig starke Kontraste, die Figuren durch Schatten und Licht in ein prägnantes Relief setzen. Dadurch werden Details zu simplen, kraftvollen Formen umgeformt, die als Symbole oder Allegorien dienen können.

Die kahlen Baumranken in diesem Bild geben uns hier einen intensiven, gebrochenen Himmel. Die düstere Stimmung, die Friedrich festhielt, scheint noch immer über diesem realen Ort zu schweben.

„Kopf eines Skeletts mit brennender Zigarette“ von Vincent van Gogh

Um diesen Beitrag mit einer etwas leichteren Note abzuschließen, betrachten wir dieses Gemälde von Vincent van Gogh.

Dieses Gemälde, das ein Skelett mit einer brennenden Zigarette im Mund zeigt, wurde von dem jungen Studenten Van Gogh als eine Art Scherz geschaffen.

Vincent van Gogh zählt zu den bekanntesten Künstlern überhaupt. Der niederländische postimpressionistische Maler widmete sich Landschaften, Stillleben und Porträts; Insgesamt schuf er über zweitausend Gemälde, die größtenteils in seinen letzten Lebensjahren entstanden sind.

Van Gogh litt unter verschiedenen psychischen Erkrankungen wie Depressionen, psychotischen Episoden und Wahnvorstellungen, die ihn immer wieder in psychiatrische Kliniken führten. Während seines Studiums an der Kunstakademie in Antwerpen malte van Gogh zu Beginn des Jahres 1886 dieses Werk, wo anatomische Zeichnungen zur Routine gehörten.

Statt diese Übung ernst zu nehmen, verewigte van Gogh sein Skelett mit einer brennenden Zigarette im Mund. Dieser leicht rebellische Humor wird uns stets in Erinnerung bleiben.

The Museum of Frights – Noch mehr Spuk und Grusel aus der Kunstgeschichte

Sie möchten noch mehr Gruselgeschichten und unheimliche Werke, Orte und Objekte voller Mysterien und dunklen Geheimnissen rund um Halloween. Dann sei Ihnen das Museum of Frights des Google Arts & Culture Projekts ans Herz gelegt.

Darin finden Sie ein verwunschenes Archiv gruseliger Kultur, Kunst und Geschichte mit Kunstsammlungen des Museo Lázaro Galdiano (Madrid), Detroit Institute of Arts, The Munch Museum (Oslo), Chudnow Collection at the Cedarburg History Museum, Huntington Museum of Art und British Museum (London).

Joachim Rodriguez y Romero

Inhaber und Geschäftsführer von Kunstplaza. Publizist, Redakteur und passionierter Blogger im Bereich Kunst, Design und Kreativität seit 2011. Erfolgreicher Abschluss in Webdesign im Rahmen eines Hochschulstudiums (2008). Weiterentwicklung von Kreativitätstechniken durch Kurse in Freiem Zeichnen, Ausdrucksmalen und Theatre/Acting. Profunde Kenntnisse des Kunstmarktes durch langjährige journalistische Recherchen und zahlreichen Kooperationen mit Akteuren/Institutionen aus Kunst und Kultur.

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