Permitidme hablar sobre una película que aparentemente no tiene nada que ver con nuestro mundo de los cómics, pero que en realidad tiene una tremenda simetría desde el punto de vista estilístico con un momento clave de la historia del anime. Y permitidme hacerlo configurando este artículo como una breve reseña de Challengers.
Para empezar, diremos que, con su película, Luca Guadagnino ha logrado demostrar una de las dos grandes teorías relacionadas con la escritura y la actuación. No, no aquella que dice que los actores cómicos son mejores en papeles dramáticos que lo contrario, porque en Challengers es cierto que se sonríe a menudo, aunque por poco tiempo, pero no hay un solo momento de comicidad. Es una película malditamente seria.
Lo que Guadagnino demuestra es que la diferencia entre una historia de amor y un terror reside únicamente en los acentos, ya que el ritmo y la estructura son los mismos. Y aquellos que saben hacer buenos terror y thriller (como el remake de Suspiria y Bones and All con Timothée Chalamet) pueden crear grandes historias de amor.
Debo aclarar, para evitar malentendidos, que Challengers es una película que vale la pena ver. Los únicos dos vínculos con el mundo de los cómics son la hija de Tashin Duncan/Zendaya que quiere ver «Spider-Verse» antes de dormir y la cantidad de efectos especiales necesarios para llevar a cabo los partidos de tenis. Por lo demás, es una película dominada por la continua tensión de una historia enredada sobre sí misma, retorcida y llena de sorpresas, como debe ser cada buen triángulo amoroso que se precie.
Challengers es una película que habla de amor y tensión, de una relación tóxica triple, de un cruce clásico entre personajes sacados directamente de tratados de psicopatología pero que son magníficamente interpretados por los dos protagonistas masculinos, Josh O’Connor (el mejor en la cancha) y Mike Faist (un pelo detrás de él). ¿Y ella, la joven actriz?
El problema con Zendaya como actriz, tan dedicada a la construcción de sus roles y su carrera, es que parece esencialmente siempre la misma: puede interpretar a Spider-Man o Malcolm & Marie, puede actuar en Dune o en Challengers, pero Zendaya siempre queda. Al igual que Clint Eastwood, que solo tenía dos expresiones (con sombrero o sin), Zendaya tiene solo dos expresiones: está enojada o aún no está enojada.
Aquí la actriz quizás resulta más creíble como figura femenina que controla un triángulo amoroso, como una reina abeja hiper-reprimida y consumida por la ambición, pero solo porque es el no dicho del personaje que interpreta en cada una de sus apariciones como actriz. Quién sabe cómo es realmente, nunca lo sabría: los actores siempre están cuidadosamente «en su papel» cuando aparecen, interpretando versiones cuidadas de sí mismos.
Volviendo a la película de Guadagnino, donde el tenis es solo una excusa, un escenario – de hecho, un campo de juego – para representar la idea de un triángulo amoroso. Tal como Verona fue el quinto escenario en la tragedia de Julieta y Romeo. Vale, Guadagnino (y su guionista Justin Kuritzkes) no son Shakespeare, pero nos entendemos.
Otra cosa: la moda. Gran protagonista de esta película y acusación posible de «product placement» más o menos oculto. Aquí la moda es en realidad solo una excusa, aunque la película objetivamente muestra marca tras marca, en la mejor tradición de la sociedad del deporte-espectáculo, donde el tenis es quizás uno de los mayores ejemplos. Además, a diferencia del fútbol, el béisbol, el baloncesto, la Fórmula Uno o el deporte que prefiráis, en la vida real hay personas que se visten como los jugadores de tenis y no solo usan camisetas de futbolistas o gorras de McLaren. Quizás solo el golf, que en Italia no tiene la misma resonancia, se acerca a este nivel de «publicidad ambulante».
Pero la moda es solo una excusa, como mencioné, porque en realidad es un objeto de escena al igual que lo fueron las espadas y los balcones en la época de Julieta y Romeo. No es, en mi opinión, un product placement en la medida en que sirve para decir algo sobre los personajes, la historia, el mundo en el que viven ellos y en el que hemos vivido todos.
Por otro lado, y aquí llegamos al vínculo que nos une como amantes de los cómics, están los efectos especiales. Extraordinarios y aparentemente invisibles. Pero la gran mayoría de las pelotas que vuelan de un lado a otro de la cancha, incluida esa fantástica y desaliñada secuencia donde la cámara misma se convierte en una pelota de tenis y experimentamos qué efecto tiene volar a través de la cancha desde el punto de vista de una pelotita amarilla maltratada por dos jugadores de tenis profesionales, son todas digitalmente creadas.
Los efectos especiales son la demostración de que hoy en día, en el cine contemporáneo, ya no tiene sentido la distinción entre una película de acción llena de efectos especiales y una que trata esencialmente sobre un triángulo amoroso que ha durado toda una vida y se resume en el transcurso de un partido de tenis (visto más como John McPhee que como David Foster Wallace, para ser sinceros) y que por lo tanto debería basarse por definición en la interpretación de sus actores.
Quizás el verdadero golpe de genio de Guadagnino fue este: convertir una película sobre el amor entre tres personas y el tenis en una película que se asemeja a una caricatura. Gracias a los efectos especiales, de lo contrario nunca hubiera logrado. Me explico.
Está la intensidad romántica, está la tensión subrayada por la excelente y potente banda sonora de Trent Reznor y Atticus Ross (algo repetitiva), está la hábil escritura de la dirección. Pero luego, vamos, esta película se ve como una serie animada, gracias a esas aperturas hiperrealistas que ninguna cifra dirigencial hubiera aceptado hasta hace unos pocos años.
Ver el partido dilatado al extremo, las aperturas de sentido a través de la gestión del marcador, los intercambios, el tipo de juego y los acercamientos, tiene todo el sabor de esas viejas series como Jenny la tenista (emitida en Italia en 1981) y, también en los años setenta-ocheinta, de los diversos animes dedicados al fútbol (Holly e Benji alias Campeones: Oliver y Benji) y al voleibol (Mimì y las chicas de la voleibol).
Las series animadas japonesas fueron las primeras en intentar el camino del hiperrealismo, de la deformación del objeto del juego (la pelota) y de los tiempos del partido, del punto de vista subjetivo, de la cercanía con los tiempos del flujo de juego, con la «zona» de los atletas, para contar otras historias. Estos recursos se utilizaron para dar una dimensión inalcanzable en las narrativas cinematográficas tradicionales de la época, combinando deporte, es decir, tensiones competitivas cercanas a un thriller o un terror, obviamente con amor y tensión sentimental.
Fue una forma posmoderna de contar historias para niños y niñas, pero también muy inteligente y rica. Tanto que la huella dejada por esos trabajos fue muy profunda, realmente cambió dos generaciones: las últimas generaciones X y los primeros Millennials.
Guadagnino nació en 1971 (plenamente generación X), es un director culto, rico en matices, con una técnica monstruosa y con un ojo innato para la gran tensión. Esa que asusta y mantiene a los espectadores pegados al asiento del cine. Pero también es hijo de una generación que ha visto el deporte a través de lentes diferentes, incluida la del hiperrealismo de los animes de antaño. Y ha integrado en su formación estímulos y referencias diversas, entre las cuales, me atrevo a decir, también estas.
Después de todo, si Alessandro Del Piero ha declarado públicamente que fue precisamente el anime de Yōichi Takahashi lo que le hizo apasionarse por el fútbol de niño, ¿podemos avanzar nuestra teoría interpretativa? ¿Es decir, que la forma de contar visualmente el tenis para Guadagnino no podría remontarse también a los estilemas y la poética de Jenny la tenista? Quién sabe.
Artículo originalmente publicado en Fumettologica y aquí presentado en una versión editada.
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